Earticle

경상북도 문경지역의 전통 도자제작의 역사와 사기장인의 역할에 대해서 다양한 관점으로 고찰해 보는 것이 본고의 목적이다. 본 논문은 도자제작과 연계한 문경의 지리적 이점을 조망하고 문경의 도자역사와 관련한 문헌기록을 분석하였다. 또한 도자제작의 주체였던 선대 사기 장인들의 활동을 추적하여 문경지역에서 도자제작의 역사가 지속되어 올 수 있었던 배경에 미친 그들의 역할을 규명해보았다. 문경지역은 동로면 일대에서 청자가마터가 발견되었고 동로면 생달리에서는 상감기법의 청자와 순청자도 출토되어 문경지역 도자제작의 역사는 고려시대부터 시작된 것으로 판단된다. 또한 백자는 가은읍 완장리의 조선 초기 가마터를 시작으로 문경읍 관음리와 가은읍 완장리 일대에서 19~20세기 가마터가 확인되고 있으며 그 계보는 현재 필자의 가문에서 전승되어오고 있다. 문경지역의 도자제작의 역사와 관련한 문헌기록으로는 가장 이른 시기의 예로 세종 7년(1425)에 완성된『경상도지리지』와 단종 2년에 완성된『세종실록』「지리지」(1454)에 등장하는데 동로지역에 도기소(陶器所)가 있었다는 내용이다. 이후 조선 말기 왕실의 그릇을 생산하고 진상했던 사옹원(司饔院) 분원공소(分院貢所)의 공인 지규식이 20여 년에 걸쳐 쓴 『하재일기(荷齋日記)』(1891-1911) 에서도 관련 기록이 발견되었다. 문경에서 온 김비안이 분원에 망동요(望同窯)를 축조하였다는 내용으로 김비안은 필자의 증조부이다. 그는 문경지역의 독특한 가마축조 기술을 이용하여 경기도 광주 분원에 망동요를 축조하였다. 이후 일제강점기1928년에 시행된 경상북도 도자수공업 실태조사 보고서인『경상북도통계연보』(1930)에 문경지역 관음동에서 운영되어 오고 있던 가마 두 곳이 소개되어 있는데 그들은 모두 김비안 사기장의 후손들이다. 이들에 의해 운영되었던 가마는 1843년 9월에 설립되었으며 조사 자료 11곳 중 두 번째로 오래된 역사를 지닌 것으로 기록되어 있다. 자료에 따르면 문경지역보다 큰 규모의 공장에서 많은 수의 작업자를 고용하여 작업하고 도자기 생산 수량도 많게는 10배나 되는 지역이 있음에도 불구하고 이들의 요업은 한국 근대시기 격동기를 극복하지 못하고 중단되는 결과로 이어졌다. 반면 김교수와 김순경이 운영하던 가마가 있었던 문경지역에서는 도자제작의 계보가 현대에까지 전해져 명맥을 유지해 오고 있다. 이러한 배경에는 김교수와 그의 선친인 비안 김운희 사기장의 역할이 중요하게 작용하였다. 문경지역의 전통 도자제작의 역사와 관련 문헌기록 및 조선 말기에서 근대기에 활동했던 문경지역 사기장인들의 구체적인 행보를 조망한 본 연구는 현대로 이어져 오고 있는 근대기 도자의 구체적인 면모를 파악하는데 있어서 중요한 학술적 의미를 지니고 있다.

The purpose of this paper is to examine the background of the continuous production of ceramics in traditional ways in the Mungyeong area from various perspectives. The geographical advantage of Mungyeong in connection with the production of ceramics was examined and the documentary records related to the history of Mungyeong were analyzed. In addition, the activities of the Sagijang(Master of Ceramic) who were the subjects of the ceramic production were closely researched in a way to identify their roles in the background of the history of continuous practice of ceramic production in the Mungyeong area. In the Mungyeong area of Gyeongbuk province, celadon kilns were found in Dongro-myeon area, and the inlaid celadon was unearthed in Dongro-myeon Sangdal-ri. In addition, white porcelain production has been identified in the 19th and 20th century kilns of the Gwanup-ri and Whanjang-ri in Mungyeong-eup, starting from the early Joseon Dynasty in other ares of Mungyeong province, which has been handed down to our family. The records of the Monkyeong area in relation to the history of ceramics are found in the earliest examples of the“Geography of Sejong”and “Geography of Gyeongdo”and in late Joseon dynasty a record was found in the Hajae’s Diary of Ji Gyu-sik who, as a government official tribute manager, directed Bunwon tributekiln(分院貢所) of Joseon dynasty, had written it for 20 years from 1890 to 1910. A Mangdong kiln was builted in the year of 1903 by the potter, Kimbi-an(Wunhee, 金備安) who is my great grand father. in the early 20th the Gyeongsangbuk-do Statistical Yearbook, a report on the actual states of ceramic productions in the Gyeongsangbuk-do province, conducted in 1928, introducing two kilns that have been in operation in the Mungyeong area. The kiln, which was operated by them, was founded in september 1843 and is the second oldest of the 11 surveyed records. In the Mungyeong area where there was a kiln operated by Kim Kyou-su, the tradition of making ceramics has been passed down to the modern times and has maintained its history. Behind this history of traditional ceramic making practice Kim Kyou-su(金敎壽) and his father, Kimbi-an(Wunhee, 金備安) played an important roles. In this research the history of the traditional ceramic production in the Mungyeong area and the related literature records and the concrete activities of the Sagijang(Master of Ceramic) who were actively in practice to modern period from the end of the Joseon Dynasty were thoroughly examined. This research has an important academic meaning in grasping the concrete aspects of ceramic making of the modern period.

본 연구는 고해상도 세라믹 프린팅을 위해 세라믹 잉크 인쇄적성을 향상시키는 유약 개발과 컬러 재현 평가를 통한 색역을 확장하고자 하였다. 세라믹 잉크 4종(Blue, Pink, Yellow, Black)을 세라믹 타일에 출력하여 고온 열처리 공정 전후의 거동변화를 관찰하였다. 세라믹 잉크 인쇄적성 향상을 위해 카올린 첨가량 22wt%와 입도 1.90㎛로 제어한 유약 층에서 잉크 망점 변화가 가장 적게 나타났다. 각 잉크 채널의 망점 수축률은 Blue 잉크 12.4%, Pink 잉크 11.0%, Yellow 잉크 13.9%, Black 잉크 11.8%로 기존 잉크 망점보다 10% 이상 향상하는 것을 확인하였다. 디지털 세라믹 프린팅의 색채관리를 위해 잉크 채널 구축(Create a New Mode), 잉크제한(Ink Restriction), 잉크 선형화(Linearization)의 과정을 거쳐 출력한 세라믹 팔레트의 반사율을 측정하고 잉크 포화도, 밀도, 볼륨 값을 연산하였고, 최적의 출력 잉크 밀도 조건을 제시하였다. 단일채널 출력 팔레트는 매우 안정적으로 컬러와 명도 단계를 나타냈다. 카올린 제어유약 적용은 기존 유약보다 잉크 망점의 형태 변형과 컬러 소실을 최소화하여 풍부한 컬러의 톤 변화와 색역 확장을 하였고, 세라믹 프린팅의 인쇄적성을 향상하는 것으로 나타났다.

This study purposed to develop the glaze which improves printability of ceramic inks and expand the color gamut through the assessment of color reproduction for high-resolution digital ceramic printing. In this study, the changes in behavior before and after high temperature heat treatment processes were observed by printing four-colour channels of ceramic inks(Blue, Pink, Yellow, Black) in ceramic tile. In the experiment for the improvement of ceramic ink printability, the glaze layer revealed the slightest variation in ink dot when the glaze contained a kalolin additive of 22wt% and grain size was 1.90㎛. The dot shrinkage factor of each ink channel was 12. 4% at the Blue Ink, 11.0% at the Pink Ink, 13.9% at the Yellow Ink, and 11.8% at the Black Ink, which represented more than 10% improvement over existing ink dots. This study suggests the condition for optimal output of ceramic printing by measuring reflectance of a ceramic pallette printed through process of Create a New Mode, Ink Restriction, and Ink Linearization. as well as calculation of Ink saturation, ink density, ink volume. A single-channel printing pallette showed significantly stable color and lightness level. In conclusion, the application of a glaze controlled by the kaoline realized a colorful tone and expansion of color gamut by minimizing color loss and shape change and improved the printability of ceramic printing.

최근 현대인들의 개성과 취향을 중시하는 소비트렌드의 변화로 대량생산제품보다 가치 중심적인 제품의 소비욕구가 늘어나고 있다. 이에 따라 수공예품에 대한 관심이 높아지면서 도자공예산업 또한 시대적 변화흐름에 따른 다양한 수요자와 새로운 소비시장이 형성되었다. 정부·기업의 지원으로 1인 창작자들을 위한 공간과 전시·판매 지원이 늘어나고 있으며 프리마켓부터 온라인, 오프라인, 모바일 등 다양한 유통시장의 확장으로 소비자들이 정보를 얻고 제품을 구매하는 경로가 많아졌다. 따라서 본 연구에서는 도자공예시장의 활성화 방안을 모색하고자 국내 도자산업의 현황 및 도자공예품의 유통경로를 분석하는데 목적이 있다. 이를 위한 연구의 범위는 2010년 이후부터 현시점까지 전문갤러리, 아트페어, 도자제조 기업체, 개인공방 및 쇼룸, 프리마켓, 온라인 플랫폼 6개유통망을 대상으로 분석을 실시하였다. 연구의 방법으로는 문헌조사를 통해서 도자공예시장의 유통구조를 탐색하였다. 도자산업의 실태조사를 위해 보고서의 통계자료를 수집하고, 논문 및 보도기사 등의 자료탐색을 통해 유형별 유통영역의 운영현황을 조사하여 도자산업의 유통경로의 활성화 방안을 제시하였다. 본 논문의 연구결과는 다음과 같다. 국내 도자산업이 변화하는 시장 환경에서 경쟁력을 확보하기 위해서는 소비자와 소통할 수 있는 매개체인 다양한 유통경로를 적극 활용하여야 한다. 기존의 오프라인 매장과 소비자들이 온라인과 오프라인 그 어떤 채널에서 접근하더라도 제품과 서비스를 제공할 수 있는 각 채널 간의 유기적인 융합을 구축한다면 도자공예시장의 소비자 저변확대를 확보하게 될 것이다. 특히 소비자들의 직거래 또는 거래의 편이성의 요구에 부합하며 공급자와 소비자의 소통을 가능하게 하는 커뮤니케이션 서비스 방식의 유통경로인 프리마켓, 온라인플랫폼의 활성화를 통해 도자산업의 소비 영역을 확장시켜야 한다.

Recent changes among the modern people in consumption trends that emphasize the individuality and personal taste are increasing the desire for value-oriented products to be consumed rather than mass-produced products. As a result, interest in handicrafts has increased, and the ceramic arts industry has also formed a new consumer market with diverse consumers according to the changing trend of the times. With the support of government and corporations, space for one-person artists as well as exhibition and sales support is increasing, and the distribution channels of flea market, online, offline, and mobile have expanded the way for consumers to acquire information and purchase products. Therefore, this study aims to analyze the current status of the domestic ceramic industry and the distribution channels to explore ways to revitalize the ceramic art market. As a range of research for this purpose, I analyzed six distribution channels including professional galleries, art fairs, ceramic manufacturing companies, private studios and showrooms, flea markets, and online platforms from 2010 onwards. As a research method, literature survey was conducted to explore the distribution structure of the ceramic craft market. In order to investigate the actual condition of the ceramics industry, statistical data of the report was gathered and articles and news reports were examined to investigate the operation status of each type of distribution area in order to suggest ways to activate the distribution channels of the ceramic craft market. The results of this study are as following: in order to secure competitiveness in the changing market environment of the domestic ceramic industry, it is necessary to utilize various distribution channels as communication mediums for consumers. In addition to existing offline stores, it is important to build an organic convergence between each channel that can provide products and services, regardless of which channel consumers are accessing, both online and offline. This will ensure the expansion of the consumer in the ceramic craft market. Especially, it is necessary to expand the consumption area of the ceramic industry by activating flea market and online platform, which are service methods that enable communication between suppliers and consumers by satisfying the demands of consumers for direct transactions or convenience of transactions.

본 연구는 중국의 청자에 내포된 전통 사상을 연구대상으로 하고, 더 나아가 현대 청자의 발전에 관해서도 논술하였다. 중국의 청자는 역사상 매우 훌륭한 성과를 보였고, 사람들의 생활과 항상 연계되어있었으며, 시대의 발전에 따라 부단히 발전해 왔다. 출현했을 시부터 여러 방면에서 고대 문화사상의 영향을 받으며 발전한 청자는 우선, 중국의 전통문화사상에서 청색에 대한 숭배문화에 부합하고, 다음으로 옥에 대한 애정과 자연에 대한 추구를 내포하며, 청자의 청을 숭상하고, 옥과 같은 질감을 추구하는 청자사상이 형성되게 한 문화적 조건이다. 이러한 청자 사상은 청자의 미적 취향을 자극해 왔고, 역대 청자 장인들도 부단히 발전하는 공예기술을 이끌며 이러한 미적 기준에 달하고자 노력해 왔다. 이는 청자가 중국에서 오랜 시간 동안 흥행해올 수 있었던 원인이기도하다. 현대청자는 전통청자의 정수를 전승하고, 전통문화의 표현을 중요시하며, 다양한 표현형식을 적극 탐색하고 있다. 본 연구는 전통청자와 문화사상 배경 및 시각적 분석을 통해 연구하였고, 전형적인 현대청자작품을 예로, 현대청자에서 보이는 전통사상과 전통공예기법을 연구하였으며, 더 나아가 중국청자의 문화적 가치 및 미적 취향, 넓은 발전공간에 관해 논술하였다.

Taking Chinese celadon thoughts as research object, the thesis mainly discusses the innovation and development of celadon in modern times. Chinese celadon performed well in history and has always been closely linked with people’s life. Celadon process keeps improving according with time development. Since it emerged, celadon has been comprehensively affected by ancient cultural thoughts. The reason that celadon was very popular in ancient China is that it fit traditional cultural thoughts which adore cyan, jade and nature, contributing to the thought that old china prefers cyan, people make china like jade and seek for nature. These thoughts keep affecting the aesthetic orientation of celadon. Thus craftsmen of celadon in past dynasties made efforts in innovating and improving crafts, aiming to reach this aesthetic standard. The though and pursuit have been lasted to modern times. Modern celadon inherits the essence of traditional celadon, paying attention to expressing traditional cultures and actively exploring different manifestation patterns so as to reflect distinct times culture spirit. Under the background, the thesis studies traditional celadon from vision perspective combining cultural thoughts. Taking classic modern celadon work as an example, it studies traditional thoughts and traditional technologies contained in modern celadon and further discusses the cultural value, aesthetic orientation and vast development space of Chinese celadon.

本文以中国青瓷思想为研究对象,进而探讨青瓷在现代的创新和发展.中国青瓷在历史上有过非 常优异的表现,一直和人们的生活息息相关.随着时代的发展,青瓷工艺也在不断的进步.青瓷自出 现以来,在各方面表现出古代文化思想对它的影响.青瓷在中国古代很长时间的盛行原因，在于 符合传统文化思想中对青色的崇拜,对玉石的欣赏以及自然的追求，进而形成了古瓷尚青,制瓷 如玉和追求自然的青瓷思想,这种青瓷思想一直影响着青瓷的审美取向,历代青瓷工匠都在工艺 上不断创新进步,皆意在达到这种审美标准.这种思想和追求一直延续到现在.现代青瓷继承了传 统青瓷的精华，注重对传统文化的表达，积极探索不同的表现形式,体现出鲜明的时代文化精 神.论文通过对传统青瓷结合文化思想背景和视觉进行分析研究,并以典型的现代青瓷作品为例, 研究了现代青瓷中体现的传统思想和传统工艺技术,进一步论述了中国青瓷的文化价值、审美 取向和广阔的发展空间。

다원화 시대에 현대도예는 방향을 가늠하기 어려울 정도로 다각적인 면모를 보이고 있다. 이러한 상황에서 동시대적(Contemporary) 경향을 총괄적으로 체계화하기는 어렵지만, 제작과 이론적 발전 양상을 동시에 비교 분석하여 현대도예의 다변화에 대해 주목할 필요가 있다. 본 연구는 도예의 현대성이 가장 먼저 시도된 미국 현대도예의 2000년대 이후의 경향을 분석한다. 1950년대 이후 다양한 양식과 담론을 생산하던 미국 현대도예의 경향은 2000년대 들어 도예 이론가들에 의해 문헌으로 정리되고 제시되었다. 따라서 객관적인 경향의 제시를 위하여 이론가 마크 델 베키오, 수잔 피터슨, 매티어스 오스터만과 최근 경향을 제시한 영국의 이론가 엠마누엘 쿠퍼, 조 단의 서적에서 제시된 현대도예의 경향들을 분석하고, 각 경향들의 유사점과 상이점을 추출하였다. 이를 토대로 미국 현대도예의 경향을 전형성의 변용, 구상, 추상, 설치, 퍼포먼스와 관객참여 총 5가지의 유형으로 재분류하고, 미국 현대도예 작가들의 작품을 대입하여 각 경향별 특성을 도출함으로써 미국 현대도예의 경향을 제시하였다.

In the age of diversification, contemporary ceramics has become so diverse that it is difficult to predict its potential. Under such circumstances, it is very difficult to derive the contemporary trend, but it is necessary to summarize the constantly changing aspects of contemporary ceramics and its modernity. In this study, the tendency of contemporary ceramics are analyzed, centering on contemporary ceramics in the United States where the modernity of ceramics came into being. After the 1950s, the trend of contemporary ceramics in the United States, which had produced various forms and discourses, was present by ceramic theorists since the 2000s. From US theorists Mark Del Vecchio, Matthias Ostermann and Susan Peterson to British theorist Emmanuel Cooper and Jo Dahn, recently proposed contemporary ceramics trends and case artists are summarized and the similarities and differences of each theory are extracted. Based on this, the tendency of contemporary ceramics in the United States are reclassified into a total of five types as archetypal transformation, figurative, abstract, installation and interaction with performance, and the works of related artists are substituted as examples of trend category. This study will contribute to the analysis of contemporary ceramics trend in a multifaceted perspective where such trend research will be conducted in the future.

본 연구는 네덜란드 도예가 거트 랩(Geert Lap)의 작품을 통해 현대도예에 나타난 미니멀리 즘의 특성과 성향을 분석하는 데에 목적이 있다. 1960년대 후반, 추상표현주의의 대항이자 모더니즘 형식주의의 극대화로써 주관적인 감정과 내용을 배제하고 최소한의 형태적 표현을 추구하는 미니멀리즘이 등장하였다. 당시 미니멀리즘의 등장은 순수예술계에 커다란 영향을 미 쳤지만 1980년대 도자예술은 표현주의적인 전통과 정교한 수공예적 가치의 추구로 인해 미니 멀리즘을 주목하지 않았다. 이러한 상황에도 불구하고, 거트 랩은 도예의 재료적 표현이나 우 연성을 배제하고 철저한 계획을 통해 공장에서 생산된 듯한 기계적인 작품을 손으로 제작하 여 미니멀리즘의 특성을 받아들인 대표적인 도예가로 평가되고 있다. 현대도예의 미니멀리즘 은 인격성과 공예적 전통을 추구하는 추상 표현주의에 의해 외면되었지만, 거트 랩은 오히려 산업적 표현을 시도하여 수작업을 통해 미니멀리즘의 비인격성을 드러내었다. 또한 공예의 오 랜 장식적 전통을 수용하지 않고 매우 단순한 기하학적 형태에 집중함으로써 미니멀리즘의 조형성을 나타내는 반(反) 전통적 성향을 보였다. 즉, 거트 랩의 작품은 당시 각광받지 못한 현대 도예의 미니멀리즘을 수용하여 공예의 비(非)전통적 특성을 보여주었고, 반면 사물화 되어가는 현대미술의 미니멀리즘 배경 속에서 그의 작품은 기능성과 손기술을 이용하는 공예성을 내포함으로써 미니멀리즘의 전형적 전개와는 다른 양상을 보였다. 본 연구는 거트 랩의 작품을 통해 1980년대에 새롭게 태동한 현대도예의 미니멀리즘 특성과 가치를 재조명하고 전통적 관점을 넘어 도자예술의 담론을 확장하는데 의의가 있다 하겠다.

This paper aims to analyze the characteristics and tendency of minimalism on contemporary ceramic art through the artworks of Dutch ceramist, Geert Lap. In the late of 1960s, Minimalism, which pursues minimum formative expression except for subjective emotion and contents, appeared as a resistance of abstract expressionism and maximization of formalism. About that time, the appearance of minimalism mainly influenced the field of fine art, but there was few attention on the minimalism in the 1980s ceramic art as it sought the exquisite handcraft value and expressionistic tradition. Despite its background, Geert Lap appeared as a typical ceramist who adhered to the characteristics of minimalism through making mechanical artworks by a firm plan with no contingency or material expression of ceramics. The minimalism of contemporary ceramics was disregarded by abstract expressionism that seeks the craft tradition and personality. On the other hand, Geert lap showed impersonality of minimalism through attempting industrial expressions with handwork. In addition, it represented anti-traditional inclination that expresses formativeness of minimalism by concentrating on the very simple geometric form with no decorative tradition. In summary, the art work of Geert Lap showed non-traditional characteristics of craft by accepting minimalism of modern ceramics that was disregarded at that time, and showed the different phenomena with classic development of minimalism as it involved craft characteristic that uses hand skills and function on the background of materialized fine art minimalism. The importance of this paper is on the extension of discourse in ceramic art beyond the traditional view and reinvention of the value and characteristic of contemporary ceramics newly begun in the 1980s.

본 연구는 대형 백자 조형작업의 성형 과정에서 빈번하게 발생되는 균열, 변형과 습도차이에 의한 장시간 연속작업의 어려움을 해결할 수 있는 소지 보강 실험들을 진행하였다. 하지만 오히려 보강제 첨가로 인해 소성과정에서의 구조적 취약함이 높아진다는 것을 확인하였고 보다 안정적인 결과를 얻기 위한 실험이 추가 되었다. 연구과정은 소성과정에서 보강재로 사용된 첨가물의 다공구조를 보완하고 성형력을 높이는 동시에 백자 고유의 투광도를 유지할 수 있는 방법을 모색하였다. 지난 수년간 본 연구자가 페이퍼 소지를 사용한 백자 조형작업을 진행해 오며 체득한 재료별 혼합 비율을 고배율의 전자현미경을 통해 단면을 구체적으로 살펴보았으며 1차 보강제로서 분말 상태의 알루미나(Al²O³) 혼합하였다. 대형 기물제작을 위한 보강제로서 타 분야에 사용되던 용융 알루미나(White Fused Aluminum Oxide)를 추가 적용하여 각각의 첨가 비율에 따른 외형 변화와 단면구조변화를 주사전자 현미경(SEM)을 이용해 얻은 고배율 단면 정보를 해석하여 입자 단위의 구조적 차이를 비교하였다. 성형단계에서 사용 되는 종이를 포함한 섬유질의 첨가물이 소성과정에서 소실되며 발생한 기공은 규칙적인 원형의 모습이 아니라 길이와 폭이 매우 불규칙한 모습을 보이고 있었다. 백자 소지에 첨가된 섬유질은 성형, 건조 단계에서 장점으로 작용하였으나 재벌소성 과정에서는 오히려 단면에 다공구조를 만드는 원인이 되었다. 첨가물의 이상적인 혼합 비율을 알아보기 위해 다른 비율로 혼합한 후 시편을 만들었고 재벌 소성 후 외형변화를 수축률과 휨 각도로 구분지어 측정하였다. 가시적 변화의 관찰 뿐 아니라 주사 전자현미경을 활용해 분말 알루미나와 용융 알루미나가 어떤 방식으로 구조를 보강하는지 관찰하고 조정된 소지에 포함된 성분을 분석하였다. 또한 백자페이퍼 소지를 이용한 작품의 소성과정에서 빈번하게 발생되는 가장자리의 탄소층의 침착과 발생 원인을 제거하기 위한 상승 온도별 소성 시간과의 상관관계를 알기 위한 실험을 병행하여 이상적인 단위 시간당 상승 온도를 알아보았다. 고배율의 장비를 이용한 성분 실험을 통해 용융 알루미나의 보강제 역할을 구조적으로 이해 할 수 있었으며 실험에 따라 만들어진 백자소지를 조형작업에 적용해 보아 효용성을 확인하였다.

This study aims to develop the porcelain using the fibers that’s been attempted so far in order to solve cracks and transformation that’d been frequently occurred in the white porcelain moulding process and the problems occurring in the drying process and further develop the stabilized white porcelain paper sludge in the secondary-coat firing process. The White Fused Aluminum Oxide used in other fields as a primary reinforcing agent for mixing powder alumina (Al²O³) and as a reinforcing agent for manufacturing large objects were compared by interpreting the high-powered information obtained through direct scanning electron microscope (SEM) observation of the visible appearance changes by the rate of addition and structural section changes and giving an explanation with the fundamental difference in particle unit. The pores made when fibered additives including papers used in the pre-forming stage are not regularly round but rather very irregular in terms of length and width. To identify the ideal mixing ratio, various additives were mixed at a different rate to make a sample and after secondary-coat firing, external changes were measured in terms of shrinkage factor and warping angle. Not only visible changes but also in which manner the structure is reinforced by powder alumina and fused alumina depending on the difference in fine particle by using the SEM are observed to analyze the components contained within the range. As a result of experiment, it was found that fused alumina was more appropriate than powder alumina as a reinforcing agent for the porous structure created when the fibers required in the process of making white porcelain paper sludge were lost in the firing process. Also, another experiment was conducted to identify the correlation between firing time and increasing temperature in order to remove the deposition of carbon layer and the cause of its occurrence on the edge frequently occurred in the firing process of the works using white porcelain and an ideal rising temperature was presented per unit time. The role of fused alumina as a reinforcing agent could be understood structurally through the components experiment using a high-powered equipment and the white porcelain paper sludge made in an experiment was actually applied to the formative work to find out its usefulness.

미국의 추상표현주의의 흐름에서 파생된 새로운 도예운동은 현대도예의 개념을 굳게 확립시켰다. 이는 도예 분야가 가진 표현적 한계를 극복하고 다양한 장르와 교감할 수 있도록 허용하였다. 미국의 뉴욕주립 알프레드 요업대학교(New York State College of Ceramics at Alfred University) 에서 수십 년간 학생을 지도해왔던 교육자로 널리 알려진 작가 웨인 힉비(Wayne Higby)는 도예문화의 흐름이 급진적인 형태로 변모하던 1960년대 말부터 활동하기 시작했다. 웨인 힉비는 도자 용기의 형상 그 근본적인 조형성에 주목하며,‘기(器)’를 단순히 물리적 기능으로서 바라본 것이 아니라 예술가로서의 표현 주체로서 활용하였다. 이와 같은 시도는 현재의 도예영역이 다양한 방식으로 확장, 표현되는데 중요한 역할을 하였다. 웨인 힉비가 1970년대부터 시작한 풍경이 담긴 용기 작업은 그가 태어나고 유년기를 보낸 콜로라도주, 볼더(Boulder, Colorado)의 풍경과 이미지를 담고 있다. 오래전부터 많은 화가들이 화폭에 담아왔던 로키산맥의 이미지는 그에게는 눈을 뜨면 펼쳐진 일상적 풍경이었으며, 그 아름다움은 직관적으로 그에게 채득되었을 것임을 짐작할 수 있다. 그는 용기의 형태로부터 도출한 내부와 외부공간을 회화적 표현의 캔버스로서 이용해왔다. 라쿠번조기법으로 표현된 그의 작품은 보는 이로 하여금 방향성에 따라 다른 장면으로 이어지는 풍경의 파노라마가 펼쳐지는 느낌을 자아낸다. 1991년 처음 중국을 방문하면서 시작된 교류활동에서 그의 풍경에 대한 관심은 동양문화 및 철학과 만나게 된다. 이때의 경험은 백자라는 소지를 활용한 고화도 백자작업의 은유적 표현으로 연결되었으며, 중국의 산업도자공장과 협업을 통해 대형작품까지 확장되었다. 작가는 40여 년 동안 도예의 근원인 ‘기’의 형태부터 합, 조형, 그리고 건축도자에 이르기까지 현대도예에서 다뤄지고 있는 많은 영역을 탐구하였다. 교육자로서의 웨인 힉비보다 비중 있게 다뤄지지 않았던 도예작가 웨인 힉비의 작품을 살펴봄으로서, 그의 활동이 다음세대의 도예가들에게 미친 영향과 21세기 도자예술이 지향해야할 미래에 대해 살펴보고자 한다.

The ceramics movement in the flow of American abstract expressionism gave birth to the concept of contemporary ceramics, which allowed the field of ceramics to overcome its expressive limitations and interact with a variety of genres. Wayne Higby, who is widely known as an educator that has taught students at New York State College of Ceramics at Alfred University for decades, started his creative works in the late 1960s when the flow of the ceramic culture made a rapid turn. Focusing on the fundamental formativeness of ceramic vessel forms, he used "vessels" as the subject of expression as an artist instead of their simple physical functions. His attempt played an important role in the expansion and expression of today's ceramics field in various manners. The vessel works containing landscapes, which Higby started in the 1970s, reflect the landscapes and images of Boulder, Colorado, where he was born and spent his childhood. The images of the marvelous canyons, rugged mountains, and lakes along the Rocky Mountains, which have been captured by many artists for many years, were everyday landscapes that he would encounter every morning. It seems that he learned their beauty intuitively. Higby uses the internal and external space of a vessel as a canvas for his pictorial expressions. His works in the Raku Firing Technique make viewers feel like a panorama of scenery is spreading to following scenes according to various directors. His interest in landscapes met with the Orient culture and philosophy he came across via diverse exchange activities that began in 1991 when he made his first visit to China. These experiences led to the metaphorical expression of high fired porcelain based on clay called white porcelain and expanded to his large-scale ceramic relief work completed in his collaboration with an industrial ceramics plant in China. In his creative journey over almost 40 years, Higby has made an attempt at almost every area of modern ceramics from the forms of "vessels," which are the origin of ceramics, and their combinations to formative ceramics and architectural ceramics. By examining the creative theory of Higby as a ceramic artist, which aspect has not been addressed more actively than his aspect as an educator, this study set out to figure out the influences of his activities on the next generation ceramists and investigate the future that ceramists should pursue in the 21st century.

현대도자공예는 기(器)에 국한된 의미로 그 범위를 한정하지 않는다. 1950년대 Peter Voulkos가 중심이 되어 다양한 조형적 표현이 시작된 이래 도자공예는 그 영역을 지속적으로 확대하여 왔다. 우리나라 전통도자공예의 역사를 살펴볼 때 이미 회화와 글이 어우러진 시대의 종합예술로서 다양한 영역을 포괄해왔다. 한국의 도자는 이러한 변화의 흐름 그리고 역사적 사실과 함께 많은 변화의 가능성을 내포하고 있다. 특히 확정성과 포용력은 표현에 있어 이미 순수 조형분야를 아우르고 있으며 건축도자, 환경도자 등 새로운 영역의 확장을 이루어 내고 있다. 실용이라는 공예적 목적과 함께 어떻게 제작할 것인가는 도자표현의 다양성에 매우 중요한 요소이다. 이에 도자공예는 다양하고 새로운 표현기법을 발전시켜왔으며 3D 프린팅으로 대변되는 신속조형기술(Rapid Prototyping)역시 적용대상 중 하나이다. 신속조형기술은 CAAD 및 다양한 3D Program자료를 실물형상으로 실현할 수 있게 하여주며, 도자공예작품 제작 시 작품의 기초모델링부터 세부의 정교한 부분을 사전 제작하여 비교하기에 유용한 방식이다. 도자공예부분에서는 아직까지 광범위한 응용이 시도되고 있으나 직접적이고 주된 활용의 성과가 가시적으로 나타나지는 않고 있다. 그러므로 기술․디자인적 진보에 대비한 보다 적극적인 사전연구가 필요하다고 생각된다. 이에 본 연구를 통해 3D프린팅기법과 Accumulation 방식을 응용하여 제작한 도자공예의 결과물을 상호비교․분석하였다. 도자공예작품의 결과물은 창작이라는 부분에서 새로운 형식적 제안이 가능한 시각결과물을 도출하였으며, 3D프린팅(Additive manufacturing)으로 제작된 작품의 경우 자체적인 형태의 응용가능성과 함께, 표면에 나타나는 제작의 흔적은 미적으로 응용가능성 충분하였다. 이러한 제작과정에서 나타나는 시각적 흔적은 Digital Craftmanship과 수공예적가치의 공통분모를 나타낼 수 있었다. 또한 다양한 평면 패턴의 제작이 용이하여 향 후 건축도자제품에 적용가능성이 높다고 여겨진다.

Modern architecture is the experimental stage of varied & diversified construction material. The evolution of the technology and science introduce new material as a constructible resource. Consequently, modern architecture has been a setting for test and application ground for new material, which was impossible or inaccessible to building environment in relatively near past. Among these resources, ceramic products especially used to emphasize the natural characteristic by its sun-dried manufacturing procedure, sustainability, strong resiliency, and enduring application history as a building material. These products also supplement the lack of emotional feeling from modern society These merits of ceramic products by traditional manufacturing method was not adapted to modern architecture to meet the efficient construction cost and time management. As a result, the Brick products which survived as contemporary architecture material have to be baked at high temperature and dried at relatively short term of period to meet the boundary of the project budget. In these research, the new ceramic products; adobe clay wall, is tested and proposed as a supplement, and alternative for the traditional brick. The new concept and trial will be able to replace the current dry-wall which broadly used in the man made environment.

일본에서는 제2차 세계대전 이후 ‘쇼데이샤(走泥社)’라는 그룹에 의해 오브제 도예라는 새로운 장르가 탄생하였다. 오브제 도예는 1948년 쇼데이샤의 창립시기부터 1997년 해체될 때까지 반세기에 걸쳐 일본의 현대도예를 주도하며 전 세계로 확산되어 나갔다. 본 연구는 이 시기에 유행한 오브제 도예가 현대 추상조각과 조형적으로 유사하다는 사실을 인식하고 서양 현대 추상미술과 밀접한 관계가 있음을 쇼데이샤 대표 작가 야기 카즈오(八木 一夫)의 작품을 통해 규명한 내용이다. 야기 카즈오의 작품에서 오브제 도예의 다양한 방식은 서양 현대 추상미술의 특징과 흐름을 잘 나타내고 있으며, 오브제 도예 초기 기물에 장식된 문양은 파울 클레(Paul Klee)와 호안 미로(Joan Miro) 등 추상회화의 기법을 응용하였고 이후부터는 이사무 노구치(Isamu Noguchi), 브란쿠시(Constantin Brancusi), 헨리무어(Henry Moore) 등 서양 현대 추상조각의 양식을 토대로 모방하였음을 확인하였다. 오브제 도예의 특징은 종래의 공예가 가지고 있었던 미(美)와 용(用)의 속성 중에서 용을 제거함으로써 새로운 모더니즘적 형태를 추구한 것이다. 이 새로운 도전은 공예 전통의 기반을 부정한 쇼데이샤의 자유로운 이념 속에서 가능하였으며, 1950년대 초반 일본에서 소개된 이사무 노구치의 도자조각 영향으로 로댕(Auguste Rodin)의 사실주의에 치중되어있던 일본 조각과 다른 추상의 방향으로 전개해나가게 되었음을 기술하였다. 또한 본 논문에서는 야기 카즈오의 오브제 작품 중 현대 추상미술의 영향이 명확히 나타나는 작품을 중심으로 비교 논술하였다.

After the Second World War, a new genre of object ceramics was created by the group called sodeisha in Japan. Object ceramics led modern ceramics in Japan and spread around the world over the half century from the foundation of sodeisha in 1948 to its dissolution in 1997. The purpose of this study was to know the fact that object ceramics, which was in fashion during that period, is similar to the modern abstract sculptures in formative elements and find that it is closely associated with modern Western abstract art through the works of sodeisha. In particular, various modes of object ceramics found in the works of Yagi Kazuo, who represents sodeisha, reveal the characteristics and stream of modern Western abstract art well; the patterns decorating the early works of object ceramics were applications of various techniques in abstract painting of Paul Klee and Joan Miro and the later works were imitations based on the modes of modern Western abstract sculptures of Isamu Noguchi, Constantin Brancusi, and Henry Moore. Object ceramics is characterized by the pursuit of a new form of modernism by removing usefulness, which characterizes the conventional ceramics along with aesthetics. Such a new challenge was enabled by the free ideology of sodeisha that negated the foundation of ceramic tradition and led to the development in the opposite direction of abstraction to the Japanese sculptures focusing on Rodin’s realism due to the influences of Isamu Noguchi’s ceramic sculptures, which were introduced to Japan in the early 1950s. In addition, this study made a comparative description of Yagi Kazuo’s object works clearly revealing the influences of modern abstract art.

본 연구는 20세기 일본 민예운동의 대표적 도예가라 할 수 있는 하마다 쇼지를 대상으로 하며, 그의 생애에 있어서 전반기에 해당하는 30대까지의 주요한 활동 및 그 작품제작의 과정을 고찰함으로써 도예가로서의 그의 초기 행적과 작품의 관계 및 특성을 밝히는데 목적이 있다. 하마다는 자신의 도자인생에 대해 ‘나의 일은 교토에서 길을 찾아, 영국에서 시작하여, 오키나와에서 배우고, 마시코(益子)에서 자랐다’고 표현한 바 있으며, 이는 그의 활동 경로와 내용을 함축하고 있다. 그는 청소년 시기에 도예가의 길을 스스로 선택한 후, 교토에서 화학적 지식과 경험을 쌓으면서 일본각지의 도자기 생산지를 탐방하는 노력을 통해 실용적 도자기의 제작에 뜻을 둔다. 더불어 청년기에 그는 훗날 민예운동의 중요한 멤버들과의 교우관계를 형성하였다. 1920년에 하마다는 도예가 버나드 리치를 따라 영국으로 건너가서 세인트 아이브스에서 도예활동을 시작했다. 그들은 어려운 환경과 기술적인 난관으로 작품제작에 시행착오가 잦았으나 영국의 민속도기인 슬립웨어를 주목하고 동양의 고전적 도자기의 조형에 영향을 받은 작품을 제작하여 도예가로서 성공적인 데뷔를 했다. 또한 이 시기에 하마다는 공예에 있어서의 지역성 및 생활과 작업의 통일성에 대해 깊이 깨닫고 시골에서의 생활을 결심했다. 1924년에 귀국한 후, 하마다는 야나기 무네요시의 민예사상에 공감하여 민예운동에 가담하였다. 이후 그는 민예운동의 대표적 도예가로서 활동하게 되었다. 소박한 민중의 일상적 도자기가 지닌 아름다움에 주목하고 그러한 조형적 사고를 자신의 작품에 시도하고자 한 것이다. 그러한 과정에서 그는 마시코에 가마를 마련했으며 오키나와에서의 경험을 통해 자신의 작가적 태도를 다져나갔던 것이다. 그의 초기 작품들은 특히 조선시대의 도자기가 지닌 특성에 큰 영향을 받아 제작했다. 그의 초기작품에서는 특히 분청사기의 기법적인 특성이 자주 나타나는데, 백화장토와 철화에 의한 작품이 많다. 또한 작품의 형태에 있어서는 조선의 분청사기와 백자로부터 영감을 얻은 특성이 명확하다.

This study is aimed at Hamada Shoji, a representative potter of the Japanese folk art movement in the 20th century. His early activities as a potter in the first half of his life, And to clarify the relationship and characteristics of works. Hamada expressed his career life as "My job was to find a way in Kyoto, to start in England, to learn in Okinawa, and to grow up in Mashiko", which implies the path and contents of his activities. He chooses the way of potters in his youth, and after he has accumulated chemical knowledge and experience in Kyoto, he makes an effort to make practical ceramics through his efforts to explore pottery production sites in Japan. In adolescence he later formed fellowship with important members of the Mingei movement. In 1920, Hamada went to England following the potter Bernard Leach and began his pottery work at St Ives. Although they often experienced trial and error in their work due to difficult circumstances and technical difficulties, they made a successful debut as a potter by making works that were influenced by the molding of classical ceramics in the Orient. Also at this time, Hamada was deeply aware of the locality of crafts and the unity of life and work, and decided to live in the countryside. After returning to Japan in 1924, Hamada participated in the Mingei movement by sympathizing with Soets Yanagi's Mingei ideology. Since then, he has become a representative potter of the Mingei movement. He focused on the beauty of everyday pottery of simple and tried to make such a formative thought in his works. In the process, he set up a kiln in a place called Mashiko, and through his experience in Okinawa, he developed his own writing attitude. His early works were especially influenced by the characteristics of the ceramics in the Joseon Dynasty. In his early works, the technical characteristics of the Buncheongware are often seen, and there are many techniques of white engobe and decorative works by iron oxide and brushing. Also, in the form of the work, it is clear that the characteristic of being inspired by Joseon Dynasty’s stone-ware and porcelain.

본 연구는 전사염색 기법의 하나인 에코-프린팅(Eco-printing)의 개념을 이해하고 서로 다른 분야의 표현 매체 결합을 통해서 현대 도자예술의 다양성을 모색하고 이를 도자 표현에 효과적으로 접목함으로써 도예 장식 표현방법의 응용범위를 확대하는 데 목적이 있다. 에코-프린팅은 자연에 산재한 식물성 소재가 지닌 형태와 색소 그대로를 전사하여 표면에 나타나게 하는 프린팅 기법으로 열을 가하는 방식을 통해 식물 고유의 형태, 색상 그 자체를 표면에 스며들게 하는 방법이며, 섬유에서 주로 활용하는 기법이다. 도자 표면 위에 회화적 표현방법들을 조사하던 중 우연히 직물에 사용하는 이 염색기법을 알게 되었고, 식물의 유기적인 형태를 도자 표면에 응용할 수 있을 것 같다는 생각에서 본 연구를 진행하였다. 따라서 일반적 도자 장식의 단순 획일화된 표현이 아닌 다양한 표현기법을 통해 점토의 응용가치를 높이고, 다양한 표현 욕구를 충족시키기 위하여 새로운 표현기법으로 프린팅 기법의 하나인 에코-프린팅을 도자 표현기법에 접목하여 그 가능성을 증명하여 제시하였다. 도자 표현으로의 에코-프린팅의 적용은 색 슬립과 색 화장토를 만들어 ①건조단계에서 적용(색 화장토), ②1차 소성 후 적용(색 슬립, 색 화장토 혼합적용), ③적용한 시편 2차 적용(소성 후 부분적용: 색 슬립, 색 화장토 혼합적용)으로 나누어 총 3가지로 진행하였다. 적용결과, 1차 소성 후 적용하였을 때 색 슬립과 색 화장토 모두 식물이 지닌 다양한 표면질감표현이 가능한 안정적인 결과를 얻을 수 있었다. 또한, 1차 소성을 마친 상태에서 표현을 적용하기 때문에 시편의 흡수력으로 인해 콜라주 형식으로 겹치는 반복 표현과 건조가 용이하였다. 효과적인 표현의 적용을 위해서는 빠른 시간 안에 표현해야 하며, 이 과정에서 수정이 어렵기 때문에 연필 등을 이용해서 밑그림을 그린 뒤 표현·적용하는 것이 좋다는 결론을 도출하였다. 또한, 식물의 유기적인 형태를 도자 표면에 응용할 수 있다는 점을 밝혀낼 수 있었다. 본 연구를 통해 다른 장르의 표현기법이긴 하지만 에코-프린팅 기법이 도예 기법으로 충분히 적용 가능하다는 결과를 도출함으로써 도예 표현에 새로운 가능성을 제시하였다.

This study aims to understand the idea of the eco-printing, one of the transfer dyeing techniques; explore diversity of the contemporary ceramic art by combining media of different genres; effectively apply this technique to the expression of ceramic art; and extend the application range of expression techniques of ceramic decoration. Eco-printing is a printing technique which expresses types and pigments from the plentiful natural materials through transforming them onto the surface. As a method to make plants’ original type and colors permeate into the textile by providing heat, it is frequently used in the textile. While examining ways for pictorial expression on the surface of ceramics, I have come to know this dyeing technique, and preceded this study, thinking it would be possible to apply organic forms of plants onto the surface of ceramics. Therefore, this paper suggests increasing usability of clay through a variety of techniques, rather than only through a standardized simple expression. It also proves a potential for new expression by applying the eco-printing technique, one of the new printing techniques, to meet the needs for various depictions. In the process of the ceramics, the eco-printing undergoes the following three steps: ①applying to a drying stage(slip) ②applying after the first firing (slip and pigment combination) and ③ the second applying to the first specimen (after firing, apply partly to the combination of the pigment and the body combination). The result showed that when applied after the first firing, all of the pigments, colors, and slip were the most stable to express varying surface textures of plants. Also, since an expression is applied after the first firing, due to the absorption of the body, leaves could be readily layered in the collage, facilitating repetitive expression and drying. For an effective application, work should be completed in a short time, and since it is difficult to make changes during this phase, a rough sketch by a pencil before applying expression would be desirable. It was found that organic types of plants could be applied to the surface of ceramics as well. This study showed that the eco-printing technique, although it is from a different genre, can be applied to ceramics, suggesting a new possibility for expression in ceramics.