Earticle

본 논문은 최근 들어 급증하는 창조도시 논의와 지방자체단체에서 표방하는 창조도시에 대한 정책적 편향을 문제 삼는 가운데, 본래적 의미에서의 창조도시 이념을 제시하고 이를 통해 문화예술경영학에서의 확장된 지평을 제시하는 것을 목표로 한다. 실제로 창조도시는 많은 지자체가 기대하듯이 산업적 효과로 직결되는 것이 아니라, 도시에 얼마나 창의적인 인력이 모여들 수 있는지, 또 그러한 인력들이 어떻게 도시적 매력을 만들어 가는지에 관한 과정과 긴밀하게 연결되어 있다. 그런 점에서 예술의 역할을 이러한 구도에서 새롭게 볼 필요가 있으며, 그 가운데 문화예술경영이 어떻게 도시를 창조적으로 만드는 데 기여를 할 수 있는지를 점검해 갈 필요가 있겠다. 더 이상 관람객을 수동적인 소비자로 보는 것이 아니라 능동적인 생산자로 보는 한에서, 다양한 공공예술과 거리예술의 기획을 통해 이러한 실천은 충분히 가능한 것이고, 또 도시 재생 개념에 따른 예술공간의 논의 등은 창조도시 조성에 주요한 행동으로 일치될 수 있는 것이다.

This study reinterprets the idea of creative city, and aims to extend of it through application of arts & cultural management. Given this situation, increase of discussion about creative city and local autonomous entities' espousal of political inclination to creative city could be a problem. Creative city is not directly connected with industrial effect, as local autonomous entities expect, actually. It'd rather be closely connected with process of how the city attract creative class, and how the creative class make city creative. At this point, we need to examine the role of arts and how arts & cultural management makes efforts that city be creative. Therefore, performance of planning about public arts and street arts could be possible when we consider audiences as active consumer not passive consumer and art factories discourse according to concept of urban regeneration could be an important course of action

예술이 계층간 소통에 있어 하는 역할에 대한 비판적 의견은 예술이 계층적 차이를 더욱 뚜렷하게 드러내준다고 말하고 있다. 예를 들어 프랑스의 사회학자 부르디외가 이야기하고 있는 것처럼 예술적 취향은 계층에 따라 가정 교육을 통해 내면화되고 그 바탕 위에서 이 취향이 성인이 되어서도 심화, 고정화될 수밖에 없는 것이라는 데에 많은 예술사회학자들은 동의했다. 계층은 거주 지역을 통해서도 드러난다. 중앙집중화 현상이 심한 한국의 수도 서울을 비롯하여 흔히 예술의 도시라고 부르는 파리나 세계의 메트로폴리스 거주민들이 가지는, 예술 향유의 지역적 기득권은 가히 계층적 기득권이라고 해도 과언이 아니다. 그렇다면 이러한 지역적, 계층적 기득권을 지방 도시 거주민들이 나누어 가질 수는 없는 것일까? 자기가 사는 지방 도시에서 오페라 등의 고급 예술 축제가 열려도 정작 그 지역 거주민들은 그 예술 작품을 이해하지 못하고 소외감을 느끼며 그 결과로 외부 방문객들에 배타적인 시선까지 보내는 이러한 문제를 어떻게 해결할 수 있을 것인가 하는 의문이 이 글의 출발점이 되었다. 예술 경영에 있어 통합과 융합이란 예술 장르간 통합과 융합일 수도 있으나 계층간 통합과 융합에 예술이 기여할 수 있는 바를 찾는 것이기도 하다. 이 글에서는 축제 주최자들이 지역 발전에 기여함으로써 지역민과 통합, 융합할 수 있는 방법 혹은 축제에 대한 지역민의 욕구에 대해 살펴봄으로써 축제와 지역이 함께 ‘윈윈’할 수 있는 방법에 대한 제안을 하고자 했다. 이를 위해 필자는 아일랜드와 스코틀랜드, 남아프리카 공화국 등의 축제 사례를 살펴보았다. 물론 각 나라의 개별적 콘텍스트가 다르기 때문에 이러한 사례에서 활용한 방법을 한국의 지방 도시 축제에 직접적으로 적용할 수는 없겠으나 응용 가능성은 충분하다고 본다.

Critical opinion about the role of art in mutual understanding between classes is saying that art discloses the hierarchical difference more clearly. For example, as french sociologist Bourdieu said, artistic inclination is internalized through training at home according to class and on the basis of this, artistic inclination becomes deepen and fixed by growing. Hierarchy can be expressed through where people live. Citizens of Seoul in Korea or of Paris the city of art and of the other metropolises in the world enjoy privileges of art, and that is a kind of hierarchical privileges. Then, such regional, hierarchial privilege of art can not be shared with people in local city? Local people don't welcome arts festival like opera festival and the visitors of the festival from outside as a result of not understanding the art itself and having a sense of alienation. This question how to solve the problem became starting point of writing. Integration and fusion in art administration can be integration and fusion between arts genre, but also can be found how arts could contribute for integration and fusion between different classes. This writing tried to propose about method which festival and local city can ‘win-win’ together through contribution of festival organizer for the local development or elaborate analysis of what people in local city really want in festival. For that purpose, arts festivals of Ireland and Scotland, Republic of South Africa are analysed. Of course, this analysis can not be directly used for Korean arts festivals in local city, because context of each country is different, but application is possible.

정부의 문화진흥정책이 강화되는 추세다. 중앙정부 뿐 아니라 지방정부도 문화진흥정책을 중요시하는 경향이다. 중앙과 지방이라는 이분법, 상하관계 개념이 점차 상호적 관계로 변화하고 있다. 예술지형도 변하고 있다. 뿐만 아니라 예술 진흥 유형도 관주도형에서 협치에 의한 관민 협동형이 증가하고 있고, 이에 따라서 예술경영의 역할이 증가되고 있다. 예술경영은 관치행정과 시장주의를 극복하는 양극단의 어느 쪽에도 치우쳐서는 안 될 것이다. 정부실패와 시장실패의 양극단을 극복하는 정부의 적절한 역할의 균형추 역할을 하면서 그 기능을 강화해 갈 것이다. 현대는 융합과 통합이 화두인 시대다. 융합과 통합은 이분법적인 인식을 극복하는 통합원리에 의한 균형적 인식을 전제로 한다. 이런 시대의 문화적 패러다임은 공존과 상생이다. 예술경영은 이러한 기능에 충실하는 것이 바람직하다. 한국문화지형은 지방자치제 실시와 디지털시대, 문화융합의 시대에 걸맞게 그 지형이 그 이전과 다른 특징을 보이고 있다. 지역의 문화경영 및 정책의 유형이 중앙 의존형에서 자율 독립형, 관민 협동형으로 변화하고 있고 지역문화발신이 많아지고 있는 것이다. 그러나 정보 비대칭은 여전히 존재하고 있다. 행사의 주제별, 추진주체별 등 전 분야에 걸쳐 다양성으로 변화하는 현상을 읽을 수 있다. 이러한 현상을 분석하는 도구로서 ‘제도주의 예술정책’과 ‘잔여주의 예술정책’ 모형을 제시하였고, 예술지형 유형화를 시도하였다. 이런 분석모형 제시에도 불구하고 본 연구 분석은 각론 분석을 기하지 못하였다. 추후 연구로 미룰 수밖에 없다. 본 연구의 한계이자 향후 통합 연구의 과제가 될 것이다. ◦ 예술경영(art management), 시장실패와 정부실패(market failure and government failure), 한국문화진흥지형(configuration of arts policy), 제도주의 예술정책(Institutional arts policy), 잔여주의 예술정책(residual arts policy)

Arts policy has been more important for central government and local government as well. Meaning of dichotomy between center and local government has changed into mutual relationship. Configuration of arts' promotion by government also has changed into the united efforts of officials and people. Therefore role of arts management takes bigger part in such situation. It must be balanced between government and market and strengthen its function. Unification and convergence have been crucial issue, today, and it makes people have balanced thinking, withstanding dichotomous conception and that's what arts management stands for. After local self government, configuration of arts policy has been changed in the era of digital and cultural convergence, into self-independence and united efforts of officials and people instead of center-dependence, but unequaled information still exits. As a tool of analysis this fact, this study suggests the model of institutional arts policy and residual arts policy, and tried to classify configuration of arts policy. Nevertheless this study couldn't get into details of the subject and it will be next work.

본 논문의 목적은 21세기의 대외 정책의 방향을 문화라는 지평을 통해 제시하고자 함이다. 이미 그 표현이 진부해질 정도로 ‘문화의 세기’라는 말은 각 분야에서 강조되고 있으나, 정작 대외정책의 차원에서 그 구체적인 내용은 빈곤하기 짝이 없다. 특히 이제까지 문화정책은 국제 교류 속에서 자국의 문화를 보호하고 그 우월성을 알리고자 하는 편협한 관점에서 강조되었다. 이것은 국민국가 시대의 문화정책이라고 할 수 있다. 그러나 오늘날과 같이 세계화가 강조되는 상황에서 중요한 것은 국민 국가가 아니라 국가 사이의 협력관계이며, 따라서 문화정책 역시 새롭게 대두된 여러 가지 세계적 문제를 인류전체뿐 아니라 생태계 전반의 복지향상․생존유지를 위해 해결해낼 수 있는 정책이어야 한다. 이러한 변화를 위해 우리는 우선 전후 독일의 대외문화정책을 살펴보고자 한다. 민족사회주의(나치즘)의 극복이라는 큰 테두리 안에서 국제적인 문화정책의 추세를 나름대로 잘 소화해 내면서 분단을 극복해 낸 독일의 사례는 우리에게도 좋은 참조가 될 수 있다고 보기 때문이다. 나아가 국제문화교류의 활성화를 위하여 국제문화교류의 기본 정책 방향과 전략에 대한 심도 있는 반성을 촉구하는 의미에서 필자는 국가를 단위로 한 문화교류가 아니라 민간과 지방정부를 주체로 한 문화교류를 하나의 대안으로 제시하고자 한다. 이에 입각한 외교적 개념이 다름 아닌 민제외교(民際外交, People to People / Internpeople Diplomacy)이다. 민제외교란 전통적인 국제정치관과 대치하면서, 국제관계를 세계―국가―지역이라는 3중 구조로 포착하면서, 국가에 얽매인 국가 중심의 외교가 아니라, 시민을 핵으로 교류를 강조하는 개념이다. 세계화의 시대라지만 여전히 국제문화교류는 외교상의 이익 및 국익 증진과 밀접하게 연관되어 있다. 그러나 구체적인 프로그램의 실시에서는 민간 부문의 참여가 차츰 확대되고 있다고 볼 수 있는 데, 이는 하나의 전 세계적 추세이다. 우리나라에서도 이와 같은 세계적 추세를 참고하면서 새로운 국제문화교류에 대한 인식을 높여 가는 동시에 민제외교적 성격을 강화할 수 있는 대안을 마련하는 작업이 시급히 요청된다고 아니할 수 없다.

The purpose of this paper is to cast a foresight on the cultural diplomacy of the 21st century, which is widely named as the century of culture. Still, the diplomatic policies to support its namesake, can be hardly called anything but poor. Cultural diplomacy of the past has been focusing on protection and propaganda of the own national culture in the process of international exchange. Under the given accent of globalization, however, the focus can not be set on the interest of nation states anymore. It has to be moved on to global issues, which do not only regard the overall enhancement of human welfare, but also the sustainability of the world eco-system. In order to cope with these changes and to state an example, we will first have a look at the cultural diplomacy of post-WWII Germany, which will provide an overview how Germany overcame the bequeathment of the Nazi-regime and managed to unify a divided nation within the influences of surrounding cultural policies. Further, in order to enhance international cultural exchange, I suppose an alternative approach to diplomacy, which is not based on the nation state as the main actor, but concentrates on the diplomatic effects of People-to-People or inter-people diplomacy through private and regional institutions. Contrary to traditional views on international politics, inter-people diplomacy is based on the triad of world-state-region and hence moves the subject of diplomatic activity from institutional central agencies towards the citizens. Even under the signs of globalization, international cultural exchange cannot be separated from national interest. Nonetheless, the influence of private and regional actors in the realization of concrete programmes is doubtlessly rising. This is not restricted to a specific field or area but a global phenomenon. Regarding this change of paradigm, and for the sake of our own country, the need for an enhanced engagement in people-to-people diplomacy along with a developed understanding of international cultural exchange, has never been more urgent than at this time.

한국의 문화외교 정책은 1948년 정부 수립 이후 시기별로 7단계로 구분할 수 있겠는데, 제1기(1948-1960) 외교활동의 일부로 수행, 이후 2007년까지 소관 부처별 소모적인 성과에 치우치는 혼란기, 정체기를 거쳐 2008년부터 본격적인 문화외교에 관심을 가지는 전환기를 맞고 있다. 한국 대중문화(출판, 음악, 게임, 영화, 방송 등)의 해외진출(소위 한류)현황은 2007년 기준, 아시아 지역이 비중이 가장 큰 54.4%이지만, 반한류 움직임도 강해지고 있다. 문화산업은 매우 민감한 분야로 정부의 시장관여나 참여, 직접 지원 보다는 기업들이 해외에서 자유롭게 활동 할 수 있도록 뒷받침하는 다양한 문화교류 활동을 강화하고 산업현장에서 필요로 하는 신속한 현장정보 제공에 더욱 힘써야 할 것이다. 외래 관광객 1천만명 시대 실현과 한류의 지속과 확산을 위해 대외적으로 문화원, 관광공사, 문화 콘텐츠 진흥원 등 문화산업 기관간의 보다 긴밀한 협력 체제를 다지고, 해외공관 단위로 이루어지는 문화외교의 시너지효과 달성을 통한 국가 브랜드 향상을 위해 외교통상부 구성원의 친문화외교적인 발상과 인식전환이 전향적으로 요구되는 시점이다.

Korea’s policies on cultural diplomacy could be divided into seven stages since its government was formed in 1948. In the first stage (1948-1960), it was performed as a part of diplomatic duty. Then the turning point comes in 2008 when true interest in cultural diplomacy started sparking in Korea. The percentage of overseas popularity of Korean pop culture (hallyu), which includes publications, music, games and broadcast, reached 54.4 percent in Asia in 2007. However, it has been found that the anti-hallyu movement is also on the rise. Cultural industry is a sensitive sector that should not be supported directly by the government, but encouraged by the state through strengthening various cultural exchange activities that would permit different companies to freely continue their businesses abroad. The government should also work to offer the necessary industry information requested on site. Organizations like the overseas diplomatic cultural centers, the Korea Tourism Organization and the Korea Culture and Content Agency must form a closer connection for hallyu, or the Korean wave phenomenon, to continue its spread and for Korea to reach its goal of serving 10 million tourists in the near future. It is now a period which demands Foreign Ministry officials to present a cognitive transition on cultural diplomacy and navigate for methods on how to develop cultural- friendly diplomatic ideas that could produce further achievements.

본 연구에서는 최근 전 세계적인 현상 중의 하나인 미술품 구매의 대중화로 인해 많은 실적으로 급부상하고 있는 온라인 미술품 판매에 대한 대표적인 회사들의 마케팅 전략비교를, 기존의 일반적인 산업의 마케팅 4P 전략이 아닌 인터넷 마케팅의 주효요소인 4C전략으로 비교 분석하였다. 또한 이러한 온라인 미술품 판매에 대한 전문가들의 의견과 더불어, 온라인 미술품구매를 경험한 소비자를 대상으로 온라인 미술품구매동기에 대한 설문조사를 실시하여 이들의 기본적인 소비욕구를 중심으로 분석 고찰하여 보았다. 결론적으로 미술품 소비자의 편의성과 구매 욕구를 감안한 온-라인을 통한 미술품 판매와 구매는, 향후 문화예술 향유의 기회확대와 미술품소장의 대중화를 이끌어 내어, 미술시장의 확산을 유도 하는 큰 파급력을 가지고 있다고 할 수 있다. 따라서 본 연구는 이러한 현상들을 분석 고찰하여 봄으로써 문화예술경영 관점의 ‘미술품 유통의 파괴적 혁신경영’이라고 할 수 있는 전문적인 미술경영의 가치혁신에 대한 추구방향을 제시하여보았다.

This study analyzes and compares major company's marketing strategy about on-line fine art marketing which has been grave concern due to popularization of purchasing art work, one of the world's trend, recently, through 4C major element in online marketing, not 4P general industrial marketing strategy. And also, referring experts' opinion about on-line fine art marketing, surveys experienced consumers who have purchased fine art on the internet and whose motivation for purchasing fine art, and analyzes consumer's demand. As a result, selling and purchasing fine art which concerns consumer's convenience and demand, will extend the chance for art and cultural participation and popularize personal possession of fine art, in the future, so it'll make the fine art market extend. Therefore this study suggests orientation for value innovation of professional art management we could call it as disruptive innovation management for distribution fine art, in terms of art & cultural management.

현재의 디지털 기술에서 생성된 뉴 미디어(유무선 인터넷)의 등장으로 인해, 세계의 사회, 경제, 문화는 크게 변화 하고 있다. 그　중에서도 대중문화에 속하는 엔터테인먼트 산업은 이러한 뉴미디어로 인해 새로운 국면을 맞이하고 있다. 본 연구는 이러한 뉴미디어에의 추이(推移)로 인해 변화 되어가고 있는 음악 산업의 현황과 새롭게 탄생한 음악문화와 그 가능성에 대해 종합적으로 고찰 하는 것을 목적으로,전세계 2위의 음악 산업시장인 일본의 음악 산업을 연구대상으로 선택했다. 연구방법으로는 일본 음악 산업과 밀접한 관련성을 가지며, 성장해 오고 있는 ‘음악 전문 방송 채널’ MTV JAPAN을 통해 일본 음악 산업의 현황을 살펴보았다. 그 결과 ’MTV JAPAN은 다양한 예능오락 프로그램과 더불어 일본 음반 산업과 관련성과 깊은 음악프로그램을 제작을 통해 대중에게 다양한 콘텐츠를 제공하고 있었다. 이러한 MTV JAPAN의 전략과 맞물려 실제적으로도 대중들은 이 다양한 프로그램을 어떻게 생각하고 있으며, 현재 일본 국내 음악시장을 어떠한 루트로 이용 하고 있는가에 관한 의식조사를 실시했다. 설문조사 내용은 MTV JAPAN의 이용 상황과 음악 소비 형태와 음악정보출처, 매스미디어로써의 TV의 영향력에 대해 조사했다. 그 결과, 다양한 음악 콘텐츠를 이용하기위해 MTV JAPAN을 시청했고, 음악을 구입하는 패턴으로는 음반구입, 유선인터넷 음악배신 서비스와 휴대전화에서의 디지털 음악 배신서비스를 이용하는 것으로 나타났다. 또한 디지털 음악배신서비스의 경험 유무에 따라 음악에 소비하는 금액과 정보출처도 각각 달랐다. 이러한 현상과 더불어 TV의 영향력은 예전에 비해 크게 낮았으며 시청하지 않는 경향을 보였다. 이렇게 변화해가고 있는 음악시장의 소비 형태와 유저들의 의식변화가 맞물려, 기존의 음악 산업의 마케팅 전략과 다른 새로운 비즈니스 모델이 탄생하여, 새로운 방향성을 제시하여 성장하고 있는 것이 본 연구로 인해 밝혀졌다.

本研究は､ デジタル化によるメディア環境の変化により大衆の音楽利用環境の変化及び音楽産業の全般的な変化について文献研究と調査研究によって考察している｡ 本研究の目的は｢音楽産業の変化｣について明らかにすることである｡ そのため､ 音楽専門放送であるMTV（ミュージックテレビジョン)により｢日本国内音楽産業の現状｣について把握する｡ また､ 約1年間のデータ収集過程により､ もっと具体的にMTV番組の特徴,各番組のジャンルの成長度を把握することができた｡ この分析結果をみると､ MTVは多様な芸能娯楽系番組の制作と日本の音楽市場の特徴と関連性が高い番組を扱っていることがわかった｡ さらに文献から得られた情報を基に､ 実際に大衆はＭＴＶをどのように思っているかに知るために､ ｢テレビについて｣､ ｢音楽専門チャンネルＭＴＶについて｣､ ｢音楽利用環境と音楽配信の関係｣という内容で調査を行った｡ アンケート結果は､ 若年層のテレビ視聴率は大きく減り､ またMTVに関しては､ ｢多様な音楽コンテンツを視聴するため｣視聴し､ ｢音楽利用環境と配信サービス｣については､ 配信サービス経験の有無により､ 音楽に消費する金額と音楽情報の入手先も変わってきた｡ また現在音楽を購入するパターンとして､ 利用目的により｢CD｣と｢携帯電話でのダウンロード｣､ ｢音楽配信サービス｣に分けて使っているのがわかった｡ また新しいメディア環境の変化は､ ユーザーの意識にも影響を与えており､ その結果､ クチコミによってヒットしたアーティストのパータンも生み､ 新しい音楽セールスモデルとして認めている｡ このように新しいメディアへの推移により､ 日本音楽産業は､ 新たな方向性に向かい､ 日本独特の音楽文化を生んでいることが､ 本研究を通して明らかになった｡