Earticle

19세기 후반 유럽에서 일었던 일본 미술에 대한 관심과 취향의 근원에는 산업혁명 이후 유럽의장식예술 부흥 운동이 있었다. 본 연구는 일본의 미술품이 유럽 산업 미술의 질적 향상을 가져다줄 ‘예술적 창작의 원천’으로 유럽에 소개되고, 유럽의 산업과 동양의 미술품이 만나는 만국박람회라는 매개체를 통하여 일본 공예품이 유럽의 도자에 어떻게 수용되고 해석되었는지를 고찰해볼것이다. 유럽 도자에서 보이는 일본 미술의 수용 양상은 다음의 세 단계로 설명할 수 있다. 제 1단계는일본 판화의 문양과 소재가 유럽의 도자에 장식되는 시기이다. 이는 유럽에서 일본 미술 애호 현상인자포니즘의 초기 단계에 발생한 것으로, 1873년 오스트리아 빈 만국박람회에 출품된 영국 도자를통해서 그 양상이 잘 드러난다. 또한 19세기 영국의 양식부재 속에서 다양한 분야의 생활용품을디자인하고 생산하며 산업디자인 세계를 개척한 선구자인 크리스토퍼 드레서가 1876년 일본을 방문했던 기회는 영국 산업 미술에 일본 미술의 모티브와 조형적 특성이 반영되는 결정적인 계기가 되기도 하였다. 두 번째 단계는 일본 미술에서 영감을 얻은 모티브가 유럽 도자에 구현되는 단계를 넘어일본 도자의 기술적 특징이 유럽의 도자 제작 과정에 적용되는 것이다. 마키에(蒔絵), 아조(牙彫) 그리고 염직 등과 같은 일본의 전형적인 공예 기법이 유럽의 도자기에 의한 재현으로 이루어지고금속 공예의 기형에서 착안한 작품이 제작되는 등 일본 공예의 기술적 특성을 모방하는 시기이다. 다음으로 일본의 고도자(古陶磁)가 서양으로 다량 유입되게 되면서 유럽 도자의 중심에 새로운 단계의 자포니즘의 움직임이 나타나게 된 시기이다. 1860년대 영국과 프랑스 만국박람회에 일본 미술품이대거 소개된 이후에 유럽 중산층과 부르주아 사이에는 일본 미술품 소장가 그룹이 형성되었다. 이들은 자신들의 예술적 취향과 동양학 연구의 학술적 성과를 결합하여 일본 미술에 대한 보다 체계적인접근을 시도했다. 자포니즘이 사회에 전반에 확산된 1870년대 이후 유럽에서 형성된 새로운 일본미술품 소장가들은 일본 역사와 문화를 전문적으로 소개하는 박물관 설립에 주도적인 역할을 수행하게 되었다. 이러한 움직임과 함께 일본의 도자 역사를 소개하는 일본의 고도자가 유럽에 소개되었으며, 원형(圓形)을 탈피한 자유로운 기형과 요변(窯變) 현상의 미적 특징을 지닌 일본 고도자의 조형미는 서양의 도자 공예에서 새로운 조형의 표현 가능성으로 수용되었다.

The origin of interest and taste in Japanese art, which had been spread in Europe in the late 19th century, was the revival of decorative arts in Europe after the Industrial Revolution. The Japanese artwork was introduced to Europe as the source of artistic creation which was expected to bring the quality improvement of the European industrial art. In this research it is to examine how the Japanese artwork was accepted and interpreted through of the World Exposition in which European industry and the art of the orient encountered. The procedure of the acceptance of Japanese art in European ceramics can be explained in three phases. The first stage is the time when the patterns and materials of Japanese prints are decorated in European ceramics. This occurred in the early stage of japanism, Japanese influence on European art, and it is evident through the British ceramics exhibited at the Vienna World Exposition in Austria in 1873. Moreover, the opportunity for Christopher Dresser to visit Japan in 1876 was a decisive moment for the industrial art of England to reflect the motives and formative characteristics of Japanese art. The second step is that the technical features of Japanese ceramics are applied to the ceramic production process in Europe, beyond the stage where the motif inspired by Japanese art is embodied in European ceramics. Typical Japanese craft techniques such as makie, azo and dyeing works are reproduced by European ceramics, and techniques based on the shape of metal works are produced and imitated. Next, as the Japanese old ceramics were introduced into the West, a new stage of movement of japanism appeared at the center of European ceramics. After the introduction of many Japanese arts in the 1860s, the group of Japanese art collectors was formed between the European middle class and the bourgeoisie. They attempted a more systematic approach to understand Japanese art by combining their artistic tastes with academic achievements of oriental studies. New Japanese art collectors formed in Europe since the 1870s, when japanism spread throughout the society, played a leading role in establishing museums that professionally introduce Japanese history and culture. With these movements, Japanese old ceramics introducing Japanese history of artifacts were introduced to Europe, and the beauty of Japanese old ceramics with the aesthetic features of unconstrained form and the change of glaze during fireworks was noticed and accepted as a possibility of expression of new formatives in European ceramics.

현대 도자예술에 있어 장식기법은 도자 표현을 위한 중요한 요소이며 시대의 미적 의식에 맞춰 다양한 모습으로 변화하고 있다. 여러 장식기법에 있어 표면 장식기법은 점토, 시유, 소성, 전사기법, 핸드페인팅 등으로 발전되고 있으며, 그중 질감 표현은 분청사기에서 볼 수 있는 귀얄기법부터 점토 부착방식, 소지 개발과 같은 실험적인 시도가 이어져 오고 있다. 본 논문에서는 여러 표면 장식기법 중 질감 표현에 집중하여 그 특징을 이해하고 제작방식을살펴보았다. 질감 표현 방식 중 일반 점토가 아닌 물질에 점화하면 연소시키는 것은 가능하지만, 착화온도가 높기 때문에 상온에서는 위험성이 없는 이연성 물질(종이, 석재, 곡물, 폴리스티렌)과 점토의 혼합을 통해 개발된 소지를 활용한 사례를 조사하였다. 1990년대부터 타 재료와의 혼합으로 제작된 소지는 페이퍼클레이(Paper Clay)를 기점으로 여러 도예가에 의해 표현방식 중 하나로 사용되어왔으며, 조형성을 높이고 시각적인 영향을 줄 수 있다는 점에서 주목받아 활용이 점차 확대되면서 다양하게 발달 되어왔다. 현재 도자예술에서 이연성 물질을 혼합해개발된 소지는 질감 표현, 공극, 색상 변화 등의 다양한 방식으로 활용되고 있으며, 이연성 물질을 혼합한 소지를 응용한 도자 표면장식은 다양한 활용가치를 지니고 있다. 또한 사례를 바탕으로 한 실험에서 연구자가 선정한 국내 소지와 자연성 물질을 이용해 결과를 도출하고 작품에 적용해봄으로써 이연성 물질의 활용 가능성을 연구하였다. 이에 본 연구에서는 일반화된 점토에 제한되지 않은 여러 표면장식 창출과 다양한 접근방식의가능성을 확인할 수 있다. 이와 같은 연구가 많은 도예가에게 새로운 제작 영감을 불러일으키고 도자 표면 장식기법 영역의 확대에 기여하길 바란다.

Decorative art in modern ceramics is an important element for the expression of pottery and is changing in various forms to suit the aesthetic sense of the times. In many decorative techniques, surface decoration techniques are developed by clay, Glazing, and Firing Burning, among which experimental attempts have been made, such as the Kuiyaal Technique which can be seen in the Bunchung, clay attachment method, and material development. In particular, the case of using a mixture of non-hazardous substances (paper, stone, grain, polystyrene) was investigated because it is possible to burn them when ignited to substances other than ordinary clay, but because of the high temperature of ignition, it is not dangerous at room temperature. Since the 1990s, the composition of different materials and clay has been used by many potters as a way of expressing started by paper clay, and has developed various ways as the use of other materials gradually expands. In ceramics, a mixture of combustible material is used in various ways such as texture expression, air gap, and color change. It has also been noted that it can increase formality and have visual effects, and is developing gradually. As such, the ceramic surface decoration, which uses a mixture of combustible material, has a variety of uses. In addition, based on case experiment, the researchers used selected local clay and natural materials selected to derive results and apply them to their works to study the potential of combustible material. This study shows the possibilities of various surface decorations and approaches that are not limited to generalized clay. Hopefully, such research will inspire many ceramic artists to create new products and contribute to expanding the area of pottery surface decoration.

본 연구는 철화(鐵畵) 조성비를 기본으로 제주의 천연 지하자원인 스코리아(Scoria)를 이용한안료 개발을 진행하고 도예작업에 적용함으로써, 지역 재료의 활용성과 도예 장식기법의 새로운가능성을 제시하는데 목적이 있다. 제주도는 5회의 분출윤회의 시기와 총 79회 이상의 용암 분출로 생성된 화산섬이다. 화산 분출 과정에서 생성된 화산분출물(火山噴出物)은 다른 지역에서 찾아볼 수 없는 제주만이 갖는독특한 소재이다. 화산쇄설물(火山碎屑物) 중 스코리아(Scoria)는 화산폭발 과정에서 마그마가대기 중으로 방출되면서 형성된 것으로 적철석 계열의 산화철(Fe2O3) 색상과 비슷하며, 성분에서도 산화철(Fe2O3)이 다량 함유되어 있다. 산화철(Fe2O3)의 색상과 성분이 비슷하다는 점은 철화 조성비를 기본으로 스코리아(Scoria)를 이용한 철화 안료 개발 연구로 이어지게 하였다. 이처럼 도예 작업에서 지역성을 갖는 소재 탐색을 통한 연구는 그 지역을 상징화할 수 있고, 정체성을 확보할 수 있다는 점에서 긍정적인 영향을 미친다. 따라서 본 연구는 제주 서귀포시 표선면 가시리 붉은오름에 분포하고 있는 스코리아(Scoria) 를 연구대상으로 설정하고 다음과 같은 과정을 거쳐 철화 조성비를 기본으로 한 안료를 개발하여 도예작업에 적용하였다. 연구 과정은 첫째, 철분 함량이 비교적 높게 나타나고 있는 붉은오름 스코리아(Scoria) 시료(試料)를 채취하고 분쇄한 후, 입도차이에 따른 변화를 관찰하기 위해 분쇄한 시료를 채로 걸러내는 과정을 거쳤다. 둘째, 입도차이에 따라 걸러낸 스코리아(Scoria) 분말을 백색자기토와 6:4의 비율로 배합하여기본 안료를 개발하였다. 또한 안료 조성 비율에 따른 변화를 관찰하기 위해 6:4, 4:6, 7:3의 비율로 구분하여 철화 안료를 개발하였다. 더불어 더 고운 미립질의 철화 안료를 얻기 위해 볼밀(Ball Mill)을 사용하여 동일한 조건에서 분쇄 시간의 변화를 주어 실험하였다. 셋째, 시편을 일정한 두께와 크기로 제작하고 스코리아(Scoria)를 이용하여 개발한 철화 안료로 시문하였다. 이 과정에서 붓의 겹침 횟수에 따른 발색 정도와 변화를 확인하기 위해서 1회에서 3회로 구분하여 시문하였고, 전기가마를 이용하여 1250℃에서 9시간 30분 동안 산화소성한 후, 결과 분석을 하였다. 넷째, 시편 소성(燒成) 결과물을 입도차이와 조성 비율 변화, 볼밀을 사용한 시간 변화로 구분하여 그에 따른 특징을 비교·분석한 후, 이상적인 시료를 도출하고 제시하였다. 스코리아(Scoria)를 이용하여 개발한 철화 안료는 대체적으로 흑갈색계열의 색상이 나타났고 입도차이에따라 다른 결과를 보였으며, 모든 안료에서 다양한 특징이 나타났다. 또한, 붓의 겹침 횟수에따른 결과는 1회 붓칠을 했을 때 유약의 광택과 용융(熔融)상태가 좋게 나타났고, 철화에서와같은 번짐 효과는 적게 나타났다. 40목(目)의 거친 철화 안료는 시문과정에서 어려움이 있었지만 색상과 결정현상이 좋게 나타났다. 시문과정에서 이와 같은 특징이 반영된다면 철화기법과다른 독특하고 새로운 결과를 얻을 수 있을 것이라고 판단된다. 가장 이상적인 결과를 보인 시료는 150목(目) 채로 거른 스코리아(Scoria) 분말과 백색자기토를 7:3의 비율로 배합하고 2시간동안 볼밀을 돌린 철화 안료였으며, 시문과정에서 붓칠이 용이하다는 결과를 도출할 수 있었다. 마지막으로 개발한 철화 안료를 접시에 시문하여 적용함으로써, 도예 작업에서 개발 안료의가능성과 지역 재료의 활용성, 도예 장식기법의 다양성을 모색하여 제시하였다.

The objective of this study is to suggest the utilization of local materials and the new possibility of materials for pottery decoration technique, by developing the pigment with the use of scoria which is the natural underground resource of Jeju based on the composition ratio of iron, and also applying it to the pottery work. Jeju-do is a volcanic island formed by the eruption of lava for more than total 79 times and five times of eruption cycle. The volcanic ejecta generated in the process of volcanic eruption is the unique material of Jeju that cannot be found in any other regions. Out of the pyroclastic materials, the scoria is formed when the magma is released in the air in the process of volcanic eruption. It is similar to the color of iron oxide(Fe2O3) of hematites, and in the component, it contains a great quantity of iron oxide(Fe2O3). The fact that the color and component of it are similar to the ones of iron oxide(Fe2O3) has been led to the study on the development of iron pigment using jeju scoria. Like this, the research through the exploration of local materials for pottery work could symbolize the region and also have positive influences in the aspect of securing the identity. Thus, this study set up the scoria distributed in red volcanic cones of Gasi-ri, Pyoseon-myeon, Seoguipo-si, Jeju, developed the pigment based on the composition ratio of iron through the process as follows, and then applied it to the pottery work. In the research process, first, after collecting and crushing the scoria sample of red volcanic cone with the relatively-high content of iron, the crushed sample was strained through a sieve to observe the results in accordance with changes in the difference of grain size of scoria. Second, by mixing the strained scoria with white pottery clay in the proportion of 6:4 and then straining it through the No.150 sieve, the scoria basic pigment was developed. Also, in order to observe the change in accordance with the composition ratio of scoria, the pigment was developed by dividing the proportion with white pottery clay into 6:4, 4:6, and 7:3. Moreover, to obtain the finer-grained pigment than the sample of pigment strained through the No.150 sieve, it was experimented by changing the time of crushing under the same conditions with the use of ball mill. Third, the sample was produced in the regular thickness and size, and the developed iron pigment was used for decoration. To verify the degree of color and change in accordance with the number of overlapped brush-painting, it was decorated in the division of one time and three times. After performing the oxidative calcination in the electric kiln at 1250℃ for nine & half hours, the results were analyzed. Fourth, after dividing the outcome of sample calcination into the difference of grain size, change in the composition ratio, and the time change of using the ball mill, and then comparatively analyzing the color, the ideal sample was drawn and suggested. The iron pigment mostly showed the dark brown color, and different results were shown in accordance with the difference of grain size. And, diverse changes were shown in all the pigments. Also, regarding the results in accordance with the number of overlapped brush-painting, with the one time brush-painting, the gloss and melting state of glaze were excellent while the spreading effect just like iron-decoration was revealed less. Even though the rough iron pigment(No.40) was tough to be applied to decoration, the color and crystalization were great. If such characteristics are reflected to the decoration process, it would be possible to obtain the new and unique results different from the iron decoration. The sample showing the most ideal result was the pigment in the mixture of scoria strained through the No.150 sieve and white pottery clay in the proportion of 7:3 in the operation of ball mill for two hours, and in this case, the brush-painting was easy in the decoration process. Lastly, the possibility of the developed pigment for pottery work, the utilization of local materials, and the diversity of pottery painting expression were sought for and suggested, by applying the developed iron pigment to the decoration of plates.

본 연구에서는 한지원료와 주입용 이장을 배합하여 제조된 한지소지를 도자기 제조과정에 사용함으로써, 소성과정에서 한지원료가 모두 타고 사라진 자리에 특유한 표면 질감을 갖는 도자기 개발을위해 한지소지를 이용한 도자기 제조방법을 제시하였다. 이를 바탕으로 본 연구는 도자제품에서 디자인의 전략 방안을 제시함으로써 도자제품 산업의 경쟁력 우위 확보에 필요한 기초자료를 제공하는 데에 그 목적이 있다. 이러한 연구목적을 달성하기 위해 먼저 한지원료를 주입용 이장에 배합하여 한지소지를 준비하고, 이 한지소지를 소정의 석고 몰드 조각에 일정 두께로 붙였으며, 한지소지를 붙인 석고 몰드 조각의측면이 내측으로 향하도록 석고 몰드를 조립하였다. 이 후에 석고 몰드에 이장용 슬립을 주입하여 일정 시간 후 남은 슬립을 쏟아낸 후 일정 시간 지난 다음 탈형하여 성형 기물을 얻고, 성형 기물을 초벌구이로 한지원료를 태우고 시유하였으며, 시유한 기물을 재벌구이를하여 한지소지의 질감을 활용한 도자제품을 제조하였다. 이상과 같이 본 연구에서는 한지소지의 질감을 활용한 도자제품을 개발함으로써 소성과정에서 한지가모두 타고 사라짐에 따른 특유한 표면 질감을 갖는 도자제품을 구현할 수 있는 가능성과 한지의 기능 및도자제품의 장식성 및 실용성을 살리고 도자제품 디자인의 다양화를 제시하였다는 점에서 의의가 있다고 할 수 있다. 또한 본 연구에서 개발한 한지소지의 질감을 활용한 도자제품은 생활도자의 가능성의 지평확대 즉 요리, 테이블 웨어 세팅, 도자 체험, 도자 콘텐츠 개발 등으로 소비 시장을 촉진하거나 집중화하여 수요 기반을 구축할 수 있는 토대를 마련하고자 하였다.

The purpose of this study was to suggest how to make use of Korean paper body produced by mixing the materials of Korean paper and casting slips in the process of making ceramics to develop ceramics with unique surface texture in the spot where the materials of Korean paper would be burnt away in the firing process. To attain the purpose of the study, Korean paper body was prepared by mixing Korean paper materials and casting slips, and the Korean paper body was attached in a constant thickness to plaster mold pieces. The pieces were assembled into a plaster mold, and the sides of the pieces to which the Korean paper body was attached faced inwards at that time. Afterwards, casting slips were injected into the plaster mold, and the remaining slips were poured out after a certain time passed by. And then removal was done after a specific time period to obtain ware. The ware went through biscuit firing to burn the Korean paper materials and to be glazed, and the glazed ware went through second cuisson to make a ceramic product using the texture of the Korean paper body. This study can be said to be of significance in that it developed a ceramic product using the texture of the Korean paper body to show the possibility of creating a ceramic product with unique surface texture generated by burnt Korean paper, and this study also is significant in that it played up the functions of Korean paper and the ornamentality and practicality of ceramics and proposed the diversification of ceramic design. This study that developed a ceramic product using the texture of the Korean paper body is expected to pave the way for the promotion of ceramic consumption, for the centralization of the ceramic market and ultimately for the creation of demand by expanding the sphere of ceramic livingware from cooking and table setting to experience of making ceramics and the development of ceramic contents.

본 논문은 시대의 변화와 흐름 속에 지속적으로 제기되고 있는 생태 위기에 대한 해결책을 생태주의적 입장에서의 논의와 더불어 미술을 통한 생태 운동의 가능성에 대한 연구이다. 일반적으로 환경에 대한 사회적 관심은 1960년대부터 시작되었다. 이후 과학, 철학, 정치 등의 분야의 연구로 이어졌고, 미술 또한 생명과 환경의 균형적 관계에 대한 관심과표현을 시작하며 사회적 역할을 담당하기 시작하였다. 당시 문화계의 트렌드였던 삶과 분리된 모더니즘에 대한 회의와 더불어 자연과 환경의 일부로서의 미술에 대한 인식이 생기기 시작하였고, 환경과 생명의 존재에 대한 주제를 담은 미술표현에 대한 논의가 시작된것이다. 본 연구에서는 연구자의 작품들의 이론적 배경이 되는 근본생태주의와 사회생태주의의주장에 대하여 알아보고, 생태주의의 철학적, 사회적 사고를 조형화시킨 연구자의 작품들에 대하여 분석한다. 그럼으로써 생태 문제에 대한 경고성 메시지를 담은 또 하나의 미술표현적 방법론을 제시하기 위함이다. 연구 작품들은 생태주의 이론의 기초가 되는 ‘관계성’이라는 주제를 중심으로 분류하여 분석하였다. 작품들은 인간과 타 생명체들을 분리하여 사고하는 이원론적 관계에 대한 작품들과, 인간을 포함한 모든 생명들의 가치를 동등하게 인정하고자 하는 일원론적 관계를 표현한 작품들로 구분하여 알아보았다. 이러한 생태주의의 철학적, 사회적 사고에 기초한 작품 연구를 통해 보다 객관적이고 논리적인 표현이 가능할 것이고, 조형 표현의 사회적 기능 또한 확장시킬 수 있을 것이다.

In the change and stream of age, this study is on discussion in ecological terms about a solution for ecological crisis which is continuously posed and the possibility of ecological movement through Art. Generally, it is said that social concern about the environment has started since the 1960’s. Since then, researches spread to various fields of science, philosophy, politics, etc. Art also started to take a social role as it began to express concern about balanced relationship of life and environment. Recognition of art as a part of nature and environment arouse along with skepticism about modernism, a trend at that time, separated from life. Discussion about art expression began to involve a theme of existence of environment and life. This study will examine arguments of radical ecology and social ecology which are this researcher’s theoretic background and analyze this researcher’s art works which are molding philosophical and social ideas of ecology. That is to suggest another art expressive methodology to involve warning to ecological problems. The researched works were analyzed by classifying them on the focus of a theme, ‘relationship,’ which were the basis of ecological theories. They were divided into one type of works to express dualistic relationship in which human and other creatures are separately considered and the other to express monistic relationship in which all creatures including human are equally recognized. In this respect, research on works based on philosophical and social consideration of ecology will make it possible to select more objective and logical themes and expand social function of installation expression as well.

장신구 소재의 다양성은 착용 시 장소와 분위기에 어울리는 장신구 선택의 폭을 넓혀 자신만의 독특한 분위기를 전달하고 아름다움을 창출하는데 기여하고 있다. 특히, 점토를 재료로 하는도자장신구는 부드럽고 따뜻한 느낌을 주는 소재로서 독특한 질감과 다양한 색채를 통해 예술적 디자인과 창의적 표현이 가능하다. 현대 생활문화 중 한 부분인 도자 장신구는 기술과 이념을 뛰어넘는 기능적이고 탈조형적인 작품이다. 소비자의 요구가 새롭게 변화하고 패션장신구시장의 확대되는 현재의 시점에서 도자공예시장의 발전을 위한 방안의 모색이 필요하다. 현 시대 우리나라의 도자 장신구에 대한 현황을 살펴보면 1980년대를 시작으로 학위논문이 주로 발표되기 시작하였으며 1998년 ‘한국도자장신구회’의 출범은 도자장신구의 영역의 확대를가져오게 된 계기가 되었다. 2000년대 초반에는 디자인 개발연구가 주류를 이루었으나 2018년현재는 디자인개발과 더불어 브랜드개발 연구의 경향을 보이고 있다. 작가들의 작품 현황을 설문조사하여 현재 제작되어지고 있는 장신구의 재질, 형태, 가격, 이미지패턴 등을 분석하여 도자 장신구의 작품 현황을 파악하였다. 또한 수요자의 선호도 조사를 실시하여 혼합재질과 기하학형태, 혼합 색을 좋아하고 공예 관련 전시장과 작가공방에서 주로 구입하며 품격 있고 개성있는 장신구를 요구하는 것으로 나타나 작가와 수요자 간의 관점을 비교 할 수 있는 계기를 마련하였다. 이를 통해 본 연구는 제작되고 있는 도자장신구와 소비자들이 선호하는 도자장신구를 도출함으로써 현재의 위치를 재조명하고 향 후 소비자 요구 만족을 위한 디자인 개발과 지속가능한영역확장, 도자장신구의 정착기와 안정기 사이에서 창의적인 활성화 방안을 연구하였다.

Diversity of accessory materials contributes to deliver its unique atmosphere and create beautifulness by expanding choice of jewelry. Especially, clay is a material which gives soft and warm feelings and make it possible to express creativity and artistic design by its unique texture and various colors. Ceramic jewelry which is one part of contemporary living culture, is functional and anti-formative work beyond technology and ideology. On the way to change the needs of customer and expand the fashion jewelry market, it is the time to seek the way to develop the ceramic jewelry market. Thesis about ceramic jewelry were presented from 1980s in South Korea and foundation of ‘Korea Ceramic Jewelry Association’ served as momentum to expand the field of ceramic jewelry. In the early 2000, Design development reports were mainstream but currently in 2018, brand development reports along with design development are trend. This study surveys the current works of ceramic artists and analyzes materials, form, price and image pattern to understand the trend of contemporary ceramic jewelry. In addition, it surveys the preference of customers to provides opportunity to compare the point of artists and consumers.. They prefer mixed materials and colors with geometry patterns and usually purchase accessories at the exhibitions and workshops. Furthermore, they demand elegant and chic accessories. By this study, it sheds new lights of current status of ceramic jewelry and seek a creative solution for the development and expansion for the satisfaction of customer needs and vitalization of ceramic jewelry which is located between settlement period and stable period.

인간이 자연에서 채취한 점토를 가공하여 쓰임이 있는 물건을 만든 행위가 도예라고 일컫는 활동의 시초라고 볼 수 있다. 공예분야에서 재료의 적절한 사용은 가장 중요한 화두이며, 재료의 새로운 속성을 발견하여 적절하게 이용하는 것 역시 공예가의 숙명이라고 할수 있다. 대학교육을 통해 도예에 입문하고 기술을 습득한 본 연구자의 선행연구는 과거부터 전해져 온 한국적 감성과 기술적 역량을 조사하고 답습하는 방식으로 진행되었다. 이와 같은경험을 통해 수 천년동안 전해진 점토를 다루는 기술과 속성을 충분히 이해하고 적용할수 있게 되었다. 반면에 2차 소성을 통해 완성되는 도자기 제작과정 중 그 어떤 과정도 거스르지 못한 채 법칙을 따라 제작해야 하는 부분에 한계를 느끼기도 하였다. ‘어떻게 점토를 이용하여 전에 보지 못한 새로운 시각적 아름다움을 선사할 수 있을까?’라는 이와 같이 기초적인 질문으로 출발한 본 연구자의 실험은 종이와 흙의 결합이라는 방식으로 나타나게 되었다. 종이더미가 쌓여진 모습에서 자연적 지층형상이라는 영감을 얻게 되었다. 이 과정에서 자연스럽게 종이 더미와 같은 형상을 그대로 복재하는 방법에 대하여 생각하게 되었고, 두 가지 관점에서의 연구가 진행되었다. 첫째로, 종이를 이용하여 종이와 같은 시각적 속성을 재현하는 것이다. 기존의 페이퍼 클레이가 종이를 점토와 일정 비율로 배합하여 혼합한 방식이라면 연구자는 최종적으로 종이 낱장마다 흙물을 발라 적층하는 방식으로 종이를 활용하였다. 즉 종이를 매개체로 사용하되 페이퍼 클레이라는 개념의 점토를 사용하지 않았다. 둘째로, 적층적 구조에 대한 연구다. 이와 같은 속성에서 중요한 것은 레이어가 쌓여 형성된 반복적 형상이었는데, 우연히 찾아온 시각적 영감이 가진 선행 연구와의 연관성, 본인의 주관적 심상과 연결되면서 작품에 적용되는 주요 구조로 사용되었다. 현대도예영역에서 표현된 다양한 다층구조를 살펴보는 과정은 연구자의 시행착오를 줄이는데 큰 도움이 되었다. 이와 같은 연구를 토대로 개발된 종이를 이용한 슬립적층기법은재료와 구조로 인해 가능한 2차 소성 후 형태가공이 가능한 매우 이례적인 상태를 가지게되었으며 다양한 형태와 색감을 창출할 수 있었다. 본 연구는 재료적 관점에서의 실험이었으며 동시에 친숙한 것들을 재구성하여 미감을 창출하는 과정이다. 이를 통해 보는 이로 하여금 재료가 가진 반전적 속성을 즐길 수 있도록하며 익숙한 것들에 대한 새로운 시각을 이끌어 낼 수 있기를 바란다.

Human beings first processed clay that they collected and turned it into something useful, which was the beginning of Ceramics. One of the most important topics in the field of crafts is the proper use of materials. It is craftsmen's destiny to discover new attributes in materials and make proper use of them. The researcher, who was introduced to pottery and acquired its techniques through college education, conducted previous research in ways of examining and following the Korean sentiment and technical capabilities that had been passed down from the past. I was able to fully understand and apply the techniques and attributes of handling clay that had been transmitted for thousands of years through this experience, facing limitations with the part that should follow the codes without resisting any process of pottery making to be completed in second firing. I carried out a new experiment conceived by a basic question, "How can I use clay to create new visual aesthetics that has never seen before?" The experiment was based on a combination of paper and clay. Piles of paper became an inspiration for natural stratum forms, in which process the investigator came up with a method of copying such forms as piles of paper naturally. The present study was conducted from these two perspectives: First, it set out to reproduce visual attributes such as paper by using real paper. The old paper clay was to mix and combine paper and clay in a certain ratio. The researcher used paper in a way of applying slip to each piece of paper and piling them up. That is, paper was used as a medium, but the clay in the concept of paperclay was not used. Second, the study conducted research on a layering structure, in which attribute the repetitive forms of layers were important. An accidental visual inspiration was connected to the investigator's previous experimemt and subjective imagery and then used as a main structure to be applied to the work. The process of looking into various multi-layer structures expressed in modern pottery was very helpful for reducing my trial and error. The slip layering technique with paper based on these research findings resulted in a very rare state capable of processing forms after second firing thanks to materials and structures, creating a variety of forms and colors. The present study conducted an experiment from the perspective of materials and underwent a process of reorganizing things that were familiar and creating aesthetics. It will hopefully help viewers enjoy twist attributes in materials and find new viewpoints in familiar things.

미술영재 교육기관은 2005년 대구교육청 산하 대구교육대학교 미술영재원을 시작으로 2017년 미술영재 교육기관이 전국 87곳, 학생 수 4,122명, 교사 수 1,598명으로 꾸준히 증가하고 있다. 하지만 미술영재 교육기관은 양적 성장에 비해 미술영재 선발기준이나 프로그램 개발, 전문교사 육성 등 기관마다 서로 정보를 공유하기 보다는 각 기관별로 수업이 이루어지는 경향이 있어서 미술영재 육성의 질적 보완이 필요한 시기로 판단되었다. 이에 본 연구는 영재교육종합데이터 베이스(GED) 시스템을 활용하여 미술영재 교육기관의 실태를참조하였으며, 미술영재 교육기관의 분포도에 기초하여 문제점을 분석하고, 보완점을 제언하였다. 제언으로첫째, 미술영재 교육의 질적 내실화를 강화해야 한다. 둘째, 조발성 미술영재를 위한 교육이 우선시 되어야한다. 셋째, 초·중등 미술영재 교육의 연계성이 강화되어야 한다. 넷째, 미술영재에 대한 판별 검사 도구의질적 보완이 이루어져야 한다. 다섯째, 미술영재 전문가를 육성해야 한다. 여섯째, 학부모 교육이 지속적으로이루어져야 한다. 일곱째, 간학문적 교육과 재정적 투자가 지속적으로 이루어져야 한다. 여덟째, 종단연구를통해 미술영재 육성의 가치를 증명해야 한다. 미술영재 교육기관의 양적 증가도 중요하지만 질적 보완을 통해 미술영재를 육성하고, 그들의 재능이 개인뿐만 아니라 국가의 부가가치를 창출하는데 일조할 수 있도록체계적으로 연구하는데 의의가 있다.

This Starting from the Art Center for the Gifted in Daegu National University of Education under the Daegu Metropolitan Office of Education in 2005, the art educational institutes for the gifted children are continuously increasing like 87 institutes, 4,122 students, and 1,598 teachers in the whole nation of 2017. However, compared to the quantitative growth, each art educational institute for the gifted children has its own lesson programs, instead of sharing information about the selection standard for the gifted children in art, the development of programs, and the cultivation of specialized teachers, so that it would be necessary to qualitatively complement the cultivation of the gifted children in art. Thus, this study referred to the actual status of art educational institutes for the gifted children by using the Gifted Education Database(GED), analyzed the problems based on the distribution chart of art educational institutes for the gifted children, and then suggested the complementations. The suggestions of this study are as follows. First, the qualitative substantiality of art education for the gifted children should be strengthened. Second, the art education for the precocious gifted children should be prioritized. Third, the connection between elementary and secondary art education for the gifted children should be strengthened. Fourth, the discrimination testing tool for the gifted children in art should be qualitatively complemented. Fifth, the experts in art for the gifted children should be trained. Sixth, the parents education should be continued. Seventh, the interdisciplinary education and financial investment should be continued. Eighth, the value of fostering the gifted children in art should be verified through longitudinal studies. The quantitative increase of art educational institutes for the gifted children is also important. However, the significance of this study is to systematically research for the cultivation of the gifted children in art through the qualitative complementation, so that their talent could contribute to the creation of added value of individuals and state.

신속조형기술은 현재 다양한 분야와 융합을 이루며 빠른 속도로 발전하고 있다. 가장 대중적인FDM 방식의 3D 프린터는 공정상 얇은 레이어가 남기 때문에 반드시 후가공을 거쳐야 한다. 그러나이러한 적층의 흔적에서 나타나는 반복성과 치밀함은 수공예적 가치의 가능성을 가지며 3D 프린터가원형 제작 뿐 아니라 적극적인 묘사의 매체로서 사용될 수 있음을 나타낸다. 본 연구에서는 FDM 방식의 3D 프린터 출력물 특유의 적층흔적을 하나의 예술적 표현으로 변환하고자 하였다. 이를 위해 슬립을 이용한 자유곡선과의 대비를 통해 기계적 장식을 기반으로 한 새로운표현기법을 제시하는데 목적이 있다. 자유 곡선을 제어하기 위해 다양한 도자 기법 중 슬립 트레일링을 이용하였다. 또한 원형의 형태보다적층의 흔적에 집중했고 이를 통해 3D 프린터가 예술품 제작에 있어 수단이 아닌 목적으로 활용될수 있는 지점을 확인하였다. 적층의 흔적을 그대로 살리기 위해 캐스팅 기법을 활용했고, 적층 구조와자유곡선의 대비를 극대화할 수 있었다.

3D printers are currently developing rapidly, converging with various fields. The most popular FDM 3D printer must undergo a back-up process because it leaves a thin layer in the process. However, the repeatability and precision shown in these layers have the potential for handcrafted values and indicate that the 3D printer can be used as a medium of active description as well as circular fabrication. In this study, the FDM 3D printer output was designed to convert its unique laminated traces into an artistic expression. The purpose of this strategy is to present new expression techniques based on mechanical decoration through contrast to free curve using slip. Slip trailing was used among various ceramic techniques to control free curve. It also focused on the lower layers of traces rather than the original form, which identified where 3D printers could be used for purposes other than means in the production of artwork. It used casting techniques to preserve traces of its base layer and maximise preparation of layered structure and free curve. In this study, we have discovered the possibility of expanding the area to utilize 3D printers by exploiting layers that had to be machined.

자사호(紫砂壺)는 특수 제작 공예와 장식기법으로 중국의 공예 미술사에서 중요한 위치를 차지하고 있다. 장쑤성 이싱 시는 신석기 시대부터 지금까지 수천 년의 도자기 제작 역사를 가지고 있다. 또한 이는가장 오랜 역사를 지닌 최대 규모의 자사호 생산지로서 궁궐에 공물을 바치고 민간 상품을 유통시키는중요한 임무를 맡았다. 청대 시대는 이싱(宜興) 자사호제작 기술이 가장 성숙된 시기였는데, 특히 강희(康熙), 옹정(雍正), 건륭(乾隆) 황제 시기에는 민간 공예를 관리하는 엄격한 제도가 형성되었다. 본 연구에서는 청대 강희, 옹정, 건륭 황제 시기 시대별 이싱 자사호의 장식기법 및 청대 시대 자사호장식기법의 변화 양상에 대해 연구하였다. 따라서 시대 변화 양상과 당시의 공예 발전이 공예의 심미적 변화와 필연적 연관이 있음을 알 수 있었으며, 청대 시기의 자사호의 장식 기법의 특징은 화범랑(画珐琅), 옻칠(鬆漆), 니회(泥绘), 금속장식(描金) 등 자사태(紫砂胎)의 면적은 갈수록 줄어들어 옻, 금속, 보석 등재질로 대체되었다. 이는 웅장하고 화려한 반면 자사(紫砂)재질 자체의 양상을 잃게 되었다. 청대는 소수민족이 정권을 잡은 시대이며 다민족이 서로 융합된 사회를 형성하였다. 따라서 한족(漢族) 문인화(文人 画)의 예술풍격을 띤 명나라의 자사호와 비교할 경우 청대의 이싱자사호는 더욱 다양한 예술풍격과 더욱복잡한 장식기법을 갖고 있다.

Purple clay teapot has an important position in the history of Chinese arts and crafts due to its special manufacturing and decoration techniques. Yixing, Jiangsu province, has thousands of years of pottery making history since the Neolithic age. As the largest and oldest producing area of purple clay teapot, it has undertaken the important task of paying tribute to the court and distributing folk commodities. The Qing dynasty was the most mature period of Yixing purple clay art, especially in Kangxi, Yongzheng and Qianlong periods, a strict technological system of " government building and people burning" was formed. hence we have carried out a research on the decoration techniques of yixing purple clay teapotsthis during this time.

紫砂壶因其特殊的制作工艺和装饰技法，在中国的工艺美术史上具有重要的地位。江苏宜兴，从新 石器时代开始至今，拥有几千年的制陶历史。作为紫砂壶规模最大，历史最悠久的产地，承担了向 宫廷进贡和民间商品流通的重要任务。清代是宜兴紫砂技艺最为成熟的时期，特别是在康熙，雍 正，乾隆时期，形成严格的“官搭民烧”的工艺制度。 本文以清代康熙，雍正，乾隆三个时期为顺序，针对清代宜兴紫砂壶的装饰技法进行研究，探 究出清代紫砂壶的装饰技法的演变趋势。并论证这一趋势与当时工艺发展，工艺审美变迁的的 必然联系

한국의 도자기 역사는 19세기 후반에 접어들면서 조선관요인 分院의 체제 전환으로 인해 이전의 제작구조와 수요기반이 해체되어 새로운 틀로 재편하였다. 이 과정을 통해 근대 도자의 실질적인 길목에 들어섰다는 점에서 특별히 주목된다. 그러나 실질적으로는 서구의 신기술 수용이 요구되던 개화기의 상황에서 조선백자의 위상이 크게 흔들릴 수밖에 없었고, 공예의 개념을새롭게 정립하고 도자기의 용도를 다변화시키기에 역부족이었던 시대상황은 한국 근대도자의서막을 암울하게 만들었다. 물론 이 과정에서 대한제국기(1897-1910)의 개화를 통해 근대화를이루려는 쟁점들이 대두되어 요업 전반에 새로운 도약이 생겨난 점은 큰 의미를 갖는다. 비록이 시기 역시 요업체제가 역동적으로 변화하지는 못했지만, 부국강병을 위한 근대화정책으로서공예산업의 활성화를 시도한 점에서 의의가 적지 않다. 이후 근대도자공예의 핵심적 위치에 있었던 일제강점기는 일제의 간섭과 강요에 따른 구조의재편과정을 통해 도자 생산은 그 어느 때보다 많은 한계에 부딪쳤고 결국 조선백자는 수요기반을 상실한 채 일제에 경도된 도자문화를 형성시킬 수밖에 없었다. 특히 일제 치하에서의 도자산업이 자율성을 대부분 상실하게 되자 수천 년 간 유지되어 온 백자제작은 정체성을 잃고 본격적으로 반전되기 시작했다. 이처럼 한국 도자사에서 근대도자는 격동하는 國政과 함께하며 파란을 겪었고 급변하던 정세에 적절하게 대처할 수 없었던 조선의 운명에 따라 결정되었다. 따라서 근대도자의 핵심형성기인 분원 민영화로부터 일제강점기의 흐름을 주축으로 하여, 이 시기에 전개된 제작상의 변화과정 및 한계를 이해한다면 한국 근대도자의 근대성을 파악하는데 한 발 다가갈 것이다.

Entering the late 19th century, Korean ceramic history reorganized the system of the ceramic production and the demand-led management which had collapsed after the management changeover of Bunwon, Chosun's governmental kiln site. It is especially noteworthy that in the process Korea stepped into actual modern ceramic era. However, it was needed to bring in new technology of the West in Korea's Enlightenment(Gaehwa) period and it made the status of Chosun's white porcelain very shaky, and the lack of enough capability to establish a new concept of crafts and diversify the uses of ceramics made the beginning of Korean modern ceramic history gloomy. Of course, it is very meaningful that in this process, there was a new leap in the whole areas of the ceramic industry because of some reformers trying to accomplish modernization through the Enlightenment(Gaehwa) in the period of Daehan Empire(1897-1910). Even though the system of the ceramic industry in this period also didn't change dynamically, the fact that there was attempts to invigorate the ceramic industry as a part of the modernization policy for building up national strength has great significance. In the period of Japanese colonial occupation, which is the key part of Korean modern ceramic crafts history, the process of the system reorganization resulting from imperial Japan's interference and coercion caused more limitations in the ceramic production than any other time and Chosun's white porcelain eventually lost its base for demand-led system, which led to the formation of a Korean ceramic trend biased toward the Japan's. After Korean ceramic industry lost most of its self-regulation, the white porcelain that had been produced for thousands of years lost its identity and began to retrogress. As mentioned above, Korean modern ceramics underwent difficulties in Korean modern ceramic history along with the turbulent national politics and was controled by the fate of Chosun who couldn't cope with the troubled situation. Therefore, on the basis of understanding the key formative period of Korean modern ceramics that was from the privatization of Bunwon to the Japanese occupation period, if the change process of the ceramic production and the limitations are understood it will be a step forward for understanding the modernity of Korean modern ceramics.