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Today, under the influence of global multiculturalism, China's contemporary ceramic art has moved away from traditional techniques, reflecting contemporary ideas and culture, and shaping the artistic meaning of the Chinese national spirit. Nevertheless, it still needs to strengthen its identity at the international level. The I Ching (周易) is the source of Chinese culture and thought, and it is also the oldest symbol system in China. Its ideas are also deeply rooted in the aesthetic aspects of Chinese ceramic art, forming a complementary relationship. As such, there is a close relationship between Chinese I Ching thought, ceramic art, and symbols. As a methodology of applied research, semiotics is suitable for applied research that combines I Ching thought and ceramic art. Therefore, this study aims to integrate these three fields to establish the symbols of I Ching thought utilized in ceramic artworks, and to provide a new creative direction for contemporary ceramic art. Focusing on the case analysis of ceramic art, this study firstly analyzes the relationship between the Chinese I Ching and ceramic art, and combines with semiotics to define the terminology of the I Ching symbol. Second, it explored the expression of the symbols of the I Ching in ceramic art. Third, it examined the creative thinking of the I Ching symbol and expanded the characteristics of ethnic philosophy by connecting contemporary Chinese art with international ceramics.

18세기 도자 피겨린은 설탕공예에서 비롯된 예술적 전통을 바탕으로 다양한 상징성과 장식성을 지니며 발전해 왔다. 제작 기술의 발달과 대량 생산화에 따라, 당시 피겨린은 사회적·문화적 메시지를 전달하는 중요한 매체로 자리 잡았다. 이러한 피겨린의 특징을 활용하여 현대의 작가들은 18세기 도자 피겨린에 내재된 조형적 특징, 역사, 문화를 다양한 소재와 기법을 통해 새롭게 해석하고 있지만, 이에 대한 연구는 부족한 실정이다. 본 연구는 18세기 유럽 도자 피겨린의 역사와 의미를 탐구하고, 현대 작가들에게 미친 영향을 고찰하며 이를 응용해 재해석된 현대 도예 작가의 사례를 분석하는 데 목적이 있다. 이를 위해 전통 피겨린의 양식을 차용하거나 재해석하여 독자적인 작품 세계를 구축한 4명의 현대 작가, 셰리 보일, 비카 미트리첸코, 클레어 투미, AES+F의 작품을 통해 18세기 도자 피겨린의 특징이 현대에 어떻게 반영되고 있는지 고찰하였다. 연구 결과, 셰리 보일은 전통적인 피겨린의 형상을 왜곡하고 그로테스크한 요소를 결합하여 피겨린에 담긴 이상적인 여성성과 역할의 상징을 해체하며, 여성성에 대한 사회적 규범을 비판하였다. 비카 미트리첸코는 피겨린이 일상에서 가족, 연인, 어린이, 동물 등과 관련된 친밀한 순간을 재현하는 특성을 개인적 기억과 결합하여, 주관적 경험과 보편적 추상 간의 모순적 관계를 표현하였다. 클레어 투미는 관람자가 피겨린 제작 과정을 체험하게 함으로써 대량 생산과 공예 기술의 발전을 상징적으로 드러냈다. 마지막으로 AES+F는 18세기 도자 피겨린이 담고 있는 상류층 문화와 권력 구조를 통해 현대 사회의 종교적, 민족적, 경제적 갈등을 은유적으로 탐구하였다. 본 연구를 통해, 18세기 도자 피겨린은 그 섬세한 조형미와 상징성을 통해 현대 도자 작가뿐만 아니라 다양한 분야의 작가들에게 지속적인 영감을 제공하고 있음을 확인할 수 있었다. 피겨린에 담긴 문화적·사회적 메시지는 전통적 형식을 현대적으로 재해석하는 데 중요한 역할을 하며, 현대 도예에서 전통 양식의 의미와 활용 가능성을 넓히는 기반이 될 것으로 기대한다.

The 18th-century European porcelain figurine, rooted in the artistic tradition of sugar art, developed a balance between both rich symbolism and decorative qualities. With advancements in production techniques and mass production, these figurines became an important way to convey social and cultural messages. Despite the increasing number of contemporary artists reinterpreting the formal characteristics of the form, history, and cultural contexts of 18th-century porcelain figurines using diverse materials and methods, research in this area remains insufficient. This study explores the history and significance of 18th-century European porcelain figurines, examines their influence on contemporary artists, and analyzes case studies of reinterpretation by modern ceramic artists. It focuses on four contemporary artists who have incorporated traditional figurine styles into their unique artistic practices: Shary Boyle, Vika Mitrichenko, Clare Twomey, and AES+F. The findings indicate that Shary Boyle distorts the traditional forms of figurines by incorporating grotesque elements, thereby deconstructing the symbolic ideals of femininity and societal norms surrounding gender roles. Vika Mitrichenko combines the intimate moments traditionally depicted in figurines?such as those involving family, lovers, children, or animals?with personal memories, illustrating the paradoxical relationship between subjective experiences and universal abstractions. Clare Twomey emphasizes the significance of mass production and the evolution of craft techniques by inviting viewers to experience the figurine production process itself. Finally, AES+F employs 18th-century porcelain figurines to metaphorically explore contemporary societal issues such as religious, ethnic, and economic conflicts, as seen through the lens of upper-class culture and power structures. This study confirms that 18th-century porcelain figurines, with their intricate craftsmanship and symbolism, continue to inspire not only modern ceramic artists but also creators practicing a variety of disciplines. The cultural and social messages embedded in these figurines play a vital role in reinterpreting traditional forms into modern contexts, providing a foundation for expanding the relevance and application of traditional styles in contemporary ceramics.

본 연구는 중국 현대 도자 예술의 혁신적인 성과와 발전 추세를 연구하는 것에 목적이 있으며, 경덕진 국제도예비엔날레의 출품작을 중심으로 비엔날레의 대표적인 작품을 중심으로 분석하였다. 최근 중국 현대 도자 예술은 소재의 확장과 중국 현대 도자 예술의 혁신적인 성과를 위한 국제 교류 및 협력을 위한 대규모의 국제도자 공모전 및 전시회가 진행되고 있다. 2021년과 2023년 개최된 국제도예공모전에서 종합 재료 설치 예술, 도자 재료 회화 예술, 디지털 미디어와 도자 예술의 결합, 실험 도예를 포함한 여러 유형의 작품이 출품되어 중국 현대 도자 예술의 다양성과 혁신성이 반영되었음을 알 수 있었다. 또한 예술의 교류, 교육 및 문화유산을 장려하는 데 있어서 국제도자비엔날레의 역할이 영향을 끼치고 있으며, 글로벌 도자 문화에 대한 공헌과 도자예술 영역의 확장을 기대하고 있다.

he purpose of this study is to study the innovative achievements and development trends of contemporary Chinese ceramic art, and the representative works of the biennial were analyzed, focusing on the entries of the Gyeongdeokjin International Ceramic Biennale. Recently, large-scale international ceramic contests and exhibitions have been held for the expansion of materials and international exchange and cooperation for innovative achievements of Chinese contemporary ceramic art. At the International Ceramic Competition held in 2021 and 2023, several types of works including comprehensive material installation art, ceramic material painting art, combination of digital media and ceramic art, and experimental ceramics were exhibited, indicating that the diversity and innovation of contemporary Chinese ceramic art were reflected. In addition, the role of the International Ceramic Biennale is influencing in promoting art exchange, education, and cultural heritage, and it is expected to contribute to global ceramic culture and expand the scope of ceramic art.

음양각 장식기법은 오래되고 전통적인 도자 장식기법이다. 도자의 탄생과 함께 선조들은 도자에 조각을 시작했으며, 오랜 발전과 변화를 거치면서 다른 공예 미술의 장식기법을 받아들이고 융합하여 독특한 장식 체계를 구축해왔다. 현대 도자 예술 창작에서도 음양각 장식은 흔히 볼 수 있는 표현 방식이며, 여러 장식기법을 결합하여 종합적인 장식 효과를 얻는 경우가 많다. 본문에서는 중국 현대 도자의 음양각화 장식 공예의 예술적 특징을 기법, 소재, 구도, 색채 등의 측면에서 전형적인 작품을 통해 심층 분석하였다. 그 결과, 중국 현대 음양각 장식 기법이 정교하고, 소재가 광범위하며, 구도가 참신하고, 색채가 풍부하다는 예술적 특징을 도출하였다. 나아가 전통 수공예 혁신의 가능성을 명확히 하여 향후 도자 음양각 장식 예술의 발전을 위한 이론적 토대를 제공하고, 현대 도자 음양각 장식 예술의 발전을 촉진하고자 한다.

The engraving floral technique is a traditional and ancient ceramic decoration method. Since the inception of pottery, our ancestors have been engraving designs on ceramic pieces. Throughout its long development and evolution, this technique has gradually formed its unique decorative system by borrowing and absorbing decorative techniques from other arts and crafts. In modern ceramic art creation, engraved floral decoration is also a common form of expression, often combined with other decorative methods to achieve a comprehensive decorative effect. This article conducts an in-depth analysis of the characteristics of contemporary Chinese ceramic engraving floral decoration techniques from various aspects, including craftsmanship, themes, composition, and color. It summarizes the features of modern Chinese engraving floral decoration techniques, aiming to provide a theoretical foundation for the future development of ceramic engraving decoration art. This study seeks to facilitate the integration of static theory and dynamic artistic creation, thereby promoting the advancement of modern ceramic engraving floral decoration art.

본 연구는 동해안을 따라 강원도와 경상북도까지 이어지는 8곳의 절경으로 유명한 관동팔경의 문화적 요소를 이용하여 동해안 특화 관광문화상품을 개발하는 데 있다. 문화상품은 고유한, 국가적 혹은 지역적, 철학적, 문화적 가치와 경제적 실현 가능성을 결합한 정신적, 형상적 형태를 포함하는 모든 공예품을 포함하고 있다. 관광 상품은 효과적인 대중매체의 하나로서 지역 이미지를 창출하고 홍보하는 데 중요한 역할을 한다. 관광문화상품을 개발하기 위해 동해안의 누정 문화의 특수성을 활용하고 도자 기법을 응용하여 도자 관광문화상품 개발에 초점을 맞추었다. 따라서 본 연구에서는 먼저 관동팔경의 위치 및 정자각의 모습을 현장 답사와 역사적 고찰을 통해 자료 조사를 하였다. 그리고 관동팔경의 중요한 문화유적 정자(총석정, 삼일포, 청간정, 의상대, 경포대, 죽서루, 망양정, 월송정)의 특징을 살려 그 이미지를 형상화 디자인하여 관동팔경 전체 8개 정자를 연적 및 장식 조명으로 만들었다. 특히 연적은 관동팔경 대표 정자들의 처마 끝에서 물이 떨어지는 모습을 적용하여 한국 누각의 전통미와 운치가 느껴지도록 하고, 전체적으로 단아하고 한국적 미감을 느낄 수 있도록 의도하였다. 재료는 백자 소지를 이용하여 캐스팅 기법으로 성형하였고, 기능성, 심미성, 예술성, 경제성 등을 갖춘 도자 관광문화상품이 되고자 하였다. 이외에도 관동팔경 사각 접시와 커피잔 세트를 전사지를 응용하여 디자인하였고 포장 디자인도 개발하였다. 본 연구가 아름다운 관동팔경의 지역적 특성이 스며 있는 독특한 관광문화상품이 되기를 바란다.

This study is to develop specialized tourism and cultural products specialized for the east coast by using the cultural elements of the eight scenic views of Gandong, which are famous for eight scenic views from ancient times that extend along the east coast to Gangwon-do and Gyeongsangbuk-do. Cultural products include all crafts, including mental and figurative forms that combine unique, philosophical, cultural values and economic feasibility. Tourism products play an important role in creating and promoting a local image as one of the effective mass media. In order to develop tourism and cultural products, the focus was on the development of ceramic tourism and cultural products by making the most of the specificity of the pavilion culture on the east coast and applying ceramic techniques. Therefore, in this study, the location and shape of the pavilion were first investigated through field trips and historical considerations. In addition, the image was designed and shaped using the characteristics of the pavilions (Chongseokjeong, Samilpo, Cheongganjeong, Uisangdae, Gyeongpodae, Jukseoru, Mangyangjeong, and Wolsongjeong) of the important cultural heritage of the Gandongpalgyeong, and the total of eight pavilions were made into yeonjeok and decorative lighting. In particular, the yeonjeok was intended to apply the water falling from the eaves of the representative pavilions in Gandongpalgyeong to feel the traditional beauty and charm of the Korean pavilion, and to feel the elegant and Korean beauty as a whole. The material was molded by casting method using white porcelain and was intended to be a ceramic tourism and cultural product with functionality, aesthetics, artistry, and economy. In addition, a set of square plates and coffee cups in Gandongpalgyeong was designed by applying transfer paper, and a packaging design was also developed. I hope that this study will be a unique tourism and cultural product that permeates the regional characteristics of the beautiful Gandongpalgyeong.

본 연구는 회귀(回歸) 이론과 예술 실천 두 부분으로 나누어 귀속감(歸屬感)의 상실과 정신적 회귀를 논의한다. Ⅱ장에서는 하이데거의 ‘고향 상실’과 ‘사방 세계’ 이론을 연구하여 귀속감 상실의 원인과 회귀의 방법을 밝힌다. 하이데거는 현대인이 기술화와 물질화된 세계 속에서 자연, 사회, 신성(神性)과의 연결을 상실했다고 주장하며, 회귀의 길은 사방 세계에서 인간의 위치를 재발견하고 자연과 존재의 조화를 회복하는 것이라고 말한다. 회귀는 현세적 차원에서 세계와의 관계를 재구축하는 것뿐만 아니라 영적 차원에서 초월자와의 관계를 회복하는 것을 필요로 한다. 본 논문은 하이데거의 회귀 이론을 재해석하여 현세적 및 영적 차원의 이중적 회복을 통합한다. Ⅲ장은 연구자의 작품 분석으로 뼈를 도자로 조형화하여 귀속을 어떻게 회복할 수 있는지에 대한 이슈를 다루었다. 뼈는 신체의 구조로서 물질적 세계에서 인간을 지탱하는 동시에 인간 내면의 본질을 상징한다. 연구자의 세 단계 작품인 ‘이향’, ‘타향으로의 방황(彷徨)’, ‘회귀’는 ‘근원인 고향을 떠남으로써 고향을 인식하는 과정’, ‘타향으로의 방황을 통해 다층적인 정체성을 확인하는 과정’, ‘초월자와의 대화를 통해 자아의 본질을 확립하는 회귀 과정’을 순차적으로 표현한다. 회귀 이론과 예술 실천의 결합을 통해 본 논문은 현대성의 맥락 속에서 어떻게 개인이 자아와 세계, 자아와 초월자 간의 조화를 이루어 상실된 귀속감을 회복하는 과정을 밝혀낸다.

This study is divided into two parts: theory and artistic practice to discuss the loss of their sense of belongingness and mental return. In the first part, Martin Heidegger's theories of ‘rootlessness' (Heimatlosigkeit) and ‘Quad’ (Geviert-Welt) are interpreted to reveal the causes of loss, the sense of belongingness, and the way of return. Heidegger argues that modern people have lost their connection to nature, society, and the divine in a technologized and materialized world and that the way of return is to rediscover people's place in the Quad and restore the harmony of nature and existence. Return requires not only reconstructing the relationship with the world in the worldly dimension but also restoring the relationship with the transcendent in the spiritual dimension. This study reinterprets Heidegger's theory of return to integrate this dual recovery of the worldly and spiritual dimensions. In the second part, the researcher's work is analyzed to address the issues of ?how to restore attribution through the sculpture of bones. As the structure of the body, bones support humans in the material world while symbolizing the essence of humanity's inner being. The three stages of the researcher's work, ‘Departure’, ‘Wandering to a Foreign Land’, and ‘Return’, sequentially express the process of recognizing one's homeland by leaving the origin, homeland, ‘the process of confirming a multi-layered identity through wandering to a foreign land', and ‘the process of returning to establish the essence of the self through conversation with the transcendent’. Through the combination of the theory of homing and artistic practice, this study reveals the process of how an individual restores dejected and a lost sense of belongingness by achieving harmony between the self and the world, the self and the transcendent in the context of modernity.