Earticle

본 연구는 인간의 삶 속에서 경험의 본질을 규명하고, 예술에 접근함으로써 ‘일상의 경험’을 통해 미 적 의미와 표현을 찾고자 하였던 존 듀이(John Dewey)의 ‘경험철학’을 중심으로 그의 철학적 기반과 경험의개념, 핵심요소등을고찰한다. 이를토대로작품제작에있어적용될수있는미적경험의 성립원리와 과정을 제시하는데 연구의 목적이 있다. 본 연구는 II장에서는 일반적인 경험의 개념을 정리하고, 듀이 관점에서의 경험의 본질과 작용원리를 확인한다. III장에서는 듀이의 경험철학의 결정체라 할 수 있는 그의 저서 ‘경험으로서의 예술’이 지니는 가치와 주요 내용을 살펴보고, 미적 경험의 기본개념을 통해 경험 성립의 이론적 근거를 제시한다. 아울러 미적 경험의 본질인 ‘하나의 경험’에 대해 살펴본다. IV장에서는 창작자의 작품 제작에 있어 경험의 의미 형성 과정에 대해 살펴본다. 또한, 작품 제작에 있어 ‘경험이론’의 적용 가능성에 대해 알아보고 듀이의 미학적 관점에서 작품의 의미와 가치에 대해 논의한다. 이를 통해 듀이가 말하고자 하는 ‘경험철학’의 핵 심을 이해하고 공예가의 관점에서 작품 제작에 적용하고자 한다.

This study examines John Dewey's philosophy of experience, concept, and principles of establishment, focusing on John Dewey's ‘Art as Experience’, which sought to identify the essence of experience in human life and find aesthetic meaning and expression through daily experience. Based on this, the aim of the study is to represent the principles and processes of establishing aesthetic experiences that can be applied to the production of ceramic works. This work summarizes the concepts of experience in Chapter III and identifies the essence and working principles of experience from a Dewey’s perspective. Chapter III examines the values and main contents of Dewey's book ‘Art as Experience’, which can be called the core of Dewey's philosophy of experience, and presents the theoretical basis for the establishment of experience through the basic concept of aesthetic experience. I also look at the essence of aesthetic experience, ‘one experience’. Chapter IV explores the process of creating meaningful experiences in the production of the maker's work. In addition, I explore the applicability of the ‘experience theory’ in craft work production and discuss the meaning and value of the work from Dewey's aesthetic point of view. Through this, I want to understand the core of Dewey's experience theory and apply it to the production of works from the perspective of craftsmen.

분청사기는 고려 후기에서 조선 전기에 걸쳐 제작된 자기의 일종으로 세종 연간(1419~1450) 을 전후해 절정을 이루다가 15세기 후반부터 쇠퇴하기 시작했다. 그러나 이 시기에 분청사기의 한 종류로써 백토분장 후 철분이 함유된 안료로 문양을 그리는 철화분청은 계룡산 지역을중심으로 성행했다. 분청사기 철화기법은 충남 공주군 반포면 학봉리 계룡산 기슭에서 주로 제작되었기 때문에‘계룡산 분청사기’라고 하며, 15세기 후반부터 16세기에 걸쳐서 많이 제작되었다. 철화기법은 산화된 철분이 포함된 철사안료를 주로 사용하는데 이 안료는 물에 닿으면 빨리 퍼지기때문에 아주 빠른 필치로 그려야하므로 백토 위에 그림을 자유롭게 그려 표현할 수 있었다. 특히 계룡산 학봉리 철화분청사기는 간소하고 강렬한 몇 개의 선으로 물고기를 비롯해 연꽃, 모란 등 다양한 문양을 표현했다. 본 연구에서는 분청사기의 여러 문양 중 계룡산 분청사기의 물고기 문양과 비슷한 시기의그려진 어해도(魚蟹圖)를 비교 연구함으로서 물고기 문양을 통해 나타난 계룡산 철화분청사기이어지는본인의 연구에서 도자기를 회화적 관점으로 확장하는 도자작품 창출에 활용하고자 한다.

The buncheong ceramics of Korea developed toward the end of the Goryeo dynasty. It continued into the early part of the Joseon Dynasty, reaching its pinnacle around the reign of King Sejong (1419~1450). Buncheong ceramics is a type of high-fired stoneware which developed from the celadon toward the end of the Goryeo dynasty, however its existence was short-lived and it reached its end around the latter part of the 15th century. Buncheong ceramics is known for its many surface decoration methods, particularly with the application of white liquified clay known as ‘slip’. The clay body for making buncheong is high in iron content and therefore it produces a grayish-brown color when fired in a reduction firing. Once the white slip is applied, the surface is decorated in many different ways. This study looks in particular at the brown and white surface decoration method using iron oxide which was historically centered around the Gyeryongsan Mountain area of Korea. The buncheong ceramics focusing on surface decoration technique using iron oxide, was mainly produced around Gyeryongsan Mountain – to be more precise Gongju-gun Banpo-myeon Hakbong-ri of Chungnam Province which is around Gyeryongsan Mountain. As a result it was also known as ‘Gyeryongsan Mountain buncheong ware’. This was produced in abundance around the end of the 15th century and into the 16th century. The technique applied for this particular buncheong type was using oxidized iron as the main material for surface decoration. However iron spreads easily on clay surfaces therefore precision was difficult to maintain. Brush strokes required to be swift and exact on top of a surface already applied with white slip. Density of iron oxide mixed with water, was therefore important in order to maintain precision and accuracy. The advantage of the material was that it gave a certain amount of freedom to create painting-like effects on clay surfaces. The distinct feature of Gyeryongsan Mountain Hakbong-ri iron oxide buncheong was the simplified and strong linear qualities found in motifs such as fish, lotus flower and peony. This study focuses on fish motifs applied onto Gyeryongsan Mountain buncheong ceramics. These motifs are compared to fish paintings of the period known as ‘Urhaedo(魚蟹圖)’ in Korean. The objective is to research on the distinct characteristics of the method in which fish motifs were drawn on buncheong ceramics of this particular region. In the second part of the study, the aethetics in terms of understanding the tendency of the period depicted in paintings is examined simultaneously as observing the way in which motifs are painted on buncheong ceramics. In the third part, the scholarly nature of Joseon paintings is examined in order to understand the techniques applied in paintings of the time. The period toward the end of the Joseon dynasty is also taken into consideration for research investigation. In the fourth part of the study, the diverse method in which the iron oxide patterns were applied is examined. Here the focus is mainly on the fish motif. In the final fifth part, the symbolic aspects of the fish motif as a sign of good omen and opulence is observed. Many of Korea’s ceramics over centuries have applied the fish motif. The study focuses on the development of buncheong around the Gyeryongsan Mountain region, simultaneously as concentrating on the fish motif depicted in buncheong ceramics. The historical background on the significance of the fish motif is researched both in ceramics and in paintings. In order to conduct this study, I have interviewed the necessary specialists additionally as looking at researched materials on the subject. I sincerely hope that this research will attract much attention and I hope that many more will expand the field for further research work on the same subject.

한국의 도자기 역사는 19세기 후반에 접어들면서 조선관요인 分院의 체제 전환으로 인해 이전의 제작구조와 수요기반이 해체되어 새로운 틀로 재편하였다. 이 과정을 통해 근대 도자의 실질적인 길목에 들어섰다는 점에서 특별히 주목된다. 그러나 실질적으로는 서구의 신기술 수용이 요구되던 개화기의 상황에서 조선백자의 위상이 크게 흔들릴 수밖에 없었고, 공예의 개념을새롭게 정립하고 도자기의 용도를 다변화시키기에 역부족이었던 시대상황은 한국 근대도자의서막을 암울하게 만들었다. 물론 이 과정에서 대한제국기(1897-1910)의 개화를 통해 근대화를이루려는 쟁점들이 대두되어 요업 전반에 새로운 도약이 생겨난 점은 큰 의미를 갖는다. 비록이 시기 역시 요업체제가 역동적으로 변화하지는 못했지만, 부국강병을 위한 근대화정책으로서공예산업의 활성화를 시도한 점에서 의의가 적지 않다. 이후 근대도자공예의 핵심적 위치에 있었던 일제강점기는 일제의 간섭과 강요에 따른 구조의재편과정을 통해 도자 생산은 그 어느 때보다 많은 한계에 부딪쳤고 결국 조선백자는 수요기반을 상실한 채 일제에 경도된 도자문화를 형성시킬 수밖에 없었다. 특히 일제 치하에서의 도자산업이 자율성을 대부분 상실하게 되자 수천 년 간 유지되어 온 백자제작은 정체성을 잃고 본격적으로 반전되기 시작했다. 이처럼 한국 도자사에서 근대도자는 격동하는 國政과 함께하며 파란을 겪었고 급변하던 정세에 적절하게 대처할 수 없었던 조선의 운명에 따라 결정되었다. 따라서 근대도자의 핵심형성기인 분원 민영화로부터 일제강점기의 흐름을 주축으로 하여, 이 시기에 전개된 제작상의 변화과정 및 한계를 이해한다면 한국 근대도자의 근대성을 파악하는데 한 발 다가갈 것이다.

Entering the late 19th century, Korean ceramic history reorganized the system of the ceramic production and the demand-led management which had collapsed after the management changeover of Bunwon, Chosun's governmental kiln site. It is especially noteworthy that in the process Korea stepped into actual modern ceramic era. However, it was needed to bring in new technology of the West in Korea's Enlightenment(Gaehwa) period and it made the status of Chosun's white porcelain very shaky, and the lack of enough capability to establish a new concept of crafts and diversify the uses of ceramics made the beginning of Korean modern ceramic history gloomy. Of course, it is very meaningful that in this process, there was a new leap in the whole areas of the ceramic industry because of some reformers trying to accomplish modernization through the Enlightenment(Gaehwa) in the period of Daehan Empire(1897-1910). Even though the system of the ceramic industry in this period also didn't change dynamically, the fact that there was attempts to invigorate the ceramic industry as a part of the modernization policy for building up national strength has great significance. In the period of Japanese colonial occupation, which is the key part of Korean modern ceramic crafts history, the process of the system reorganization resulting from imperial Japan's interference and coercion caused more limitations in the ceramic production than any other time and Chosun's white porcelain eventually lost its base for demand-led system, which led to the formation of a Korean ceramic trend biased toward the Japan's. After Korean ceramic industry lost most of its self-regulation, the white porcelain that had been produced for thousands of years lost its identity and began to retrogress. As mentioned above, Korean modern ceramics underwent difficulties in Korean modern ceramic history along with the turbulent national politics and was controled by the fate of Chosun who couldn't cope with the troubled situation. Therefore, on the basis of understanding the key formative period of Korean modern ceramics that was from the privatization of Bunwon to the Japanese occupation period, if the change process of the ceramic production and the limitations are understood it will be a step forward for understanding the modernity of Korean modern ceramics.

최근 예술의 새로운 소통 방식이 요구됨에 따라 기술과의 융합에 대한 관심이 고조되고 있다. 디지 털 문화가 확장되면서 새로운 유형의 온라인 전시들이 빠르게 생겨나고 있으며, 첨단기술을 활용하여 관람객과의 상호작용을 통해 적극적인 전시 참여를 가능하게 한다. 특히 메타버스 플랫폼에서 진행되 고 있는 전시들은 가상의 공간 속에서 진행하기에 전시 공간을 다양하게 제작할 수 있으며, 직접 체험 이 가능한 경험을 제공하여 관람객의 능동적인 참여를 요구한다. 공간성을 내재하고 있는 도자는 전시 공간의 활용을 극대화하기 위하여 다양한 전시 방향에 대해 모색하고 있는데, 이에 본 논문에서는 도 자 전시의 효과적인 개선방안 탐색을 위해 메타버스 플랫폼을 활용한 전시에 대한 연구를 진행하고자 한다. 본 연구에서는 도자의 장소성에 대해 알아보기 위하여 장소 특정적 미술에 대해 연구하고, 현대 도 자 전시의 경향에 관한 분석을 통해 도자 전시가 성장할 수 있는 방향에 대해 알아보았다. 메타버스 플랫폼에서 진행한 국내·외 도자 전시의 긍정적인 효과와 한계점을 바탕으로 개선 가능한 방안을 도 출하여 도자 전시의 새로운 유형 및 활용방안을 탐구하고자 하였으며, 가상 뮤지엄의 구성요소와 상호작용 방식을 대입하여 관람객과의 상호작용이 가능한 도자 전시의 활성화 방안에 대해 연구하였다. 이 를 통해 최근 메타버스 기반 도자 전시들은 기술적인 부분에 더 초점을 맞추다보니 메타버스 플랫폼의 이점인 관람객들 간의 상호작용이 부족함을 확인할 수 있었으며, 향후 진행될 전시에서는 관람객들 간 의 상호작용뿐만 아니라 관람객과 작가와의 상호작용까지 제공한다면 더 적극적인 참여가 가능한 도자 전시가 될 것임을 알 수 있었다.

Recently, as a new communication method of art is required, interest in convergence with technology is increasing. As digital culture expands, new types of online exhibitions are rapidly emerging, and advanced technologies are used to enable active participation in exhibitions through interaction with visitors. In particular, exhibitions on the metaverse platform can be produced in various ways because they are held in a virtual space, and they provide an experience that can be experienced directly, requiring active participation of visitors. Ceramics with built-in spatiality are seeking various exhibition directions to maximize the use of exhibition space, so this paper intends to conduct research on exhibitions using metaverse platforms to explore effective ways to improve ceramic exhibitions. In this study, in order to find out the placeability of ceramics, we studied place-specific art, and analyzed the trend of modern ceramic exhibitions to find out the direction in which ceramic exhibitions can grow. Based on the positive effects and limitations of domestic and foreign ceramic exhibitions conducted on the metaverse platform, we tried to explore new types and ways to utilize ceramic exhibitions, and studied how to activate ceramic exhibitions that can interact with visitors by substituting components of virtual museums. As a result, recent metaverse-based ceramic exhibitions focused more on technology, confirming the lack of interaction between visitors, which is the advantage of the metaverse platform, and in future exhibitions, if they provide interactions between visitors and artists, they will be more active.

IT 산업의 발달로 현대인들은 디지털 세상과 긴밀하게 상호작용하고 있는데 그러한 현상은 팬데믹 이후 더욱 심화되고 있다. 이러한 사회현상 속에서 버추얼 인플루언서 ‘로지’의 인간과 매우 유사한 모습에서 오는 이질감은 현대인들에게 낯설고 익숙한 감정을 느끼게 한다. 본 연구는 과거 초현실주의 자들이 추구했던 언캐니와 21세기 디지털시대의 언캐니의 차이에 주목하였다. 20세기 언캐니는 산업화 에 따른 인간신체의 기계화로 인한 불쾌 및 두려움과 같은 외상적인 것이었다면, 21세기는 하나의 미 적 취향으로 사회에 받아들여지고 있다. 이러한 현상을 3명의 현대도예작가의 작품을 통해 동일한 미 학이 시대에 따라 어떻게 반영되고 있는지를 밝히는데 목적이 있다. 세르게이는 에로틱한 그림과 무관한 형태를 대비시켜 억압받고 있는 인간의 본성에 대한 탐구를, 존 슨 창은 사실적인 인체 묘사에서 오는 기묘함과 유희성을, 셰리 보일은 상반되는 개념의 경계를 허물 어 낯설고 기괴한 존재 속에 작가의 욕망을 투영시킨다. 연구는 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 동일한 미학적 개념이라도 시대변화에 따라 다른 성 격으로 나타나고 있다는 사실을 알 수 있다. 둘째, 디지털 시대의 언캐니는 과거와 비교하였을 때 유 희성이라는 두드러진 특징을 보여주고 있으며 사회에서 하나의 취향으로 작용하고 있다는 사실도 밝힐 수 있었다. 마지막으로 현대도예를 분석하는 틀이 부정성의 미학에만 치우쳤다면 본 연구는 시대적 특 징을 비교하여 기존의 미학적 특성과 표현영역에 대한 분석틀의 확장을 꾀할 수 있었다.

With the development of the IT industry, modern people are closely interacting with the digital world, and such a phenomenon is getting worse after the pandemic. In such a social phenomenon, the sense of heterogeneity that comes from the human-like appearance of the virtual influencer ‘ROZY’ makes them feel unfamiliar and familiar to modern people. This study focused on the difference between the uncanny pursued by the surrealists in the past and the uncanny in the digital age of the 21st century. While uncanny in the 20th century was traumatic such as discomfort and fear caused by the mechanization of the human body following industrialization, the 21st century is being accepted by society as an aesthetic taste. The purpose of this phenomenon is to reveal how the same aesthetics are being reflected according to the times through the works of three contemporary ceramic artists. Sergei explores the oppressed nature of human nature by contrasting forms unrelated to erotic paintings, Johnson Tsang presents the strangeness and playfulness that comes from realistic depictions of the human body, and Shary Boyle breaks down the boundaries of opposing concepts and projects the artist's desires into an unfamiliar and bizarre existence. The study drew the following conclusions. First, it can be seen that even the same aesthetic concept appears with different characteristics according to the change of time. Second, it was possible to reveal the fact that uncanny in the digital age shows a distinctive feature of playfulness compared to the past and acts as a taste in society. Lastly, if the framework for analyzing modern ceramics was focused only on the aesthetics of negativity, this study could expand the analysis framework for the existing aesthetic characteristics and expression domain by comparing the characteristics of the times.

한국과 중국은 역사 이래로 상호 문화의 교류가 오래된 국가로, 도자문화에 있어서 뛰어난 미적 창출능력과 그 제작 기술이 높이 평가되고 왔다. 특히 중국은 도자의 종주국으로서 우수한 문화를 형성하여 한국에도 많은 영향을 주었다고 인식하고 있으며, 그 중에서도 청자의 영향과 교류는 양국 문화교류에 있어서 상당한 비중을 차지하고 대표하는 중요한 사례라고 할 수 있다. 현재까지 나타난 바에 의하면, 고려청자에 영향을 준 것으로 보여 지는 대표적인 도요지로 중국 북방의 여관요, 요주요, 자주요와 중국 남방의 월주요, 용천요 등으로 알려지고 있으며, 실제로 중국 송대의 여러 청자요지에서 파생된 청자 제작 기술과 장식기법 등은 고려청자 발전 과정에서도 많은 영향으로 보여져왔고 이후 양국 도자 사료에 있어서도 다양한 양상으로 나타나고 있다. 특히 북송대의 관요로 일컬어지는 대표적인 가마들인 보풍청량사요, 문묘여관요, 장공항요 등에 대한 기초조사는 고려자기와의 관계, 그리고 각 요지별 도자의 양식과 이들의 상관성을 이해하는데 필수적이라고 사료되어 기본적인 고증 자료와 문헌 등을 통해 전반적인 이해를 도모하고 대표적인 요지들에서 나타난 도자의 특징과 고려청자와의 상관관계를 고찰하고자 한다. 또한 고려청자와 북송 청자의 실증적 사례를 들어 여관요, 여주요의 청자 기형과 문양, 유사형태 기물 등을 비교하여 고려청자가 발전하는데 있어서 상호 어떤 연관성이 있는지 살펴보고, 이를 바탕으로 고려청자의 근원과 변화의 근거와 체계를 적립함은 물론 앞으로 전통 청자의 올바른 인식과 발전적 방안을 찾고자 한다.

Korea and China have been exchanging mutual cultures since ancient times, and both countries have been highly appreciated for their porcelain culture as well as for their excellent aesthetic ability. Especially, China has formed a good culture as a suzerain state for porcelains, which has had a great influence on Korea. Among them, the influence and exchange of porcelains are a significant part of the culture for both countries and are an important example of representative cultural exchange between the two countries. As is generally well known, in the first half of the 12th century, Goryeo produced excellent porcelains with celadon color, and it cannot be denied that this reflects some influence of China Song dynasty. However, the influx of China porcelain culture seems to need tangible presentation not only in the record but also in various areas such as formative beauty and patterns. For this purpose, historical materials and literature data centered on the major celadon sites in China Song, which contemporarily had many cultural exchanges with Goryeo dynasty, are required to be surveyed with relics produced at that time. And it is also necessary to do research on the firing method, fabrication technique, shapes and decoration method in major sites of South Song and North Song. Therefore, in recognizing the fact that celadon in the Goryeo era are influenced by China as presupposed, this study attempts to logically find similarities and original aspects with China porcelains as a basis for succession and development of our traditional culture by examining the characteristics of Goryeo celadons and China porcelains in various areas and presenting the correlations, through various Chinese historical materials and literature data on major sites of porcelains and excavated artifacts of Song dynasty in China. The characteristics of early Goryeo porcelains appearing from the late 10th to the early 11th century show diverse aspects such as the simultaneous production of brick kiln, celadons and white porcelains by the influence of kiln in northern and southern China, the start of biscuit firing, the stacked-firing method according to the use of fireproof clay bases, and the emergence of inlaying technique and oxidized steel painting technique, etc. However, in the end of the 11th and the early 12th centuries, Jin dynasty emerged in China, which became the occasion that northern China porcelains had much influence on Goryeo celadons. According to the previous studies, those representative sites of porcelains that have influenced celadons in the middle of the Goryeo dynasty can be referred to Dingyao, Yaozhouyao, Ruguanyao, Cizhouyao in northern China and Wuezhouyao, Jingdezhenyao and Longquanyao in southern China. In conclusion, celadons fabrication techniques and decorations derived from sites of various China porcelains of North Song and South Song were influential in the development of Goryeo celadons, demonstrating diverse aspects in exchange of porcelains between the two countries.

현대 사회는 다양한 콘텐츠 영역이 하루가 다르게 풍부해지고 있으며 여가시간 활용에 대한 관심도 높아지고 있다. 정부의 근로제도로 직장인들의 여가시간이 증가하며 저녁이 있는 삶을 지향하게 되었 다. 또한 진로탐색의 일환과 학업 과열에 시달리는 학생들의 정서적 안정과 창의적 두뇌활동으로의 도 예활동에도 관심이 높아지고 있다. 과거 산업화 시대에는 공장에서 양산된 도자제품의 수요가 주를 이 루었다면 현재는 수공예의 가치가 높아지며 공방의 도자제품 수요가 꾸준히 증가하고 있다. 이런 도예 활동과 수공예제품의 구매는 도자공방이 활동지역에 인접해 있음으로써 꾸준한 참여와 판매가 이어질 것으로 주변의 도예공방 현황과 도예문화의 활성화 방안을 연구하기 위하여 청주시를 대상으로 본 연 구를 진행 하였다 청주시민의 특성 및 도자공방의 현황을 파악하기 위하여 청주시청, 청주문화산업재단 및 청주공예비 엔날레 홈페이지와 관련 자료집을 통해 자료를 수집하고 인터넷검색 및 협회 전시도록을 통해 청주시 소재 도자공방을 파악하였다. 이를 토대로 청주시 관내 도자관련 지원정책사업 등을 조사하고 청주시 내 전문가 집단을 대상으로 심층인터뷰를 통해 도자공방의 활성화 방안을 제안하였다. 연구결과에 도자 공방 대부분은 1인 체제로 운영되다 보니 공방의 교육, 제작, 유통, 판매의 다양한 역할을 홀로 감당하기에 어려움이 있었다. 이를 청주시 문화사업관련 기관들의 다양한 콘텐츠와 유통, 판매의 채널을 확대하고 공방간의 네트워크를 형성하여 청주시 기관들과 상호소통의 원활함이 필요한 실정이다. 또한 도자공방의 활성화 방안으로 한국공예관이 있는 문화제조창을 방문하는 방문객들과 청 주공예비엔날레 기간 동안에도 각 공방 홍보물을 제작하여 지역민에게 공방 프로그램에 대한 안내를 돕고 마지막으로 청주시 내 도자네트워크를 중심으로 청주시 지원정책사업의 참여를 독려함이 필요하다.

Modern society is enriching various content areas day by day, and interest in utilizing leisure time is also increasing. The government's work system has increased the leisure time of office workers and led to evening life. There is also growing interest in pottery activities as part of career exploration and emotional stability of students suffering from overheated academic studies and creative brain activity. In the past industrialization era, demand for ceramic products mass-produced in factories was the main reason, but the value of handcrafting is now increasing and demand for ceramic products in workshops is steadily increasing. This study was conducted on Cheongju City to study the status of pottery workshops and ways to revitalize the pottery culture, as ceramic workshops are adjacent to the active areas. In order to understand the characteristics of Cheongju citizens and the current status of ceramic workshops, the Cheongju Cultural Industry Foundation, and Cheongju Craft Biennale websites and related data collections were collected. Based on this, the government investigated ceramic-related support policy projects in Cheongju City and proposed ways to revitalize the ceramic workshop through in-depth interviews with experts in Cheongju City. According to the research results, most of the ceramic workshops are operated in a single-person system, so the various roles of education, production, distribution, and sales of the workshops are different. It was difficult to handle alone. In this regard, it is necessary to facilitate communication with Cheongju-si institutions by expanding various channels of content, distribution, and sales and forming a network between workshops. Also, during the Cheongju Crafts Biennale with visitors to the cultural manufacturing window where the Korean Crafts Museum is located as a way to revitalize pottery workshops, it is necessary to produce promotional materials to guide local residents about the workshop program and encourage them to participate in the Cheongju support policy project.

당삼채 인물도용은 조각이 정교하고 풍부한 조형적 감각으로 다채로운 채색을 보여주고 있다. 또한 인물의 신분에 맞는 생생하고 자연스러운 모습을 보여주고 있으며, 이는 생동감이 있는 살아 숨 쉬는 듯한 조형으로서 당나라 시기 각 사회 계층의 인물상과 실크로드를 오가는 번화한 국제무역의 모습을 잘 보여주고 있다. 당나라는 대외문화교류가 잦은 데다 다문화에 대한 개방적이고 포용적인 태도로 인 하여 외래문화의 요소가 자연스럽게 당삼채 인물도용 제작에 융합되었다. 당시 사회인들의 사회생활의 축소판들을 정확하게 반영하고 있다. 특히 당삼채 여성도용의 풍만하고 다양한 이미지는 후대에게 무 한한 상상과 영감을 가져다주며 또한 현대의 우리에게 당나라 시대의 자유롭고 소탈함과 대범하고 포 용적인 인문정신과 번창했던 당나라 성당(盛唐)시대의 모습을 근거리에서 느끼게 하여 준다. 본 논문은 당삼채 여성도용의 조형과 색조, 작품 정신 등에 대한 분석을 통해 당나라 시기의 부흥한 사회 풍모와 시대적 특징, 그 당시의 사회 미적 풍토 등에 대해 좀 더 포괄적인 이해를 하게 되었다. 당삼채 여성 인물도용이 보여주는 밝은 얼굴 표정의 형상, 풍만함 몸체의 형상과 머리 장식의 다양성, 복장의 형태 와 변화, 유약 색채의 심미적 감흥 등 다양한 모습을 보여주고 있는 여성도용의 종류를 통해 그 시대 상황에서의 여성의 역할과 지위 등을 엿 볼 수 있다. 또한 당삼채의 제작 기예를 계승하는 기초위에서 문화적 가치와 예술의 미적 영감을 얻어 현대적 미감에 맞는 당삼채 예술작품을 재창출하기를 희망한다.

Tang SanCai ceramic figurine is elaborately sculpted and shows colorful colors with a rich formative sense. In addition, it shows a vivid and natural figure that suits the status of the character in a living and breathing form with a sense of vitality, and it shows the figure of each social class during the Tang Dynasty and the bustling international trade going back and forth on the Silk Road. Due to the frequent exchanges of foreign cultures in the Tang dynasty and an open and inclusive attitude toward multiculturalism, elements of foreign culture were naturally fused into the production of Tang SanCai ceramic figurine. It accurately reflects the microcosm of the social life of the people of that time. In particular, the rich and diverse images of female ceramic figuries in the Tang Dynasty bring infinite imagination and inspiration to future generations, and also give us a sense of the freedom, the bold and inclusive humanistic spirit of the Tang Dynasty, It makes you feel at close range of the prosperous Tang Dynasty. This paper has a more comprehensive understanding of the social and aesthetic climate of the Tang Dynasty, and to know the characteristics and the social style of the Tang Dynasty by analyzing the shape, color and spirit of the female ceramic figurines. Through the types of female ceramic figurines that shows the bright facial expression, the shape of the voluptuous body and the variety of hair ornaments, the various shape and the style of clothes , the glaze color and the various aspects, women's role and status in the context of the Tang Dynasty can be glimpsed. Also, on the basis of inheriting the production skills of Tang SanCai, we hope to obtain unique inspiration from an aesthetic point of view to create an artistic work of Tang SanCai that fits the modern aesthetic.

차는 중국에서 천 년의 역사를 가지고 있으며, 점차 음용 기능을 뛰어넘어 일련의 행위 및 문화적 활동으로 발전되었다. 일상생활 용기로서의 변화는 시대적인 배경과 사용 상황의 영향을 받아 물질문 화의 한 일부분을 이루었고 사람들이 만들어 낸 사물과 사람 사이의 관계를 형성했다. 중국의 당송 시기는 차 문화가 시작하고 발전하는 번성기로서 차 문화가 성행함에 따라 찻잔은 전문 적으로 차를 마시는 식기로 발전했다. 본 논문은 당송 시기 차 문화와 도자기 찻잔에 대한 연구를 통 해 두 시기의 찻잔 변화를 비교하고 당시 찻잔의 사용 상황을 차 문화의 발전 추세와 결합하여 찻잔의 변화 이유를 해석한다. 당대부터 송대까지 찻잔의 형식이나 유약에서 현저한 차이점을 보이고 있는데 차 문화 시각에서 볼 때 이는 당시의 제다법과 차 마시는 방식과 차 문화의 추세 변화와 관련된다. 사 물의 특징을 일상과 사용 상황의 맥락에서 관찰하면 더 많은 차원에서 도자기 찻잔에 대해 풍부하게 이해할 수 있다.

Tea, which has a long-standing history in China, has gradually developed and used in a series of behaviors and cultural activities beyond its drinking function. The generation and evolution of utensils, as one part of the material culture, is restricted by the background of the Times and the usage situations and reflects the relationship between people and object. Tang and Song dynasties of China are prosperity periods for the origin and development of tea culture. As tea culture becomes more and more popular, teacups gradually become a special tea vessel. This paper compared and summarized the characteristics of teacup changes during China's Tang and Song periods. The reasons for the changes in teacups are then explained by placing them in the context of teacup usage and the development tendency of tea culture in those two periods. Teacups from the Tang dynasty to the Song dynasty, there were considerable changes in terms of shapes and structures as well as glazing colors. The differences have a close relationship with changes in the way tea was made and drunk and tea culture trends of development under different social backgrounds as far as tea cultures are concerned. Representing the object to the daily use scenario enables the development of a more multidimensional understanding of ceramic teacup.

본 논문은 일제 강점 전반기 일본인 엘리트들에 의해 수집된 고려청자가 이후 재현되는 과정의 전 모를 고찰하는데 목적을 두었다. 강점 이전부터 진행된 청자 수집의 열기는 조선으로 도항하여 요업에 종사하던 재조일본인들에게 새로운 인식을 부여하였다. 이들은 당대 청자의 열광을 식민문화의 일환으 로 편입하면서 대중화하고자 하였다. 강점 초기 청자제작의 종사자들은 청자가 지니고 있는 본래의 가 치를 내포하면서 근대적으로 재해석할 수 있는 재현청자를 제작하는데 주력하였다. 그러나 시기가 흐 를수록 재현의 의미는 식민지배에 정당한 문화적 논리를 내세우며 변질되기 시작했다. 재현청자의 제 작자를 비롯하여 수요공급과 유통에 이르기까지 재조선 일본인들이 독점하게 되면서, 이 시기 청자의 재현이 나아가야 할 방향은 다방면에서 전환된 것이다. 무엇보다 전통성의 혼란과 생산의 주체가 전환 되자, 청자의 정체성은 표류하기 시작했다. 즉 근대적 도자 접근과 새로운 장르의 구현이라는 측면에 서 본다면 ‘재현’은 주목할 수 있는 근거가 충분했지만, 결과적으로는 올바른 전승문화의 창달에 이 바지하지 못하고 외래적인 영향력에 지배받는 신문물로 안착하였다.

The purpose of this thesis is to examine the entire process of the subsequent reproduction of Goryeo celadon collected by the Japanese elite during the first half of the Japanese colonial rule. The enthusiasm for collecting celadon from before the strong point gave a new perception to the Japanese who were engaged in ceramics by traveling to Joseon. They sought to popularize the enthusiasm of the celadon by incorporating it as a part of colonial culture. Strengths Participants in the early celadon production focused on producing reproduced celadon that can be reinterpreted in a modern way while embedding the original value of celadon. However, as time passed, the meaning of representation began to deteriorate, putting legitimate cultural logic in colonial rule. The monopoly of the Japanese recreated celadon, from the producers to the supply and demand, and distribution, changed the direction in which celadon reappearance should proceed in this period. Above all, as the traditionality and the subject of production were transformed, the identity of the celadon began to drift. In other words, in terms of the modern approach to ceramics and the realization of a new genre, ‘representation’ had enough grounds to be noted, but as a result, it did not contribute to the creation of a proper tradition of tradition and settled down as a newspaper dominated by foreign influences.