Earticle

본 연구는 도자예술에서 흙과 신체의 상호작용을 통해 인간과 비인간 존재가 맺는 관계를 고찰하는 조형 연구이다. 연구의 초기 단계에서는 브뤼노 라투르(Bruno Latour), 제인 베넷(Jane Bennett), 카렌 바라드(Karen Barad)의 신유물론을 검토하여 비인간 물질의 자율성과 행위성을 논의하지만, 탈인간중심주의가 인간의 실천 능력을 약화시키는 모순과 한계를 인식하고 신인간중심주의로 이론적 탐구의 방향을 전환한다. 이러한 개념적 사유를 예술가와 재료의 관계에 적용하여 이해하고자 이건용(Lee Kun-Yong)의 작업을 분석한다. 이어서, 연구자는 신인간중심적 태도로 구축한 새로운 조형언어를 모리스 메를로-퐁티(Maurice Merleau-Ponty)의 철학을 통해 심화적으로 탐구하며, 살(Flesh)의 존재론과 신체 현상학을 통해 흙과 몸의 상호침투적 얽힘을 ‘세계의 살’로 사유한다. 또한 알렉산드라 엥겔프리트(Alexandra Engelfriet)의 작품 분석을 통해 흙과 맺는 관계 자체가 공존의 서사에 관한 발화임을 확인한다. 위의 내용을 바탕으로 본격적인 작품 연구에서 연구자는 흙과의 전신체적 접촉행위를 통해 인간과 비인간이 맺는 관계의 서사를 형상화한다. 이러한 연구는 생태계로부터 분리되지 않은 채, 자연과 사회의 상호작용을 관찰하고 질문하는 언어로서 도자예술의 가능성을 제시함에 의의가 있다.

This study investigates how ceramics can illuminate relations between human and nonhuman beings by focusing on interactions between clay and the body. It first examines new materialist theories of Bruno Latour, Jane Bennett, and Karen Barad to discuss the autonomy and agency of nonhuman matter, then shifts toward a “new anthropocentrism” in response to the paradox that radical post?anthropocentrism risks undermining human practical agency. This theoretical turn is applied to the relation between artist and material through an analysis of Lee Kun-Yong’s work, and is further developed via Maurice Merleau-Ponty’s concepts of flesh ontology and bodily phenomenology, which frame the mutual entanglement of clay and body as the “flesh of the world.” The study also examines Alexandra Engelfriet’s clay performances to show that the very act of relating to clay can be read as articulating narratives of coexistence. Building on these discussions, the practice-based component stages full-bodied contact with clay to materialize shared narratives drawn by human and nonhuman together, thereby proposing ceramics as a non-separable ecological practice that observes and questions the interactions between nature and society.

본 연구는 조선 시대 왕실 백자 생산의 중심지였던 경기도 광주 분원(分院)의 역사적·문화적 가치를 현대적 관점에서 재조명하고, 이를 바탕으로 지역 도자 문화의 활용 가능성을 검토하는 데 목적이 있다. 경기도 광주는 조선 시대 사옹원(司饔院)에 소속된 분원이 설치되어 왕실에서 사용하는 백자를 제작하던 지역으로, 국가의 관리 체계와 숙련된 사기장의 제작 기술이 결합한 관요 도자 생산 체계가 운영되었던 장소이다. 광주 분원에서 제작된 백자는 절제된 조형성과 단순한 형태미를 특징으로 하며, 조선백자의 미학적 전통을 대표하는 중요한 문화유산으로 평가된다. 그러나 2001년 세계도자기 엑스포 이후 다양한 도자 문화 환경이 구축되었음에도, 광주 도자 문화는 변화하는 문화 소비 환경 속에서 새로운 콘텐츠 형태로 확장되는 데에는 일정한 한계를 보인다는 지적이 제기되고 있다. 광주지역 도자 현장에서 오랫동안 활동하며 관찰한 바에 따르면, 이러한 한계는 몇 가지 구조적 요인과도 관련되어 있다. 첫째, 지역 도자 정책의 추진 방향과 실제 도예 현장의 운영 사이에 나타나는 연계성의 부족이다. 둘째, 전통적인 제작 기술의 축적과 현대적 디자인 감각을 결합하여 새로운 콘텐츠로 발전시키려는 시도가 충분히 이루어지지 못하고 있다는 점이다. 이와 관련하여 일본 사가현 아리타(有田)의 사례는 중요한 비교 대상으로 볼 수 있다. 아리타는 역사적 도자 생산지라는 정체성을 바탕으로 ‘ARITA 2016’ 프로젝트 등을 통해 국제 디자이너와의 협업, 브랜드 전략, 공간 마케팅 등을 추진하며 전통 도자 자원을 현대적 문화콘텐츠로 확장한 사례로 평가된다. 따라서 본 연구는 광주 분원 백자의 역사적 특성과 문화적 의미를 정리하고, 이를 토대로 현대적 감성 콘텐츠로의 전환 가능성을 분석하고자 한다. 나아가 광주지역의 문화콘텐츠 사례와 해외 도자 문화 지역의 활용 사례를 함께 검토하여, 광주 분원의 정체성을 중심으로 한 지역 도자 콘텐츠 개발 방향을 모색하고 향후 광주 도자 문화 활성화를 위한 기초 자료를 마련하고자 한다.

This study aims to re-examine the historical and cultural value of Gwangju Bunwon, which served as a major center of royal ceramic production during the Joseon Dynasty, from a contemporary perspective and to explore the potential for utilizing this heritage within regional ceramic culture. Gwangju, located in Gyeonggi-do, was the site where the Bunwon (branch kiln) affiliated with the Saongwon (Royal Bureau of Culinary Affairs) operated to produce white porcelain for the royal court. This area functioned as an official kiln (Gwanyo) production center in which state administrative management and the advanced craftsmanship of skilled potters were systematically integrated. The white porcelain produced at Gwangju Bunwon is characterized by restrained forms and refined simplicity, and it is widely regarded as an important cultural heritage representing the aesthetic traditions of Joseon white porcelain. However, despite the establishment of various ceramic cultural infrastructures following the 2001 World Ceramic Expo, it has been noted that Gwangju’s ceramic culture has faced certain limitations in expanding into new forms of cultural content within the rapidly changing environment of cultural consumption. Observations based on long-term engagement in the Gwangju ceramic field suggest that these limitations are related to several structural factors. First, there is insufficient connectivity between the strategic direction of regional ceramic policies and the actual operational conditions of the ceramic production field. Second, efforts to integrate accumulated traditional production techniques with contemporary design sensibilities in order to develop new emotional content have been relatively limited. In this context, the case of Arita in Saga Prefecture, Japan, provides a meaningful comparative example. Based on its identity as a historic ceramic production center, Arita has successfully transformed traditional ceramic resources into modern cultural content through initiatives such as the “ARITA 2016” project, which involved collaborations with international designers, branding strategies, and spatial marketing. Accordingly, this study examines the historical characteristics and cultural significance of Gwangju Bunwon's heritage and analyzes the potential for its transformation into contemporary emotional content. Furthermore, by reviewing local cultural content cases in Gwangju alongside international examples of ceramic culture utilization, this research aims to propose development directions for regional ceramic content centered on the identity of Bunwon and to provide foundational data for the future revitalization of Gwangju’s ceramic culture.

이 논문은 글렌 아담슨의 저서 『공예로 생각하기』(2007)에서 켄 프라이스의 전시《해피스 큐리오스》(1978)를 다룬 부분을 탈식민주의적 관점을 토대로 분석하고 보완하는 메타비평적 연구이다. 프라이스는 뉴멕시코 타오스로 이주한 후 라틴아메리카 민속 도자에 강한 영향을 받은 작품들을 제작했고, 1978년 로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA)에서 《해피스 큐리오스》라는 제목의 대규모 개인전을 선보였다. 이 전시는 도자 기반의 설치 미술이 제도권 미술관에 진입하는데 기여했다는 측면에서 미술과 공예의 위계적 분류에 대한 도전이라는 긍정적인 평가를 받았다. 그러나 이 논문은 역사적이며 사회적인 맥락을 포함한 탈식민주의 시각으로 이 전시를 재검토한다. 아담슨은 전시 제목에 포함된 “큐리오스”라는 단어에 내재한 식민주의적 수집과 진열의 역사를 지적했으며, 프라이스의 전시가 백인 남성 작가가 라틴아메리카 도공을 낭만적으로 대상화(타자화)한 사례임을 비판했다. 이 연구는 아담슨의 논의를 심화하여 프라이스가 멕시코 도공의 정체성을 흉내 내다가 자신의 특권적 입지를 이용해 자유롭게 이탈한 과정이 “대담한 위선의 조짐”을 내포하고 있음을 상세히 논증한다. 나아가 일본 민예 운동이 한국 도자에 투사했던 대상화의 시선과 프라이스의 라틴아메리카 도공 흉내 내기 사이의 구조적 유사성을 발견하고, 자기 특권에 대한 인식이 부족한 상태에서 행하는 문화적 차용이 야기하는 윤리 문제를 조명한다.

This paper is a meta-critical study that analyzes and supplements, from a postcolonial perspective, the discussion of Ken Price’s exhibition Happy’s Curios (1978) in Glenn Adamson’s Thinking Through Craft (2007). After relocating to Taos, New Mexico, Price produced work strongly influenced by Latin American folk pottery and culminated in a major solo exhibition titled Happy's Curios at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA) in 1978. The exhibition was positively received as a challenge to the hierarchical division between art and craft, insofar as it contributed to the entry of ceramics-based installation art into institutional museum spaces. Nevertheless, this study reexamines the exhibition through a postcolonial lens that foregrounds historical and social context. Adamson pointed out the colonial legacy of collection and display inherent in the word "curios" used in the exhibition's title, and criticized Price's exhibition as an instance in which a white male artist engaged in the romantic objectification ?and othering- of Latin American potters. Extending Adamson's critque, this study argues in detail that Price's imitation of Mexican potter identities, followed by his unencumbered disengagement enabled by his own privileged position, harbors “a daring whiff of hypocrisy”. Furthermore, it discovers structural parallels between the objectifying gaze the Japanese Mingei movement projected onto Korean ceramics and Price's mimicry of Latin American potters, thereby illuminating the ethical issues that arise from cultural appropriation practiced without sufficient awareness of one’s own privilege.

This study demonstrates how the aesthetics of betweenness (間), inherent in the act of ceramic creation, expands beyond an individual's internal practice to encompass social relationships. ‘Betweenness’ signifies a relational field wherein resonance and creation emerge in the space between the creator and the medium, or between the self and others. This paper establishes Zhuangzi's philosophy of Xiaoyaoyou (逍遙遊, Free and Easy Wandering) as the theoretical foundation for an individual's creative practice, characterized by deep immersion in the process. It then investigates how this practice is deepened through encounters with a community. Adopting a practice-based research methodology, this study analyzes the researcher's own creative practice through four distinct stages: Mulsang (the state of material), Hyeonsang (the state of phenomenon), Dongsang (the state of movement), and Simsang (the state of mind). While the initial stages explore ‘Betweenness’ as a form of individual, ascetic practice, the fourth stage—which is the in-depth focus of this paper—examines a community art project in Yanggu, Gangwon Province. This case study illustrates the process by which ‘Betweenness’ evolves into a concrete, intersubjective space through interaction with local residents. The significance of this research lies in its proposition that ceramic creation can function as a form of socially engaged practice, transcending individual philosophical performance to forge communal relationships.

레오폴드 폴름(Léopold L. Foulem)이 제시한 ‘도예성(ceramicness)’ 개념을 토대로, 이 논문은 21세기 도예를 물질지향이 아닌 매체기반 관점에서 재정의하고자 한다. 도예가 비주류 예술로 취급되어 온 역사와 현대 도예비평의 공백을 짚으면서, 점토와 소성에 대한 의존성을 넘어 도자가 어떠한 사유와 형식을 생성하는 매체인가를 주요 질문으로 삼는다. 이를 위해 폴름의 논평과 강연을 중심으로 물질중심(material-oriented)과 매체기반(media-based)의 이론적 구분을 정리하고, 후자를 21세기 도예 담론을 분석하는 틀로 재구성한다. 이어 기(vessel)를 비롯한 도자의 전형적인 형식이 기능적 용기를 넘어 개념적 기호이자 구조로 작동하는 메커니즘을 추적하며, 에드먼드 드 발, 클레어 투미, 그레이슨 페리, 황 춘마오 등 현대 작가들의 사례를 통해 도예가 개념과 담론을 매개하는 매체적 장(field)으로 확장되는 양상을 분석한다. 논문은 궁극적으로 도예성을 형식을 통해 사유하고 담론을 조직하는 개념적 매체이자 매체 재귀성의 구조로 위치시켜, 장르와 매체 경계가 희미해진 동시대 예술 속에서 도예의 자율성과 지속가능성을 뒷받침하는 이론적 토대를 제안한다.

This thesis aims to redefine twenty-first-century ceramics from a media-based rather than a material-oriented perspective, drawing on Leopold L. Foulem’s concept of “ceramicness.” It examines the history by which ceramics has been treated as a non-mainstream art form and the critical vacuum in contemporary ceramic discourse, and takes as its central question how ceramics, beyond its dependence on clay and firing, functions as a medium that generates forms of thought and modes of articulation. To this end, the study first reconstructs Foulem’s theoretical distinction between the material-oriented and the media-based by closely reading his writings and lectures, and then reconfigures the latter as an analytical framework for twenty-first-century ceramic discourse. It subsequently traces the mechanisms through which canonical ceramic forms?especially the vessel?operate not merely as functional containers but as conceptual signs and structures, and analyzes, through the practices of contemporary artists such as Edmund de Waal, Clare Twomey, Grayson Perry, and Huang Chunmao, the ways in which ceramics expands into a mediating field for concepts and discourse. Ultimately, the dissertation positions ceramicness as a conceptual medium and a structure of medial reflexivity that thinks through form and organizes discourse, thereby proposing a theoretical foundation that supports the autonomy and sustainability of ceramics within contemporary art, where the boundaries between genres and media have become increasingly blurred.