한국 예이츠 저널 [The Yeats Journal of Korea]

간행물 정보
  • 자료유형
  • 발행기관
    한국예이츠학회 [The Yeats Society of Korea]
  • ISSN
  • 간기
  • 수록기간
  • 등재여부
    KCI 등재
  • 주제분류
    인문학 > 영어와문학
  • 십진분류
    KDC 840 DDC 821.9
제57권 (21건)

Vol. 57 Editor’s Note


한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 p.13

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W. B. Yeats and Sterling A. Brown, the Irish and New Negro Renaissances, and the Vernacular Performer

Steven Tracy

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.15-30

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W. B. 예이츠와 스터링 A. 브라운, 아일랜드와 신흑인 문예부흥, 그리고 민속공연자 우리말 요약: 예이츠의 청금석과 브라운의 나의 레이니에서 예술의 마술으로 비극적 장면이 행복의 장으로 바뀐다. 청금석 에서는 “구슬픈 곡조”조차 기쁨을 만들고, 블 루음악은 청중으로부터 고마움을 일으키는 군중의 흥미를 만드는데 이는 레이니의 기 교를 통해서 노래로써 만들어진다. 아일랜드의 문예부흥과 신흑인 문예부흥 사이의 연 관성이 있는데, 토속적 언어, 음악성, 그리고 공연이라는 공통점이 있다. 두니의 바이 올린연주자 와 성인들이여 는 둘 다 “예술에서의 자기존중에 대한 갈망”을 표현하는 민속과 강하게 연관된 토속적 시의 전통을 만들어 내기 위해 민속의 중요성을 전경화 시킨다.
In both Yeats’s “Lapis Lazuli” and Brown’s “Ma Rainey,” tragic scenes are transformed into happy ones through the magic of art, where even “mournful melodies” produce pleasure in “Lapis Lazuli” and the blues generate communal excitement that evokes gratitude from her audience, which is sung into existence through the artistry of Rainey. It is clear that there was a connection between the Irish and New Negro Renaissances, and that vernacular speech, musicality, and performance was a central element of both. In “The Fiddler of Dooney” and “When de Saints,” both Yeats and Brown foreground the importance of the folk tradition to generating an indigenous poetic tradition strongly identified with the folk aimed at expressing “the yearning for self-glorification in art.”



Becoming Modern: Pound and Yeats

Rajeev Patke

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.31-43

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본 논문은, 예이츠가 후기낭만주의에서 초기현대시인으로 탈바꿈하는 데 파운드가 미친 역할에 주목하면서, 에즈라 파운드(1885-1972)와 W. B. 에이츠 (1865-1939) 사이의 복잡한 관계를 검토한다. 또한 이 논문은 파운드의 문학의 모더니 즘에 기여한 두드러진 업적에 대해 숙고하고, 예이츠가 어떻게 파운드에게 호감을 보 이는 면모가 그의 친구 T. S. 엘리엇(1888-1965)의 모더니즘에서는 그렇지 못한 지도 숙고한다. 이 논문은, 문학적 모더니즘이, 많은 해외에서 정착한 작가들에게 고향이나 다름없는 런던과 복잡하게 얽힌 문화적 양상으로서 뿐만 아니라 창작의 원리로 이해 되는지를 고려하는 것으로 끝난다. 본 논문의 이 논점은 도널드 데비스의 저서 􋺷토마 스 하디와 영국시􋺸(1972)의 주장과 같은 문제들을 재론하는 것이다. 즉, 그의 주장은 문학의 모더니즘은 “외국” 작가, 즉 파운드, 엘리엇, 예이츠 같은 작가의 영국도시문화 에 끼친 영향과 연관되어 있다는 것이다.
This essay surveys the complex relationship between Ezra Pound (1885-1972) and W. B. Yeats (1865-1939), with special reference to the role played by Pound in Yeats’s self-transformation from late Romantic to early Modernist poet. The essay will also dwell on the distinctive nature of Pound’s contribution to literary modernism, and on how Yeats responded with sympathy to aspects of Pound that he found inimical in the modernism of Pounds’ friend T. S. Eliot (1888-1965). The paper will conclude with reflections on how literary modernism might be understood not simply through tenets of composition but as a phase in literary culture whose history was complexly intertwined with London as a metropolis, which became a home away from home for many expatriate writers. This part of the paper will revisit the kinds of argument associated with Donald Davie’s claim, from Thomas Hardy and British Poetry (1972), that literary modernism was an un-English development largely connected with the influence on English metropolitan culture, of “foreign” authors such as Pound, Eliot, and Yeats.



(En)gendered There : Apocalyptic Women and Their Vexing Questions

Matthew M. DeForrest

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.45-64

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예이츠의 종말론적 작품들을 보면 여성의 역할이 명확히 그려져 있다. 계시적 역할은 여성의 일이지, 여성이 영감을 주는 것을 (흔히 불완전하게) 해석하도 록 요구받는 남성의 일은 아닌 것으로 나타난다. 이 구분은, 재림 과 하룬 알라쉬드 의 선물 에서 표현되어 있는데, 자동기술 원고, 꿈의 노트북, 카드 자료, 그리고 원고 자료에 보존되어 있는 것처럼, 􋺷환상록􋺸의 참고자료를 거쳐 남편과 부인이 공동창출한 두 사람의 관계에서뿐만 아니라 1925년과 1937년 판의 나타난 􋺷환상록􋺸의 체계에 뿌 리를 두고 있다.
An examination of Yeats’s apocalyptic works reveals a clear delineation of gender roles. The act of revelation is clearly seen as women’s work rather than the work of men, who are left to try and interpret—often incompletely—what women can intuit. This gender division, which is expressed in works like “The Second Coming” and “The Gift of Harun al-Rashid,” are rooted in the system of A Vision, as it appears in the 1925 and 1937 editions, as well as in the relationship between the husband and wife who co-created it through the system’s raw material, as preserved in the automatic script, dream notebooks, card catalog, and draft materials.



W. B. Yeats and Tragedy

Young Suck Rhee, Lianggong Luo

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.65-80

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본 논문은 예이츠의 긴 시적 인생에서 작품의 미학인 비극과 비극적 기 쁨이 어떻게 궤적을 남기는지 추적하려는 시도이다. 그러나 이것은 복잡하고 큰 질문 이라서, 이 논문에서 다 다룰 수는 없고 미래의 이에 대한 연구의 가능성을 제시하려 한다. 이 주제에 대한 지금까지 간행된 것 중에서 가장 잘된 책은, 1900년대 초, 즉 1902년부터 10년까지 다룬 프란시스 네스빗 오펠의 『마스크와 비극􋺸(1987년 간행)과 예이츠의 비극을 초창기에 명확한 판단을 한 러처드 엘만의 『예이츠의 진면목』(1954년 간행)인데 이 후자의 책은 예이츠와 프리드리히 니체와 차이점을 지적한다. 그리고 헬 렌 벤들러의 『예이츠와 서정적 형식』(2007년 간행)과 마조리 퍼로프의 『예이츠 시의 라임과 의미』(1970년 간행)는 중요한 책이다. 그러나 벤들러와 퍼로프의 책은 비극을 다루지는 않지만, 비극과 시적 형식을 연결하고 예이츠의 서정시의 건축적 구조, 즉 예 이츠의 이상적 시형식을 가정하는 데 필요하다. 그리고 두 학자를 더 지명한다. 자한 라마자니는 예이츠의 만가를 다루고 테렌스 브라운은 예이츠의 『나의 작품세계에 대한 소개』를 소개하고 비극적 기쁨이 어떻게 예이츠의 새로운 미학이 되는지 설명한다.
This paper makes an attempt to trace the trajectory of how the aesthetics of Yeats’s poetic work, tragedy and tragic joy, has traveled in his long career. But, because it’s a complex and big question, it would not be possible to treat it here in full. Instead, I would point to a possibility of further studies on this subject. The best treatment that’s been published so far on this topic, though it covers the early 1900s, from 1902 to 10, is Frances Nesbitt Oppel’s Mask and Tragedy (1987) and Richard Ellmann’s Identity of Yeats (1954) that makes a brief yet early and clear judgment of Yeats’s tragedy, the latter book making a difference between Yeats and Friedrich Nietzsche. And Helen Vendler’s Yeats and Lyric Form (2007) and Majorie Perloff’s Rhyme and Meaning in the Poetry of Yeats (1970) are of great importance. But the last two books by Vendler and Perloff do not treat tragedy at all; I have chosen them to make an assumption of Yeats’s ideal form of work, or the architectonic structure of Yeats’s lyric poetry, connecting tragedy and poetic form. I call attention to two other scholars: Jahan Ramazani who reads Yeats’s elegies and Terence Brown who introduces Yeats’s “A General Introduction for My Work” and offers how tragic joy is to become Yeats’s new aesthetics.



The Poetics of Sublime in Yeats

Youngmin Kim

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.81-97

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숭고는 미학과 밀접한 관계를 지닌 개념으로서, 대상에 대해 명상할 때 에 우리의 정신과 육체의 정서적 감각에 광범위한 영향을 미친다. 롱자이너스는 숭고 를 고양된 스타일을 재현하는 문학작품에서의 “숭고한 열정의 존재”로 정의하고, 에드 먼드 버크는 거리감을 두고 자연의 파괴적 위력에 연관된 숭고의 경험에서의 고통과 즐거움에 초점을 맞추어 공포와 환희의 균형을 맞춘다. 칸트는 버크의 공포와 환희의 기이한 형태를 결합하고, 라깡은 프로이트와 칸트의 문맥에서 극단과 무한을 추구하 여, 칸트의 숭고를 넘어서는 승화의 개념을 구성했다. 본 논문은 라깡의 숭고와 승화 의 문맥에서 예이츠의 “비극적 환희”에 재현된 숭고를 예이츠의 시에서 찾아, 예이츠의 숭고의 시학을 살펴본다.
The sublime is a concept in close relationship with aesthetics. When we meditate about an object, it provokes a wide range of affective sensations in our mind and body. Longinus defines sublime feeling as “the presence of noble passion.” Focusing on the pain and pleasure of the sublime experience in relation to nature’s destructive powers, Burke balances the “terror” with “delight.” Kant clarifies the affectivity of the sublime, tempering Burke’s terror with a strange form of joy. Lacan pursues the excessive and the unbounded by engaging with Freud and Kant, and constructs the human subject in terms of an effect of language in relation to the concept of “sublimation” beyond the Kantian sublime. In the context of sublime and sublimation, I will demonstrate how the sublime and sublimation are represented in “tragic joy” in Yeats’s two poems.



Yeats, Kristeva, and Bataille : A Reverie about Subalterns as Wastes

Kyu-myoung Lee

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.99-115

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“하위주체”라는 궁색한 용어는 서방세계에 침투한 내부자인 스피박에 의해서 독점적으로 탈식민주의에만 적용되는 것은 아니다. 세계도처 지배세력 하에 처한 모든 존재들이 사실 “하위주체”들이며, 가부장제에 저항하는 크리스테바가 애호하 는 전-언어적인 “코라”와 “비천화”라는 개념과 연결될 수 있다. 여기에 죽음과 에로티 즘을 부정적인 시각으로 바라보는 서구사회의 구습에 도전하는 바타이유의 인식이 연 결된다. 이러한 반역적인 증상들을 예이츠 시작품에 적용해본 결과, “물속에서 자신을 감상하는 늙은이”에서 노인이 “비천체”가 아니라 “무위”(wu-wei)의 현상이라는 점을 인식할 수 있으며, “마스크”에서 비록 그것이 “코라”와 양립할 수 없는 비본질적인 자 아의 양상이긴 하지만, 이율배반적으로 인간현실에 필수적인 요소임을 인식할 수 있 다. 또 “상실된 것”에서 보이는 호불호(好不好)의 결과들이 인위적인 구분임을 인식할 수 있으며, “학생들 속에서”는 바타이유의 견지에서 공생을 위한 상호투쟁의 결과로서 성행위를 통한 존재의 연장을 인식할 수 있고, “세 가지 동작”에서는 실재적, 상상적, 상징적인 차원으로 이어져 삶에서 죽음으로, 죽음에서 삶으로 반복되는 삶의 악순환을 인식할 수 있다. 결론적으로 인간의 삶은 그토록 고귀한 것이 아니라 삶의 실재에서 벗어난 거죽의 행로를 반복하는 비본질적인 쓰레기의 것으로 인식된다.
The shabby term “subaltern” encouraged by Spivak as an inside-outsider can’t be applied only to postcolonialism. All of existences under the suppression of ruling powers can be viewed as “subalterns,” which can be linked to “abjection” and “chora” as a defiant token of patriarchy favored by Kristeva. Here Bataille’s rebellious idea of death and eroticism everybody abhors can be intervened. As a result of applying these subversive symptoms to Yeats’s poems, the narrator would naturally accept aging rather than a negative mode of “abjection” in “The old men admiring themselves in the water,” and in “The Mask,” though “Mask” as an inauthentic ego incompatible with “chora” could be viewed as a waste of truth or Self, it must become the essential element necessary for human realities. “What Was Lost” would reflect the ambivalence of life not resorting to either good or bad return. And “Among School Children” would implicate the painful sustenance of existences through sexual intercourse as mutual strives for coexistence in Bataille’s view. In “Three Movements,” the three modes of life as the vicious cycle of real, imaginary and symbolic dimension continually repeating from death to life would be found.



The Role of Songs in Yeats’s The Resurrection

Beau La Rhee

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.117-131

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예이츠는 『부활』에서 예수 그리스도의 이야기를 독특한 방식으로 전개 한다. 기독교도와 비기독교도로 구성된 두 종교의 무리로 이루어진 예이츠의 평행 구조의 사용은 종교와 역사에 대한 그들의 다른 생각을 서로 연결 지어 보여주기 위한 것이다. 극 중 노래는 각 무리의 서로 다른 이야기들이 실제로 공유하는 것이 무엇인 지 생각할 수 있도록 해 준다. 예이츠가 『부활』을 집필 할 때 노드라마의 요소를 사 용하면서 춤 보다는 노래가 가지는 의미에 더 중점을 둔 것으로 볼 수 있다. 처음, 중 간, 끝 부분에 노래의 삽입은 노드라마의 영향을 받은 예이츠의 극의 특징이기도 하 다. 그러나 음악의 사용이 무대의 처음과 끝의 장식이라는 의미보다는 더 큰 역할을 한다. 노래는 극의 주요 사건들이 내포하는 의미를 밝히는 데에 중요한 장치이다.
In The Resurrection (1932), Yeats uses a unique way of telling the story of Jesus Christ. The play uses a parallel structure in which religious groups of pagans and the Christians are placed side by side to show their ideas of the nature of religion and history for the audience. The songs included in Yeats’s play have a crucial purpose to connect the two different stories of the religious parties. Using Japanese Noh theatre elements, Yeats employs singing more than dancing in The Resurrection; The songs in the beginning, middle, and end are typical of his Noh influenced drama, but they are not simply to open and close the play with music. The songs are important devices to reveal the implications of the play’s major action.



“Desecration and the Lover’s Night” : Tantric Iconography in W. B. Yeats’s Severed-Head Plays

Yeeyon Im

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.133-154

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이 글에서는 예이츠의 후기극 『큰 시계탑의 왕』과 『삼월의 보름달』을 탄트라 도상학과 철학으로 살펴본다. 두 극에 나타나는 참수와 춤의 이미지는 칼리, 친나마스타 같은 힌두 여신의 도상과 놀라운 유사점을 보이며, 몸을 긍정하는 동시에 초월하는 탄트라 철학은 상반의 융합의 상징으로서 성적 결합을 찬미하는 예이츠의 존재의 통합 개념과 유사하다. 탄트라는 근본적으로 신과의 합일이라는 목표를 가진 영적인 수행법으로, 탄트라 도상학에서 참수된 머리는 에고 의식의 초월을 상징한다. 참수가 역설적으로 결합을 가능하게 하는 예이츠의 두 극은 존재의 합일이라는 시인 의 비전을 표현한다.
This essay examines Yeats’s Salome plays, The King of the Great Clock Tower and A Full Moon in March, in the light of Tantric iconography and philosophy. The image of dancing with a severed head in the plays shows a striking affinity to the icons of Hindu wisdom goddesses such as Kali and Chinnamasta. Tantric philosophy that both affirms and transcends the body parallels Yeats’s concept of Unity of Being. Tantra is a spiritual practice that seeks for divine union; the severed head in Tantric iconography symbolizes the transcendence of the ego. Through the symbol of beheading that paradoxically executes union, Yeats’s Salome plays aptly capture the spirit-matter dialectics in his Unity of Being.



Yeats’s Ambivalence in The Hour-Glass as a Post-Mortality Play

Joon Seog Ko

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.155-169

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예이츠는 『모래시계』에서 현자와 바보 사이의 양의성, 현자와 천사의 갈등, 현자와 학생들 사이의 대립을 재현한다. 이 과정에서, 그는 현자의 삶보다 바보 의 삶의 중요성을 더욱 강조한다. 특히, 현자가 죽어가는 과정에서 일어나는 내면의 갈등과 그가 죽은 후에 어떻게 될 것인지에 대한 윤회에 대한 묘사는 포스트 운명극 의 특징을 보여준다. 그러므로 이 극작품은 『오이디푸스 왕』과 같은 서구의 운명극의 구조를 뛰어넘어 포스트 운명극의 영역을 새롭게 열어 놓았다.
W. B. Yeats represents both the Wise Man and the Fool, the conflict between the Wise man and an Angel, and the opposition between the Wise Man and his pupils. Through the play more emphasis is laid on the Fool: the Fool’s life is more important than the Wise Man’s life. Especially, it is characteristic of post-mortality play. The play shows the Wise Man’s internal conflicts, when dying, and describes the transmigration of his soul, suggesting how his soul will be in the afterlife. This play opens up the realm of post-mortality play by surpassing the structure of Western mortality plays such as Oedipus the King.



From Hamlet to Misterman : The Dionysian Man on Stage

Hyungseob Lee

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.171-191

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이 논문은 근현대 희곡작품 속에 등장하는 디오니소스적 인간을 추적하 고 분석한다. 『비극의 탄생』에서 제시된 니체의 햄릿 논의를 출발점으로 삼고, 햄릿과 베케트의 『고도를 기다리며』에 등장하는 럭키를 니체의 비극론의 틀에서 비교 분석한다. 또한 이 논문은 니체적 관점에서 셰익스피어와 베케트를 관통하는 디오니소스적 인물의 조형을 계승하는 현대작가로 아일랜드 극작가인 엔다 월쉬를 선정하고, 그의 작품 속에 등장하는 디오니소스적 인간의 극적 위치와 의미를 밝혀본다. 이러한 논의 는 비극성이 현대 희곡에서 발현되고 삭제되며 또 굴절되는 방식을 보다 다양하게 깊 이 있게 이해한다는 점에서 그 가치를 담보한다.
Modern tragedy is marked by characters who suffer a sense of being caught or lost in a world where visionary grandeur cannot find its material base and is thus reduced to a relative value or sheer madness. In the end, the Dionysian hero falls into total silence or ends up in a whirlpool of self-destructive violence. This paper traces modern incarnations of the Dionysian man on stage whose visionary loneliness plays havoc on the tranquil appearance of the rationalized world. Taking Nietzsche’s account of Hamlet as the starting point, it establishes certain traits of the Dionysian hero such as linguistic hyperbole and frenetic motion that go in tandem with the confounding lethargy that forces the character to deviate constantly from the main dramatic action. The paper suggests that Lucky in Waiting for Godot is a modern successor of Hamlet, and it closes off with a discussion of the Dionysian man in Enda Walsh’s plays and his Misterman in particular.



Yeats’s Influence on Seamus Heaney : Focusing on Heaney’s Double Attitude toward Yeats

Sung Sook Hong

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.193-205

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히니가 예이츠를 오랫동안 비평의 대상으로 관심을 보인 것은 그가 예 이츠를 위대한 문학유산으로 간주했음을 말해준다. 그러나 히니의 예이츠에 대한 태도 는 늘 긍정적인 것만은 아니었다. 그 이유는 그 둘은 대립되는 문학 전통을 가졌고 특히 히니는 예이츠 외에도 다양한 현대 아일랜드 문학전통을 계승했기 때문이다. 그 리고 그 두 작가를 전통적인 문학이라는 잣대로 재어보면 히니가 조금 더 주류 전통 에 근접함을 알 수 있다. 게다가 그들이 아일랜드를 넘어 유럽 그리고 세계적으로 확 대 된 비전을 제시할지라도 그들의 후기 시는 서로 대립되는 자신들의 전통으로 회기 한 현상을 볼 수 있다. 위의 것을 종합해 볼 때 예이츠가 히니에게 미친 영향은 제한 적일 수밖에 없다.
Heaney’s long critical attention to Yeats indicates that Heaney considers Yeats a great literary heritage. In Heaney we can find Yeats’s heritages, including, among other things, the great pride as a national bard without damaging their own aesthetical style and a precious lesson that art has to be made by the laborious efforts. Yeats, a predecessor of Nobel prize winning and inner émigré, helps Heaney expand his vision from the local to Europe and the world. However, Heaney sticks to a double attitude towards Yeats. First, Heaney has the tradition contrary to Yeats’s, embracing the five phases of modern Irish literature. Second, Heaney comes closer to the Irish traditional identity. However, the later poems of both poets, characterized by returning to their own kind of omphalos, confirm my hypothesis above. Taken together, Yeats’s influence on Heaney is not sweeping but limited.



“Tragic Joy” in W. B. Yeats’s and Kim Jong-gil’s Poems

Jung-Myung Cho

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.207-218

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본 논문은 예이츠와 김종길 시에 나타난 ‘비극적 환희’를 연구한 논문이 다. 두 시인은 각자의 어려움에도 불구하고 ‘비극적 환희’로 극복하려는 공통점을 지 닌다. 비록 산 시기와 장소는 다르지만 ‘존재의 통합’ 내지 ‘자기실현’을 이루려고 각 자의 시에서 ‘비극적 환희’를 공유한 것 같다. 이에 논자는 그들의 시에 나타난 어려 움을 ‘비극적 환희’로 수용하면서 최선을 다한 두 시인의 친연성을 탐구한다.
This paper examines “tragic joy” in W. B. Yeats’s and Kim Jong-gil’s poems. Both poets in their poetry try to achieve ‘tragic joy’ despite the ordeals they have faced. Though they lived and worked in different places and times, it seems to me, they share the idea of “tragic ecstasy” in their poems to fulfill the “Unity of Being” or “self-realization.” I explore some affinities between the two poets who express the concept of “tragic joy” in their poems.



Yeats’s Utopian Desire in “The Lake Isle of Innisfree” and “Byzantium”

Hyunho Shin

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.219-238

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예이츠는 현실과 이상 사이에서의 갈등으로부터 자신의 이상향을 추구 하며 창출한 작가이다. 예이츠는 자신의 시를 통해 자신의 이상인 현실에서는 도달하기 어려운 유토피아를 모색한다. 본 논문은 「이니스프리」호도 에서 예이츠가 보여준 유토피아의 양상과 「비잔티움으로의 항해」를 쓴 동기, 그리고 「비잔티움」에 나타난 예 이츠가 상상한 완벽한 이상향을 살펴본다. 민족과 개인 그리고 상상력의 통합을 추구 했던 예이츠는 사람들에게 구원을 주는 이상향이 되는 유토피아를 상상한다.
William Butler Yeats is one of the authors who created their own utopias out of their conflicts between the reality and the ideal. Certain metaphors of Yeats’s poems reveal his ideas of “Unity of Being,” utopia. This paper deals with the pattern of Yeats’s utopia in ‘The Lake Isle of Innisfree,’ and then Yeats’s motives to write ‘Sailing to Byzantium.’ Finally the hypothesis that Byzantium is the last destination of Yeats’s perfection is established in ‘Byzantium.’ Yeats seek to search for the unity of nations, races, and individual men and creative power of imagination. Yeats’s utopia can undertake for men to discover the ideal place which would offer them salvation.



William Butler Yeats’s Four Early Ballads

Sangyong Ohm

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.239-249

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예이츠는 초기에 발라드라는 제목의 시를 세 편을 1889년에 시집 􋺷십자 로􋺸에 실었다. 일반적으로 예이츠의 발라드는 아일랜드의 역사, 문화, 전승민속에 근원 을 두고 있으며, 춤(무희)를 수반하지만 즐거움, 기쁨보다는 오 하트 신부, 가난한 여 인 몰 메기의 딸, 또 늙은 여우 사냥꾼의 죽음, 그리고 수많은 사람들의 임종 순간에 그들을 위하여 기도를 해 주던, 피로에 지친 길리건 신부의 인간적인 면 등을 주제로 한 슬픈 이야기를 소재로 한 것이 특징이다.
In this essay, I read W. B. Yeats’s four ballads, “The Ballad of Father O’Hart,” “The Ballad of Moll Magee,” and “The Ballad of Fox Hunter” written in his early age and published in Crossways in 1889 and “The Ballad of Father Gilligan” in The Rose in 1893. Yeats’s ballads originated from Ireland’s history, culture, folklore, and so on. They were originally written to accompany dances, so they were composed in couplets with refrains in alternate lines. These refrains are sung by the dancers. But ironically these ballads give us grief, lamentation, and mourning rather than delights, since the material for the ballads is ‘death,’ such as, the death of Father O’Hart, Moll Magee’s just-born daughter, and a fox hunter or the people around Father Gilligan.



A Look at Two Modern Poets Yeats and Eliot

Cheolhee Lee

한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.251-266

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사실, 현대 영미시사에서 예이츠와 엘리엇을 제외한다면 그것을 정확히 진단할 수 없을 정도로 그 두 시인의 영향력은 대단하다. 흥미롭게도 이 둘은 다르게 보일 것처럼 느껴지지만 유사한 맥락으로 평가될 필요가 있다. 또한 이 둘 사이에 창 작 방법 또한 유사한 측면이 많다. 이른바 상징을 기점으로 엘리엇은 객관적 상관물을 추구했다면 예이츠는 흔히 정의하는 낭만주의적 기질을 구조했다는 논점이 매우 이채 롭다. 예이츠는 결코 단순한 낭만주의자가 아님을 알 수 있다.
Yeats’s and Eliot’s role in modern poetry is so great that we could not estimate it manifestly. They have the same direction but are a little different; importantly, they reform the history of modern poetry, each playing an essential role in it. And many researchers regard Yeats as a romantic but this paper claims that Yeats has overcome Romanticism. I could find that there are in the poetry of Yeats and Eliot similarities in poetic techniques: in particular, both depend on symbolism in order to hide their own feelings, which is the objectification of subjectivity.



텍스트 비평으로 읽는 예이츠의 『일곱 숲에서』


한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.267-285

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데이비드 홀드먼은 그의 저서 『인고의 고통』에서 윌리엄 버틀러 예이츠 의 『일곱 숲에서』(In the Seven Woods, 1903)를 접근할 때 텍스트비평 이론이 얼마나 유용한지를 잘 보여준다. 홀드먼의 저서는 멕간의 텍스트비평 이론에 기반한 서지코드 (즉, 글씨체, 제본 형태, 인쇄 형태, 인쇄 재질, 삽화 등) 그리고 본 스타인이 콘텍스추 얼 코드라고 명명한 시집의 순서의 중요성을 언급하며 이 코드들은 결국 모더니즘의 핵심 가치 중의 하나인 서로 모순되는 개념의 통합과 지향점이 같다는 점을 주장한다. 이 책은 예이츠가 모더니즘을 받아들인 시기를 보통 1920년대 이후로 생각해온 학계 의 의견을 1900년대 초반으로 수정하게 만든 중요한 연구로 평가받는다. 본 소고는 기본적으로 홀드먼이 분석한 비언어적인 코드와 콘텍스추얼 코드를 소개하고 홀드먼 의 저서에서는 상대적으로 덜 신경 쓴 예이츠 시의 언어코드를 분석하여 예이츠의 언 어가 이 시집에 사용된 비언어적인 코드들과 어떻게 조화를 이루고 있는지를 분석한다.
David Holdeman’s Much Labouring demonstrates how useful Textual Criticism is in approaching the meaning of W. B. Yeats’s In the Seven Woods (1903). Holdeman, using McGann’s idea of bibliographical codes and Bornstein’s contextual codes, argues that Yeats’s use of these non-linguistic codes in his book of poems is in keeping with one of the core values of poetic modernism promoted by Ezra Pound and T. S. Eliot. Holdeman’s book concludes Yeats’s involvement in modernism actually began in 1900s, not in 1920s, which was normally viewed as the starting point for the Irish poet to modernize his poems. This paper first introduces Holdeman’s discussions of bibliographical codes and contextual codes in In the Seven Woods in relation to the concept of modernism, and then goes on to analyze the linguistic codes of the book of poems to show how its poetic languages harmonize non-linguistic elements in In the Seven Woods.



예이츠의 가면극에 나타난 존재의 통합


한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.287-300

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이 논문은 예이츠가 1920년에 출판한 『무용수를 위한 네 편의 드라마』(Four Plays for Dancers)에 실려 있는 네 편의 가면극을 분석하여 예이츠가 그의 연 극에서 무대와 등장인물, 연극의 주제 등에서 다양한 시도를 하고 있으며 그의 음악 적, 시적, 극적인 재능을 활용하여 아일랜드적인 주제와 신화적인 주제, 기독교적인 주 제 등 상반되거나 갈등을 하는 주제들이 통합적으로 나타나고 있다는 것을 보여주려 고 한다. 예이츠는 관객에 대해서도 그가 선택한 소수의 지적인 관객을 염두에 두고 드라마를 썼고 연출했으며 그의 선택적이며 배타적인 친구집단의 구성은 그의 연극에 독특한 영향을 끼치고 있다.
In 1920, when Yeats reaches his mature age as a writer and philosopher, he publishes four interesting plays under the title of Four Plays for Dancers. These four plays are written with new theatrical methods using music, dance, and mask. Yeats believes that the necessary elements for traditional performances should be minimized. He believes that insisting on traditional stages hampers the intimacy between players and audience. These mask plays cover themes from Irish myths to subjective loneliness of Jesus at his last moment. He tries to show his lifelong philosophy of the unity of being in these mask plays.



예이츠의 「자아와 영혼의 대화」에 대한 선사상적 접근 : 스즈키의 선을 중심으로


한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.301-320

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일본의 불교학자 스즈키의 선사상은 예이츠의 삶과 철학뿐만 아니라 그 의 후기 시에도 상당한 영향을 미쳤다. 예이츠를 평생 따라다니며 괴롭히던 이원적 갈 등, 즉 선의 ‘분별계교심’에서 벗어나 노후에 관조하는 자세로 심오한 동양 철학 사상 이 담긴 시들을 발표할 수 있었던 것, “존재의 통일”(Unity of Being)에 대한 진정한 의미를 깨달을 수 있었던 것은 선사상으로부터 받은 영향이 적지 않다. 이 논문에서는 스즈키와 예이츠의 만남, 선과 선불교의 특징 등을 먼저 살펴보고, 예이츠가 선사상에 가장 심취해 있었던 시기에 쓰인 「자아와 영혼의 대화」에 나타난 선사상을 스즈키의 선과 관련시켜 심도 있게 고찰해 보고자 한다.
The Zen thought of Suzuki Daisetsu, a Japanese Buddhist scholar, had a significant influence on Yeats’s life and philosophy as well as his late poetry. This Eastern thought helped Yeats get out of his lifelong dualistic conflicts and realize the true meaning of the Unity of Being in his last poems. This paper is to investigate Yeats’s encounter with Zen and Suzuki and the characteristics of Zen thoughts as reflected in his “A Dialogue of Self and Soul,”



식민지 조선 문인들의 “The Lake Isle of Innisfree” 수용과 전유 — 김억, 김영랑, 한흑구, 정인섭을 중심으로


한국예이츠학회 한국 예이츠 저널 제57권 2018.12 pp.321-344

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이 논문은 김억, 김영랑, 한흑구, 정인섭을 중심으로 식민지 조선 문인들 의 “The lake isle of innisfree”의 수용과 전유 양상을 고찰하는 목적으로 한다. 식민지 조선 문단에서 “The lake isle of innisfree”는 ‘세계문학의 보편성’과 ‘식민지 문학의 특수성’을 지닌 예이츠의 대표시로 주목받으며 수용 주체의 문학 기획에 따라 다른 함 의로 호명된다. 조선 문인들의 “The lake isle of innisfree”의 수용과 전유는 당대 이들 이 기획했던 문학적 전략과 긴밀하게 연동되어 나타난다. 김억과 김영랑은 세계문학으 로서 “The lake isle of innisfree”를 전유하면서 근대시로서 이 시의 특징에 주목한다. 이에 반해 한흑구와 정인섭은 식민지 문학으로서 “The lake isle of innisfree”를 전유 하며 이 시에 내포된 식민지적 정체성에 주목한다.
This paper investigates the acceptance and appropriation of “The Lake Isle of Innisfree” by literary figures in colonized Joseon, such as Kim Eok, Kim Yeongrang, Han Hukgu, and Jeong Inseop. In the literary circles of colonized Joseon, “The Lake Isle of Innisfree” was put in the spotlight as one of Yeats’s representative poems by dint of the ‘universality of world literature’ and ‘uniqueness of colonial literature.’ This particular poem was received and appropriated by literary figures of Joseon as it conformed to the literary strategies set by them. Kim Eok and Kim Yeongrang focused on the poem’s characteristics as a modern poem and as part of world literature as well while Han Hukgu and Jeong Inseop focused on colonial identity inherent in the poem as part of colonial literature.


[Book Review]



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