Earticle

중국과 한국, 일본은 오래전부터 교역을 통해 물자와 정보, 그리고 다양한 문화를 교환해왔다. 본 연구는 중국의 당과 송 및 한국의 고려와 신라를 거쳐 일본의 모모야마 시대로 이어지는 역사적 배경 속에서, 차를 매개로 한 3국의 다완 형태와 색상이 어떤 영향 관계하에 있었는지 그 연관성을 밝힐 목적으로 수행됐다. 이 연구는 중국의 경우, 다완이 차 도구로 수출됐던 당대(618~907) 일부 기간과 송대(960~1279)를 중심으로, 한국의 경우 문화적･기술적으로 진취적이고 불교와 차, 청자 문화로 융성했던 고려를 중심으로, 일본의 경우 다도 문화가 일본 전역에 유행하면서 차와 함께 다양한 다완 수요가 급증한 모모야마시대를 중심으로 서술한다. 2장에서는 먼저 차와 다완의 연관성을 찾기 위해 동양 3국 차의 역사적, 시대적 배경을 중심으로 서술하고, 이어서 차와 다완의 관계에 대해 서술한다. 귀족 중심의 차는 자기수행 외에도 약효가 있다는 사실이 알려지면서 서민층으로 확산됐다. 이와 함께, 중국 저장성 웨저우요에서 다완이 생산됐는데, 생산된 제품의 굽은 낮고 굽지름은 넓으며, 구연부는 열린 상태였다. 이러한 형태의 청자다완은 당시의 전형적인 형태로 자리 잡았다. 고려는 중국식 해무리굽 완 제작기술을 모방해 자국 고유의 청자문화로 발전시켰고, 일본은 중국과 고려의 영향 하에서 다완을 모방 제작했지만, 자국의 정신이 담긴 다완을 제작하면서 다도 미학으로 발전시켰다. 3장에서는 다완의 특징과 차의 관계에 대해 고찰한다. 차의 발효 정도와 차를 달이는 방법, 차를 마시는 방법이 다완의 형태와 색에 끼친 영향에 대해서도 서술한다. 자차법은 비교적 밝은 색 다완을 사용하고, 점차법은 비교적 짙은 색 다완을 사용한다. 추가적으로, 다완의 형태를 살펴보면서 그 유사점과 차이점에 대해서도 서술한다. 연구 결과, 다음과 같은 결론이 도출되었다. 첫째, 다완의 형태와 색은 다양한 요인, 즉 제다 방법은 어떤지, 차를 어떻게 마시는지, 발효 정도에 대한 선호 차이를 어떻게 느끼는지, 그리고 그것이 다완의 형태와 색에 어떠한 영향을 미치는지, 또 그것을 어떻게 향유 하고자 하는지 등과 연관되어 있다. 둘째, 동양 3국의 영향은 각국의 고유한 특성으로 발전했다. 고려가 모방한 ‘중국식 해무리굽 완’은 고려의 정신이 깃든‘청자 해무리굽 완’의 제작으로 이어지면서 고려청자의 시대를 열었다. 본 연구는 차를 위한 다양한 도구들 중 주요 위치를 차지하는 다완의 형태와 특징이 차를 매개로 어떠한 연관성이 있는지 밝힐 목적으로 수행되었다. 연구를 진행하면서, 차와 관련된 한국의 문화와 차 도구로써의 다완 사이의 관계성에 대한 체계적인 정립이 부족하다는 사실을 확인할 수 있었다. 또한 연구의 범위를 한정했음에도 불구하고, 시기별로 차와 연관된 다완의 형태적･기능적 측면에 대한 보다 세밀한 분석이 필요하다는 사실도 확인되었다. 그럼에도 불구하고 이 연구가 차와 다완에 대한 동양 3국 학자들의 보다 심층적인 연구를 위한 기초자료로 활용될 수 있기를 기대한다.

China, Korea, and Japan have exchanged goods, informations, and various cultures through commerces for a long time. The purpose of this study is to reveal the relationship between the shapes and colors of tea bowls in the historical background of China's Tang Dynasty, Song Dynasty, Korea's Goryeo Dynasty and Silla Dynasty and Japan's Momoyama period. This study focuses on the form of tea bows, which was exported as tea utensils in some periods of the Tang Dynasty(618~907) and Song Dynasty(960~1279) in the case of China, and focuses on the Goryeo Dynasty, culturally and technologically progressive and prosperous culture of Buddhism, tea, and celadon in the case of Korea, and focuses on the Momoyama period, when tea ceremony culture became popular throughout Japan and the demand for various tea bowls along with tea increased rapidly in the case of Japan. In Chapter 2, to find the connection between tea and tea bowls, the historical･periodical backgrounds of tea in the three eastern countries are described first, and then the relationship between tea and tea bowl is described. The aristocratic tea spread to the common people as it became known that it had medicinal effects besides self-discipline. At the same time, tea bowls were produced in Yuezhouyao, Zhejiang Province, China. The height of the products was low, the diameter of the heel was wide, and the mouth was open. This type of celadon tea bowls became a typical form of the time. Goryeo imitated the technique of making Chinese style HAEMURI-GUP(해무리굽) tea bowls and developed it into its own celadon culture, and Japan produced tea bowls imitating the influence of China and Goryeo, but developed it into the aesthetics of tea ceremony while producing tea bowls containing its own spirit. Chapter 3 discusses the relationship between the characteristics of tea bowls and the relationship between tea. It also describes the effect of the degree of fermentation of tea, how to brew tea, and how to drink tea on the shape and color of tea bowls. JACHA-method(자차법) uses a relatively light colored tea bowl, and JEOMCHA-method(점차법) uses a relatively dark colored tea bowls. In addition, the similarities and differences of tea bowls are described by examining their shapes. The conclusions drawn from the study are as follows. First, the shape and color of the tea bowl are related to various factors. It is related to many factors such as how to make tea, how to drink tea, how to feel the preference difference about the fermentation degree, and how it affects the shape and color of tea bowl, and how to enjoy it. Second, the influence of the three countries in the East developed into the unique characteristics of each country. The 'Chinese style HAEMURI-GUP(해무리굽) tea bowl' imitated by Goryeo opened the era of Goryeo celadon as it led to the production of 'Celadon HAEMURI-GUP(해무리굽) tea bowl' with the spirit of Goryeo.

청화백자(靑畵白磁)는 15세기부터 명대의 대표적인 도자기로서 청대에 이르기까지 종류와 용도가 다양하고 발전하여 유럽을 비롯한 세계 각국에 수출되고 영향을 끼쳤다. 본 연구에서는 15~17세기 동안 중국 명나라의 청화백자 주기와 조선에 청화백자가 유입되어 주기에 나타난 모습을 비교, 분석, 연구함을 목적으로 하고 연구 방법으로 청화백자 주기의 이론적 고찰을 문헌을 통해 주기의 종류와 형태, 문양, 회화, 청화 안료의 색상 등으로 구분 비교하여 이론적 체계를 완성하였다. 조선과 명대에서의 청화백자 주기는 당시에도 중요한 위치를 차지하고 제례 및 의식 행사에 많이 사용하였으나, 현재 학계에서는 조선 및 명대 청화백자 주기에 관한 연구가 매우 부족한 것으로 나타났다. 그래서 본 연구에서 연구 내용과 결과를 제시하여 도자 분야의 학술적 발전에 이바지하고 동시에 주기 연구의 중요한 자료가 되어 새로운 주기 제작에 활용되기를 바란다.

Blue and white porcelain is a representative porcelain from the 15th century to the Ming Dynasty. After the Qing Dynasty, there were many kinds and uses. It has been exported to Europe and other countries around the world. The purpose of this study is to compare and analyze the appearance of the Chinese blue-and-white porcelain drinking vessel in the 15th to 17th century and the appearance of the blue-and-white porcelain drinking vessel after it was introduced into Korea. The comparative study mainly focused on types, patterns, paintings, and colors of the blue-and-white porcelain drinking vessel to improve the theoretical system, through the theoretical investigation of the literature. The blue-and-white porcelain drinking vessel of Joseon and Ming Dynasties were also very important in that era and were often used in sacrifice and ritual activities. However, the research on the blue and white porcelain drinking vessel of Joseon and Ming Dynasties is very insufficient. Therefore, it is hoped that the research content and results of this study will contribute to the academic development in the field of ceramics, and at the same time become important data for the cycle study for the production of the new drinking vessel.

송나라는 중국 역사에서 고아함을 추구한 왕조로, 그 선두 주자였던 문인들은 풍족한 생활 조건, 훌륭한 문화적 소양, 소박한 심미관, 높은 사회적 지위를 바탕으로 하여 문화, 예술의 주요 창조 집단이 되었으며, 그들의 사상적 의도, 예술 철학, 미적 취향은 당시 문화 창조에 깊은 영향을 끼쳤다. 본 연구는 송나라의 문화 사상과 문인의 심미 의식과 연관하여 도자 주자온완(注子溫碗)의 기원, 주자온완의 상호관련적인 조형적 특징을 연구하였다. 주자온완은 일반적으로 술을 담는 주자에서 술을 따뜻하게 데우기 위한 용도로 사용되었던 기형으로서 주자온완의 형태적 측면과 기능적 요인으로 인한 구조적 형식의 대응 관계 및 조형적 특징을 분석하였다. 주로 송대 경덕진요(景德镇窯), 정요(定窯), 요주요(耀州窯), 번창요(繁昌窯)의 대표적인 가마에서 생산된 주자온완을 범위로 하여 특징과 조형의 차이점을 분석하였다. 이를 통해 송나라 문인들의 천인합일(天人合一) 사상으로 송나라만의 디자인 양식과 장식적 특징이 형성되었음을 알 수 있었다. 송대 주자온완 연구를 통해 그 시대의 문화와 요장 별 조형적 특징에 따른 독창적인 미의 양식 변화를 알아봄으로써 과거 도자 조형의 특징 연구로서 가치와 의의가 있으며, 현대 도자 식기 디자인의 발전에 새로운 시사점을 제공할 수 있기를 기대한다.

The Song Dynasty was a period in Chinese history that pursued refinement and elegance. The literati of the Song Dynasty, as trendsetters, were the primary creative group in Song culture and art due to their affluent living conditions, high cultural literacy, simple artistic aesthetics, and elevated social status. Their profound thoughts, artistic philosophies, and aesthetic tendencies significantly influenced the cultural production of that era. The literati of the Song Dynasty were known for their refined, reclusive, unworldly, and harmonious philosophies, shaping the distinctive leisurely, harmonious, and elegant design style of Song porcelain, characterized by a natural, plain, and simple decorative approach. This study combines the cultural ideology of the Song Dynasty and the aesthetic consciousness of literati to study the origin of the Zhu Zi Wen Wan and the interrelated shape characteristics of the Zhu Zi Wen Wan. The "Zhu Zi Wen Wan" is generally used to heat and hold wine. This article analyzes the corresponding relationship and shape characteristics of the structural form caused by the morphological and functional factors of the Zhu Zi Wen Wan. The differences in characteristics and shapes were mainly analyzed within the scope of the injection temperature bowls produced by representative kilns of Jingdezhen, Ding, Yaozhou, and Fanchang in the Song Dynasty. From this, it can be seen that the idea of the unity of heaven and man among Song Dynasty literati formed the unique design style and decorative features of Song Dynasty porcelain. I hope to provide new insights for the development of modern ceramic tableware design through the study of the Song Dynasty's Zhu Zi Wen Bowl, which has simple supplementary significance for traditional ceramic art research.

우리는 사회 전체가 네트워크와 데이터로 연결된 초 연결 사회에 살고 있다. 도자 제작에 참여하는 업체나 작가들 또한 네트워크와 데이터를 활용하여 도자 제작이나 시각적 데이터 제공 및 판매에 참여함으로써 이러한 사회와 소통하고 있다. 그러나 시각적 데이터에 반하여 각종 통계 데이터에 대한 참여나 활용은 부족한 실정이다. 이 같은 문제의식으로 본 연구는 도자를 용도별로 분류하고 공예트렌드페어에 참여한 업체와 개인의 최근 5년간의 용도별 품목 조사를 진행하여 트렌드를 분석하였다. 본 연구를 통해 살펴본 트렌드의 특징은 다음과 같다. 반상기를 비롯한 기본 식기류의 지속적인 성장, 글로벌 식문화의 가정 내 확산과 SNS의 이용 증가에 따른 식기 품목의 확장과 제작 비율 상승, 식물 관련 품목의 뚜렷한 성장, 향기 관련 품목의 급격한 제작 비율 상승, 입체 조형이 하향세인 반면 감상용 항아리/벽면조형/피규어 등은 상승세임을 확인하였다. 본 연구를 통하여 품목별 제작 비율만으로도 일정 정도의 트렌드 분석이 가능함을 확인하였고 이후 다양한 방법의 연구가 수행될 필요가 있음을 알게 되었다.

We live in a hyper-connected society where the entire social fabric is intertwined with networks and data. Companies and artists participating in pottery making also engage with this society by utilizing networks and data to participate in pottery production, visual data provision, and sales. However, there is a lack of participation and utilization of various statistical data compared to visual data. With this awareness of the issue, this study classified pottery by purpose and conducted a survey of items by purpose over the past five years for both companies and individuals participating in craft trend fairs, analyzing trends. The characteristics of the trends observed in this study are as follows: continuous growth in basic tableware including pottery, expansion of tableware items and increased production ratios due to the spread of global food culture within households and the increasing use of social media, significant growth in plant-related items, rapid increase in production ratios of fragrance-related items, downward trend in three-dimensional modeling while witnessing an upward trend in decorative urns, wall art, and figurines. Through this study, it was confirmed that trend analysis to a certain extent is possible merely through the production ratios of items by category, leading to a realization of the need for further research using various methods in the future.

모든 문화는 과거로부터 이어지되 과거를 새롭게 해석하여 현재를 이루고, 미래를 향해 발전해 나아간다. 그래서 청화도를 그리는 기법 역시 앞 세대의 전통을 이어받은 현 세대의 작가들은 기존의 기법을 고수하는 데 머무르지 않고 이를 넘어 자신만의 독특한 해석으로 새로운 기법의 창조를 통해 새롭게 계승하고자 시도한다. 이런 맥락에서 무필연침 기법은 과거의 기법을 답습하기만 하는 도예 현장에서 전통에 대한 새로운 해석을 통해 계승에 대한 창조적 해석을 실현하고자 하는 목적을 갖게 되며, 기존의 전통적 기법인 분수기법의 우연성과 필연성이 조절 불가능하다는 이유에서 새로운 기법의 창조가 요청된다. 우연성과 필연성을 조절할 수 있고, 이를 통해 우연과 필연이 자연스럽게 조우할 수 있는 기법의 창조야말로 분수기법이라는 전통의 능동적인 계승이며, 전통의 답습이 아닌 창조적 계승이 될 수 있을 것이다. 이 글에서 제시하는 ‘무필연침 기법을 통한 청화 모란’은 삶의 치열함과 다양성을 증명하는 것이 아니라, 있는 그대로의 모습을 보여주기 위한 노력의 결과이다. 단순히 문양을 미학적으로 설명하는 것이 아니라, 문양을 만들어 내는 기법은 물론 기법과 문양에 대한 종합적인 상징성과 기호성을 미학적으로 해석해 내는 시도는 새로운 의미를 가지며, 이러한 시도는 기법과 문양의 미학적 관계에 대한 종합적인 탐구에 대한 초석이 될 것으로 기대된다.

All cultures continue from the past, but achieve the present by newly interpreting the past, and develop toward the future. Therefore, the current generation of artists who have inherited the tradition of the previous generation should go beyond sticking to the existing techniques and inherit them through the creation of new techniques with their own unique interpretations. In this context, technique that utilize spills and smudges without brushes, or brushless needle technique (hereinafter, referred to as 無筆鉛針) aims to realize a creative interpretation of succession through a new interpretation of tradition at the pottery site, which only follows past techniques, and the creation of a new technique is required because the contingency and inevitability of the existing traditional technique, technique of Deviding Water, are uncontrollable. By controlling contingency and inevitability, the creation of a technique in which chance and inevitability can naturally encounter is an active succession of the tradition called the Fenshui(分水) skill, the technique of Deviding Water, and it can be a creative succession rather than a follow-up of tradition. The blue peony through the brushless needle technique presented in this study is not a proof of the fierceness and diversity of life, but is the result of efforts to show the way it is. Attempts to aesthetically interpret the comprehensive symbolism and symbolism of techniques and patterns as well as techniques to create patterns have a new meaning, and this attempt is expected to be a cornerstone for a comprehensive exploration of the aesthetic relationship between techniques and patterns.

송요금(宋遼金) 시기는 중국 불교 화와 인물도자 조형의 역사에 있어서 중요한 시기이다. 당나라 때는 도자 불상을 생산하는 가마가 나타났고, 이는 송요금 시기에 명확하게 변화하였다. 도자 불상 공예가 보급되고 발전하는 과정에서 석굴, 석각, 금동(金銅) 불상 등 다른 재료로 만들어진 불상을 대체하는 역할을 하게 되었다. 불교사상과 인물 조형의 변화는 각기 다른 사회적 배경과 남북 간의 서로 다른 도자 제작 공예를 형성하여 다양한 양식의 불교 인물 도자가 탄생하게 되었다. 본문은 송요금 시기 경덕진요(景德鎮窯)와 용천무요(龍泉務窯) 등 남과 북을 대표하는 가마의 불교 인물도자 조형 공예를 중심으로 연구하였다. 이 시기에 불교는 중국에서 널리 전파되었고, 불교 도자는 중요한 종교 예술 표현 방식으로 발전하였다. 나한상, 관음상, 보살상 등 불교 인물도자 조형은 이 시대에 큰 인기를 얻었으며, 독특한 미학과 공예를 선보이게 되었다. 또한, 본문은 송요금 시기 불교 인물도자 조형의 특징과 공예를 심도 있게 분석하며, 남과 북의 정치, 문화, 사회적 배경이 불교도자 조형에 미치는 다양한 영향을 살펴보았다. 이 시기의 중국은 정권이 여러 차례 바뀌었다. 그러나 예술 양식과 도자 제작 공예의 관점에서 보면, 불교 인물도자 조형은 중국 불교 조형 발전사에서 중요한 위치를 차지하고 있다는 것을 알 수 있다. 이에 관한 연구를 통해 송나라 때는 정권의 남하, 상공업의 번영, 문화예술에 대한 중시를 통해 경덕진요가 불교 도자의 주요 생산지가 되었고, 경덕진요의 도자 제작 기술과 소성 온도가 크게 향상되어 불교 인물 도자는 더욱 세련되고 제품화되었음을 알 수 있다. 반면 요금 시기에는 북쪽 장인들이 남쪽으로 이동하여 불교 도자가 발전하였지만, 경덕진요에 비해 제작 규모와 공예 수준이 낮았다고 할 수 있다. 이와 동시에 용천무요는 당나라의 삼채(三彩) 공예를 어느 정도 계승하였다고 할 수 있다. 예술 양식 측면에서, 송나라 경덕진요의 불교 인물도자는 더욱 사의(寫意)적인 양식을 추구하였으며, 이는 송나라 문인의 사의화(寫意畫)가 유행했던 추세와도 일치했다. 이와 반대로 요금 시기의 불교 도자는 당나라의 양식을 계승하였고, 더욱 사실적인 양식의 인물도자로 제작하는 것을 중요시하였다. 송요금 시기는 중국 불교 인물도자의 예술과 공예 발전에서 중요한 의미를 갖고 있다. 비록 남과 북의 양식에는 어느 정도의 차이가 있었지만, 이 시기는 중국 불교 조형 예술의 발전에 결정적인 역할을 하였다. 많은 불교도자 조각상들이 세계 각국의 박물관에 흩어져 있지만, 이 작품들은 여전히 동양 예술을 구성하는 중요한 요소이다. 이 외에도 송요금 시기에 형성된 불교 인물도자 공예와 예술 양식은 후세에 불교 인물도자가 발전할 수 있도록 지대한 영향을 미쳤다.

Song, Liao, and Jin Dynasties mark a crucial period in the history of Chinese Buddhist culture and figurative ceramic art. During the Tang Dynasty, kilns producing ceramic sculptures emerged, and this trend underwent a distinct transformation in the Song, Liao, and Jin Dynasties. The craft of ceramic sculpture became widespread and advanced, gradually replacing sculptures made of other materials such as stone, wood, and gilt bronze. Changes in Buddhist philosophy and figurative art occurred due to diverse societal backgrounds and the distinct ceramic crafting traditions between the northern and southern regions, resulting in the emergence of various forms of Buddhist figurative ceramics. This paper focuses on the study of Buddhist figurative ceramic art from representative kilns of the north and south, namely the Jingdezhen Kiln in the south and the Longquan Kiln in the north during the Song, Liao, and Jin Dynasties. Buddhism was widely disseminated in China during this period, and Buddhist ceramics evolved as a significant form of religious artistic expression. Sculptures of Bodhisattvas, Avalokiteshvara, and other Buddhist figures gained great popularity during this era, showcasing unique aesthetics and craftsmanship.

중국 전통 동물 조형은 원시 선조들이 동물의 형상을 참조하여 창작한 도자 조형이다. 여기에는 주술 활동에 사용되는 동물 조형물, 장례에서 부장품으로 사용되는 동물 조형의 도용(陶俑), 일상생활을 아름답게 하는데 사용되는 동물 조형의 생활용품 및 감상과 즐거움을 위해 사용되는 동물 조형 예술품이 포함된다. 동물 도자 조형은 중국 역사에서 중요한 역할을 하였으며, 사람들은 도자 조형을 이용하여 삶을 더욱 아름답게 만들기에 심미와 실용적인 측면에서 중요한 의미를 가지고 있다. 본문은 중국 전통 동물 도자 조형을 중심으로 선진(先秦) 시기(B.C.221 이전), 진(秦)나라(B.C.221~B.C.207), 한(漢)나라(B.C.202~A.D.220), 위진남북조(A.D.220~581), 당(唐)나라(A.D.618~907), 송(宋)나라(A.D.960~1279), 원(元)나라(A.D.1271~1368), 명(明)나라(A.D.1368~1644), 청(淸)나라(A.D.1616~1911년)부터 1949년 중화인민공화국이 건국 이후의 동물 도자 조형의 대표작을 분석하였으며, 그 시대적 특징을 중심으로 연구하였다. 선진 시기 동물 도자 조형 대부분은 원시 도기로 제작되었으며, 생활이나 신앙과 관련된 원시 도자로 작품은 원시적인 주술적 의미와 고풍스럽고 장중한 예술적 특징을 가지고 있다. 진나라의 동물 도자 조형은 주로 진시황 무덤에 부장품으로 사용된 병마용인 도랍거마(陶拉車馬)와 도안마(陶鞍馬)가 중심을 이루며, 상당히 사실적으로 제작된 도마(陶馬) 조형은 현실 속 실제 말의 조형과 동일하다. 총 수량은 약 천 개에 이르며, 이는 7,000개의 실제 크기의 도병용(陶兵俑)과 함께 웅장한 군대 진열을 형성하였다. 한나라의 동물 도자 조형은 생활화를 향해 전환되었으며, 다양한 주제와 생동감 넘치는 동물 조형의 도용을 통해 과장되고 간결한 예술의 아름다움을 보여주었다. 위진남북조 시기의 주요 특징은 원시 청자의 실용성을 중시했다는 것이며, 이는 생활용 제품을 도자 동물 조형으로 제작하였다는 것에 반영되었다. 당나라 때는 도삼채(陶三彩)에서 동물 조형이 화려하고 다양하게 제작되었으며, 이 시기에는 성숙한 단계에 이르렀던 백자에서 깨끗한 동물 조형이 주를 이루었다. 송나라와 원나라는 도자 기술의 숙련도가 전반적으로 높아졌고, 동물 도자 조형의 재질이 도자로 바뀐 것이 이 시기의 가장 큰 특징이었다. 명나라 때는 다양한 도자 장식인 청화, 유상채, 유하채 등을 활용하여 동물 도자 조형을 다채롭게 만들었으며, 청나라 때는 전례 없는 높은 수준의 도자 제작 기술로 사실적인 동물 도자 작품을 제작하였다. 1949년 중화인민공화국 건국 이후, 서양의 예술 체계와 중국의 전통 도자 체계가 결합하여 현대적인 심미 특징을 가진 동물 도자 조형이 제작되기 시작했다. 특히 동물 도자 조형의 공공예술은 현대 도예에 대한 더 많은 가능성을 가져다주게 되었다. 이에 따라 본문에서는 동물 도자 조형의 변천 과정을 분석함으로써, 현대 동물 도자 조형 예술에 많은 참고 자료와 영감을 제공할 것이다.

Chinese traditional animal ceramic modeling refers to the ceramic modeling created from the primitive ancestors with the animal image as the reference object. It includes animal shape objects used in witchcraft activities, animal shape terracotta figures used in tombs, life tools with animal shape used in beautifying daily life, and animal shape artworks used for entertainment. Animal ceramic modeling plays an important role in Chinese history. It has important aesthetic and practical significance to use animal ceramic modeling to make people's life better. This paper focuses on the traditional Chinese animal ceramic modeling. Analysis of the Pre-Qin period (before 221 BC), Qin Dynasty (221 BC - 207 BC), Han Dynasty (202 BC - 220 AD), Wei, Jin, Southern and Northern Dynasties (220 AD - 581 AD), Tang Dynasty (618 AD - 907 AD), Song Dynasty (960 AD - 1279 AD), Yuan Dynasty (1279 AD) 1271-1368 AD), Ming Dynasty (1368-1644), Qing Dynasty (1616-1911) to 1949 after the founding of New China representative works of animal ceramic modeling, and the characteristics of their times are studied.

본 연구는 현대사회에 심각한 자연환경의 파괴를 불러오는 폐기물 활용의 일환으로 새롭게 대두되고 있는 업사이클링에 주목하고, 폐도자기에 디자인과 아이디어를 더하여 새로운 창작활동을 하는 작가들의 작품을 분석하여 재활용과 환경보호의 중요성을 환기시킴과 동시에 산업 폐기물인 폐도자기의 업사이클링이 창의적인 융복합으로 동시대 미술의 새로운 표현 전략이 될 수 있음을 알리는데 목적이 있다. 이에 따른 연구 방법으로 국·내외 기업들이 폐재료를 활용하는 사례를 분석하고 업사이클 디자인이 지닌 4가지 가치 요소로 환경의 지속가능적 가치, 사회의 윤리적 가치, 자원의 경제적 가치, 예술의 창조적 가치를 도출하였다. 본 연구 결과 버려진 폐도자기에 새로운 디자인이 더해지면서 재료 간의 재해석을 통하여 창의적 융복합으로 발전하고 있었으며, 제로 웨이스트(Zero-waste)를 향한 작가 차원의 업사이클링 작품 제작은 환경적 측면의 가치뿐만 아니라 예술의 창조적 측면에 부합됨을 확인하였다. 또한 작가들의 업사이클링을 통한 다양한 디자인 개발과 여러 콘텐츠의 활용은 폐도자기를 순환자원으로 인식하고 재사용함으로 인하여 올바른 경제적 가치와 소비문화로 견인하였다. 이와 같은 업사이클링 작품 연구가 현대 예술의 패러다임을 더 확장시키고 앞으로 나아갈 방향을 제시해주길 기대한다.

This study focused on upcycling, which is emerging as a form of waste utilization that is causing serious destruction of the natural environment in modern society. Therefore, we analyze the works of artists who create new creative activities by adding designs and ideas to waste ceramics, and raise awareness of the importance of recycling and environmental protection. At the same time, the purpose is to inform people that upcycling of waste ceramics, which is industrial waste, can become a new expression strategy for contemporary art through creative convergence. As a research method, we analyzed cases where domestic and foreign companies use waste materials.And the four value elements of upcycle design were derived: sustainable value of the environment, ethical value of society, economic value of resources, and creative value of art. As a result of this study, it was found that new designs were added to discarded ceramics, developing into creative convergence through reinterpretation of materials. It was confirmed that the artist's production of upcycling works aimed at zero waste is not only in line with environmental values, but also the creative aspect of art. In addition, artists' development of various designs through upcycling and use of various contents led to correct economic value and consumption culture by recognizing and reusing waste ceramics as a circular resource. We hope that research on upcycling works like this will further expand the paradigm of modern art and suggest a future direction.

본 연구는 일상에서 쉽게 볼 수 있는 입술이 에로틱한 느낌으로 다가오는 상황과 작품의 이유, 방식을 언캐니(Uncanny) 이론을 통해 분석하는데 목적을 두고 있다. 본고에서 해석의 툴이 되는 언캐니에 대한 개념적 특징과 작품 적용 사례를 연구한 뒤, 입술의 에로티시즘을 강화하는 원인에 대해 분석하였다. 이후 시각작품에서 나타나는 입술의 언캐니 감정에 대한 사례를 조사하였다. 언캐니는 다양한 분야에서‘낯익은 두려움’을 주는 상황이나 이미지에 적용하여 사용하는데, 이론 전개 과정에서‘죽음’과‘성적(Sexual)’키워드가 등장한다. 본고에서는‘성적’인 부분에 집중하여, 특히 신체의 일부인 입술에서 느끼는 언캐니에 대해 연구하였다. 노출된 신체 부위 중 입술은 유난히 에로티시즘의 소재로 자주 활용되는데, 이에 대한 원인을 입술이 가진 시각성, 문화성, 기능성을 통해 분류하였다. 사례작가인 김성진과 로니트 바랑가는 입술을 소재로 작품을 제작하는 작가이다. 김성진은 입술 이미지의 강조와 확대의 방식으로, 로니트 바랑가의 경우에는 반복, 재결합을 통해 입술의 언캐니를 끌어낸다. 언캐니는 시각 예술에서 주로 특정 회화 사조에서만 적용해 분석한 사례를 볼 수 있다. 본고에서는 언캐니 이론을 입술 이미지로 한정해 적용하고, 그 이유에 대해 분석함으로써 새로운 관점을 제시하였다.

The purpose of this study is to analyze the situation in which the lips, which can be easily seen in everyday life, approach with an erotic feeling and the reason and method of the work through the Uncanny theory. In this paper, after studying the conceptual characteristics of Uncanny, which is a tool for interpretation, and the application cases of works, the causes of strengthening eroticism of the lips were classified and investigated. After that, the uncanny emotions of the lips in visual works were analyzed through cases. Uncanny is applied to situations and images that give 'unfamiliar fears' in various fields, and the keywords 'death' and 'sexual' appear in the process of theory development. This paper focused on the 'sexual' part, especially the uncanny felt in the lips, which is a part of the body. Among the exposed body parts, lips are particularly often used as a material for eroticism, and the causes of this were classified through the visual, cultural, and functional characteristics of the lips. Case writers Kim Sung-jin and Ronit Baranga are writers who produce works based on lips. Kim Sung-jin emphasizes and enlarges the image of the lips, and in the case of Ronit Baranga, through repetition and recombination, the uncanny emotions of the lips are created. Uncanny is mainly applied and analyzed only in specific painting trends. In this paper, a new perspective was presented by applying the Uncanny theory to the lip image and analyzing the reason.

긴장감(Tension)'은 예술과 디자인에서 특별한 의미를 지니며, 사회적 사조가 확산되면서 디자인 분야에서 사람들은 항상 전위적이고 특징적인 작품에 호기심을 갖게 되었다. 이론적 배경에서 긴장감 형상은 고정된 장르가 아니라 심리적 요인에 의해 결정되는 조형 또는 디자인 아이디어라고 설명한다. 본 연구의 목적 역시 커피잔 디자인을 주제로 시각적으로 불안정한 요소의 연구이다. 불안정한 상태는 시각적으로 착각을 일으키는 동시에 눈에 띄는 지각과 심리적인 경향으로 나타나지만, 기능을 유지하고 있기 때문에 일상적인 사용에도 무리가 되지 않는다. 이에 본 연구는 긴장감 있는 디자인(Tension Shape Design) 이론을 정리하고 이에 대한 미적 개별화 및 예술적 관점으로 디자인 개념을 재고하는 방법을 소개한다. 또한 긴장감 있는 디자인과 관련된 철학적 사고, 심리학적 사고 및 관련 예술가의 사고방식을 탐구한다. 현대 문화가 발전함에 따라 시대의 상징이자 실험적인 의미를 가진 도자기 제품이 점점 더 사람들의 관심을 받고 있다. 따라서 본 연구에서는 새로운 시대가 가져온 새로운 디자인 사례를 기반으로 개념 분석을 위한 작품과 예술가와 디자이너는 현대 미학과 심리학의 관점에서 신소재를 결합하여 긴장감 조형의 개발 및 이론적 해석을 알아보았다. 또한 선행 이론을 통해 예술가의 작품을 소개하고 긴장감 개념을 적용한 도예 커피잔 디자인을 개발 및 연구로 도자예술에 대한 역발상과 디자인의 확장을 시도하였다. 긴장감 있는 디자인(Tension Shape Design)은 단순한 특정 외관이 아니라 독특한 시각 언어와 매력적인 외관을 가진 스타일을 나타낸다. 본 논문에서는 번거롭고 복잡한 조형물의 설계 단계부터 구조적 요구를 충족시키기 위한 석고 몰드의 제작 과정까지의 과정을 연구하였다. 그리고 이러한 독특한 시각언어를 가진 디자인이 소비자들을 만족시킬 수 있는지를 살펴보았다.

The term 'tension' holds a special significance in art and design, and as societal trends evolve, people in the design field are always intrigued by avant-garde and distinctive works. Theoretical background explains that tension shape is a sculptural or design idea determined by psychological factors, rather than being confined to a fixed genre. The aim of this study is also to explore visually unstable elements through the design theme of coffee cups. The state of instability manifests visually by creating illusions while simultaneously capturing attention through perceptual psychological tendencies. This design approach maintains functionality without disrupting everyday use. In this regard, the study presents the theory of Tension Shape Design and introduces methods to reevaluate the concept of design from an aesthetic individualization and artistic perspective. It explores philosophical and psychological thinking related to tension design, as well as the thought processes of relevant artists.