Earticle

예이츠가 낭만주의 시인이자 극작가인 바이런 경의 영향을 받았으며, 특히 그의 희곡 『맨프레드』에 매료되었다는 것은 잘 알려진 사실이다. 예이츠의 쿠훌린과 바이런의 만프레드는 내면에서 극심한 죄책감에 시달리며, 그들이 죽음을 대하는 방식은 창작자들의 예술적 철학을 드러낸다. 특히 진실을 알게 된 무게에 대처하고 죽음에 맞서는 방식은 두 주인공에게 있어 매우 비교할 만하다. 본 논문은 예이츠의 극베일리스 스트랜드에서 와 쿠훌린의 죽음 에 나타난 쿠훌린의 모습, 그리고 바이런의 극 만프레드 에 나타난 만프레드의 모습을 살펴보고, 각기 다른 극적 상황 속에서 두 영웅의 언어, 기질, 심리적 유사점과 차이점을 논의한다.

It is well known that Yeats was influenced by the Romantic poet and dramatist Lord Byron, having been fascinated by his dramatic poem Manfred. Yeats’s Cuchulain and Byron’s Manfred are intensely tortured by remorse in their inner lives, and the way they handle their own deaths sheds light upon their creators’ artistic philosophies. The ways in which each hero copes with the weight of true knowledge and confronts death are particularly comparable. Looking at the Yeatsian portrayal of Cuchulain in On Baile’s Strand and The Death of Cuchulain, as well as Byron’s depiction of Manfred in Manfred, this paper discusses the heroes’ similarities and differences in language, temperament, and psychology under distinct dramatic conditions.

이 논문은 W.B. 예이츠의 ｢부활절, 1916｣을 자크 랑시에르의 정치미학, 특히 ‘감각의 분할’ ‘치안’ ‘불화’ ‘정치적 주체화’ ‘문학성’의 개념을 통해 재독해한다. 기존 연구가 이 시를 주로 예이츠의 정치적 양가성, 부활절 봉기에 대한 찬반 판단, 혁명적 폭력의 미학 혹은 민족주의적 기억의 문제로 다루어 왔다면, 이 논문은 논의의 초점을 이데올로기적 입장 판단에서 감각적 질서의 변형으로 이동시킨다. ｢부활절, 1916｣에서 미래의 봉기 주체들은 처음에는 더블린의 일상적 사회 질서 속에서 직업, 친분, 소문, 농담, 사적 감정의 대상으로만 인식된다. 그러나 부활절 봉기는 이들을 단순한 사회적 인물에서 공적 기억 속에 기입되어야 할 정치적 이름으로 변환시킨다. 본 논문은 “예의바르지만 무의미한 말들”(polite meaningless words)이 치안적 감각 질서를 드러내고, “무서운 아름다움이 태어났다”(A terrible beauty is born)가 그 질서의 파열을 명명하며, “나는 그것을 시로 써낸다”(I write it out in a verse)가 죽은 자들의 이름을 공적 세계 안에 재배치하는 문학적-정치적 행위임을 논증한다. 이를 통해 본 논문은 예이츠의 양가성을 해소되어야 할 모순이 아니라 불화를 지속시키는 서정적 형식으로 재해석하고, ｢부활절, 1916｣을 합의 없는 공적 기억을 생산하는 정치미학적 사건으로 읽는다.

This article rereads W.B. Yeats’s “Easter, 1916” through Jacques Rancière’s politics of aesthetics, with particular attention to the distribution of the sensible, police order, dissensus, political subjectification, and literarity. Rather than treating the poem primarily as an expression of Yeats’s political ambivalence, a judgment on the Easter Rising, an aestheticization of revolutionary violence, or a nationalist act of commemoration, the article shifts the focus to the poem’s reconfiguration of perception. In “Easter, 1916,” the future rebels first appear within an ordinary Dublin social order, where they are recognizable as acquaintances, professionals, eccentrics, objects of anecdote, or figures of private grievance, but not yet as political subjects. The Rising interrupts this perceptual regime and compels a new count of the common world. The article argues that “polite meaningless words” names the poem’s initial police order; that the refrain “A terrible beauty is born” registers the shock of dissensual appearance; and that “I write it out in a verse” performs a literary act of political inscription. By writing the dead into verse, Yeats gives them a public visibility that neither casual sociability nor state discourse can provide. The poem’s ambivalence is therefore not a failure of judgment but a formal mode of dissensus: it creates a public memory without converting that memory into ideological consensus.

본 논문의 목적은 예이츠의 시에 나타난 꿈과 비전에 대해 살펴보는 데 있다. 꿈과 비전이 가진 중요성은 이 두 가지 요소가 시적인 영감의 원천이 될 수 있다는 것에 있다. 예이츠의 시에서는 꿈과 비전에서 유래한 이미지를 종종 볼 수 있으며, 단순한 관찰자가 아닌 예언자로서의 화자가 등장한다. 가령, “The Second Coming”에서 눈앞에서 펼쳐지는 폭력적인 이미지를 관찰하던 화자는 곧 이것이 하나의 비전이며 계시임을 깨닫게 된다. 다른 시, “The Cap and Bells”는 꿈에서 직접적인 영감을 받은 작품이다. 그러한 점에서 이 글은 우선 예이츠에게 영향을 주었던 비전과 꿈에 대한 논의를 간략하게 살펴본 후, “Towards Break of Day,” “The Cap and Bells”와 “The Second Coming”을 중심으로 평생에 걸친 예이츠의 비전과 꿈에 대한 관심이 어떻게 시에 대한 영감을 주었는지 논의할 것이다.

This article aims to examine the dreams and visions in Yeats’s poetry. Their Importance of the dreams and visions lie in their potential to inspire poetry. Several of Yeats’s poems use images from dreams or visions and speakers who are not just observers but seers. “The Second Coming,” for instance, shows the narrator who observes images of violence unfolding before him and realizes that the images came to him as a vision, or a revelation. Another poem, “The Cap and Bells,” was directly inspired by dreams. This essay, therefore, attempts to explore how Yeats’ lifelong interest in visions and dreams served as inspirations for his poetry through discussions on three of his poems: “Towards Break of Day,” “The Cap and Bells” and “The Second Coming” after a brief survey of the literature on visions and dreams that had formative influence on Yeats.

본고는 입양학의 관점에서 다니엘 드포의 『로빈슨 크루소』(1719)와 W.B. 예이츠의 ｢도난 당한 아이｣(1886)를 새롭게 읽고자 한다. 두 작품은 장르적·역사적 차이에도 불구하고 『로빈슨 크루소』의 프라이데이와 ｢도난 당한 아이｣에서 등장하는 인간의 아이로 대표되는 취약한 존재가 모두 원국가/원문화/원가족으로부터 분리되어 입양국/입양문화/입양가족으로 재배치되는 여정을 보인다는 점에서 비교할 만한 가치를 지닌다. 본 연구는 초국가적 입양을 인도주의적 구조라는 측면과 아동의 상품화라는 관점 사이의 논의를『로빈슨 크루소』와 ｢도난 당한 아이｣에 대입하여 분석하며, 이 과정을 통하여 두 작품을 학제적으로 재해석함으로써 문학 연구와 입양학 간의 학문적 대화를 모색한다.

This paper re-reads Daniel Defoe’s Robinson Crusoe (1719) and W.B. Yeats’s “The Stolen Child” (1886) through the lens of adoption studies. Although the two works belong to different literary genres, both depict vulnerable subjects being separated from their birth country/culture/family and relocated into an adoptive country/culture/family. By offering an interdisciplinary reading of these two texts by integrating the debates of portraying transnational adoption as humanitarian rescue and commodifying children, this study strives to bring literary studies into dialogue with adoption studies.

이 논문은 W.B. 예이츠의 대표적인 세 편의 시, ｢재림｣(“The Second Coming,” 1919), ｢부활절, 1916년｣(“Easter, 1916,” 1916), ｢비잔티움으로의 항해｣(“Sailing to Byzantium,” 1927)를 중심으로 신화, 신비주의, 아일랜드 민족주의가 교차하는 양상을 탐구한다. 예이츠의 시는 당대의 폭력적인 현실과 자신이 추구한 질서, 예술, 정신적 초월에 대한 개인적 비전을 조화시키고자 했던 평생에 걸친 고투를 보여준다. 예이츠는 아일랜드에서 정치적·문화적 격변이 거세게 일어나던 시기에 작품 활동을 전개하였다. 이 논문은 예이츠가 신화를 현실로부터의 도피 수단으로 활용한 것이 아니라, 역사를 이해하고 분석하기 위한 하나의 틀로 활용했다고 주장한다. ｢재림｣에서 그는 기독교적 묵시록의 관점을 통해 역사의 붕괴를 공포스럽게 형상화한다. ｢부활절, 1916년｣에서는 정치적 좌절을 용맹한 희생에 대한 비극적이면서도 애절한 찬양으로 전환한다. 반면 ｢비잔티움으로의 항해｣에서는 정치적 현실로부터 완전히 벗어나 시간을 초월하는 예술의 영역을 지향한다. 이 세 작품을 종합적으로 살펴보면, 산산이 파괴된 세계 속에서 인간이 어떻게 삶의 의미와 목적을 발견할 수 있는가라는 문제에 대한 예이츠의 사유가 점차 변화하고 있음을 확인할 수 있다. 결론적으로 이 논문은 예이츠의 탁월함이 단순한 해답을 제시하는 데 있는 것이 아니라, 오히려 그러한 해답을 거부하고 고투 그 자체가 지니는 존엄성을 제시하는 데 있다고 주장한다.

This article explores how myth, mysticism, and Irish nationalism intersect in three of W.B. Yeats’s famous poems: “The Second Coming” (1919), “Easter, 1916” (1916), and “Sailing to Byzantium” (1927). Yeats’ poetry represents a lifetime battle to reconcile the brutal reality of his time with his personal vision of order, art, and spiritual transcendence. Yeats wrote during a time of great political and cultural upheaval in Ireland. This essay contends that Yeats used myth as a framework for comprehending and analysing history rather than as a way to escape it. In “The Second Coming,” he uses a Christian apocalyptic perspective to create a horrifying picture of historical collapse. In “Easter, 1916,” he turns a political setback into a heart-breaking celebration of valiant sacrifice. In “Sailing to Byzantium,” he completely abandons politics in favour of the ageless realm of art. When taken as a whole, these poems show Yeats’s developing answer to the dilemma of how a person might find purpose in a shattered world. According to the article’s conclusion, Yeats’s brilliance is found in his refusal to provide simple solutions; instead, he gives us the dignity of the fight itself.

도리스 레싱의 ｢19호실로｣는 내면성의 심화와 심리적 긴장을 특징으로 한다는 점에서 융 심리학적 관점에서 면밀하게 고찰할 수 있는 작품이다. 본 논문은 Irene G. Watson과 Eva Hunter의 정신분석학적 접근을 토대로, 주인공의 신경증이 분석심리학에서 제시하는 특징들과 어떻게 부합하면서도 동시에 그것으로부터 벗어나는지를 고찰한다. 그러나 기존 연구의 아니무스(animus) 중심적 논의에서 벗어나, 본 연구는 억압(repression)과 그림자 원형(shadow archetype)을 Susan Rawlings의 심리적 붕괴를 촉발하는 핵심 요인으로 규정한다. 이를 통해 주인공이 사회적으로 찬양받는 신혼부부의 아내에서 자살을 시도하는 주부로 추락하는 과정을 추적하고, 그녀가 구현하는 ‘가정의 천사’(“Angel in the House”)라는 페르소나와 전후 사회의 가정적 이상에 부합하지 못한 채 억압된 그녀의 성격적 측면 사이의 충돌을 분석한다. Susan이 마지막에 무의식의 영역으로 물러나는 것은 억압된 요소들을 의식적 자각 속으로 통합하는 것을 지향하는 융 심리학의 목표를 역전시킨다. 이러한 역전을 통해 레싱은 전후 주부가 경험하는 내적 갈등, 즉 개인적 성취와 자아실현에 대한 각성된 욕망과 자기희생을 요구하는 가부장적 사회의 내면화된 규범 사이의 충돌을 부각한다.

With its deep interiority and psychological tension, Doris Lessing’s “To Room Nineteen” invites a rigorous Jungian reading. Building on the psychoanalytic approaches of Irene G. Watson and Eva Hunter, this paper considers how the protagonist’s neurosis aligns with―and deviates from―the markers laid out in analytical psychology. However, this study departs from those animus-centered arguments by positioning repression and the shadow archetype as the primary catalysts of Susan Rawlings’s psychological rupture. It tracks her descent from celebrated newlywed to suicidal housewife, mapping the clash between her “Angel in the House” persona and the repressed aspects of her personality that fail to comply with postwar ideals of domesticity. Susan’s final retreat into unconsciousness flips the Jungian goal of integrating repressed elements into conscious awareness. Through this inversion, Lessing highlights the postwar housewife’s inner conflict between an awakening desire for personal fulfillment and a conditioned, patriarchal imperative for self-sacrifice.

본 논문은 W.B. Yeats의 후기 전쟁시인 ｢1919년｣(“Nineteen Hundred and Nineteen”)과 ｢내전기의 명상｣(“Meditations in Time of Civil War”)을 중심으로 폭력과 문명의 관계를 분석하고, 이를 통해 예이츠의 순환적 역사철학을 고찰한다. 기존 연구는 두 작품을 아일랜드 독립전쟁과 내전에 대한 정치적 반응, 앵글로-아일랜드 지배계급(Anglo-Irish Ascendancy)의 몰락에 대한 애도, 또는 예술과 전통의 위기에 대한 성찰로 해석해 왔다. 그러나 본고는 두 작품을 하나의 연속적인 역사 인식의 전개로 읽음으로써, 예이츠가 폭력을 단순한 파괴의 원리나 문명의 생성과 해체를 직접적으로 초래하는 원인이 아니라, 문명의 형성과 해체 과정에 개입하는 역사적 조건으로 인식하였음을 밝히고자 한다. ｢1919년｣은 아일랜드 독립전쟁의 폭력 속에서 문명의 붕괴와 예술·질서·전통의 취약성을 형상화하고, ｢내전기의 명상｣은 이를 바탕으로 문명의 기원을 재성찰하고 폭력과 문화적 질서의 역설적 관계를 탐구한다. 본고는 두 작품이 문명의 파괴-생성-파괴의 예감이라는 비완결적인 순환 구조를 형성한다고 주장한다. 이를 통해 예이츠의 후기 전쟁시는 정치적 현실을 넘어 문명의 생성과 붕괴가 반복되는 역사적 운동을 사유하는 역사철학적 텍스트임을 밝힌다. 또한 두 작품을 하나의 연속적인 역사 인식의 과정으로 읽을 때 예이츠 후기시에 나타난 문명 담론의 새로운 해석 가능성이 열린다는 점을 논증한다.

This article examines the relationship between violence and civilization in W.B. Yeats’s late war poems, “Nineteen Hundred and Nineteen” and “Meditations in Time of Civil War”, to explore his cyclical philosophy of history. Previous scholarship has primarily interpreted these poems as responses to the Irish War of Independence and the Civil War, elegies for the decline of the Anglo-Irish Ascendancy, or reflections on the crisis of art and tradition. This study argues instead that the two poems should be read as consecutive stages in Yeats’s historical thought, revealing violence not merely as a destructive force or a direct cause of the formation and dissolution of civilization, but as a historical condition implicated in both processes. “Nineteen Hundred and Nineteen” depicts the collapse of civilization under revolutionary violence, exposing the fragility of art, order, and cultural values. In contrast, “Meditations in Time of Civil War” reconsiders the origins of civilization by showing how violence is implicated in the historical formation of cultural order while simultaneously anticipating renewed destruction. Together, the two poems trace a cyclical movement from destruction to formation and finally to the anticipation of another cycle of collapse. This article argues that Yeats’s late war poetry moves beyond its immediate political context to explore history as a recurring process of the formation and dissolution of civilization. It further demonstrates that reading the two poems as a continuous development in Yeats’s historical thought opens a new interpretation of the discourse of civilization in his late poetry.

본 논문은 조르조 아감벤의 잠재성 개념을 바탕으로 W.B. 예이츠의 ｢내 집 앞의 길｣과 ｢내 창가의 찌르레기 둥지｣를 분석한다. 기존 연구는 예이츠의 내전기 시편을 주로 현실 참여와 예술적 자율성의 관계 속에서 해석해 왔다. 이에 비해 본 논문은 두 작품을 행위 가능성과 현실화의 관계에 주목하여, 하나의 현실적 행위로 완전히 소진되지 않는 잠재성이 서로 다른 시적 형상으로 지속되고 변형되는 과정으로 이해한다. ｢내 집 앞의 길｣은 병사들의 활력에 대한 선망과 전쟁에 대한 직접적인 행동 사이의 간극을 통해, 행위 가능성이 폭력적 현실화로 즉각 전환되지 않고 잠재성으로 지속되는 양상을 형상화한다. ｢내 창가의 찌르레기 둥지｣에서는 이러한 잠재성의 구조가 무너지는 벽과 빈 집, 그리고 그 안에서 지속되는 생명과 새로운 거처의 가능성을 통해 다른 시적 형상으로 나타난다. 두 작품에서 잠재성은 하나의 현실적 결과로 완성되는 것이 아니라, 현실화와의 관계 속에서도 완전히 소진되지 않은 채 서로 다른 형태로 지속되고 변형된다. 이를 통해 본 논문은 예이츠의 내전기 시편을 정치적 비개입이나 수동적 정지의 관점에서 규정하기보다, 역사적 폭력 속에서도 하나의 현실화가 다른 가능성을 완전히 소진하지 않는 시적 방식으로 해석한다. 나아가 본 논문은 아감벤의 잠재성 개념을 예이츠의 ｢내전기의 사색｣에 적용함으로써, 행동과 비행동의 이분법을 넘어 역사적 현실과 시적 창조의 관계를 새롭게 조명한다.

This paper examines W.B. Yeats’s “The Road at My Door” and “The Stare’s Nest by My Window” through Giorgio Agamben’s concept of potentiality. Previous studies have primarily interpreted Yeats’s “Meditations in Time of Civil War” in terms of the relationship between political engagement and artistic autonomy. In contrast, this paper focuses on the relationship between potentiality and actualization, arguing that potentiality, without being fully exhausted in a single actualization, persists and takes different poetic forms in the two poems. “The Road at My Door” represents a potentiality that is not immediately actualized through the contrast between Yeats’s envy of the soldiers’ vitality and the fact that this potential for action does not translate into direct participation in the violence of war. In “The Stare’s Nest by My Window,” this structure of potentiality takes a different poetic form through the collapsing wall, the empty house, and the persistence of life and the possibility of a new dwelling within the ruins. In both poems, potentiality is not completed as a single actual result but continues and transforms in different poetic forms without being exhausted by actualization. This paper therefore interprets Yeats’s response to the Irish Civil War not as political disengagement or passive inaction, but as a poetic mode in which an actualization does not completely exhaust other possibilities within historical violence. By applying Agamben’s concept of potentiality to Yeats’s Civil War poems, this paper sheds new light on the relationship between historical reality and poetic creation beyond the binary opposition between action and inaction.

윌리엄 블레이크는『달 속에 있는 섬』에 산문 풍자극 기법을 도입하여 기존의 드라마와 색다르게 드라마를 구성했다. 이 드라마는 영국에서 산업의 발달로 생긴 사회적, 정치적, 종교적 문제를 적나라하게 풍자한다. 그는 계몽주의 이성과 과학만능주의, 상업화된 예술과 제도화된 예술계의 권위에 대한 분노, 위선적인 종교와 도덕주의를 비판하고 조롱하면서 창조적 자유와 상상력의 중요성을 옹호한다. 그래서 이 산문 풍자극은 인공지능 시대를 살아가는 현대인들에게 개인의 삶과 사회, 그리고 국가의 의미에 대한 경각심을 불러일으키고 있다.

William Blake introduced the technique of the prose satirical drama in An Island in the Moon, thereby creating a dramatic work that differs significantly from traditional drama. This drama candidly portrays the social, political, and religious problems that accompanied the rise of industrialization in Britain. Blake denounces and satirizes Enlightenment rationalism, the unquestioned faith in science, the commercialization of art, the authority of the institutionalized art world, and hypocritical religion and moralism, while defending the importance of creative freedom and imagination. As a result, this prose satirical drama continues to raise contemporary readers’ awareness, especially in the age of artificial intelligence, of the significance of individual life, society, and the nation.

브라이언 프리엘의『몰리 스위니』는 시력을 회복한 여성이 오히려 세계를 상실하는 역설을 그린다. 본 논문은 제임스 J. 깁슨의 생태심리학, 특히 직접지각과 어포던스 개념을 바탕으로 수술 이전과 이후 몰리의 지각 세계를 분석한다. 몰리는 시각이 없어도 몸과 환경의 관계 속에서 생태적 조율을 이루며 안정된 세계에 거주하지만, 수술 이후 새롭게 획득한 시각은 기존의 지각-행위 체계를 교란하여 어포던스의 붕괴와 생태적 방향 상실을 초래한다. 작품의 비극은 시력 회복의 실패가 아니라 시각을 지각의 기준으로 강요하는 시각중심주의의 실패임을 논증한다.

This article examines Molly Sweeney through James J. Gibson’s ecological psychology, focusing on direct perception and affordance. Rather than interpreting Molly’s tragedy as the failure to adapt to restored vision, it argues that she already inhabited a coherent ecological world before surgery through embodied engagement with her environment. Her blindness constitutes a complete perceptual system developed through ecological attunement rather than sensory deficiency. The restoration of sight disrupts this established perception-action system, resulting in affordance collapse and ecological disorientation. By proposing ecological attunement and affordance collapse as complementary analytical concepts, this article reinterprets the play as a critique of ocularcentrism, demonstrating that perception emerges from the relational organization of body and environment rather than from vision alone.

본 논문은 ｢백치 소년｣(“The Idiot Boy”), ｢미친 어머니｣(“The Mad Mother”), ｢가시나무｣(“The Thorn”)를 중심으로, 워즈워스가 백치, 부적격자, 빈자, 미친 여성 등 사회적 약자에게 부과된 당대의 도덕적 낙인을 어떻게 거부하는지를 살펴본다. 특히 애덤 스미스의『도덕 감정론』(The Theory of Moral Sentiments)에 나타난 공감의 논리와 비교하여, 워즈워스가 사회적 약자의 고통과 감정에 정동적으로 반응하고 그 고통에 감응하는 방식을 분석한다. 나아가 본 논문은 ‘정동의 정치학’의 관점에서, 워즈워스가 스미스의 공감 개념에 내재한 위계적 폭력의 근거로 작용하는 “상호성”과 “상상적 추론”의 논리를 어떻게 비판하고 해체하는지를 고찰한다. 이러한 분석을 바탕으로, 워즈워스가 사회적으로 소외된 이들의 슬픔과 분노를 특정한 기준에 따라 위계화하고 규율하려는 스미스적 공감의 지배적 구조에 저항하는 양상을 분석한다. 또한 지능의 결여, 나약함, 게으름 등의 결함을 가진 이들이 공감의 대상으로부터 배제된다는 당대 지배 계층의 도덕적 감정과 판단을 근본적으로 전복하는 논리를 밝힌다.

This paper examines how William Wordsworth challenges the moral stigmas imposed on socially marginalized figures, including the idiot, the socially unfit, the poor, and the mad woman, with particular attention to “The Idiot Boy,” “The Thorn,” and “The Mad Mother.” In comparison with the logic of sympathy articulated in Adam Smith’s The Theory of Moral Sentiments, it analyzes how Wordsworth affectively responds to and becomes attuned to the suffering and emotions of socially vulnerable subjects. From the perspective of the “politics of affect,” the paper further investigates how Wordsworth critiques and dismantles the logic of “reciprocity” and “imaginative inference” underlying the hierarchical violence embedded in Smith’s concept of sympathy. Wordsworth challenges the dominant structure of Smithian sympathy, which hierarchizes and regulates the sorrow and anger of socially marginalized subjects according to socially sanctioned norms. In doing so, he exposes the limitations of the moral sensibility and judgment of the ruling classes of his time, which excluded such subjects from sympathetic recognition on the grounds of their presumed intellectual deficiency, weakness, or idleness.

이 논문은 로런 벌랜트의 정동 이론을 통해 제임스 조이스의 ｢이블린｣과 클레어 키건의『맡겨진 소녀』에서 집이 삶을 지탱하는 방식을 비교한다. 이블린의 집은 이블린의 임금과 돌봄 노동에 기대어 유지되지만, 정작 그 집이 약속하는 좋은 삶에 다가갈 힘을 소진시키는 잔인한 낙관의 대상이다. 부두의 마비는 소진된 현재와 타인의 약속에 맡겨진 미래 사이에서 이어져 온 답보 상태가 몸의 한계로 나타난 결과다. 반면 킨셀라 부부의 돌봄은 소녀가 상황을 헤아리고 말하며 움직일 힘을 키우지만, 대문 앞 이별은 그 돌봄 관계를 이어 갈 사회적 형식이 없음을 드러낸다. 이러한 비교는 삶을 가로막는 애착과 외부 조건에 의해 중단된 돌봄 관계를 구별하고 가족을 돌봄 인프라로 읽는다.

This article draws on Lauren Berlant’s affect theory to compare how homes sustain life in James Joyce’s “Eveline” and Claire Keegan’s Foster. Eveline’s home depends on her wages and care work, yet exhausts her capacity to move toward the good life it promises and thus becomes an object of cruel optimism. Her paralysis at the quay marks an impasse between an exhausted present and a future entrusted to another’s promise. By contrast, the Kinsellas’ care enables the girl to perceive, speak, and move, but the farewell at the gate reveals the absence of a social form capable of sustaining that care. This comparison distinguishes an attachment that obstructs flourishing from a caring relation whose continuation is interrupted by external conditions, and reframes family as an infrastructure of care.