Earticle

논문은 예이츠의 후기 시 ｢자아와 영혼의 대화｣를 니체의 관점에서 재해석 하는 것을 목적으로 한다. 우선, RISS에 발표된 국내 논문의 제목에 자아(Ego)와 자기(Self)란 용어가 어떻게 사용되는 지를 통계학적으로 고찰한다. 그 다음에 융과 프로이트의 심리학적 측면에서 이 두 개념은 어떠한 차이점이 있는지 살펴 본 후에 니체가 『차라투스트라는 이렇게 말했다』에서 자아와 자기, 그리고 영혼에 대해서 어떠한 생각을 가지고 있었는지에 대해 고찰 한다. 마지막으로, 이 시의 1부와 2부 각 연에 반영된 니체의 사상에 대해 『차라투스트라는 이렇게 말했다』를 중심으로 심층 분석한다.

The purpose of this study is to reinterpret Yeats’s later poem “A Dialogue of Self and Soul” from Nietzsche’s philosophical perspectives. First of all, I investigate how the two terms, Ego and Self, were used in the titles of the papers, theses, and dissertations on RISS and show the statistical data of their use of them. Then, I examine the differences in meaning between the two terms from the psychological aspects of Jung and Freud, and find out what thoughts Nietzsche has regarding the terms such as Self, Ego, and Soul. Finally, I reinterpret “A Dialogue of Self and Soul” based on Nietzsche’s philosophical perspectives and show the messages Yeats wants to deliver to the readers throughout this poem.

예이츠는 켈트 신화를 초기 시의 소재로 사용하여 아일랜드에서 문예부흥 시대의 지평을 열 개 된다. 켈트 신화는 고대 아일랜드 지역과 현재 아일랜드를 연결하는 매개물로 작용하여 아일랜드 사람들에게 역사, 문화, 민족 정체성, 독립의 중요성을 계몽하기에 이른다. 이에 골 왕, 퍼거스 왕, 쿠훌린과 같은 신화적 인물은 아일랜드 사람들에게 전형적인 인간의 원형이 된다. 그래서 예이츠는 아일랜드에서 고대 켈트 시대의 문화가 새로운 문예부흥으로 복원되어 고대사 연구에 새로운 전기를 마련하는 계기가 되게 한다.

William Butler Yeats uses Celtic mythology as materials for his early poems and gives an impetus to the period of the literary Renaissance in Ireland. The Celtic mythology acts on the medium for connecting the ancient Irish territory to the present one, and enlightens the Irish on the importance of history, culture, national identity, and the independence of Ireland. The mythical figures such as King Goll, King Fergus, Cuchulain become the archetype of typical human beings for the Irish. Therefore, Yeats hoped that the ancient Celtic culture could be restored to the new literary Renaissance in Ireland and would make a new turning point in the studies of ancient history.

이 글은 예이츠와 디킨슨의 집을 프로이트의 언캐니의 관점에서 논의한다. 프로이트는 어떤 사건이나 개인의 심리적 경험인 언캐니의 개념을 단순히 신비한 것이 아니라 기묘하고 친숙하게 느껴지는 방식으로 구체화한다. 예이츠와 디킨슨에서 익숙한 집은 불안하고 섬뜩한 맥락에서 자주 마주쳐져 자아에 환원될 수 없는 불안감을 낳는다. 구체적으로 본고는 예이츠가 『연옥』에서 현실의 불안과 혼란, 절망의 상징으로서 집을 노인이 표상하는 방식, 그리고 디킨슨이 여성의 역할이 강요되고 억압되는 공간으로 제시하는 방식을 살펴본다. 그녀의 시에서 집을 매개로 자신의 과거를 은폐하고 억누르는 상황은 분열된 자아, 낯선 또 다른 나를 마주치게 한다. 예이츠와 디킨슨에게 언캐니 집은 억압되어 실현되지 못한 자아의 파편들이 잠복하여 출몰하고 의식의 경계가 모호해지는 공간이다.

This paper endeavors to elucidate the portrayal of the house in the works of Yeats and Dickinson through the lens of Freud’s concept of “the uncanny.” Freud’s explication of the uncanny pertains to the psychological encounter with occurrences or entities that are not only enigmatic but also evoke a disquieting sense of dread due to their uncanny familiarity. In Yeats and Dickinson, the ostensibly familiar house emerges within disconcerting and eerie narratives, thereby inducing an inescapable psychological perturbation. This paper explores Yeats’s utilization of the house in Purgatory as a symbol to encapsulate the prevailing disarray, bewilderment, and despondency intrinsic to the old man. Similarly, it delves into Dickinson’s presentation of the house as a confining locus wherein conventional female roles are imposed and stifled. In her poems, concealing and suppressing one’s past through the medium of the house leads her to encounter another divided self, another unfamiliar me. The uncanny house in Yeats and Dickinson metamorphoses into a realm where fractured selfhood is besieged by an overwhelming sense of terror, consequently blurring the demarcations of consciousness.

예이츠는 왜 아직도 많은 독자들과 학자들에게 흥미로울까? 왜 사람들 은 예이츠와 이우환과 사이 톰브리에 매료될까? 예이츠는 모던니스트 시기의 시인인 데도, 이우환과 사이 톰브리는 포스트모더니스 시기의 예술가들인데도? 이 논문은 이 흥미와 매혹의 원천이 무엇인지 알고자한다. 또 이 논문은 데리다를 보면서 그의 디콘 스트럭션-그가 텍스트를 어떻게 생각하고 읽는 지-이 나를 어떻게 작품들(이를테면 이 작품들은, 작가들은 디콘스트럭숀 미학을 알지 못했겠지만, 포스트모던 예술가들 사이 톰블리와 이우환이 만들었고 예이츠의 작품 일부는 디콘스트럭션의 미학으로 만들어 진 작품들이기 때문에)을 잘 읽을 수 있을까를 도울 것으로 생각한다. 또한 이 논문은 젊은 학자들에게 지나치게 나쁜 영향을 미치는 몇몇 저명학자들의 디콘스트럭션의 잘 못된 읽기와 실천을 지적하고자 한다. 이것은 가능하면 빨리 수정되어야 할 방향이다.

Why is Yeats still interesting to many readers and scholars as well? Why do people find Yeats and Lee Ufan and Cy Twombly fascinating?—Yeats is a poet of the Modernist period, and Lee Ufan and Cy Twombly the artists of the Post-Modernist period. I want to find out the origins of the interest and fascination with their work. Also, I look to Derrida whose Deconstruction—his thinking and reading the text—could help me better read works, for instance, by Cy Twombly and Lee Ufan, two postmodernist artists, and some of Yeats’s works, because their works are works of Deconstruction or Deconstruction aesthetics, without their understanding of it. I would also like to point to the misreading of Deconstruction by some critics of importance whose influence on later scholars seems too bad and too strong, which I hope will be rectified sooner or later.

소외라는 세계적 실존적 위기는 개인이 인생의 다양한 단계에서 마주하 게 되는 보편적인 현상이며, 이는 감정적 단절과 인간관계의 긴장으로 이어지곤 한다. 캐서린 맨스필드와 앨리스 먼로의 문학 작품에서는 이 주제가 부부 사이에서 내면화 된 소외감으로 인해 관계가 무너지는 과정을 통해 탐구된다. 맨스필드의 『미스 브릴』과 먼로의 『플로팅 브리지』의 지미는 모두 고립되고 주변과 단절된 상태로 이야기를 시작한다. 그러나 시간이 흐르며, 그들의 외로움은 보다 깊은 희망과 감정적 갈망으로 변화한다. 이야기의 결말에 이르러, 두 인물 모두 개인적인 충만감과 진정한 관계를 향한 추구에 몰두하게 된다. 본 연구는 이 주인공들의 감정적 여정을 분석하며, 고립 의 경험이 궁극적으로 자기 발견과 성장을 이끌어냄을 보여준다. 소외는 큰 고통을 안 겨줄 수 있지만, 동시에 변화를 촉진하고 의미 있는 관계 형성을 가능하게 하는 계기 가 될 수 있다는 점을 논증한다. 두 인물은 감정적 회복력을 바탕으로 내면의 갈등을 극복하며, 치유와 충족을 향한 길을 찾아간다. 따라서 본 논문은 외로움의 고통 속에 서도 그것이 오히려 변화의 가능성을 열어주며, 더 깊고 진실된 관계에 대한 희망을 키워줄 수 있다는 역설을 강조한다.

This paper asserts that alienation in Katherine Mansfield’s Miss Brill and Alice Munro’s Floating Bridge represents both an emotional rupture and a catalyst for transformation. By examining Miss Brill, an elderly woman who derives fleeting solace from her imagined companions, alongside Jimmy, a man grappling with marital and existential challenges, this study explores how emotional isolation evolves into a yearning for authenticity and healing. In Miss Brill, the protagonist’s delight in observing life is shattered by overheard ridicule, leading to a profound confrontation with her solitude. Similarly, Jimmy’s ambiguous encounter with a stranger in Floating Bridge results in a moment of emotional clarity that alters his self-perception. These pivotal narrative moments illustrate how alienation, despite its painful nature, can become a pathway to self-awareness and latent hope. The paper contextualizes these internal journeys within broader social and cultural frameworks, highlighting how factors such as gender, age, and societal perspectives contribute to each individual’s emotional estrangement. Ultimately, this analysis reveals that alienation in the works of Mansfield and Munro is not merely a source of suffering but a peculiar force that can initiate a journey toward deeper emotional understanding and the quest for more genuine human connections.

본 논문은 예이츠(W. B. Yeats)의 후기 시에 나타나는 몸의 위상을 니체(Friedrich Nietzsche)의 몸 철학, 특히『차라투스트라는 이렇게 말했다』에 제시된 ‘큰 이성’과 ‘작은 이성’ 개념을 중심으로 분석한다. 엘리엇(T. S. Eliot)이 지적했듯, 예이츠는 노년에 이르러서도 자기 갱신을 지속하며, 노쇠한 몸을 단순한 한계가 아니라 새로운 사유와 창조를 가능하게 하는 동력으로 재구성한다. 후기 시에서 몸은 생물학적 쇠퇴의 상징이 아니라 상상력과 예술적 통찰의 근원으로 기능하며, 이는 전통적인 형이상학적 이원론을 비판하고 몸을 사유와 가치 창조의 중심으로 본 니체의 철학과 긴밀히 공명한다. 본 논문은 ｢자아와 영혼의 대화｣, ｢탑｣, ｢미친 제인이 주교와 이야기하다｣를 중심으로, 자아가 영혼을 포용하며 ‘나’에서 ‘우리’로 확장되는 과정, 노쇠한 몸이 상상력과 창조적 활동을 촉발하는 양상, 몸과 정신이 대립을 넘어 상호 의존적 관계로 재구성되는 방식을 분석한다. 이를 통해 본 논문은 예이츠가 니체의 사유를 수용하면서도 몸과 정신의 관계를 위계적 포섭이 아닌 상호적 조화의 구조로 변용하고 있음을 밝힌다. 아울러 노쇠한 몸을 창조적 사유를 갱신하는 근원적 힘으로 재배치함으로써 예이츠 후기 시의 이해를 위한 새로운 해석적 틀을 제시한다.

This paper examines the status of the body in W. B. Yeats’s late poetry through the lens of Friedrich Nietzsche’s philosophy of the body, with particular attention to the concepts of the “Great Reason” and the “Small Reason” articulated in Thus Spoke Zarathustra. As T. S. Eliot observes, Yeats continues a process of self-renewal even in old age, reconstructing the aging body not as a mere limitation but as a dynamic force that enables new modes of thought and creation. In Yeats’s late poetry, the body functions not as a symbol of biological decline but as a source of imagination and artistic insight, a conception that resonates closely with Nietzsche’s critique of traditional metaphysical dualism and his emphasis on the body as the center of thinking and value creation. Focusing on “A Dialogue of Self and Soul,” “The Tower,” and “Crazy Jane Talks to the Bishop,” this paper analyzes the process through which the Self incorporates the Soul and expands from “I” to “We,” the ways in which the aging body stimulates imaginative play and creative activity, and the manner in which the relationship between body and mind is reconfigured beyond opposition into one of mutual dependence. Through this analysis, the paper demonstrates that while Yeats appropriates Nietzsche’s ideas, he transforms the body–mind relation from a structure of hierarchical incorporation into one of reciprocal harmony. By repositioning the aging body as a fundamental force that continually renews creative thought, this study proposes a new interpretive framework for understanding Yeats’s late poetry.

This essay is a comparison between Celtic myth and Korean myth with emphasis on hero Cuchulain and Jumong. Cuchulain is a Celtic Irish mythological hero who appears in the stories of the Ulster Cycle. In this study the main text of Cuchulain is Lady Gregory's Cuchulain of Muirthemne. Jumong, whose birth name was Dongmyeongseongwang(東明聖王), was the founding monarch of Goguryeo. The best known version of the founding myths of Goguryeo is the Dongmyeongwangpyeon of the Dongguk I Sanggukgip(Collected Works of Minister Yi of Korea) by Yi, Gyu Bo. According to Jeseph Campbell's idea of monomyth the standard path of the mythological adventure of the hero is a magnification of the formula represented in the rites of passage: separation−initiation−return. A hero ventures forth from the world of common day into a region of supernatural wonder, fabulous forces are there encountered and a decisive victory is won, and the hero comes back from this mysterious adventure with the power to bestow boons on his fellow man. Cuchulain and Jumong's hero-journey show the nuclear unit of the monomyth. Their stories exhibit with extraordinary clarity all the essential elements of the classic accomplishment of the impossible task. Cuchulain is the son of the sun god Lugh and Deichtire(a daughter of Maga, the child of the love god of Angus). Jumong is the son of Hae Mosu(解慕漱: the son of heaven) and Yuhwa(柳花:daughter of the river god Habaek(河伯). Cuchulain and Jumong are the child divine yet born of human mather. They are sons of sun and abandoned by their divine father. The characteristic adventure of Cuchulain is winning of the bride, Emma. The adventure of Jumong is going to succeed to his father-the father is the invisible founder of Buyeo. Cuchulain's adventure had given him the capacity to annihilate all opposition. At the age of seventeen Cuchulain single-handedly defends Ulster from the army of Connacht in the Tain Bo Cuailnge. Jumong's adventure had given him the capacity to rule his subjects. At the age of twenty-two, in 37 BC, Jumong established Goguryeo, and became its first "Supreme King." Goguryeo considered itself a successor to Buyeo. Cuchulain, the Irish Achilles, is the symbol of all those who fought for independence of Ireland. Jumong, the korean Achilles, is the symbol of the pride of Korean. The aim of this essay is that my comparative analysis contribute to the sense of universal understanding of the human condition.

본 논문은 윌리엄 깁슨의 『뉴로맨서』에서 시뮬라크라, 사이버스페이스, 하이퍼리얼리티의 상호작용을 탐구하며, 이 소설을 포스트모던 조건을 집약한 기념비 적 텍스트로 위치시킨다. 장 보드리야르, 장프랑수아 리오타르, 프레드릭 제임슨 등의 이론적 관점을 바탕으로, 깁슨이 현실과 시뮬레이션의 경계가 무의미해진 허구적 우주 를 어떻게 구축하는지를 살핀다. 『뉴로맨서』에서 사이버스페이스 매트릭스는 단순한 서사 배경을 넘어서, 기호가 현실을 앞서고 대체하는 상징적 영역으로 기능하며 보드 리야르의 하이퍼리얼 개념을 구현한다. 주인공 케이스가 가상 네트워크를 무형으로 탐 색하는 모습은 정체성 위기를 반영하며, 첨단 기술 환경에서 안정된 자아가 붕괴하는 양상을 드러낸다. 본 논문은 이 소설이 데이터 과잉, 미디어 융합, 대서사의 붕괴로 특징지어지는 포스트모던성의 감각적·심리적 분위기를 포착하고 있음을 주장하며, 이 를 통해 현대 디지털 문화를 이해하는 분석적 틀을 제공한다. 정밀한 텍스트 분석을 통해, 이 연구는 『뉴로맨서』가 사이버펑크 미학에 기여한 바와 미디어 이론, 포스트모던 철학, 기술문화 연구에서의 관련성을 강조한다.

This paper explores the interplay of simulacra, cyberspace, and hyperreality in William Gibson’s Neuromancer, placing the novel as a seminal text that encapsulates the postmodern condition. Holding on the theoretical point of view of Jean Baudrillard, Jean-François Lyotard, and Fredric Jameson, the study examines how Gibson constructs a fictional universe where reality is indistinguishable from simulation. The cyberspace matrix in Neuromancer functions not merely as a narrative setting but as a symbolic domain where signs precede and replace the real, illustrating Baudrillard’s concept of the hyperreal. The protagonist Case’s incorporeal navigation through virtual networks reflects a crisis of identity, highlighting the sinking stable selfhood in the technologically advanced environments. This paper argues that the novel captures the sensory and psychological ambiance of postmodernity—characterized by data saturation, media convergence, and the collapse of grand narratives—offering an analytical lens through which we understand contemporary digital culture. Through close textual analysis, the research underscores the novel’s contribution to cyberpunk aesthetics and its relevance to ongoing discourses in media theory, postmodern philosophy, and technocultural studies.

트랜스휴머니즘과 포스트휴먼 이론을 통해 전개되는 인간 향상(human enhancement)의 진화적 궤적은 유전공학, 나노기술, 범용 인공지능(AGI), 마인드 업로딩, 크라이오닉스, 기술적 특이점 등 주요 패러다임에 대한 통찰을 제공한다. 트랜스휴머니즘은 본래 인간중심적이었던 존재론을, 기술이 스며든 미래의 상상 속에서 비판적으로 재검토하는 사유이다. 로지 브라이다티(Rosi Braidotti), N. 캐서린 헤일스(N. Katherine Hayles), 케빈 켈리(Kevin Kelly)의 이론적 관점은 정체성이 생물학적 한계를 넘어 코드, 기계, 합성적 환경을 통합하는 일종의 초월적 변형을 겪는 잠재적 미래를 제시한다. 라메즈 나암(Ramez Naam)의『넥서스(Nexus)』, 나타샤 비타-모어(Natasha Vita-More), 버너 빈지(Vernor Vinge)의 특이점 논문에 대한 심층 분석은 이러한 기술들이 야기하는 윤리적·철학적·실존적 위협의 양상을 드러낸다. 본 연구는 약리학적 기술과 디지털 기술 간의 상호작용, 노화방지 생명윤리에 대한 모호성, 탈생물학적 전환 속에서 개인 정체성의 안정성 문제에 주목한다. 이러한 신흥 기술들은 인간이 죽음과 생물학적 한계로부터 자유로워질 것이라는 가능성을 제시함과 동시에, 인간 존재에 대한 엄중한 재고를 요구한다. 욕망·혁신·위험이 얽힌 네트워크적 복잡성은 트랜스휴먼적 미래가 단순한 이분법을 거부하며, 지속적인 윤리적 숙고를 요청함을 시사한다.

Evolving human enhancement trajectories through transhumanism and posthuman theory throws insight on important paradigms which include genetic engineering, nanotechnology, artificial general intelligence, mind uploading, cryonics, and the technological singularity. Transhumanism is a critical inquiry that questions ontology that was once anthropocentric, but with the imagination of a future infused with technology. Theoretical perspectives of Rosi Braidotti, N. Katherine Hayles, and Kevin Kelly involve the speculative futures in which the identity is subjected to a transgression past the biological limit and incorporates code and machine, as well as a synthetic environments. In-depth analysis of Ramez Naam, Nexus, Natasha Vita-More, and Vernor Vinge, the singularity essay can create a profile of ethical, philosophical, and existential threats presented by these technologies. The emphasis is placed on the interactions between pharmaceuticals and digital technologies, the ambiguities about anti-aging bioethics, and the stabilization of personal identity in the post-biological transitions. Although these emerging technologies hold the promise of freedom from mortality and biological limits, they necessitate a stern reconsideration of human existence. The networked complexities of desire, innovation, and risk imply that transhuman futures discursively challenge simplistic binaries; the enduring demands of ethical deliberation.

이 논문은 1920년대 초반 아일랜드의 독립전쟁과 이후 독립을 둘러싼 정치적 갈등에서 비롯된 아일랜드의 내전을 배경으로 종교와 중산층의 기득권을 유지 하려는 자유국을 지지하는 테디와 공화국의 완전한 통일과 독립을 주장하며 노동자의 이상적인 세상을 꿈꾸는 다미엔이 결국은 서로를 파멸시키는 갈등과 비극을 사회주의 적 관점에서 분석한다. ≪보리밭을 흔드는 바람≫에서 로치는 역사적 사실의 교묘하고도 의도적인 왜곡을 통해 관객들이 실체를 파악할 수 있도록 영화를 제작했으며 역사 적 사실보다는 진정한 의미를 이해하는 것이 더 중요하다고 주장한다.

This paper analyzes the conflict and tragedy between two brothers, set against the backdrop of the Irish Civil War, which arose from the political strife surrounding Ireland’s independence and the Revolutionary War in the early 1920s. Teddy supports the Free State, which aims to preserve religious and middle-class privileges, while Damien advocates for the complete unification and independence of the Republic, envisioning an ideal world for workers. The analysis is conducted from a socialist perspective. In The Wind That Shakes the Barley, Ken Loach creates the film by skillfully and intentional distorting historical facts, allowing the audience to grasp the underlying truths. Loach asserts that understanding the deeper meaning of history is more important than adhering strictly to historical accuracy.