Earticle

The mid-Qing Dynasty represents the pinnacle of ceramic development in Chinese history, and the evolution of blue-and-white porcelain in the mid-to-late Qing period provides significant research material for studying Qing culture. Additionally, since the 18th century, blue-and-white porcelain in the Joseon Dynasty has continued as a part of traditional culture. By comparing the phoenix pattern (鳳凰纹) decorations found in the blue-and-white porcelain of both countries after the 18th century, this study aims to explore the socio-cultural implications and changes in the formal characteristics of phoenix pattern decorations in both nations. The phoenix patterns in the mid-to-late Qing and Joseon blue-and-white porcelain influenced the development of ceramic patterns through the expansion of pattern books (hwabon), and the Joseon blue-and-white porcelain phoenix patterns, influenced by the Qing, exhibited distinctive Joseon characteristics in their forms. Furthermore, changes in the phoenix patterns, such as simplification in response to the rise and fall of eras, can be observed. Through this, it is understood that phoenix pattern decorations, as ceramic patterns that experienced processes of prosperity and decline in political, social, and production contexts, embody the humanistic spirit of traditional culture. As a legacy that carries the spirit of modern traditional culture, it is hoped that the preservation and study of its cultural significance will expand the shared realm of Korean and Chinese culture.

In contemporary ceramics, experimental forms achieved through the fusion and hybridization of diverse materials have emerged as a central discourse. In this context, urushi (lacquer), traditionally used in the Kintsugi (金継ぎ) technique for ceramic repair, requires reevaluation not merely as an adhesive but as a medium that possesses both formative and mediating potential. However, contemporary discourse on Kintsugi has often been centered around the symbolic concepts of "healing and restoration," while in practice, the emphasis tends to fall more heavily on the visual consumption of gold ornamentation. This trend, irrespective of the temporal and aesthetic value of modern ceramic Kintsugi, obscures the material properties and artistic potential of urushi, fixing interpretation narrowly around its visual symbolism. This study analyzes the affective consumption structure of contemporary Kintsugi discourse and explores the potential of urushi both as an independent formative medium and as a mediator connecting heterogeneous materials. The gloss, depth, and physical qualities of urushi are examined to identify its aesthetic possibilities and capacity to bond disparate substances. This approach establishes a foundation for repositioning urushi not as a subsidiary tool for restoration, but as a central medium for creative expression in contemporary ceramic practice. Additionally, the study introduces imaginative, speculative applications through virtual hybrid media images and sculptural prototypes, suggesting potential pathways for urushi to expand as an artistic medium. This strategy, which bridges traditional craftsmanship with contemporary sensibilities, indicates that urushi can acquire new meanings within the formal language of modern ceramics when approached as both a hybrid and mediating medium. Ultimately, this research aims to redefine the role of urushi as a material encompassing tradition and modernity, functionality and form, restoration and creation—thereby contributing to a broader understanding of its aesthetic value and inter-material connectivity within the scope of contemporary artistic practice.

송대는 높은 수준의 문명이 발전한 시기였으며, 이러한 배경에서 도자기 산업도 번성했다. 이 환경에서 송대 도자기는 다양한 종류와 조형을 나타내었고, 특히 송대의 ‘가, 여, 관, 정, 균’ （哥，汝，官，定，钧）다섯 개의 유명한 가마(이하 ‘송대 5大 명요’)가 가장 유명했다. 송대 5大 명요의 도자기를 종합해 보면, 송대 도자기의 특징을 대표한다고 할 수 있다. 5大 명요 외에도 많은 자주요, 용천요, 요주요, 경덕진요계 등 민간 가마가 등장하여 송대 도자기의 발전을 함께 이끌었다. 송대 도자기는 조형이 아름답고 법도가 엄격하여 송대의 미학과 공예의 높은 수준을 보여준다. 도자 형태 중에서 도자기의 굽은 조형에서 중요한 부분으로, 실용성을 갖추는 것뿐만 아니라 미적 가치와 지역별 특징을 지니고 있다. 대표적인 형태의 종류를 크게 다섯 가지 형태로서 외형 굽, 내형 굽, 평형 굽(무족), 불규칙 다각형, 족(足)형 굽으로 분류하여 나눌 수 있다. 송대 5大 명요와 4곳의 민간요 도자기 굽의 연구 및 차이점을 통해 송대 도자기 조형에서 굽의 실용성과 미적 가치를 이해할 수 있다.

The Song Dynasty was a period of highly developed civilization, and under this background, the ceramic industry also prospered. In this environment, Song ceramics exhibited a wide variety of types and forms, with the "Ge, Ru, Guan, Ding, Jun" kilns (hereafter referred to as the "Five Great Kilns of the Song Dynasty") being the most famous. Reviewing the ceramics of the Five Great Kilns of the Song Dynasty, they can be said to represent the characteristics of Song ceramics. In addition to the Five Great Kilns, many folk kilns also emerged, jointly promoting the development of Song ceramics. Song ceramics are characterized by beautiful shapes and strict craftsmanship, demonstrating the high combination of aesthetic and craftsmanship of the Song people. The five main types of typical forms can be classified into outer, inner, equilibrium, irregular, polygonal, and foot heels. The practicality and aesthetic value of heels in Songdae ceramic formations were understood through the study and differences between the five major Songyo and folkyo ceramic heels, and the design method and production technique of ceramic heels have a timeless meaning while inheriting the essence of ceramic formation throughout history.

전쟁은 인류 역사 전반에 걸쳐 반복되어 왔으며, 그로 인한 사회적 상흔과 혼란은 역사적 사건을 넘어 예술가들의 지속적인 관심과 표현의 대상이 되어 왔다. 예술은 전쟁의 폐해를 단순히 재현하는 것에 그치지 않고 그 이면에 내재된 권력의 작동 방식과 인간 존재에 대한 근원적 물음을 탐구하는 매체로 작용해 왔다. 본 연구는 전쟁을 단순히 과거의 사건으로만 인식하지 않고 현재에도 되풀이되는 현상으로 여기며, 그 폭력성에 적극적인 문제 제기와 저항의 의지를 표현한 도자 예술 작품 사례를 분석하는 데 목적이 있다. 이를 위해 주디스 슈워츠(Judith S. Schwartz)가 정의한 ‘컨프런테이셔널 도자’(Confrontational Ceramics)의 개념을 고찰하였다. 또한 작품에서 인체표현과 함께 주요 시각적 요소로 나타난 복식의 의미와 다원성을 연구하였다. 이때 롤랑 바르트(Roland Barthes)의 기호학적 개념을 해석의 도구로 사용하였고, 특히 신화론에 대한 관점으로 연구 작품을 고찰하였다. 연구 대상은 1940년대부터 2000년대 초반까지 전쟁의 폭력성을 주제로 인체와 복식을 표현 수단으로 한 빅토르 슈레켄고스트, 로버트 아네슨, 쿠쿨리 벨라르데, 마리안 헤이어달, 누알라 크리드의 작품으로 선정하였다. 이를 바탕으로 각 작품에 나타난 복식의 조형적 특징과 상징적 의미를 분석하고, 작품 간의 유사성과 차이점을 도출하였다. 연구 결과, 컨프런테이셔널 도자는 기존의 전통적인 표현 방식을 탈피하여 사회적·정치적 메시지를 내포한 도자 예술의 한 유형으로 분류될 수 있으며 풍자, 패러디, 아이러니 등의 조형 어법으로 활용하였다. 특히, 중요한 조형 요소인 복식은 개인·사회의 정체성과 사회문화적 기호로서 작용하는 속성이 있음을 알 수 있었다. 본고에서 연구한 5명의 작품은 인물 구상 조각(Figurative sculpture)의 형식이며, 이와 함께 사용된 다양한 복식 요소는 권력, 성별, 신분 등 인물의 정체성과 시대성을 효과적으로 표현하는 특성을 보였다. 특히 전쟁의 폭력성을 표현하는 방식은 공통적으로 군사적 상징성을 지닌 복식(군복, 제복, 군모, 갑옷 등)과 밀접한 관련이 있음을 알 수 있었다. 반면, 피해자 또는 희생자의 표현은 상처 입은 인체와 훼손되거나 변형된 복식을 연출하여 폭력의 주체와 대비시켰다. 본 연구를 통해 컨프런테이셔널 도자가 사회 참여적 수단으로 역할 함을 알 수 있었다. 또한 복식 형상은 본래의 기능과 장식적 요소를 넘어, 필연적으로 인체 이미지와 관계하며 사회적 맥락과 시대성을 반영하고 다원적 의미를 생성하는 도구임을 확인하였다.

War has recurred throughout human history, and the resulting social wounds and chaos have long served not only as historical events but also as subjects of continued interest and expression for artists. Art has functioned not merely to reproduce the devastation of war but to explore the underlying mechanisms of power and fundamental questions about human existence. This study regards war not simply as a past event but as a phenomenon that continues to recur in the present. It aims to analyze examples of ceramic artworks that critically engage with the violence of war and express a will to resist it. For this purpose, the study examines the concept of Confrontational Ceramics as defined by Judith S. Schwartz. It also explores the meaning and multiplicity of sartorial expression, which appears as a key visual element alongside representations of the human body. Roland Barthes' semiotic theory-particularly his concept of myth-is employed as a tool of interpretation to approach the artworks from a socio-cultural semiotic perspective. The subjects of this study are five artists-Viktor Schreckengost, Robert Arneson, Kukuli Velarde, Marianne Heyerdahl, and Nuala Creed-who, from the 1940s to the early 2000s, used the human body and sartorial forms as means of visual expression to address the violence of war. Based on their works, the research analyzes the formal characteristics and symbolic meanings of sartorial elements and identifies both the similarities and differences among them. The findings indicate that confrontational ceramics depart from traditional modes of expression and can be categorized as a genre of ceramic art that conveys social and political messages. These works are characterized by visually provocative methods such as satire, parody, and irony. Notably, sartorial elements-used as important formal components-function as indicators of both individual and social identity and operate as socio-cultural signs. The works studied in this paper are all figurative sculptures, and the diverse sartorial components used in them play a crucial role in expressing the figures' identity and historical context in terms of power, gender, and social status. While the sartorial forms vary across nations, cultures, and time periods, a common strategy for representing the violence of war is their association with militarized attire-such as uniforms, helmets, and armor-which hold strong symbolic meaning. In contrast, depictions of victims or the vulnerable are often rendered through wounded bodies and damaged or distorted clothing, creating a stark opposition to the aggressors. Through this study, it is demonstrated that confrontational ceramics serve as an effective medium for social critique. Moreover, sartorial forms are shown to go beyond their original functions or decorative aspects; they are inextricably linked to representations of the human body and reflect social contexts and temporality, thereby generating plural meanings. In doing so, this study affirms the expanding role of contemporary ceramic art as a medium for social reflection and expression, and points toward new possibilities for its future development.

본 연구는 현대 사회에서 키덜트(Kidult) 문화가 확산된 배경과 현대 도예에서 나타나는 키덜트적 표현 방식을 탐구한다. 먼저, 키덜트 문화의 개념과 발생 원인을 다원주의, 문화 소비, 복고 현상, 차별화 현상 등의 요인과 함께 분석하였다. 이후 현대 도예에서 키덜트적 요소를 반영한 작품을 메모리즘(Memorism), 판타즘(Fantasm), 큐티즘(Cutiesm) 세 가지 유형으로 분류하여 연구하였다. 신이철, 브렛 커인, 조아킴 오자닌, 하야시 시게키, 쉐쉬안, 나라 요시토모 등의 사례를 통해 도예에서 키덜트 표현이 어떻게 구현되는지를 분석하였다. 이를 바탕으로 키덜트 문화가 도예 창작에서 복고적 향수, 상상력, 귀여움의 가치를 통해 정체성 탐색과 심리적 위안의 수단으로 작용함을 논의하였다. 본 연구는 키덜트 문화가 현대 도예의 조형 언어를 확장하고 예술적 흐름으로 자리 잡을 가능성을 고찰하며, 도예에서의 감정적 표현과 문화적 융합의 의미를 재조명하는 데 기여하고자 한다.

This study investigates the socio-cultural context surrounding the expansion of Kidult culture in contemporary society and examines its modes of expression in modern ceramics. The research begins by analyzing the concept and origins of Kidult culture in relation to key socio-cultural factors such as pluralism, cultural consumption, retro aesthetics, and the phenomenon of identity differentiation. It then classifies Kidult-inspired ceramic works into three typologies?Memorism, Fantasm, and Cutiesm?to explore their characteristics and aesthetic implications. Through case studies of artists including Shin I-cheol, Brett Kern, Joakim Ojanen, Shigeki Hayashi, Xue Xuan, and Yoshitomo Nara, the study elucidates how Kidult expression is materialized in contemporary ceramic practices. The findings suggest that Kidult culture, with its emphasis on nostalgia, imagination, and cuteness, serves as a meaningful medium for psychological comfort and identity exploration. Ultimately, this research highlights the potential of Kidult culture to expand the visual language of ceramics and emerge as a significant trend within contemporary art, while redefining the role of ceramics as a medium for emotional and cultural integration.

본 연구는 다원주의적 관점에서 현대도예의 조형적인 변화를 분석하고, 전통적인 도자의 개념을 넘어 새로운 조형 언어를 구축하고 탐색하는 방식에 대해 논하는 데 목적이 있다. 현대예술은 단일한 규범과 형식으로부터 벗어나 다양한 가치와 표현 방식을 실험하는 경향으로 변화되고 있다. 이러한 예술 흐름 속에서 현대도예 역시 기능성과 장식성의 한계를 넘어 심미적인 탐구를 중심으로 발전하고 있다. 본 연구는 문헌 연구와 사례 분석을 통해 다원주의적인 관점이 야기하고 있는 조형적 변화의 철학적 토대와 경향을 고찰하였다. 이를 통해 다원주의적 경향이 나타나는 방식은 크게 세 가지로 정리할 수 있었다. 첫째, 전통적인 재료와 기법의 해체 및 재구성을 통한 조형 언어의 확장이 이루어지고 있다는 점이다. 둘째, 도예가 단순한 조형적 오브제에서 벗어나 개념적이고 철학적인 가치를 매개하는 역할을 수행하게 되었다는 점이다. 셋째, 다양한 혼합매체 및 디지털 기술의 활용으로 조형성과 공간에 대한 재해석이 이루어지고 있다는 점이다. 현대도예에서 일어나고 있는 다원주의적 변화 양상은 도예와 조각의 경계를 모호하게 만들며, 공예의 범주를 넘어 도예가 순수조형예술의 영역으로 확장되는 데 기여한다. 본 연구는 현대도예의 조형 변화를 체계적으로 분석하여 현대도예의 정체성의 토대를 정초하고 변화의 궤적을 추적하여 향후 발전 방향을 탐색하는 데 의의를 둔다.

This study aims to analyze the formative changes in contemporary ceramics from a pluralistic perspective and to examine how contemporary ceramics deviate from the traditional concept of pottery to establish and explore new formative languages. Contemporary art has shifted away from singular norms and forms, embracing diverse values and experimental approaches to artistic expression. Within this artistic trend, contemporary ceramics have also evolved beyond the limitations of functionality and ornamentation, focusing on aesthetic exploration. Through a review of literature and case studies, this study investigates the philosophical foundations and tendencies of formative changes driven by pluralistic perspectives. These tendencies can be categorized into three main aspects. First, there is an expansion of formative language through the deconstruction and reconfiguration of traditional materials and techniques. Second, ceramics have moved beyond being mere sculptural objects to serve as mediums for conceptual and philosophical discourse. Third, the adoption of various mixed media and digital technologies has led to a reinterpretation of form and space. The pluralistic transformations occurring in contemporary ceramics obscure the boundaries between ceramics and sculpture, enabling ceramics to transcend the limitations of craft and integrate into the realm of pure formative art. By systematically analyzing these formative changes, this study seeks to establish a foundation for the identity of contemporary ceramics, trace its trajectory of transformation, and explore potential directions for its future development.

본 연구는 한국의 전통 조형 오브제인 백자 달항아리가 현대미술에서 조형적 변용과 개념적 확장을 통해 새로운 조형 언어로 발전하는 과정을 분석하는 것을 목적으로 한다. 조선시대부터 한국적 미의 정체성을 상징하는 조형물로 자리 잡은 백자 달항아리는 20세기 이후 전통과 현대가 융합되는 조형적 탐구의 주요 매개체로 활용되고 있다. 현대 평면미술에서 달항아리는 단순한 재현을 넘어, 작가 개개인의 예술적 감성과 철학을 반영하는 실험적 표현의 대상으로 변화하였다. 이에 따라 문헌 조사와 작품 분석, 작가 인터뷰를 중심으로 조형적 변형과 개념적 확장 양상을 다각도로 고찰하고, 설문조사를 병행하여 대중 인식을 함께 분석하였다. 이와 같은 접근은 기존의 개별 작가 중심 분석이나 역사적, 도자 조형미로의 접근의 한계를 넘어, 백자 달항아리의 현대적 해석과 활용 방식을 통합적으로 조명한다는 점에서 의의가 있다. 나아가 현대 평면미술 속에서 나타나는 백자 달항아리의 조형적 변용을 중심으로, 전통 조형 언어의 현대적 발전 가능성과 그 미학적 확장 방향을 제안하는 데 본 연구의 학문적 가치를 둔다.

The purpose of this study is to analyze the process by which the white porcelain moon jar, a traditional Korean plastic object, develops into a new formative language through formative transformation and conceptual expansion in modern art. The white porcelain moon jar, which has been established as a sculpture symbolizing the identity of Korean beauty since the Joseon Dynasty, has been used as a major medium for formative exploration that merges tradition and modernity since the 20th century. In modern two-dimensional art, the moon jar has gone beyond simple reproduction and has changed into an object of experimental expression that reflects the artistic sensibilities and philosophy of individual artists. Accordingly, we examined the aspects of plastic transformation and conceptual expansion from various angles based on literature research, work analysis, and artist interviews, and analyzed public perception through a survey. This approach is significant in that it goes beyond the limitations of existing individual artist-centered analyzes or approaches to historical and ceramic formative beauty, and comprehensively sheds light on the modern interpretation and use of white porcelain moon jars. Furthermore, the academic value of this study is placed on suggesting the possibility of modern development of traditional formative language and the direction of its aesthetic expansion, focusing on the formative transformation of the white porcelain moon jar that appears in modern two-dimensional art.

Even if the purpose of clay-based creative activities is the realization of functionality or expression, the completion of formal expression in ceramic art is mostly finalized through the firing (燒成) process. By examining the fired results, one can infer the forming and shaping processes or distinguish between creative techniques such as glaze, engobe, stain, and unglazed firing used in the artistic process. In ceramic art, firing can be considered the final and essential stage for achieving solid materialization and serving as a key expressive process. As contemporary ceramic art evolves in a creative environment where the boundaries between material and immaterial elements are increasingly ambiguous, relying solely on sintered and hardened materials is no longer the sole approach. Recently, changes have also emerged in the ownership system of artworks through the application of blockchain technology. This paper examines the emergence of unfired ceramics, which became a solidified trend beyond the experimental phase of the 1970s and gained prominence after the 1980s due to the trend of dematerialization. Through case studies, the impacts on expression were classified into three perspectives. First, unfired ceramics as a visual mechanism for recording changes in energy and the passage of time. Second, the reflection of religious philosophy, including Buddhism and Taoism, through the expression of absence and emptiness. Third, the omission of the firing process, which hardens and materializes clay, as an approach to regeneration and environmental considerations. By categorizing cases of unfired ceramics in contemporary ceramic works from both East and West, this study analyzes the creative process and outcomes of unfired ceramics. Furthermore, it explores the transformation of ownership, the expansion of ceramic expression, and future possibilities as the creative environment continues to evolve.