Earticle

본 논문은 예술노동의 학술적 개념화에 관한 질적 메타분석 연구로, 예술노동 담론이 본격화된 2009년부터 2025년까지의 학술 논문을 대상으로 하여 예술노동의 개념화 방식을 분석하였다. 분석 대상은 학술지 논문 및 학위 논문을 포함하여 총 57편이며, 근거이론 패러다임 분석 방법에 따라 개방코딩, 축코딩, 선택코딩을 수행하였다. 분석 결과, 예술노동 개념의 모호성이 중심현상으로 도출되었고, 예술인의 취약한 노동환경으로 인한 제도화와 창의노동 과 같은 유사 담론의 개입이 조건의 핵심 축을 구성하였다. 논문들은 예술노동의 개념 정의를 위임, 유보 또는 회피 하거나, 타 담론의 틀에 대리 개념화하는 전략을 선택하였다. 결과적으로 예술노동은 학술적으로 완결된 범주가 아니라, 정책의 당위성을 입증하기 위한 사후적 정당화 수단으로 머물렀다. 이는 예술 현장과 학술 담론과의 괴리를 드러 내는 현상이며, 동시에 제도의 논리가 학술의 논리를 압도하는 구조적 환경 속에서 학술적 개념화가 주조되는 과정을 보여준다.

This paper is a qualitative meta-analysis of the academic conceptualization of artistic labor. It examines how artistic labor has been conceptualized by reviewing academic papers published from 2009 to 2025, a period during which discourse on artistic labor gained momentum. A total of 57 works were analyzed, including academic papers and dissertations. Open, axial, and selective coding were employed in accordance with the grounded theory paradigm. The analysis revealed that ambiguity surrounding the concept of “artistic labor” was a central phenomenon. The vulnerable working conditions of artists, which led to institutionalization, and the intervention of related discourses, such as “creative labor,” constituted the core axes of the framework. The studies either avoided defining the concept of artistic labor, deferred to other discourses for its definition, or used strategies to conceptualize it vicariously within the frameworks of other discourses. Consequently, “artistic labor” remained an academically unestablished category, serving as a retrospective means to justify the legitimacy of policy. This phenomenon reveals the disconnect between the art field and academic discourse while illustrating how academic conceptualization is shaped in an environment where institutional logic overrides academic logic.

본 연구는 수도권 편중이 심한 한국 미술시장 환경에서 지역 아트페어가 자본의 규모가 아니라 고객 경험(CX)의 깊이와 데이터 역량으로 성장할 수 있는지를 광주국제아트페어(아트광주) 사례를 통해 종단적으로 분석한다. 시장 규모나 횡단 분석에 집중되어 온 기존 연구와 달리, 본 연구는 2021년부터 2025년까지 축적된 관람객 만족도 설문 2,510건을 토대로 핵심 지표의 5개년 추이를 추적한다. 분석 결과 아트광주의 갤러리 구성 만족도는 2021년 68.0% 에서 2025년 96.0%로 지속 상승하였고, 재방문 의향은 2022년부터 2025년까지 90% 이상을 유지하였으며, 관람층은 중장년 핵심층 위에 청년층이 더해지는 확장형 구조를 보였다. 한편 첫 방문 관람객이 측정이 이루어진 2023~2025년 내내 약 60%를 차지하여 신규 유입 지속이 확인되었으나, 이들의 정착 여부는 현행 측정 설계로 판별할 수 없어 이로부터 필요한 측정 지표를 도출하였다. 나아가 2025년 현장에서 수행된 AI 보조 분석의 산출물을 종단적으로 재검토하여 그 기여와 한계가 발생하는 지점을 규명하였다. 끝으로 이러한 종단적 기록이 사람·관계· 기록의 세 층위로 유지되는 조직 기억에 의존한다는 점에서, 조직 기억이 지역 아트페어의 지속가능성을 좌우하는 핵심 조건임을 제시한다.

This study longitudinally examines whether a regional art fair can grow through the depth of customer experience (CX) and data capability rather than the scale of capital, drawing on the case of the Gwangju International Art Fair (Art Gwangju) within a Korean art market heavily concentrated in the Seoul metropolitan area. Unlike prior research centered on market size or cross-sectional analysis, this study traces five-year trends in key indicators using 2,510 visitor satisfaction survey responses accumulated from 2021 to 2025. Satisfaction with the composition of participating galleries rose steadily from 68.0% in 2021 to 96.0% in 2025; the intention to revisit remained above 90% from 2022 to 2025; and the audience broadened into an expansionary structure in which younger visitors were added on top of an established middle-aged core. Meanwhile, first-time visitors accounted for roughly 60% throughout the years in which the item was measured (2023–2025), confirming a sustained inflow of newcomers; whether these visitors go on to form a lasting attachment, however, cannot be determined under the current measurement design, and the study derives from this gap the indicators still needed. The study further re-examines the outputs of the AI-assisted analysis conducted on site in 2025 to identify where its contributions and its limitations arise. Finally, because such longitudinal records depend on organizational memory sustained across three tiers—people, relationships, and records—the study argues that organizational memory is a decisive condition for the sustainability of regional art fairs.

이 연구는 인구감소지역 군 단위 문화재단이 자원 제약 조건에서 공연예술연습공간을 어떻게 지속 운영하는지를, 담양군문화재단 아르코공연연습센터 사례로 분석하였다. 담양군은 인구감소지역이자 지방소멸위험지역으로, 2026년 6월 기준 총인구 44,031명 중 노령기가 38.41%를 차지한다. 그럼에도 이 시설은 한국문화예술위원회 지역운영기관 평가에서 2024·2025년 연속으로 위원장상(은상)을 수상하였고, 대표 특화 프로그램인 현악 앙상블 참여자 중 광주 광역시 거주 비중이 상당하게 나타났다. Yin(2018)의 사례연구 방법론과 하드웨어·소프트웨어·휴먼웨어 (HW·SW· HW′) 통합운영모델을 서술 축으로 활용하여, 2023–2025년 3개년 실적자료와 이해관계자 심층 인터뷰 (n=13)를 삼각 검증한 결과, 담양 사례는 HW→SW→HW′의 순차 축적을 통해 하드웨어 열세를 소프트웨어 특화와 휴먼웨어 밀도로 보완하며 광역 이용자를 흡인하는 경향이 관찰되었다. 분석 기간인 2023–2025년 동안 아르코공연 연습센터의 연간 가동률은 37.98%에서 46.35%로 8.37%P 상승하였다. 개관 초기(2021–2022) 수치는 자료 산출 기준의 한계로, 참고치로만 활용하였다. 이 발견은 인구감소지역 문화재단이 광역권 문화 흐름의 능동적 결절점으로 기 능할 가능성을 시사한다.

This study analyzes how a county-level cultural foundation in a population-declining and population-extinction-risk region sustainably operates a performing arts practice space under significant resource constraints. Damyang County, one of the 89 population-declining regions designated by the Ministry of the Interior and Safety of Korea, has a total population of 44,031 as of June 2026, with the elderly population (65+) constituting 38.41%, nearly twice the UN criterion for a super-aged society. Nevertheless, the ARKO Performing Arts Practice Center operated by the Damyang County Cultural Foundation received the Chairperson's Award (Silver Prize) in the Arts Council Korea (ARKO) regional operating institution evaluation for two consecutive years (2024 and 2025 evaluations). Notably, a substantial proportion of the participants in its flagship string ensemble program reside in the neighboring Gwangju Metropolitan City. Employing Yin's (2018) case study methodology and the Hardware-Software-Humanware (HW·SW·HW′) integrated operation model as an analytical narrative frame, this study triangulates three-year (2023–2025) longitudinal performance data with in-depth interviews of stakeholders (n=13). The findings suggest a sequential shift from HW to SW to HW′, with the specialization of software and the density of humanware compensating for hardware disadvantages and generating cross-regional user attraction. Within the analytical period of 2023–2025, the facility utilization rate rose from 37.98% to 46.35% (+8.37%p), calculated by the foundation's official formula (annual rental cases ÷ annual available rental cases). This suggests that cultural foundations in population-declining regions can function as active nodes within metropolitan-area cultural flows, rather than as passive recipients of central support.

본 연구는 문화예술기업의 AI 기능과 핵심 AI 기능의 구현 기반이 비즈니스 모델 구성요소와 결합하는 양상을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 문화예술 분야의 특수성을 반영한 문화예술 비즈니스 모델 캔버스(AC-BMC)를 제 안하고, 프랑스 문화예술기업 Ask Mona, Iconem, Shotgun, Singulart를 사례로 분석하였다. 분석 결과, 생성형, 복원·재구성형 및 매칭형이 탐색적 기능 범주로 도출되었다. Ask Mona와 Iconem은 외부 범용 AI 기술 결합형으로, Shotgun과 Singulart는 분야별 플랫폼 데이터와 내부 기술역량에 기반한 내부 자원 중심 구현형으로 나타났다. AI 기능과 구현 기반은 가치 제안과 핵심 활동을 중심으로 고객 관계, 핵심 자원, 핵심 파트너십 및 수익·비용 구조와 서로 다르게 연결되었다. 특히 AC-BMC에 추가한 공공·제도적 연계와 예술적 정당성은 콘텐츠와 데이터의 구성, 자 원 확보, 파트너십, 결과에 대한 신뢰 및 고객의 선택에 관여하였다. 또한 동일한 매칭형·내부 자원 중심 구현형에서 도 인간 전문성과 예술적 정당성의 개입 방식에 따라 비즈니스 모델이 분화하였다. 본 연구는 AC-BMC를 통해 문화 예술기업의 특수성을 비즈니스 모델 내부에 반영하고, 사례에서 도출된 AI 기능 유형과 구현 기반을 결합하여 유형 간 차이와 동일 유형 내부의 분화를 함께 설명하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 연구에서는 국가, 문화예술 분야 및 사례 수를 확대하여 탐색적 유형의 확장 가능성을 검토하고, 심층조사를 통해 AI 기능과 구현 기반이 비즈니스 모델 구성요소와 결합하는 과정을 구체적으로 분석할 필요가 있다.

This study explores how AI functions and the implementation configurations of core AI capabilities interact with the business model components of arts and cultural enterprises. It proposes the Arts and Culture Business Model Canvas (AC-BMC), which reflects the distinctive characteristics of the arts and cultural sector, and applies it to four French enterprises: Ask Mona, Iconem, Shotgun, and Singulart. The analysis identified generative, reconstructive, and matching functions as exploratory categories. Ask Mona and Iconem exhibited external general-purpose AI technology-integrated configurations, whereas Shotgun and Singulart exhibited internal-resource-centered configurations based on domain-specific platform data and internal technological capabilities. AI functions and implementation configurations were connected differently to customer relationships, key resources, key partnerships, and revenue and cost structures, with value propositions and key activities at their core. In particular, public and institutional linkages and artistic legitimacy, which were added to the AC-BMC, functioned as internal business model components that shaped content and data configuration, resource acquisition, partnerships, trust in AI-enabled outcomes, and customer choice. Even within the same matching and internal-resource-centered configuration, business models differed according to how human expertise and artistic legitimacy were incorporated. This study contributes by incorporating the distinctive characteristics of arts and cultural enterprises into the AC-BMC and combining case-derived AI function types with implementation configurations to explain both differences across types and variations within the same type. Future research should expand the countries, arts and cultural fields, and number of cases examined and use in-depth investigations to analyze how AI functions and implementation configurations interact with business model components.

본 연구는 한국 문화예술 엔터프라이즈의 싱가포르 진출 현황을 분석하고 활성화 전략을 제안하는 것을 목적으로 한다. 한류의 양적 성장이 질적 전환의 단계에 접어들면서 전통 공연예술·시각예술·미디어아트·포용 예술 분야 기업들이 독자적 IP를 앞세워 싱가포르에 상설 거점을 확보하는 사례가 늘고 있으나 이들이 직면하는 구조적 장벽과 성공 요인에 대한 실증 연구는 거의 이루어지지 않았다. 따라서, 두 가지 연구 문제를 설정하였다. 첫째, 한국과 싱가포르 양국의 공공 지원 체계가 한국 문화예술 엔터프라이즈의 싱가포르 진출 과정에서 발생시키는 구조적 장벽과 이를 조율할 예술경영인의 핵심 자질은 무엇인가. 둘째, 싱가포르에 진출한 한국 민간 문화예술 엔터프라이즈 세 곳— 키뮤스튜디오(포용 예술 소셜벤처), 그라운드시소(IP 기반 이머시브 전시), 해녀의 부엌(B2C 이머시브 다이닝) — 이 직면한 공통 구조적 장벽과 각 엔터프라이즈의 전략적 해법은 무엇인가. 연구 방법으로는 문헌 연구와 질적 연구를 결합하였다. 문화 할인 이론과 창조 경제론을 이론적 틀로 채택하고, 규모·장르·진출 방식·수익 구조가 상이한 세 엔터프라이즈를 대상으로 최대 상이 사례 방법론을 적용하여 진출 트리거, 공간 점유 전략, 현지화 방식, 수익 구조와 자금 의존도, 정부 정책 정합성의 5개 분석 축에 따라 비교 분석하였다. 아울러 싱가포르 현지 전문가, 한국 공공지원 정책 실무자, 사례 엔터프라이즈 대표, 공동제작 실무자를 대상으로 심층 인터뷰를 실시하였다. 분석 결과, 한국 공공 지원 체계는 투자 유치 KPI 집중, IP 이중 긴장, 사후관리 부재, 부처 간 지원 생태계 분절 등 네 가지 구조적 한계를 반복적으로 만들어내는 것으로 나타났다. 세 사례 비교에서는 싱가포르 공공 지원 수령 여부가 IP 거버넌스 결과를 가르는 핵심 분기 변수로 작동함을 확인하였으며, 이를 토대로 진입 장벽 분석부터 현지 자생력 확보에 이르는 4단계 진출 매뉴얼과 상호문화 역량을 포함한 예술경영인의 7가지 핵심 자질을 도출하였다. 해당 연구는 한국 문화예술 엔터프라이즈의 싱가포르 진출은 시장 진출 전략의 문제일 뿐 아니라, 양국 공공 지원 체계의 구조적 긴장 속에서 IP 거버넌스를 어떻게 설계하느냐의 문제이기도 하다는 점에서 이를 고찰하는 출발점을 마련하였다는 데 의의가 있다.

This study analyzes the current status of Korean cultural and arts enterprises entering the Singapore market and proposes strategies for facilitating such expansion. Amid the qualitative transformation of the Korean Wave, enterprises in traditional performing arts, visual arts, and inclusive arts have begun establishing permanent footholds in Singapore by leveraging their proprietary intellectual property (IP), yet empirical research on the structural barriers they face remains scarce. Applying the Most Different Systems Design (MDSD) methodology, the study compares three Korean enterprises—Haenyeo's Kitchen (B2C immersive dining), KIMU Studio (inclusive arts social venture), and GROUNDSEESAW (IP-based immersive exhibition)—across five dimensions: entry trigger, spatial occupation strategy, localization mode, revenue structure, and policy alignment with the Singapore government. The analysis identifies four structural limitations in Korea's public support system—including overemphasis on investment-attraction metrics, dual tension between Korean and Singaporean IP requirements, and fragmented interagency support—and two key propositions: that receipt of Singaporean public funding shapes IP governance outcomes, and that early revenue self-sufficiency design determines long-term survival. Based on these findings, the study proposes a four-stage entry manual and seven core competencies for arts managers, redefining overseas expansion as a matter of both market entry strategy and IP governance design within bilateral public support tensions.

도슨트 경험은 개인의 가치관, 동기, 정서적 반응 등에 따라 다양하게 나타나며 이러한 주관성은 도슨트 활동의 질과 지속성에 중요한 영향을 미친다. 본 연구는 도슨트 활동에 관한 경험 인식을 유형화하고, 각 유형의 특징을 탐색하는 것을 목적으로 한다. 연구자는 세종문화회관의 세종·충무공이야기 전시장에서 활동하는 도슨트와 1년간 라 포를 형성한 상태에서 그들의 인식을 Q방법론을 통해 분석하였다. P표본 22명을 대상으로 33개의 진술문을 Q소팅 한 후 Q-Method 소프트웨어로 분석한 결과, 도슨트는 문화지향 학습발달형, 관계기반 정서양가형, 소속·공동체 중 심형의 세 유형으로 분류되었다. 관찰된 세 유형의 특성을 종합하여 기관과 관객경험에 대한 기여, 활동 동기와 정서적 경험이 유형별로 다르게 구성되는 것을 확인하였다. 연구결과는 도슨트 양성과 교육 활용의 다양한 관점을 시사 하며, 일반화 시도는 더 큰 표본을 확보한 후 양적 분석을 병행하는 후속 연구가 필요하다.

Docent experiences vary according to individuals’ values, motivations, and emotional responses, and such subjectivity significantly affects the quality and continuity of docent activities. This study aims to classify docents’ perceptions of their activity experiences into distinct types and explore the characteristics of each type. Using Q methodology, the study analyzed the perceptions of docents working at the Sejong & Admiral Yi Exhibition Hall of the Sejong Center for the Performing Arts, after the researcher had established rapport with them over a one-year period. Twenty-two docents, comprising the P-sample, Q-sorted 33 statements, and the resulting Q-sorts were analyzed using Q-Method 2.35. The analysis identified three types of perceptions: a culture-oriented learning and development type, a relationship-based affective ambivalence type, and a belonging- and community-centered type. A synthesis of the characteristics of these three types showed that their contributions to the institution and visitor experience, motivations for docent activities, and emotional experiences were configured differently across types. The findings offer diverse perspectives on docent training and its educational applications. Further research using larger samples and complementary quantitative analyses is needed to examine the generalizability of these findings.

본 연구는 한국 C대학 예술경영 전공 박사과정에 재학 중이거나 이를 수료 및 졸업한 중국 유학생을 대상으로, 박사과정 학습경험이 어떠한 양상으로 나타나며 이러한 경험 속에서 예술경영 관련 진로계획이 어떻게 지속되고 조정되는지를 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 목적표집을 통해 총 18명의 연구 참여자를 선정하였으며, 계획된 행동 이론(Theory of Planned Behavior, TPB)을 분석틀로 활용하여 면담과 질적 분석을 수행하였다. 분석 결과, 연구 참여자들의 박사과정 학습경험은 단순한 학업 적응에 머무르지 않고, 입학 전 박사학위 취득에 대한 기대가 예술경영 전공에 대한 재이해, 현실적 제약에 대한 인식, 진로계획의 재구성으로 이어지는 복합적인 과정으로 나타났다. 수업 이수, 논문 작성 및 예술 현장 경험은 연구 참여자들이 예술경영의 학제적 특성을 새롭게 이해하고, 기존의 전공 및 직업 경험을 연구 주제와 진로 자원으로 전환할 가능성을 모색하도록 하였다. 반면 한국 박사학위에 대한 중국 내 사회적 평가, 학업 진행에 대한 내외부적 압력, 고용시장의 현실은 이들로 하여금 기존 진로 목표의 가치와 실현 가능성을 지속적으로 재평가하게 하였다. 종합하면, 연구 참여자들의 진로 계획은 입학 전 설정한 목표가 그대로 연장된 결과라기보다, 전공의 가치에 대한 판단과 실현 가능성에 대한 평가가 변화하는 과정에서 외부적 준거의 영향을 받으며 점차 조정 및 형성된 결과라 할 수 있다. 본 연구는 이처럼 박사과정 학습경험 속에서 기존의 진로 목표가 재평가되고 새로운 가능성을 중심으로 조정되는 과정을 진로계획의 재구성으로 해석하였다.

This study explores how Chinese doctoral students in the Arts Management program at C University in South Korea—whether currently enrolled, having completed coursework, or having graduated—experience their doctoral learning, and how these experiences shape the persistence and reconstruction of their career plans related to arts management. Eighteen participants were selected through purposive sampling, and qualitative analysis was conducted using the Theory of Planned Behavior (TPB) as an analytical framework. The findings reveal that participants' doctoral learning experiences extended beyond mere academic adaptation, unfolding instead as a complex process in which pre-admission expectations of earning a doctoral degree gradually gave way to a reconceptualization of the arts management field, an awareness of practical constraints, and the reconstruction of career plans. Coursework, dissertation writing, and engagement with the arts field prompted participants to develop a renewed understanding of the interdisciplinary nature of arts management and to explore ways of converting their prior academic and professional experiences into research topics and career resources. At the same time, social perceptions in China regarding Korean doctoral degrees, internal and external pressures associated with academic progress, and the realities of the employment market led participants to continually reassess the value and feasibility of their original career goals. Taken together, participants' career plans did not represent a straightforward extension of pre-admission goals; rather, they emerged as outcomes that were gradually adjusted and shaped by external reference points amid an evolving process of judging the field's value and reassessing its feasibility. This study interprets this ongoing process—whereby existing career goals are reevaluated and reoriented around newly perceived possibilities over the course of doctoral study—as a process of career plan reconstruction.

공공미술관은 작품의 해석·매개와 문화향유·참여·관계 형성의 역할을 함께 수행하지만, 참여의 사회적 가치만으로 체험 활동의 예술적 관련성이 설명되는 것은 아니다. 본 연구는 음식과 차를 감각 경험과 공동 행위를 조직하는 매개로 보고, 2025년 서울시립미술관의 「예술가의 런치박스―이은경: 달걀 사용 설명서」와 「도슨트 토크토크―영원 히 교차하는 춤: 얼그레이 만들기」, 국립현대미술관의 「현대미술과 다도―차경(茶景)」을 분석하였다. 기관이 생산·공 개한 프로그램·작품 설명, 발간자료, 공식 SNS와 모집자료를 대상으로 질적 비교 문서분석을 실시하고, 예술적 관련성을 예술적 출발점, 예술–음식 연결 근거, 해석적 구체성으로 구분하여 공공적·관람자 경험·관계적 가치와의 관계를 비교하였다. 분석 결과, 「달걀 사용 설명서」는 요리와 회화의 교차 및 물질의 혼합·축적, 느린 제작과 지질학적 시간을 같은 자료에 제시하여 연결 경로가 상대적으로 가장 추적 가능했으나, 세부 체험이 작품 의미로 전환되는 과 정은 기록되지 않았다. 「차경」은 다섯 소장품과 다도의 느림·집중을 작품 감상에 연결하여 감각적 접근 경로를 제시 했지만 작품별 차의 대응 기준은 밝히지 않았다. 「도슨트 토크토크」에서는 작품의 차나무 잎과 티 블렌딩의 찻잎이 지닌 소재 공통성이 확인되었으나, 작품의 순환·균형과의 관계보다 감상 공유, 재료 소분, 차 만들기와 마음 전달이라는 참여 구조가 더 구체적으로 설명되었다. 세 사례는 재료·감각·참여행위가 작품과 체험을 연결할 수 있지만, 연결의 존재와 작품 의미에 근거한 해석적 구체성을 구분해야 함을 보여준다. 본 연구는 예술적 관련성과 사회적 가치의 관계를 비교하는 분석틀을 제시하고, 미술관이 체험의 출발점, 체험으로의 전환 방식, 작품 의미와의 관계를 단계적으로 설명할 필요가 있음을 제안한다. 결과는 프로그램의 실제 성취나 교육 효과가 아니라 공식자료에 문서화된 범위에 관한 판단이다.

Public art museums combine art interpretation with cultural access, participation, and relationship building, yet social value alone does not establish the artistic relevance of experiential activities. Focusing on food and tea as media for sensory experience and collective action, this study compares how official materials connect art and food-related activities in three programs held in 2025: The Whole Egg Manual, Chagyeong, and Docent Talk Talk. This study employs qualitative comparative document analysis to examine artistic starting points, the bases of art–food connections, and interpretive specificity, together with public, visitor-experience, and relational values. The Whole Egg Manual juxtaposes cooking and painting and discusses mixing, accumulation, slow production, and geological time, making the art–food connection the most readily traceable of the three cases, although the transition from food-related activities to artistic meaning remains undocumented. Chagyeong takes five works from the museum collection as starting points for tea selection and links the slowness and concentration of tea practice to viewing art, but provides no criteria for pairing individual artworks with particular teas. In Docent Talk Talk, cross-document comparison reveals that tea leaves are used both in the installation and in the tea-blending activity; however, official materials explain the participatory structure more specifically than its relationship to the work’s themes of circulation and balance. Across the three cases, material, sensory, and participatory acts can connect art and experience, but the presence of such a connection must be distinguished from the specificity with which it is interpreted. This study offers a framework for comparing artistic relevance and social value and proposes that museums explain the artwork element from which an activity originates, how it is transformed into experiential materials, actions, or sensations, and how that transformation relates to artistic meaning. The findings concern institutional documentation rather than actual artistic achievement or educational effects.

서울은 공연예술 자원이 집중된 도시이지만, 공연장을 찾는 시민들은 누구이며 어떤 사회적 조건 속에서 순수예술 공연관람이 이루어지는지를 실증적으로 검토한 연구는 부족했다. 이에 본 연구는 「서울시민 문화향유 실태조사」 2024년 자료를 활용하여 순수예술 공연관람 여부에 영향을 미치는 개인 수준 요인과 지역 수준 요인을 분석했다. 먼저 이항 로지스틱 회귀분석을 실시한 뒤, 자치구를 상위수준으로 설정한 다층 로지스틱 회귀모형을 적용했다. 분석 결과, 성별, 연령대, 학력, 월 평균 가계소득은 공연예술 관람 가능성과 유의한 관계를 보였으며, 직업군과 혼인상태 는 일부 범주에서만 차이가 나타났다. 지역 수준 요인 중에서는 중위연령과 민간 공연장 수만이 유의했다. 이는 서울 시민의 순수예술 공연관람 여부가 지역적 조건보다 개인의 사회인구학적 특성에 의해 더 크게 설명됨을 보여준다. 이 연구는 특정 관람층에 한정하지 않고 서울시민 전체 통계자료를 활용해 공연예술 관람을 사회적 조건의 차원에서 분석하고, 문화향유 중에서도 순수예술 공연관람에 초점을 맞추어 검토했으며, 자치구 단위의 지역 수준 요인을 함께 고려했다는 점에서 의의가 있다. 향후에는 관람 빈도, 지출 수준, 장르별 경험 등을 포함한 후속 분석이 필요하다.

Although Seoul is a city where performing arts resources are highly concentrated, empirical research examining who visits performing arts venues and under what social conditions fine arts attendance takes place has remained insufficient. This study analyzes the individual- and district-level factors affecting Seoul citizens’ attendance at fine arts performances, using data from the 2024 Seoul Citizens’ Cultural Participation Survey (SCCPS). A binary logistic regression analysis was first conducted, followed by a multilevel logistic regression model in which autonomous districts (gu) were set as the higher-level units. The results show that gender, age group, educational attainment, and average monthly household income were significantly associated with the likelihood of attending fine arts performances, while occupational status and marital status showed significant differences only in select categories. Among district-level factors, only median age and the number of private performing arts venues were statistically significant. These findings indicate that attendance at fine arts performances among Seoul citizens is explained more strongly by individual sociodemographic characteristics than by district-level conditions. This study is significant in that it approaches performing arts attendance as a matter of social conditions, using citywide statistical data rather than focusing on a specific audience group. It also focuses on fine arts performance attendance within the broader context of cultural enjoyment and empirically considers district-level regional factors that have not been sufficiently addressed in previous research. Future research should incorporate attendance frequency, expenditure levels, and genre-specific experiences to construct a more nuanced understanding of performing arts participation.