Earticle

본 논문은 현대 세속적 맥락 속에서 예이츠의 『연옥』에 나타난 내재성 과 초월성의 불안한 결합을 탐구한다. 찰스 테일러의 “내재적 틀” 개념은 자족적인 자 연 질서 내에서 세계를 인식하는 현대적인 방식을 설명하기 위해 인용된다. 동시에, 내재적 틀은 초월성에 열려 있으며 다양한 형태의 신념이 등장할 수 있는 여지를 제 공한다. 이러한 새로운 관점은 예이츠가 『연옥』에서 묘사한 독특한 구상의 의미를 밝 히는 데 도움이 될 수 있으며, 이는 영적 구원이 거부되는 세계 속에서 자기복제적인 후회가 반복되는 순환으로 나타난다. 본 논문은 이 극의 극단적인 미니멀리즘, 물질적 현실에 대한 집중, 세대를 넘는 트라우마에 대한 탐색을 분석함으로써, 예이츠가 자연 과 초자연, 내재성과 초월성의 경계를 넘나들며, 결국 초월에 대한 욕망이 우리의 내 재적 틀과 분리될 수 없음을 드러낸다고 주장한다.

This essay explores the unsettling blend of the immanent and transcendent in Yeats’s Purgatory within a modern secular context. Charles Taylor’s concept of the “immanent frame” is invoked to characterize a modern way of experiencing the world within a self-sufficient natural order. At the same time, the immanent frame is open to transcendence and allows for diverse forms of belief to emerge. This new perspective may illuminate Yeats’s unique depiction of Purgatory as a cycle of self-perpetuating remorse within a world resistant to spiritual redemption. By analyzing the play’s stark minimalism, its focus on material reality, and its exploration of transgenerational trauma, I argue that Yeats transgresses the boundaries between the natural and supernatural, the immanent and transcendent, ultimately revealing how the desire for transcendence is inseparable from our immanent frame.

이 논문은 W. B. 예이츠가 민주주의적 시인이었던 월트 휘트먼에게서 영향을 받아 출발했음에도 불구하고, 후기에는 권위주의에 이끌리는 복잡한 사상적 변 화를 겪었음을 고찰한다. 예이츠는 초기에 휘트먼이 제시한 ‘민중과 함께하는 시인의 이상’을 받아들였지만, 시간이 흐르며 대중 민주주의에 환멸을 느끼고 혼란과 문화적 수준 저하를 초래한다고 판단했다. 그는 엘리트주의적인 미학과 신비주의적 역사관을 통해 점차 권위와 질서를 옹호하는 방향으로 나아갔다. 이 연구는 아일랜드 독립 등 당시 역사적 상황과 함께 두 시인의 주요 작품을 면밀히 분석하고, 민주주의와 권위주 의 사이에서 갈등하는 현대 시인의 역할과 그 미학적 긴장을 조명하고자 한다.

This article examines the complex ideological transition of William Butler Yeats, particularly his shift from embracing Walt Whitman’s democratic poetics to expressing sympathies toward authoritarian governance in later years. Initially inspired by Whitman’s belief in the poet as a democratic voice celebrating collective identity, Yeats eventually came to distrust mass democracy, viewing it as inherently chaotic and culturally degrading. Through close readings of key texts, historical contexts such as Irish independence, and critical scholarship, this study reveals how Yeats’s elitist aesthetics and esoteric philosophies contributed to his political evolution. Yeats’s journey illustrates a broader modernist tension between artistic integrity and populist influence, reflecting a crucial debate over the role of poetry within democracy and authoritarianism.

예이츠(W. B Yeats)의 모드 곤(Maud Gonne)에 대한 평생의 사랑은 널 리 알려져 있으며 그의 삶과 문학에 깊은 영향을 미쳤다. 그러나 모드의 의붓딸인 이 졸트 곤(Iseult Gonne)에 대한 그의 애정은 상대적으로 덜 주목받아왔다. 그러나 이 측면은 보다 깊이 있게 검토될 필요가 있다. 이졸트에 대한 그의 사랑 역시 깊고 지 속적이었으며, 그 사랑의 강렬함은 그의 많은 작품에서 분명하게 드러난다. 특히 주목 할 만한 것은 예이츠가 종종 이졸트에게 이상적인 아름다움의 상징으로써 댄서의 이 미지를 자주 사용한 것이다. 이는 그녀에 대한 그의 깊은 사랑을 반영한다. 반복되는 이 상징은 예이츠가 이졸트를 향해 가진 감정을 이해하는 데 중요한 단서를 제시한다. 이 논문은 예이츠의 시에서 이졸트와 관련된 다양한 이미지를 살펴봄으로써 그의 사 랑 시에 담긴 감정을 보다 깊이 탐구하고자 한다.

While Yeats’s lifelong love for Maud Gonne is widely recognized and has profoundly influenced his life and literature, his affection for Iseult Gonne, Maud’s stepdaughter, has received comparatively less attention. This aspect, however, deserves further consideration. His love for Iseult was equally deep and enduring, and its intensity is evident in many of his works. Particularly notable is Yeats’s frequent use of the image of the dancer as a symbol of ideal beauty, often associated with Iseult Gonne, reflecting the profound depth of his love for her. This recurring symbolism offers an important clue to understanding Yeats’s feelings for Iseult. This paper examines the rich imagery connected to Iseult in Yeats’s poetry, offering a deeper understanding of his feelings as expressed in his love poems.

『그림자 드리워진 바다』는 예이츠의 선원이 콜리지의 선원처럼 초자연 적인 바다 여행을 떠나고, 그 여행에서 다시는 돌아올 수 없다는 점에서 『늙은 선원 의 노래』와 유사하다. 예이츠의 선원은 모든 것이 영원히 지속되는 미지의 세계를 찾 고 싶어 하지만, 문자 그대로의 의미에서 자신의 여행에서 결코 돌아올 수 없다는 것 을 알고 있다. 콜리지의 선원은 자신의 끔찍한 여행이 끝나기를 간절히 바라지만, 은유적으로는 결코 돌아올 수 없으며, 자신의 죄에 대한 처벌로 이야기를 계속해서 반복 해야 함으로써 그 기억을 영속시킨다. 그러나 저자들은 낭만주의적 속성의 사용에 대 해 완전히 다른 태도를 가지고 있다. 예이츠가 모더니스트 작가로 여겨지는 경향에도 불구하고, 낭만주의의 진정한 의미는 『늙은 선원의 노래』보다 『그림자 드리워진 바다』에서 더 많이 찾을 수 있다.

The Shadowy Waters echoes The Rime of the Ancient Mariner in that Yeats’s mariner takes a supernatural sea journey as does Coleridge’s from which he can never come back. Yeats’s mariner hopes to find the unknown world where everything lasts forever, knowing that he would never come back from his journey in the literal sense; Coleridge’s mariner hopelessly wants his horrific journey to end, but can never come back from it metaphorically, perpetuating his memory of it by having to tell the story over and over again as a punishment for his sins. The authors, however, have a completely different attitude toward the use of Romantic attributes. Despite the tendency that Yeats is seen as a Modernist writer, the true meaning of Romanticism can be found more in The Shadowy Waters than in The Rime of the Ancient Mariner.

‘신비주의’라는 용어는 인간과 신, 자연 사이의 관계와 관련된다. 그것 은 자연 세계 이면에 존재하는 신성을 인식하고자 하며, 이와 같은 의미는 신비적이 고, 초자연적이며 상징적이다. 예이츠는 철학적이고 영적인 표현을 위해 초자연적 요 소들을 활용하였다. 그는 신화적 시와 전설에 의미를 부여하고, 재창조하는 수단으로 신비주의를 사용하였다. 예이츠는 아일랜드의 이교 전통에서 신비로운 분위기를 불러 일으키고자 했으며, 이는 그의 무의식 속에 자리한 신비주의적 성향에 대한 내면적 욕 망과 맞닿아 있다. 예이츠는 왕권의 신비주의적 책무를 무거운 짐으로 여기며, 그것을 이교적 자연의 소박한 즐거움과 비교하였다. 그에게 있어 신비로운 저녁은 더 큰 즐거 움을 안겨주는 시간이다. 그는 자연과의 연관을 신비로운 체험, 그리고 이교적 자연 사유와 결부하였다. 예이츠는 자연의 환상성과 초자연성을 위대하고 찬란한 측면으로 받아들였으며, ‘소용돌이치고 방황하는 불꽃’과 같은 자연의 이미지는 그의 시적 여정 을 위한 신비적 패턴을 제공해주었다.

The term mysticism is associated with man’s relation with god and nature. It aims at identifying divinity behind natural world. Such significance is mystic, supernatural and symbolical. The supernatural elements are touched upon by Yeats for his philosophic and spiritual expression. Yeats used mysticism as recreational and giving significance for his mythical poems and legends. He wished to generate the mystic ambience from Irish paganism because mystic poetry provided inner relations for his unconscious aspirations for mystic disposition. Yeats weighed comparison of mystic disposition of onus of kingship as burdensome against rustic pleasures of pagan nature. The mystic evening is more pleasurable for him. Yeats associated with nature with mystic experience and pagan thought of nature. Yeats aligned with nature’s fantastic and supernaturalism as an immense and glorifying aspect. The images of nature are mystic whirling and wandering fire’ that provided patterns for his poetic journey.

인도 연극의 선구자인 비제이 텐둘카르는 인도 연극을 전통적 뿌리에서 현대적이고 혼종적인 형태로 탈바꿈시키는 데 중추적인 역할을 하였다. 본 논문은 텐 둘카르의 작품이 어떻게 토착 문화 요소와 서구 모더니즘의 영향을 결합하며 인도 연극의 진화를 반영하는지를 탐구한다. 산스크리트 희곡과 마하바라타, 라마야나와 같은 서사에 뿌리를 둔 전통 인도 연극은 도덕적 이분법과 사회 규범에 중점을 두었다. 그러나 탈식민 시대의 인도 영어 연극, 특히 텐둘카르의 작품은 도시 중산층이 직면한 현대 사회 정치적 문제들을 다루는 방향으로 전환되었다. 텐둘카르의 『정숙! 재판이 진행 중이다』는 가부장제, 성 역할, 사회적 위선과 같은 주제를 조명하며 그 전환을 대표하는 사례 연구로 제시된다. 이 희곡은 모의 재판이라는 개념을 통해 사회적 불의 와 여성 억압을 비판하며, 현대 인도 사회의 보다 넓은 투쟁을 상징한다. 텐둘카르의 인도주의적 접근은 기존의 규범에 도전하며 진정성, 성실성, 새로운 도덕 질서를 옹호 한다. 그의 심리적, 실존적, 여성주의적 문제에 대한 집중은 현대 삶의 분열성을 부각 시킨다. 본 논문은 텐둘카르만의 독특한 시각을 분석함으로써, 인도 연극이 사회 비판 과 문화적 혼종성의 장으로 진화한 과정을 보여준다.

Vijay Tendulkar, a pioneering figure in Indian theatre, played a crucial role in transforming Indian drama from its traditional roots to a modern, hybridized form. This paper explores how Tendulkar’s works reflect the evolution of Indian drama by blending indigenous cultural elements with Western modernist influences. Traditional Indian drama, rooted in Sanskrit plays and epics like the Mahabharata and Ramayana, focused on moral dichotomies and societal norms. However, post-colonial Indian English drama, as exemplified by Tendulkar, shifted toward addressing contemporary socio-political issues, particularly those affecting the urban middle class. Tendulkar’s Silence! The Court is in Session serves as a case study, highlighting themes such as patriarchy, gender roles, and social hypocrisy. Through the mock-trial concept, the play critiques societal injustice and the subjugation of women, symbolizing the broader struggles of modern Indian society. Tendulkar’s humanitarian approach challenges established norms, advocating for authenticity, sincerity, and a new moral order. His focus on psychological, existential, and feminist issues underscores the fragmentation of modern life. By analyzing Tendulkar’s unique lens, this paper demonstrates how Indian drama evolved into a platform for social critique and cultural hybridity.

본 논문은 인도 영어극에서 가장 중요한 목소리 중 하나인 아시프 쿠림 보이의 선택된 희곡들에 나타난 식민주의의 주제와 재현 방식을 고찰한다. 쿠림보이의 희곡들은 식민주의의 개념과 그 다양한 양상을 드러내며, 자본주의가 독립 이후 인도 사회 전반에 미친 영향을 바탕으로 식민주의의 비인간화 행위를 지적한다. 그의 희곡들은 학문적 연구의 대상으로 다루어졌으며, 일부는 지역어로 번역되기도 하였다. 쿠 림보이의 작품은 역사와 정치 등 폭넓은 주제를 포괄하고 있으며, 인종, 계급, 젠더와 같은 문제들이 많은 작품에서 부각되지만 이에 대한 심층적인 논의는 아직 부족하다. 그는 시대의 중대한 문제들에 대한 지속적인 관심을 통해 삶에 대한 독자적인 시각을 형성하며, 동시대적 주제에 대한 뚜렷한 입장을 가진 독특한 극작가로 평가된다. 또한 그는 현대 사회의 비참한 현실을 가감 없이 드러내는 데 주력한다.

This paper explores the themes and representations of Colonialism in the select plays of Asif Currimbhoy, one of the most significant voices in Indian English drama. Asif Currimbhoy’s plays reveal the notions and aspects of colonialism. He pinpoints the de-humanizing acts of colonialism with a reference to the influence of capitalism in all walks of the Post-Independent Indian life in his plays. His plays were undertaken as subject of study and research and were even translated into regional language. Asif’s plays comprise a wide range of important themes from History and Politics. The issues such as race, class and gender which are prominent in most of Currimbhoy’s plays have not been examined in detail. Currimbhoy’ constant engagement on vital issues informs and impacts his vision of life. He is a unique dramatist who is particular about the contemporary themes. He also stresses on the pathetic condition of the contemporary society in his plays in its true colours.

기타 하리하란은 인도의 가장 주목받는 여성 작가 중 한 명이다. 그녀는 자신의 상처와 굴욕의 경험을 기록하기 위해 자신만의 독특한 문체를 채택했다. 또 한 여성 문제에 대한 깊은 관심으로 잘 알려진 사회운동가이기도 하며, 1995년 인도 대법원에서 힌두 소수자 및 후견법에 이의를 제기하여 인도 현대사에 있어 주목할 만 한 판결을 이끌어냈다. 그녀는 인도 사회에서 여성들이 겪는 문제와 도전에 대해 탐구 하였다. 여성의 지위, 생활방식, 삶의 상태, 정체성, 그리고 사회적 반응에 대해 논의 하였으며, 그녀의 소설을 통해 사회의 모든 영역에서 여성 인물들을 묘사하고, 남성 중심 사회에서 여성이 어떻게 대우받고 있는지를 드러냈다. 그녀의 소설은 여성들이 엄격한 사회 체제와 공동체적 구조 속에서 어떻게 이끌리고 통제받는지를 보여주는 실제 여성들의 상황을 반영한다. 그녀의 작품들은 여러 언어로 번역되었다. 이러한 맥 락에서, 그녀의 첫 번째 소설 『밤의 천 가지 얼굴』은 남성 중심의 인도 사회에서 자기 정체성을 찾기 위해 고군분투하는 여성들의 문제와 도전을 다루고 있다. 이 소설은 세 명의 서로 다른 여성의 이야기를 통해, 전통과 문화 사이에 끼어 있는 그들의 삶 의 기대와 현실을 조명한다. 각 인물은 자신만의 정체성과 자리를 찾기 위한 독특한 도전에 직면하고 있다. 시적인 문체로 구별되는 이 소설은 인도 사회 규범이라는 경로 를 따라 세 여성의 불안정한 여정을 그려내고 있다.

Gita Hariharan is the most notable woman writer in India. She adopted her own style of writing to record her own experiences of hurt and humiliations. She is also a social activist known for her concern for women she challenged the Hindu Minority and Guardianship Act in the supreme court of India in 1995 and obtained a remarkable judgement in the modern era of the Indian History. She has explored the problems and challenges faced by women in the Indian society. She discussed the status of women, their life-style, and their state of living, their identity, and their social responses. And through her novels, she portrayed the women characters in all the spheres of social life and further she has disclosed how women were being treated in the male-dominated society. Her novels exhibit the actual condition of women as they are directed and guided through their rigid social system and communal set-up. Her works have been translated into many languages. In this regard, her first novel The Thousand Faces of Night deals with the problems and challenges of women who are struggling a lot to identify themselves in the male-centred Indian society. The novel narrates the story of three different women highlighting their expectation and their reality of life as they are being caught between tradition and culture. Each one of them facing a unique challenges in finding their own place and identity. Distinguished by its lyrical prose style, the novel charts the precarious course of three women’s journeys through the routes of Indian social norms.

필립 풀먼(Philip Pullman)의 􋺷황금 나침반􋺸은 판타지와 디스토피아를 결합하여 상상력을 전체주의에 맞서는 힘으로 탐구한다. 소설의 중심에는 전체주의적 교회를 무너뜨리려는 라이라(Lyra)의 여정이 있으며, 이는 저항을 상징한다. 영혼의 화 신인 다이몬(daemons), 사랑과 의식을 상징하는 먼지 입자(dust) 등과 같은 환상적 장치들은 작품을 풍부하게 만들며, 억압에 맞서는 인간 정신의 반항을 은유적으로 묘사 한다. 풀먼의 소설은 청소년 디스토피아 소설의 보다 광범위한 주제와 공명하며, 급속 한 기술 및 생명공학 발전에 대한 불안감을 포착한다. 이 비평의 핵심은 풀먼의 허구 적 세계가 현대의 문제들을 어떻게 반영하고, 젊은 주인공들의 정의와 공정함을 향한 여정을 통해 상징적으로 해결하고 있는지를 조명하는 데 있다.

Philip Pullman’s Northern Lights combines fantasy and dystopia to examine imagination as a force against authoritarianism. At the centre of the novel is Lyra’s quest to overthrow the totalitarian Church, representing resistance. Fantastical devices such as daemons, personifications of the soul, and dust particles, symbols of love and consciousness, enhance the text and metaphorically depict the human spirit’s revolt against oppression. Pullman’s book resonates with the wider theme of young adult dystopian novels, capturing the anxieties around quick technological and bioengineering breakthroughs. At its core, this critique underlines how Pullman’s fictional world captures the realities of contemporary problems, symbolically solving them through young protagonists’ quest for justice and fairness.

타비쉬 카이르의 소설 『종교 암살단원에 관한 것』(2010)과 『행복의 밤』(2018)은 포스트식민주의적 맥락 속에서 심리적 트라우마, 문화적 이탈, 그리고 정체 성 추구 사이의 복잡한 관계를 탐구한다. 카이르는 등장인물 아미르 알리와 아흐메드 를 통해 사회적 편견, 인종적 고정관념, 그리고 역사적·개인적 폭력의 지속적인 결과 로부터 비롯되는 자아의 분열을 조명한다. 『종교 암살단원에 관한 것』에서는 아미르 알리가 타기 정체성을 수용하며, 『행복의 밤』에서는 아흐메드가 아내 로쉬니를 잃은 깊은 슬픔을 겪는다. 카이르는 적대적이고 편향된 환경 속에서 분열된 정체성과 싸우 는 개인이 겪는 어려움을 효과적으로 그려낸다. 반복, 상호텍스트성, 파편화된 기억과 같은 서사 기법을 활용함으로써, 그는 트라우마의 복합성과 그것이 자아 형성에 미치 는 깊은 영향을 강조한다. 이 분석은 개인의 고통과 정체성, 소속감, 문화적 소외라는 더 넓은 사회적 역학 사이의 불가분한 연관성을 조명함으로써 포스트식민주의 트라우 마 연구 분야를 더욱 풍부하게 만든다.

Tabish Khair’s novels, The Thing About Thugs (2010) and Night of Happiness (2018), examine the intricate relationship between psychological trauma, cultural dislocation, and the quest for identity within postcolonial frameworks. Through the characters Amir Ali and Ahmed, Khair investigates the fragmentation of self that arises from societal prejudices, racial stereotypes, and the enduring consequences of both historical and personal violence. In The Thing About Thugs, Amir Ali adopts a Thuggee identity, while in Night of Happiness, Ahmed experiences profound grief for his wife Roshni. Khair effectively illustrates the challenges faced by individuals contending with fractured identities in hostile and biased settings. By utilizing narrative techniques such as repetition, intertextuality, and fragmented memory, Khair highlights the complexities of trauma and its significant influence on self-construction. This analysis enriches the field of postcolonial trauma studies by underscoring the inseparable connection between individual suffering and broader societal dynamics of identity, belonging, and cultural alienation.

본 연구 논문은 우파마뉴 채터지의 소설 『영어, 8월』를 통해 도시 인도 생활을 분석한다. 이 소설은 인도 사회, 관료제, 문화적 역학을 탐구하며, 도시 현실을 복합적으로 조망한다. 주인공의 삶을 분석함으로써 현대 인도 사회를 지배하는 긴장, 모순, 그리고 열망을 밝혀낸다. 주요 주제는 관료제, 문화적 갈등, 사회적 불평등, 정체성, 그리고 도시 맥락에서의 실존적 위기이다. 본 연구는 도시의 복잡성을 이해하고, 포스트식민지 인도의 삶을 형성하는 사회적·문화적·제도적 역학에 대한 통찰을 제공하 는 것을 목표로 한다.

This research paper examines urban Indian life using Upamanyu Chatterjee’s novel English, August. The novel analyzes Indian society, bureaucracy, and cultural dynamics, providing a complex view of urban realities. Through the analysis of the protagonist’s life, the study identifies tensions, contradictions, and aspirations that govern contemporary Indian society. Major themes are bureaucracy, cultural conflicts, social inequalities, identity, and existential crisis in the urban context. The study seeks to increase understanding of the complexities of cities and the social, cultural, and institutional dynamics that shape life in Postcolonial India.

역사와 문학의 교차점은 새로운 이론적 통찰을 바탕으로 한 인식론적 전환을 겪고 있으며, 두 영역 간의 지속적인 유동성은 비평 담론의 새로운 장을 열고 있다. 본 연구는 오르한 파묵의 최신 소설 『내 마음의 이상한 기운』에 나타난 이스탄 불의 배경 속에서 역사적 자각의 본질과 정체성의 복잡성을 탐구하는 것을 목적으로 한다. 이 연구는 문화 이론가 호미 바바(Homi Bhabha)의 이론적 통찰, 특히 ‘경계성 (liminality)’과 ‘혼종성(hybridity)’의 개념을 적용한다. 이 소설은 이스탄불이라는 도시 가 주인공이 되어 상반되는 욕망들을 조화시키려는 도전 속에서, 경계적 지대(liminal zone)에서 전개된다. 연구는 또한 이스탄불의 정체성과 연결되는 터키어 용어인 ‘흐쥰 (hüzün)’에 대해서도 고찰한다. 수십 년간의 사회 정치적 혼란과 거침없는 팽창에도 불구하고, 이 서사는 이스탄불의 낡고 먼지 낀 장엄함을 부각시키며, 역사의 잔재에서 출발해 서구로부터 획득한 권위, 부, 자기 확신의 문턱까지 나아가는 과정을 담아낸다. 기독교 및 유대인 거주지의 파괴, 허술한 아파트의 무분별한 확산, 그리고 무허가 판 잣촌(게제콘두, gecekondu)의 언덕 점령 등은 도시의 풍경을 형성한다. 극좌 및 극우 의 불안정한 정치 이념들과 군사 쿠데타는 이야기 속에 자연스럽게 융합되어, 파묵이 허구의 작동 방식을 성찰할 수 있도록 한다.

The intersection of history and literature has experienced a novel epistemology of theoretical insights, and the ongoing fluidity between the two fields has resulted in new arenas of critical conversation. The study aims to investigate the nature of historical awareness and the complexities of identity within the setting of Istanbul, as presented in Orhan Pamuk’s latest novel, A Strangeness in My Mind. The work employs the theoretical insights of cultural theorist Homi Bhabha, particularly his notion of ‘liminality’ and ‘hybridity.’ The novel operates inside the realm of a liminal zone where the city of Istanbul is the protagonist faces the challenge of reconciling the contradicting inclinations. The research also examines hüzün, a Turkish term that becomes associated with the identity of Istanbul. In spite of numerous decades of socio-political turmoil and voracious expansion. The narrative amplifies Istanbul in its dilapidated and dusty splendor, progressing steadily from the remnants of history to the brink of authority, affluence, and self-assurance that it possesses acquired from the West. The destruction of Christian and Jewish neighbourhoods, the arbitrary the proliferation of dilapidated apartment buildings and the slopes occupied by unauthorized shantytowns, gecekondu, in the city. Volatile political ideologues from the extreme left and right are intertwined with military coups integrate effortlessly into the narrative, enabling Pamuk to reflect on the mechanisms of fiction.

J.M. 쿳시의 소설들은 개인이 사회적, 역사적, 그리고 내면적 혼란과 마 주할 때 발생하는 깊은 정체성의 문제와 실존적 위기를 탐구한다. 본 논문은 쿳시의 대표작인 『바바리인들을 기다리며』, 『마이클 K의 삶과 시대』, 『치욕』, 그리고 『적』을 중심으로 정체성과 실존적 위기라는 주제를 고찰한다. 쿳시 소설 속 주인공들의 경험 을 바탕으로, 권력 구조, 도덕적 딜레마, 개인적 트라우마와의 상호작용 속에서 정체성 이 형성되고, 불안정해지며, 재정의되는 방식을 분석한다. 본 연구는 쿳시의 서사 기법 과 인물들의 심리적 깊이를 통해, 그의 작품들이 인간 존재 조건에 대한 정교하고도 깊은 탐구를 제공하며, 정체성을 유동적이고, 취약하며, 더 넓은 사회정치적 힘과 불가 분하게 연결된 것으로 제시하고 있음을 주장한다.

J.M. Coetzee’s novels explore profound questions of identity and the existential crises that arise when individuals confront societal, historical, and internal turmoil. This paper examines themes of identity and existential crisis in Coetzee’s works, focusing on Waiting for the Barbarians, Life & Times of Michael K, Disgrace, and Foe. Drawing on the experiences of Coetzee’s protagonists, this study investigates the ways identity is shaped, destabilized, and redefined through interactions with power structures, moral dilemmas, and personal trauma. By analyzing Coetzee’s narrative techniques and the psychological depth of his characters, this paper argues that his works offer a nuanced interrogation of the human condition, presenting identity as fluid, fragile, and inextricably linked to broader sociopolitical forces.

타사우우프(Taṣawwuf), 즉 수피즘(Sufism)은 이슬람 사상 내에서 생태 적 조화를 유지하는 데 있어 결정적이면서도 종종 간과되는 역할을 한다. 수피즘은 단 순한 신비주의를 넘어 환경 지속가능성과 영적 안녕을 연결하는 전체론적 철학을 대 표한다. 본 논문은 수피즘이 이슬람 교리와 조화를 이루며 인간과 자연 사이의 조화로 운 관계를 어떻게 형성하는지를 탐구한다. 수피즘 우주론에서 자연은 신성한 신탁(아 마나, Amanah)으로 간주되며, 창조 속에 내재한 신성과의 깊은 상호연결성을 강조한 다. 디크르(Dhikr), 즉 신성한 기억의 수행은 인간과 환경 사이에 영적 연결을 촉진하 며, 자연을 단순한 자원이 아닌 신성한 공간으로 존중하도록 이끈다. 그 결과 수피들 은 강한 생태적 자각과 지구를 돌보려는 실천적 헌신을 발전시킨다. 수피즘의 핵심 가 치인 주흐드(Zuhd), 즉 금욕주의는 물질적 욕망으로부터의 초연을 장려하며 단순함과 절제를 통해 환경적 청지기직과 조화를 이룬다. 이러한 윤리는 지속가능한 삶의 실천, 자원 관리, 폐기물 감소를 지원한다. 수피 공동체는 유기농 농업이나 친환경 건축과 같은 환경 친화적 활동에 적극 참여하며, 이는 생태 균형과 영적 성장 사이의 관계를 가르치는 수피 셰이크들의 지도 아래 이루어진다. 이처럼 수피즘은 영적 존중과 환경 적 책임을 융합함으로써 이슬람 원칙에 기반한 지속가능한 미래를 실현하는 데 중대 한 기여를 할 수 있다.

Taṣawwuf, or Sufism, plays a crucial yet sometimes overlooked role in maintaining ecological harmony within Islamic thought. Beyond its mystical pursuits, Sufism represents a holistic philosophy that links environmental sustainability with spiritual well-being. This analysis explores how Sufism, aligned with Islamic teachings, cultivates a harmonious relationship between humanity and nature. In Sufi cosmology, nature is perceived as a sacred trust (Amanah), emphasizing the deep interconnectedness of the divine within creation. The practice of Dhikr, or sacred remembrance, fosters a spiritual connection between humans and the environment, encouraging reverence for nature as a sacred space rather than mere resource. Consequently, Sufis develop a strong ecological awareness and a commitment to nurturing the earth. The Sufi value of “Zuhd,” or asceticism, promotes detachment from material desires and aligns with ecological stewardship through simplicity and moderation. This ethos supports sustainable living practices, resource management, and waste reduction. Sufi communities actively engage in environmentally friendly initiatives like organic farming and eco-friendly construction, under the guidance of Sufi Sheikhs who teach the link between ecological balance and spiritual growth. Thus, Sufism, by melding spiritual respect with environmental responsibility, can significantly contribute to achieving a sustainable future based on Islamic principles.

윌리엄 블레이크는 『아하니아의 서』를 우주가 창조된 후에 신들의 판테 온이 형성되어가는 과정을 신화 형식으로 노래한다. 『아하니아의 서』는 『유리젠의 서』와 『로스의 서』의 속편으로 이 두 작품에서 노래하지 않은 블레이크의 창조적 신화와 여성의 상징성을 구체적으로 묘사한다. 유리젠과 푸존은 질서와 파괴, 분노와 희생을 상징하는 신의 양면성을 보여주고, 유리젠과 아하니아는 남성과 여성의 역할뿐만 아니 라 남성과 여성 사이의 비극적 사랑의 전형을 세밀하게 드러낸다. 현대인들은 이러한 창조적 신화와 여성에 관한 블레이크의 시를 감상하면서 상상력의 다양성과 현실 세 계와 내세 사이를 오가며 물질세계가 아닌 정신세계의 중요성을 자각할 수 있다.

William Blake, in The Book of Ahania, portrays the process of forming a pantheon of gods after the creation of the universe. As a sequel to The Book of Urizen and The Book of Los, The Book of Ahania vividly depicts Blake’s creative mythology and feminine symbolism, which were not fully explored in the previous works. Urizen and Fuzon embody the dual aspects of divinity, symbolizing order and destruction, wrath and sacrifice, while Urizen and Ahania elaborately reveal not only the roles of men and women but also the archetype of tragic love between the sexes. Modern readers, through Blake’s poetry on creative mythology and the feminine, can appreciate the diversity of imagination and navigate between the real world and the afterlife, ultimately realizing the significance of the spiritual realm over the material world.

본 논문은 예이츠의 저술 기간 동안 아일랜드 가톨릭 중산층과의 관계 변화를 물질주의, 갈등, 공존의 주제에 집중하여 통시적 연구로 제시한다. 앵글로-아일 랜드계 출신인 예이츠는 문화 민족주의를 통해 아일랜드의 독립을 추구하는 과정에서 가톨릭 중산층의 물질주의와 몰예술성을 비판하며 대립 양상을 드러냈다. 이러한 갈등 은 1913년 9월 에서 뚜렷하게 나타나며, 예이츠의 비판 의식을 반영한다. 그러나 1916 년 부활절 봉기를 계기로 예이츠는 민족 정체성과 민족주의자들의 희생에 대해 복합적 인 시각을 갖게 되었다. 「1916년 부활절」에서 예이츠는 봉기 지도자들에 대해 존경심 과 회의를 동시에 표현한다. 이후 「다시 찾아간 시립 미술관」에서는 과거의 영웅들과 친구들을 회상하며 그들이 아일랜드 민족정신의 회복에 중요한 역할을 했음을 강조한 다. 본 연구는 아일랜드의 정치적·사회적 변화에 대한 예이츠의 반응을 추적하고, 그가 어떻게 시를 통해 사회적 대립을 넘어 공존과 문화적 통합으로 향했는지를 분석한다.

This paper presents a diachronic study of W. B. Yeats’s relationship with the Irish Catholic middle class, focusing on themes of materialism, conflict, and eventual coexistence. As an Anglo-Irish writer, Yeats frequently confronted with the Catholic middle class in the process of seeking independence of Ireland through cultural nationalism. Yeats expresses his criticism of their materialism and cultural indifference, particularly in “September 1913.” However, the Easter Rising of 1916 led Yeats to develop a more complex view of national identity and nationalists’s sacrifice. In “Easter 1916,” Yeats expresses a sense of both admiration and ambivalence toward the leaders of the Easter Rising. Later, in “The Municipal Gallery Revisited,” Yeats remembers his friends and national heroes and emphasizes their crucial role in the revival of the Irish national spirit. This study traces Yeats’s responses to the political and social changes of his time and analyzes how his poetry gradually moved beyond social conflict toward a vision of coexistence and cultural unity.

본 연구는 아일랜드 시인 W.B. 예이츠와 폴란드 시인 체스와프 미워시가 역사적 대재앙을 아포칼립틱한 상상력으로 다룬 시를 살펴보는 것을 목적으로 한 다. 두 시인은 아일랜드와 폴란드에서 각각 1차 세계대전과 2차 세계대전을 경험하면 서 유럽 문명이 붕괴되는 역사적 대격변을 목도하였고, 그 시기에 각각 아일랜드독립 전쟁과 내전 그리고 나치의 유태인 게토 파괴와 바르샤바 봉기 등을 겪으면서 그들이 목격하고 경험한 역사적 현실을 아포칼립틱한 상상력으로 표현하였다는 점에서 공통점 이 있다. 대재앙주의나 종말론은 현재의 문명이 다른 적대적인 가치를 내세우는 문명 으로 대체되는 위기에 처해있다는 생각이다. 예이츠의 경우에 반그리스도교적이고 자 본주의적이고 기계적인 사고에 기반한 문명으로 대체되는데 대한 우려이고, 미워시의 경우에는 종족 말살의 폭력을 서슴지 않는 나치와 전체주의적인 소비에트의 위협이라 할 수 있다. 유럽과 자국의 문명이 붕괴되는 위기 앞에서 두 시인의 시에서는 불가항 력적인 폭력 앞에서 인간의 자유의지에 대한 회의와 무력감, 불확실하고 비관적인 미 래의 전망 그리고 폭력의 영속성에 대한 명상과 자신에 대한 자조적인 태도와 죄의식 및 고통 등의 다양한 반응이 초현실적인 상상력과 독특한 재현 방식으로 드러나 있다.

This paper aims to examine the poetry of Irish poet W.B. Yeats and Polish poet Czesław Miłosz, focusing on how they represent historical catastrophes through apocalyptic imagination. Both poets witnessed the collapse of European civilization— Yeats during World War I and Miłosz during World War II. In their own countries, Yeats experienced the Irish War of Independence and the Civil War, while Miłosz lived through the destruction of Jewish ghettos by the Nazis and the Warsaw Uprising. Catastrophism and apocalypticism reflect the belief that the current civilization is on the brink of being replaced by an opposing system. In Yeats’s case, this fear manifests as a concern over a civilization driven by anti-Christian, capitalist, and mechanistic thought. For Miłosz, it is the threat of Nazi-led genocide and the totalitarian oppression of the Soviet regime. Confronted with the collapse of European and national civilizations, both poets respond in their works with a sense of powerlessness and doubt regarding human free will, an uncertain and pessimistic vision on the future, meditations on the repetitive violence, and self-mockery or guilt for the victims. These responses are expressed through surreal imagination and distinctive representational mode.

제국주의 영국은 오랜 세월 동안 아일랜드를 미성숙하고 감성적인 존재 로 묘사함으로써 식민 지배를 정당화했다. 영국의 재현적 폭력에 대응하여 예이츠는 문화민족주의를 통해 민족 정체성을 회복하고자 한다. 그는 신화와 영웅, 종교적 전통 을 다시금 아일랜드인의 것으로 만들고, 이를 통해 식민 지배로 왜곡된 민족의 이미지 를 바로잡고 새로운 민족적 정신을 정립하려 한다. 하지만 예이츠의 문화민족주의는 아일랜드 계층 간의 깊은 내적 갈등을 수반한다. 예술가로서 그는 창작의 자율성과 민 족적 요구 사이에서 갈등하고, 앵글로-아이리시로서의 정체성으로 인해 가톨릭 민족주 의자들과 아일랜드 대중과 대립한다. 1907년 􋺷서쪽나라의 멋쟁이􋺸 초연 당시 발생한 폭동은 이러한 충돌을 상징적으로 보여준다. 결과적으로 예이츠의 문화민족주의는 영 국의 제국주의와 물질주의에 대항하는 것에 효과적인 무기이지만 그 칼날은 시인 자 신에게 향하게 된다. 예이츠는 가톨릭 계층과 프로테스탄트 계층, 켈트의 유산과 영국 의 영향력이라는 상반된 요소들 속에서 갈등하고, 결국 그는 프로테스탄트 작가들이 주도하는 문화민족주의가 지닌 근본적인 딜레마들과 마주하게 된다.

For centuries, imperial Britain justified its colonial rule by portraying Ireland as an immature and overly emotional entity. In response to this representational violence, W.B. Yeats sought to reclaim Irish national identity through cultural nationalism. By reappropriating myths, heroes, and religious traditions as distinctly Irish, Yeats aimed to correct the distorted image of the nation produced under colonialism and to establish a renewed national spirit. However, his cultural nationalism was fraught with deep internal conflicts within Irish society. As an artist, Yeats struggled between creative autonomy and nationalist demands; as an Anglo-Irish Protestant, he often found himself at odds with Catholic nationalists and the Irish public. The riots that erupted during the 1907 premiere of The Playboy of the Western World symbolically illustrate these tensions. Ultimately, while Yeats’s cultural nationalism proved an effective weapon against British imperialism and materialism, its edge also turned inward. Caught between Catholic and Protestant factions, Celtic heritage and British influence, Yeats was forced to confront the fundamental dilemmas inherent in a cultural nationalism led by Protestant writers.