Earticle

이 논문은 윌리엄 버틀러 예이츠의 「조각상」 , 「델픽 오라클을 위한 소식」, 그리고 「긴다리 파리」의 순서에 대한 중요성을 탐구하려한다. 본 연구자는 이 세 시의 순서는 예이츠의 위대한 예술에 대한 견해를 반영한다고 주장한다. 즉 예이츠는 위대한 예술은 비극으로 시작해서 기쁨 더 정확히 표현하자면 섹스로 끝난다고 쓴 적이 있다. 예이츠는 예술을 신혼 첫날밤의 기쁨 같은 존재에 비유하기도 했다. 「조각상」은 비극적 인 시이고 「델픽 오라클을 위한 소식」은 섹스의 기쁨을 노래한 시인데 이 기쁨은 예이 츠에게는 천국이요 유토피아의 세계이다. 이 두 시 다음에 「긴다리 파리」가 위치한 점을 눈여겨보아야 하는데 이 시 역시 비극과 섹스라는 같은 주제를 다루어 앞서 제시된 같은 주제를 확장하고 강화하려는 의도를 보여준다. 시를 통해 기쁨을 추구하려는 예이 츠의 의도는 그의 정치적인 목적과 깊은 연관이 있다. 즉 아일랜드 국민을 유토피아로 이끄는 것이다. 여기서 시인이 꿈꾸는 유토피아는 고대 그리스보다 더 위대한 문명의 요람으로 세계에 우뚝 설 미래의 아일랜드이다.

The paper tries to explore the significance of the order of William Butler Yeats’s “The Statues,” “News for the Delphic Oracle,” and “The Long-legged Fly.” My argument is that the placement of three poems reflects Yeats’s views of great art: starting with tragedy and ending with joy, or to be more exact, sex. The bridal chambers of joy, as Yeats puts it, is what art is all about. “The Statues” is a tragic poem, whereas “News for...” accounts for the joy of bridal chambers, which represents Yeats’s heaven or Utopia. It is significant to notice that the two poems are followed by “The Long-legged Fly”; it also deals with a similar idea of tragedy and sex, reinforcing and expanding the same theme of looking for Utopia developed in the previous two poems. Yeats’s pursuit of joy through art stems from his political agenda: leading the Irish people to the land of joy or Utopia. The Utopia Yeats dreams are future Ireland which is soon destined to rise as a new cradle of even higher civilization than the one in ancient Greece.

예이츠는 초기시 일부를 미간행으로 남겼다. 본 논문은 이 미간행시들 중 ｢일출｣을 분석하여 물의 은유법, 영혼의 이미져리, 코머의 (미)사용, 어린시절의 예이츠에게 미친 셸리의 영향 등을 포함하여 시인 자신이 선정하고 간행한 그의 시전집과 희곡전집의 후기 작품에서 어떻게 이 시적 양상이 다시 나타나는 지를 분석한다. ｢일출｣은 예이츠 초기 산문 ｢셸리 시의 철학｣과 ｢무드｣가 보여주듯이 초기에 예이츠가 셸리의 영향을 받았음을 보여준다. 시를 처음 쓰기 시작할 때부터 시인 예이츠는, 시인과 과학자는 본질적으로 다르다는 것을 깨달았으며, 시인은 논리보다는 이미지와 무드로 말하여야 한다는 것을 깨달았다. ｢일출｣의 내용과 이 시가 쓰여진 방법은 미래의 시인 예이츠의 진로를 보여준다. 따라서 이 시는 앞으로 예이츠가 어떤 시를 쓸지를 이해하는데 중요한 시가 된다. 이 시가 아직 미숙하지면 지금의 위대한 예이츠가 되는 과정을 보여주는 중요한 원천이 될 것이다. 본 논문은, 아마도, 영미권은 물론이고 국내외 예이츠 학계에서는 세계 최초로 “미간행”(예이츠 생전에 출판을 막았던) 시 ｢일출｣을 분석하려는 하나의 시도이다.

Yeats keeps some of his unpublished early poems unpublished. And, by analyzing one of his unpublished poems, “Sunrise,” I will attempt to show how some poetic aspects, including the uses of metaphor of waters, the imagery of the soul, the [non-]uses of commas, and the influence of Shelley on the young Yeats, reappear in his later works in his Collected Poems and Collected Plays, which the poet himself has chosen and published. In “Sunrise” there seems to be some influence of Shelley, at the early stage of poetic training, as illustrated in his early essay, “The Philosophy of Shelley” and “The Moods.” From the earliest career as poet Yeats seems to have realized that poets and scientists are fundamentally different, and what the poet does is to him to speak in images, and in moods, rather than logics. The substance of “Sunrise” and the way it is composed point to what Yeats as poet is to develop. So this poem is an important means to understanding what poetry Yeats is to write. Though it is an immature poem, it is a great source for scholars, who want to demonstrate how Yeats becomes what he is. The paper is an attempt to study in depth the “unpublished” early poem, “Sunrise,” probably, for the first time in Yeats scholarship in Korea, the US, and the English speaking countries, and other nations as well, and hopes that more will be done beginning with this study.

W. B. 예이츠는 긴 세월 동안의 저작 활동을 통해 세 가지 다른 무드를 보여준다. ‘최종 무드’를 향한 그의 여정은 도피주의, 낭만주의, 그리고 라파엘 전파를 거치면서 차츰 형성된다. 예이츠는 아일랜드 전통과 민담에 관심을 바탕으로 후기 낭만주의자로 저작 활동 시작했지만 곧 동화와 같은 꿈나라에서 벗어나 삶과 현실의 세계로 들어갔다. 프랑스 상징주의의 영향으로 그는 미와 시에 대한 개념을 더욱 발전시켰다. 초기 시는 옛 시절에 대한 향수로 인해 낙담과 사색적인 무드에 빠졌지만 모드 곤에 대한 실연과 아일랜드 관습에 대한 환멸로 예이츠는 자기 성찰을 하게 되었다. 이후 자연스럽게 시적 주제는 현실적이 되었다. 한편 아일랜드와 유럽에서 벌어지는 전쟁은 예이츠에게 폭력과 파괴에 대해 폭넓게 다루는 계기가 되었고, 특히 중세시대에 대한 관심을 통해 이를 철학적 함축과 숙달된 이미지에 승화하였다. 진정한 비극적 영웅처럼 예이츠의 여정은 어둠에서 빛으로, 고통에서 가슴에 감춰둔 기쁨으로 이어졌다. 파괴는 배경으로 사라지고 현자의 흥겨움이 전경을 차지했다. 예이츠는 진정한 가치가 있는 개인적인 경험을 통해 아름답고 고상한 것을 분출했다. 그는 『최후의 시편』에서 시인의 인간 본성에 대한 깊은 이해를 바탕으로 뛰어난 비전을 제시했다. 후기 시에서 예이츠의 시적 기쁨은 초기 시에 표현된 낙담, 황량함, 외로움의 어조를 압도했다.

W. B. Yeats had a long poetic career which is marked by three different moods expressed through his poetry. His journey towards the ‘final mood’ has passed through the early years of escapism, romanticism and a trace of pre-Raphaelite influence. Yeats began as a late romantic with his bent towards Irish tradition and folklore. But he soon moved from the dreamland of fairy tales and reached a world of life and reality. With the influence of French symbolism, his conception of beauty and poetry evolved further. The nostalgic yearning for the good, old days landed the poet in a mood of despondency and pensive thoughts. Yeats’s frustrating experience with Maud Gonne and his disillusionment with the prevailing Irish customs led him towards self-introspection. Naturally, his choice of themes became more realistic. The spectacle of war in both Ireland and Europe presented before Yeats a broad canvas of violence and destruction which reflected in his philosophical overtones and mastered imagery throughout his poems especially of the Middle Era. Like a true tragic hero, Yeats’s journey is from darkness to light and from suffering to the joy hidden in its bosom. The painting of gross destruction is left behind and the poetic theme became the gaiety of the sages. Yeats discovered significant meaning of life even through its trivial happenings. He unleashed the beautiful and lofty through individual experiences which are of real value. In his Last Poems the poet’s deeper understanding of human nature elevates him to a person with a rare kind of vision. The poetic joy of this visionary poet is more pronounced than then tone of despondency, desolation and loneliness expressed in his early poems.

본 연구의 목적은 던과 예이츠의 시에 나타난 죽음에 대해 비교 고찰하 는 데 있다. 던이 죽음에 대해 가지는 태도는 죽음을 갈망하는 태도와 죽음을 끈질기 게 거부하는 양면적인 모습을 보인다. 이는 대립되는 것처럼 보이나 던은 둘 다 죽음 을 극복하고 통합하여 죽음이 인생의 끝이 아니라 죽음을 통해서만 죽음을 극복할 수 있다는 역설적 관점을 제시한다. 예이츠는 죽음을 삶의 영원한 끝이라고 보는 관점은 죽음에 대한 두려움에서 오는 감성적인 생각이라는 반응을 보인다. 예이츠는 죽음 이 후의 영혼의 존속과 육체의 환생에 대한 믿음을 보여준다. 던과 예이츠는 죽음이 삶의 끝이라는 것을 부인하나 죽음을 극복하는 방법은 상이하다. 던은 기독교 교리를 통한 신앙에 기초하여 죽음을 극복하나 예이츠는 예술의 영원성에 기초하고 있다.

The purpose of the study is to offer a comparative interpretation of Donne’s and Yeats’s view of death in their poetry. Donne’s attitude toward death is characterized by two aspects: the positive attitude that desires death eagerly and the negative attitude that refuses death persistently. Though these two attitudes are paradoxical and in conflict, they are integrated into a transcendental attitude. Yeats expresses a disregard for life as any perpetual end in itself, a reaction against a sentimental and trite fear of death. Yeats has his beliefs in reincarnation and the survival of soul after death. Donne and Yeats refuse to think of death as the end of life. However, their approach to death is different. Donne’s way of surmounting death is faith in Christian doctrine, while Yeats asserts eternity and timelessness through art.

예이츠와 아우로빈도 고시의 작품은 삶의 후반기에 시를 위한 여러 해 의 주제, 출처 및 구조로 남아 있었다. 예이츠는 마지막 시기까지 시적 위대함을 추구 했고 아우로빈도 고시는 초의식과 합쳐질 때까지 서사시를 쓰고 영혼의 변화, 영혼의 여정에 대해 몰두했다. 예이츠의 『환상록』은 달의 28위상과 인간 마음과 문명의 원리 를 나타낸 기하학적 상징이며, 아우로빈도 고시의 『성스러운 생명』은 영적 진화, 초심 적 의식을 향한 초인간적인 분투의 두 방법을 사용하여 물질을 통한 마음의 고양, 초 월적 마음, 초의식, ‘존재, 의식, 행복’로의 고양을 추구한다. 예이츠의 철학서 『환상록』은 탁월한 시적 성취를 위한 신화 체계이라면 아우로빈도 고시의 『성스러운 생명』은 궁극적인 현실을 달성하기 위한 미로이다. 삶은 계속되고, 인간이 죽을 때 삶이 성장 하기 위해 호흡이 필요하고, 육체의 기관은 삶을 위해 더 이상 유용하지 않고, 육체의 기능이 상실될 때 삶은 물러난다.

The works of Yeats and Sri Aurobindo offer the perennial theme, source, and structure for poetry, particularly in the later phases of their lives: Yeats’s last phase makes him create his great poetry while Sri Aurobindo’s helps him write his great epic by looking into the transformation of soul, a journey of soul until it merges with the Supermind. Yeats’s A Vision is geometrical symbolism showing 28 phases of Moon and the Principles and faculties of human and civilization, while Sri Aurobindo’s Life Divine is about spiritual evolution, efforts of superhuman kind towards super mental consciousness by two ways: one to lift mind through matter, to Overmind, and then to Supermind, sat-chit-ananda. Yeats’s A Vision is a system, the myths for his poetry with which Yeats is to get to excellent poetic achievement; Sri Aurobindo’s Life Divine based on eternal and spiritual exploration achieves ultimate reality. Life is continuous: breath is necessary for life; when man is dead and his body’s organism is no longer active, life withdraws.

“문 없는 문”은 불교의 무문관에 나오는 공안이다. 연구자는 인간들이 공연히 문을 세우고 그 인위의 문을 통과하려고 애를 쓴다고 본다. 물론 인간이 사회적 동물이기에 그럴 수밖에 없을 것이다. 전통, 관습, 규범이다 그런 것들이다. 데리 다의 해체주의도 마찬가지다. 라캉의 말에 따라, 인간이 타자의 산물인데 어떻게 타자 를 해체할 수 있단 말인가? 또 보르헤스의 말에 따라 나의 텍스트는 타자의 소산이 아니던가? 데리다가 말한 차이와 연기도 헤라클레이토스와 노자가 수 천 년 전에 이 미 말하였다. 같은 물살을 두 번 체험할 수 없다고. 또 소쉬르의 기호학의 요지도 노 자와 장자가 수 천 년 전에 도가도 비상도, 무위자연으로 이미 말하였다. 그래서 본고 에서 해체주의는 기존의 확립된 예이츠의 시 해석에 대한 새로운 의미의 생산에 일조 하려고 한다. 그것은 타자의 텍스트는 나의 텍스트이기에 타자의 텍스트를 해체한다는 말은 자기부정의 어불성설이기 때문이다. 데리다가 확립한 해체주의 또한 타자의 소산 으로 해체의 대상이 된다. 이런 점에서, 예이츠의 마스크 , 말씀 , 재림 을 분석한 결과 “마스크”의 불가피성, 언어게임으로서의 소통의 공식, 미래에 대한 비관적 전망 대신 기계적 낙관성을 진단하여 기존의 해석에 대한 [차연]을 실천해 볼 수 있다.

The concept of “gateless gate” is one of koans in Mumungwan [無門關]. Men build a gate in the void and struggle to get through the locked gate: the gate is norm, law, convention, custom. Men as social animals should pass it. The koan implies that it is useless to experience the sand-castle built in mind. Derrida’s deconstruction is as good as the koan. According to Lacan, minds are made up of others’s discourses: how can a man deconstruct the established canons? Jorge Luis Borges’s library theory says that one’s text results from others’ texts. Thus, the solid gate established by some saints seems a mirage glimmering in the distance. This could be a motive for Derrida to deconstruct the base of canons. Derrida’s différance dates back to Heraclitus’s and Lao-tzu’s maxim. This can lead to intertextuality, not fixing some authoritative ideas. In this sense, my reading of three of Yeats’s poems adds to the archive of différance. The three poems are “The Mask,” “Words,” and “The Second Coming”: the inevitability of mask in the first poem, the formula of communication as language-game applied to the second poem, and a mechanical optimism instead of the pessimistic vision as argued by most critics in the third poem are the ones my essay points to, a significant practice of différance.

1991년 작품 Seeing Things를 『사물보기』 혹은 『환영보기』로, 1995년 노벨문학상 직후의 작품인 The Spirit Level을 『기포 수준기』 혹은 『영혼 측정』으로 변역할 수 있는 이유는 작가가 물질세계로부터 영혼세계로의 건너가기를 시도하고 있기 때문이다. 그런데 작가의 이 같은 시도는 부모님의 죽음이 가장 큰 동기였다고 생각한다. 작가는 그에게 영향을 끼친 부모와 지인들의 추억을 그들이 남긴 유품이나 업적과 함께 불멸의 유골 단지인 자신의 시에 보존시키려 한다. 아울러 『영혼 측정』의 많은 시들이 애가나 소네트 그리고 패스티쉬 형식의 헌정 시 로 쓰인 점은 필자로 하여금 시인이 다가오는 자신의 죽음을 준비하고 있다는 생각을 갖게 한다. 이 논문의 목적은 위의 추론을 이 시집 전체의 시를 읽어 증명할 뿐 아니라 수수께끼 같이 어려운 후기 시에 우리 말 번역과 해설을 시도하는 것이다.

This paper aims to give a proper translation and explanation to Heaney’s later work, The Spirit Level. Since Seeing Things, Heaney tries to make a crossing from the visible towards the invisible, whose biggest motivation would be the death of his parents. Heaney seems to want The Spirit Level to be an immortal urn keeping the traces of memories of his childhood, parents and acquaintances. Meanwhile, his many poems are written in the form of sonnet, elegy and pastiche for dedication, which means Heaney is preparing for his coming death.

예이츠는 켈트 신화를 초기 시의 소재로 사용하여 아일랜드에서 문예부흥 시대의 지평을 열 개 된다. 켈트 신화는 고대 아일랜드 지역과 현재 아일랜드를 연결하는 매개물로 작용하여 아일랜드 사람들에게 역사, 문화, 민족 정체성, 독립의 중요성을 계몽하기에 이른다. 이에 골 왕, 퍼거스 왕, 쿠훌린과 같은 신화적 인물은 아일랜드 사람들에게 전형적인 인간의 원형이 된다. 그래서 예이츠는 아일랜드에서 고대 켈트 시대의 문화가 새로운 문예부흥으로 복원되어 고대사 연구에 새로운 전기를 마련하는 계기가 되게 한다.

William Butler Yeats uses Celtic mythology as materials for his early poems and gives an impetus to the period of the literary Renaissance in Ireland. The Celtic mythology acts on the medium for connecting the ancient Irish territory to the present one, and enlightens the Irish on the importance of history, culture, national identity, and the independence of Ireland. The mythical figures such as King Goll, King Fergus, Cuchulain become the archetype of typical human beings for the Irish. Therefore, Yeats hoped that the ancient Celtic culture could be restored to the new literary Renaissance in Ireland and would make a new turning point in the studies of ancient history.

예이츠는 혼란스럽던 당대 아일랜드의 현실에서 영웅적 기상을 지닌 엘리 트적 인물의 역할에 주목한다. 니체의 초인사상, 창조적 예술정신과 새로운 가치관, 삶에 대한 관점 등은 예이츠의 시세계에 더 넓은 지평을 열어주었다. 니체에 영향을 받은 예 이츠의 귀족주의는 귀족주의적 삶의 양식을 실천함으로써 정치적 이데올로기와 물질적 인 속박에서 벗어나 내면의 자율성을 키워나가게 한다. 그의 귀족주의를 재산과 혈통으 로 결정되는 위계질서가 아닌 개개인의 내면을 고양할 수 있는 하나의 가치체계로 이해 할 때 더 나은 인간의 자유와 다양성을 이룰 수 있는 계기가 된다. 그것은 하나의 인위 적인 예술적 이상향으로 마련된 것이 아니라 현실적 삶 속에 귀족주의적 삶의 영역을 마 련하여 예술과 학문의 가치를 공동체의 구성원 모두가 나누어 갖자는 의도를 지닌다.

The later Yeats was much influenced by Nietzsche’s philosophical thoughts. And his concept of aristocracy focuses on the role of elite figures with a heroic spirit in Ireland’s chaotic situation. Yeats promotes an individual’s inner autonomy from the bondage of political ideology and materialism. If his aristocracy is considered a value system that can elevate an individual’s inner self, rather than a hierarchy determined by property or bloodline, it can be the basis of gaining more human freedom and diversity. His aristocracy, which is not prepared as an artificial artistic utopia, is intended to provide the aristocratic realm in real life and to share the values of art and science among all members of the community.

예이츠는 지속적으로 이원론적 분열과 갈등을 다루지만, 그의 초기와 중후 기 작품과는 차이가 있다. 시인에게 이러한 차이를 만들어 내게 한 것은 니체다. 예이츠 의 초기 시에 등장하는 인물은 현실과 이상사이의 갈등으로 인한 비극을 경험하고 삶을 부정한다. 1902년 니체를 만난 후, 그의 비극론은 예이츠에게 상당한 영향을 준다. 고통 으로부터 삶을 보호하고 구원하는 아폴론적 힘과 이를 파괴하고 재창조하는 디오니소스 적 힘의 결합은 비극적 삶과 예술 그리고 “비극적 환희”에 대한 예이츠의 태도에 반영된 다. 니체와의 만남 후 예이츠의 인물은 여전히 비극적 삶을 마주한다. 그러나 인물은 의 지를 갖고 환희를 창조하며 삶을 긍정한다.

Yeats consistently focuses on the dualistic conflict and division, but his early works differ from his later works; the difference must have been made by Nietzsche who has influenced the later Yeats. In Yeats’s early poems, an individual experiences tragedy which is made of the conflict between reality and ideal, and ends up denying life. Since 1902 when Yeats first read Nietzsche, his theory of tragedy has greatly influenced Yeats. The combination of Apollonian power to protect and save life from pain and the Dionysian power to destroy and recreate it permeates Yeats’s attitude toward tragic life and art, especially in tragic joy. With Nietzsche, Yeats could create a great Yeatsian character, who has a will, feels joy, affirms life in the face of tragic life.

본고는 드포(Daniel Defoe)의 『로빈슨 크루소』(Robinson Crusoe, 1719)와 예이츠의 전환기 시를 중심으로 각 작품의 배경이 되는 18세기 초 영국 사회와 20세기 초 아일랜드 사회를 조명한다. 우선 이 연구는 『로빈슨 크루소』가 소설의 발생을 중심으로 하는 당대 사회적 변화와 이로 인한 세대 및 계층 간의 갈등 구도 속에서 탄생하였다는 점에 주목한다. 또한, ‘종교적 전통으로의 회귀’에 초점을 맞추어 18세기 초 영국의 사회와 문화 속에서 이 소설이 담당하는 역할과 가치를 고찰한다. 한편 예이츠의 전환기 시는 20세기 초 아일랜드 사회에서의 갈등과 밀접한 관계를 지닌다. 문화운동으로 아일랜드 민족을 통합하려는 예이츠의 시도는 아일랜드 민족에 내재된 언어, 종교, 계층의 다양성으로 인해 오히려 분열의 지속, 심화 양상을 보인다. 예이츠는 전환기 시인 ｢1913년 9월｣(“September 1913”)에서 물질주의에 집착하는 가톨릭 중산층에 대한 경계심을 표현하고 중산층에 대항하여 ｢낚시꾼｣(“The Fisherman”)에서 이상적 인간상을 제시한다. 그는 가톨릭 중산층과 영국계 개신교 엘리트 집단 양쪽을 비판하며, 인간애에 기초한 귀족주의를 지향한다.

Based on the rise of the novel and the changes it caused in the society and the culture in the early 18th century England and the conflicts in the early 20th century in which W. B. Yeats’s Transitional Poetry is set, this article examines the conflicts between generations/classes through Daniel Defoe’s Robinson Crusoe and Yeats’s Transitional Poetry. Robinson Crusoe shows the part of the process of adapting the previous social structure to a newly changed environment by connecting the process of spiritual conversion of Crusoe before and after the island. Robinson Crusoe is significant in that it not only adopted Puritanism, which motivated the religious and moral characteristics of the English people until the late 17th century, but also sought to restore piety by adapting it to a new social structure in the 18th century. In the early 20th century Yeats’s attempt to unify the Irish people show rather persistent and deepening divisions due to the diversity of language, religion, and class inherent in the Irish people. In “September 1913”, Yeats expresses his caution against the materialistic middle class and presented the ideal human image in “The Fisherman”. He criticizes both the Catholic middle class and the British Protestant elite, and pursues aristocracy based on humanism.

동물이 등장하는 셰이머스 히니 시의 자연 세계는 때로는 폭력적이며, 인간의 이해를 뛰어넘어 훨씬 복잡하고 상징적이다. 그는 인간의 세계도 과거 폭력적인 역사를 겪어 지울 수 없는 흔적을 안고 균형과 조화의 추구를 깨닫는다. 히니 시의 빈번한 고전적 운율과 리듬은 형식과 내용의 균형감으로 볼 수 있다. 시인은 오해받는 오소리 이미지를 고려하고, 아첨하는 듯한 오소리 모습에서 오히려 우리도 마주하는 현실의 상황에 따라 그럴 수 있음을 수긍한다. 또 시인은 수달로부터 아내의 몸과 물을 가르는 힘 그리고 그녀와의 흐뭇한 여행을 화려하고도 단정한 동사와 형용사로 펼쳐낸다. 밤에 스컹크의 꼬리를 본 히니는 대다수가 떠올리는 냄새에서 벗어나 타지의 흙과 공기 그리고 베개의 아내 냄새로 치환하여 솔직하고 담담하게 아내와의 사랑을 추억한다.

The natural world including animals in Seamus Heaney’s poems is sometimes violent and far more complex and multifaceted than human understanding. He realizes the pursuit of balance and harmony with unforgettable traces in the past cruel history. Heaney’s frequent classical meter and rhythm can be seen as a balance between form and content. The poet considers the image of a badger that is misunderstood, and accepts it depending on the reality that we face from the appearance of a flattering badger. He also unfolds his wife’s physical body, water-controlling power, and his delightful journey with colorful, neat verbs and adjectives from the otter. Seeing the skunk’s tail at night, he remembers his love with his wife in an honest and calm manner, away from the smell that most people recall and replace it with the smell of foreign dirt, air, and pillow of wife.

이 연구는 W. B. 예이츠에 대한 연구 동향을 살펴보고 그에 대한 연구 방향을 설정하는데 필요한 정보를 제공하는 데 목적이 있다. 2021년 8월 KCI에서 ‘yeats’를 키워드로 910편의 논문이 검색되었고 최종 854개 논문의 제목을 연구대상으로 선정하였다. Excel, TEXTOM 및 UCINET/NetDraw 프로그램을 활용하여 분석을 실시하였으며 예이츠 관련 연구의 연도별 및 학술지별 게재 현황, 예이츠 관련 연구의 주요 키워드, 주요 키워드 간의 연결중심성과 네트워크 분석을 시행하였다.

This study was to identify the research trend on W. B. Yeats and provide information necessary to establish the research direction on him. In August 2021, 910 journal papers were collected with the keyword “Yeats” from KCI. Final 854 titles of the journal papers were selected as targeted data and analyzed through Excel, TEXTOM, and UCINET/NetDraw program. Through this analysis, the publication status of Yeats-related researches by year and journal, main keywords of Yeats-related researches, and degree centrality between major keywords were investigated.

예이츠는 확실히 완벽한 시의 시인이다. 아니면 적어도 그가 살아있는 동안 어느 때건 끊임없이 자신의 시를 다듬었다는 사실을 아는 것에서 비추어 자신의 시를 완벽하게 만들려고 했다는 것만은 이해할 수 있다. 그렇다면 바로 이 질문에 답 해야한다: 그가 죽을 때까지 간행하지 않았던 시들을 간행해야 하는가? 나는 이 시들 을 읽고 나서 예이츠의 판단에 동의하고자 한다. 즉, 발행하지 않아야 한다는 것이다. 그러나, 초기시 연구학자들에게는 『윌리엄 버틀러 예이츠: 달빛 아래서: 초기미간행시』(조지 본스틴; 뉴욕: 스크리브너, 1995)는 큰 도움이 될 것이다. 난해한 원고를 읽고 해독하고 각 시에 주를 다는 본스틴의 노력은 가치 있는 일이었다.

Yeats is certainly a poet of perfect poetry or the one who wanted to make his poetry perfect as we all know that he had continuously polished his poems whenever it had been possible to do so in his lifetime. Then the question arises: do we need to publish the early poems he had kept unpublished until he died. I have just glanced through the poems and would like to side with Yeats’s judgment, that is, to keep them unpublished. However, to scholars who are interested in Yeats’s early poems, William Butler Yeats: Under the Moon: The Unpublished Early Poetry (ed George Bornstein; New York: Scribner, 1995) is of great help to them. Bornstein’s effort to read the difficult manuscripts, and decipher them, and add notes to each and every single poem is noteworthy, though.

『자서전』에서의 글은 어떤 의미에서 모두 자신의 제2의 자아이며 모든 문학적 근사치로서 (시적, 산문적) 정신의 과감한 깃 털 펜으로써 가끔 답할 수 있거 나 흔히 답할 수 없는 것들이다.

The creations in his Autobiography are in a sense all his second selves, all literary proximities, sometimes answerable, many times unanswerable, only with his daring feather pens of mind (poetic and prosy).