Earticle

학교 문화예술교육은 2005년 「문화예술교육지원법」 제정으로 제도적 기반이 만들어진 후 현재까지 큰 양적 성장 을 이루어 왔지만, 질적인 성장이 지속적으로 요구되고 있다. 본 연구는 이를 개선하기 위해 학교 문화예술교육을 공 공서비스로 바라보고, 서비스 품질과 학생만족 그리고 수업 참여 동기를 향상시키는 몰입 변수 간 영향관계를 확인 하였다. 또한, 최근 공공서비스의 성과로 제시되는 내면적 성과인 삶의 질과의 관계를 알아보았다. 연구결과 첫째, 학 교 문화예술교육 서비스 품질 중 물리적 환경을 제외한 상호작용과 프로그램 요인은 학생 만족에 유의미한 영향을 주고 있었으며, 몰입에는 상호작용만이 유의미한 영향관계를 보였다. 둘째, 몰입은 학생만족에 유의미한 영향을 미치 는 것으로 확인됐다. 마지막으로 학교 문화예술교육 서비스를 통한 학생만족은 학생들의 내면적 성과인 삶의 질 향 상까지 이어지는 것을 확인했다. 이에 본 연구는 학생 만족을 향상시키기 위한 서비스 품질 요인과 몰입 간 영향관계 를 실증적으로 분석하고, 더 나아가 공공서비스의 내면적 성과까지의 관계를 확인했다는 것에 의의가 있다.

Recently, the culture and arts education in schools is emphasized for developing creative talent and potential customers in the culture industry. Its budget has been quantitatively increased after the establishment of the "Support for Culture and Arts Education Act" in 2005. Contrary to this growth, the need of qualitative improvements are being required continuously. For this reason, we have verified a causal relationship between service quality, flow, student satisfaction and quality of life as inner performance. The study shows that the service quality factors affect student satisfaction except for the physical environment factor. Especially, the interactive factor only affects flow among the service quality factors. We also find that student satisfaction affect quality of life. These all findings have important implications for increasing student satisfaction and the performance.

본 연구는 지속적으로 성장하는 1인 미디어 창작자를 지원하는 MCN의 산업의 현황을 고용 중심으로 분석하고, 산업 전망과 정부 정책에 따른 고용의 양과 고용의 질을 평가하였다. MCN 산업의 노동시장 현황은 메이저 MCN사 를 중심으로 보면 1,000명을 조금 넘는 수준으로 아직 규모가 그리 크지 않은 것으로 파악된다. 고용의 양을 평가한 결과, MCN산업이 현재의 성장 속도를 유지하면 2024년에 2조 원대의 시장 규모를 기록할 것으로 보이며, 고용은 2천명 대 중반으로 예상되어 현재 인원보다 2배에 가깝게 성장할 것으로 추정되었다. 라이브 커머스와 같이 MCN이 새로운 수익모델을 창출하게 되는 경우, 산업 규모는 추가적으로 3,500~7,000억원 더 성장할 것으로 보이며, 유관 산업에서도 2,500~5,000명의 추가 고용이 발생할 것으로 추정된다. 고용의 질에 있어서는 관련 산업의 업력이 길지 않지만, 근무시간은 비교적 안정되고, 임금 격차는 크지 않고, 성평등 수준은 안정되었고, 정규직 위주로 직업 안정성 도 높은 수준이나. 임금 수준은 기존 방송업에 비해서는 낮은 수준으로 나타났다.

This study analyzed the current status of MCN's industry supporting continuously growing single media creators, focusing on employment, and evaluated the amount and quality of employment according to the industry outlook and government policy. The current status of the MCN industry's labor market is a little over 1,000, centering on major MCN companies, and it is understood that the scale is not yet large. As a result of evaluating the amount of employment, if the MCN industry maintains the current growth rate, it is expected to record a market size of 2 trillion won in 2024, and employment is expected to be in the mid-2,000 range, which is expected to grow close to twice that of the current number of employees. Was estimated. If MCN creates a new profit model, such as live commerce, the scale of the industry is expected to grow by an additional 350-700 billion won, and it is estimated that 2,500-5,000 additional employment will occur in related industries. Regarding the quality of employment, the workforce of the related industry is not long, but the working hours are relatively stable, the wage gap is not large, the gender equality level is stable, and the job security is high, mainly because of regular workers. The wage level was lower than that of the existing broadcasting industry.

본 연구는 문화예술현장은 무엇인가라는 문제 인식에서 출발했다. 언뜻 생각할 때 현장은 구체적인 장소나 상황 을 연상시키지만, 현장이라는 단어는 사용하는 사람의 주관적인 세계를 반영한다. 그만큼 현장은 다의적인 개념이므 로 서로 현장이라는 단어를 다르게 이해할 때 여러 의사소통 갈등이나 마찰이 발생할 수 있다. 현장의 개념을 고찰하는 과정에서 현장의 특성을 유추할 수 있는 몇 가지 조건을 발견하였다. ① 장소·상황, ② 정체성·의식, ③ (현실을 반영하는) 기호가 그것이다. 연구자는 이 조건을 바탕으로 Q방법을 활용해 문화예술현장 참여자의 인식과 특성을 살펴보았다. 총 30개의 진술문과 37명의 P표본을 바탕으로 4개의 인식유형을 분류하고, 유형별로 문화예술현장에 대한 인식 차이를 분석했다. 도출된 결과는 문화예술현장 참여자 사이의 구체적 활동, 실천 의지의 집합체, 업의 현실을 나타내 는 기호로써 문화예술현장의 윤곽을 함축하고 있었으며, 참여자 역할에 따른 현장 인식의 공통점과 차이점을 드러냈다. 현장이 중요하다는 말은 많지만 정작 현장의 실상을 추적해나가는 연구는 찾아보기 어렵다. 이 연구를 계기로 앞 으로 현장에 대한 수많은 질문과 참여의 기회가 열리기를 기대한다.

This study began with the perception on what the field of culture and arts is. At first thought, the word “field” reminds of a specific place or situation, but it reflects a subjective world of the person who uses it. That much, it is a polysemantic concept, so there can be communication-related conflicts or arguments if the meaning is interpreted differently. A few conditions that can infer the characteristics of this word were discovered while considering its concept, which are ① place and situation, ② identity and consciousness, ③ sign (that reflects reality). Based on the conditions above, the investigator identified the types and characteristics of the perception that the participants of the field of culture and arts have by using Q method. With a total of 30 statements and 37 P-samples, the types of perception were categorized into four, and the difference in perception on the field of culture and arts by type was analyzed. The drawn result was the sign that represents specific activities, aggregation of the will for action among the participants, and reality of the profession, revealing that there were common and different parts of perception on the field depending on the role of the participants. Many say that what matters is the field, but in fact, few studies have investigated its inner side. Hopefully, this study will contribute to creating opportunities to ask lots of questions regarding the field and participate in it.

본 연구는 메타버스에 재현된 2021 섬진강 국제실험예술제 ‘메타버스 놀이판 곡성’을 중심으로 지역 공연예술축 제 사례 연구를 진행하였다. 결과로 첫째, 메타버스는 가상공간과 현실공간의 동시행사는 시간과 국내와 아티스트들 의 가상 참여를 통해 공간적 한계를 파괴하여 새로운 시도로 평가받았다. 둘째, 지역의 정체성과 가치를 담은 농산물 아이템 패션쇼, 공연 등은 브랜드 가치를 향상시키고 다양한 볼거리를 제공하였다. 셋째, 공연 의상에 사용된 3D 아 이템들은 NFT 거래를 통한 경제적 가치를 창출할 수 있었다. 넷째, 백세미 광고를 통한 지속가능한 모델에 대한 실 험프로젝트로서 향후, 새로운 지역사회 발전의 모색의 길을 제시했다. 본 연구는 메타버스 내에서 지역 공연예술축제 및 비스니스 환경을 구축하려는 실무자들에게 가상세계의 상상적 공간을 표현하는 콘텐츠들이 어떻게 경쟁력을 만들 어 낼 수 있는지 시사점을 제공하고자 하였다.

This study conducted a case study of a local performing arts festival with a focus on the 2021 Seomjingang International Experimental Art Festival 'Metaverse Noripan Gokseong' reproduced on the Metaverse. As a result, first, the metaverse was evaluated as a new attempt by destroying the spatial limitations through the simultaneous event of virtual and real space through time and virtual participation of domestic and artists. Second, fashion shows and performances for agricultural products containing local identity and values improved the brand value and provided a variety of attractions. Third, 3D items used in performance costumes could create economic value through NFT transactions. Fourth, as an experimental project for a sustainable model through the advertisement of the backseat, it suggested a way to seek new community development in the future. This study was intended to give suggestions on how contents expressing the imaginary space of the virtual world can create competitiveness for practitioners who want to build a local performing arts festival and business environment within the metaverse.

문화예술교육의 사회적 가치와 역할이 확대되고 지역 분권화가 가속화되고 있는 시류 속에서 문화예술교육의 핵 심 주체로서 손꼽을 수 있는 예술강사의 역할은 점점 확대되고 있으며, 예술강사들은 기존의 교육 방식과 개인의 예 술철학을 넘어 지역에 대한 다각도의 이해를 바탕으로 지역 맞춤형 프로그램을 개발·실행해야 하는 당면 과제에 놓 이게 되었다. 하지만 이 같은 역할의 확장과 문화예술교육 환경의 변화에 적응하는 것을 예술강사 개개인의 역량과 노력에만 의지하는 것은 분명한 한계가 있다. 최근 이 같은 한계성을 극복하려는 방안으로 예술강사 네트워크의 필 요성과 그 효용성에 대한 논의가 활발하게 이루어지고 있으며 실제로 예술강사 네트워크의 구축을 위한 여러 시도가 이어지고 있다. 따라서 본 연구에서는 예술강사의 권익 신장과 올바른 문화예술교육 진흥을 위한 방안으로 예술강사 네트워크 를 제시하며, 그 필요성과 당위성을 검증하기 위해 실제 총 여섯 개의 국내외 사례를 기반으로 심층 인터뷰를 진행하 였다. 더불어 구체적 선행 사례 분석을 통해 예술강사 네트워크의 확립과 지속을 위한 시사점을 도출하는 것을 목표로 하였다.

The role of teaching artists, one of the key players in culture and arts education, is expanding in the current trend where the social values and roles of culture and arts education are expanding and regional decentralization is accelerating. Thus, teaching artists have been faced with the immediate task of developing and implementing a program tailored to the region based on a multi-faceted understanding of the region beyond the personal artistic philosophy. However, there is a clear limit to relying solely on the capabilities and efforts of individual teaching artists to expand their roles and adapt to changes in the culture and arts education environment. Recently, as a way to overcome this limitation, there is an active discussion about the necessity and utility of a teaching artist network, and several attempts are being made to build a teaching artist network. Therefore, in this study, the network of teaching artist is presented as a way to enhance the rights and interests of art instructors and to promote proper culture and arts education and to verify the necessity and justification, an in-depth interview was conducted based on a total of seven Korean and overseas cases. It also aimed to derive implications for the establishment and continuation of the teaching artist network through the analysis of specific cases.

본 연구는 행위자-네트워크 이론을 적용하여 국공립문화예술기관의 사례를 중심으로, 예술교육의 새로운 시도와 변화, 그리고 이를 위한 제반 조건에 대한 조사를 실행연구를 통해 진행하였다. 연구의 목적은 예술교육에 필요한 진 화와 새로운 해석, 그리고 이를 통해 가능한 사회적 실천에 대한 함의 도출이다. 이 연구의 사례는 국립아시아문화전 당에서 제공되었던 동시대예술교육 프로그램으로, 시작과정인 개발부터 실질적인 운영, 그리고 폐지의 전 과정을 추 적‧분석 하였다. 연구 결과, 국공립문화예술기관이 예술교육 변화의 중요성을 인식하면서도, 이를 위해 적극적으로 모 색하거나 수용하지 않는 원인은 세 가지로 분석되었다. 이는 ①실험적인 예술교육의 필요성과 적용보다는 조직관리 상 행정 효율성이 우선된다는 점, ②시대적 흐름과 수요자의 요청을 수렴할 수 있는 기관운영책임자의 문화예술경영 에 대한 이해의 부족, ③ 기관의 의사결정권자는 혁신보다는 의례적으로 행해오던 방식을 선호하기 때문인 점이었다. 국공립문화예술기관이 이를 극복하고 예술교육의 혁신을 이루기 위한 조건은 우선 기관을 둘러싼 외부의 다양한 행 위자 네트워크를 이해하고 이들의 의견도 함께 반영하고자 하는 조직 내 의지와 노력이 요구된다. 또한 기관운영책 임자의 예술경영에 대한 철학과 지식 그리고 경험이 필요하다. 이는 국공립문화예술기관의 안정적인 예산과 인력구 성, 문화예술에 대한 공공성 확대의 책무 등을 행하며, 시대적 흐름을 선도하는 리더십과도 직결되어 있다. 이러한 기반 조건이 충족될 때, 국공립예술기관은 비로소 의례적으로 제공해 오던 교육프로그램 기획 방식에서 벗어나 실험 적이고 혁신적인 교육 모델 도입이 가능해질 것으로 분석되었다.

The purpose of this study is to suggest social practices for change and innovation of arts education in national and public museum by applying a action research methodology. For this, focusing on ACC's contemporary arts education case, the entire process of development, operation, and abolition was tracked according to the actor-network theory. As a result of the study, there are three main reasons why national and public museum recognize the importance of changes in arts education but do not actively seek or accept them. ① Judgment at the level of organizational management takes precedence over the justification or necessity of art education. ② It is the absence of the artistic management mind of the person in charge of managing the museum that can converge the trend of the times and the requests of consumers. ③ The decision-maker of the museum solves and judges problems by selecting a social perception (black box) that is already natural rather than innovation. The conditions for national and public museum to overcome this and achieve innovation in art education are as follows. First, it is necessary to be able to properly understand and apply the network of various actors, not just the opinions of the organizational decision maker. Also, the knowledge and experience of art management of the decision-maker of the museum are essential. Through this, national and public museum should grow models of change and innovation in arts education by recognizing the importance of progressive experiments and attempts, leading the trend of the times based on a stable budget, manpower and public responsibilities. This study is meaningful in that it solves problems in the field, which is the purpose of action research, and seeks better practices in the field of arts education for social change. And I hope that various studies for social practice will be expanded.

본 연구는 NFT 아트의 가치화 과정에 대한 이해를 목적으로 한다. 이에 본고는 Wijnberg와 Gemser(2002)에 의 해 제시된 ‘선택시스템(selection system)’을 비판적으로 고찰하고, NFT의 특징을 분석하여 이론적 배경을 마련했다. 이후 직접관찰과 문헌조사를 통해 수집된 자료를 바탕으로 NFT 아트 플랫폼인 슈퍼레어(Superare)와 파운데이션 (Foundation)에 대한 집합적 사례연구를 수행했다. 연구결과, 탈중앙화의 논리를 내재한 블록체인 기술을 기반으로 구현되는 NFT는 누구나 고유성을 지닌 작품을 생산하고 중개자의 개입 없이 거래가 성사될 수 있는 기술적 기반을 내재하고 있는 것을 확인했다. 그러나 NFT 아트의 가치화를 위해 NFT 아트 플랫폼은 선택시스템을 내재하고 있었으 며, 선택시스템의 권한을 다수에게 공유하는 탈중앙화 현상이 나타나는 것을 포착했다. 한편, 미술품 경매회사에서 설립한 NFT 아트 플랫폼은 전문가에 의한 중앙화된 선택시스템을 지향하는 것으로 나타났다. 이는 NFT 아트의 가치 화를 통해 미술계의 계층적 구조에서 우위를 점하기 위한 신생플랫폼과 전통적 매개자 간의 암묵적 투쟁(Bourdieu, 1992)의 발현을 시사한다.

This paper aims to understand the valuation of NFT art. In our theoretical background, we critically reviewed the 'selection system' by Wijnberg and Gemser (2002), and the characteristics of NFT. Based on collecting data through direct observation and literature research, then, a collective case study was conducted with cases of the NFT Art Platform, called 'Superare' and 'Foundation'. As a result, it was confirmed that NFT- which is implemented based on blockchain technology inherent in the logic of decentralization- has a technical foundation for anyone to produce works of art with uniqueness and make transactions without intermediaries. However, we found that the NFT art platforms have the selection system for valuing NFT art, and the system tends to be decentralized with sharing the authority of selecting and valuing artworks to the community. Meanwhile, the NFT art platforms established by auction companies have a centralized selection system (experts' selection). This implies that there is a tacit struggle (Bourdieu, 1992) between the entrants and the traditional intermediaries for occupying the prominent position in the stratified structure in the field of art through valuing NFT art.

본 연구는 MZ 세대의 바이닐 수집 경험과 동기를 여타 수집가 혹은 구매자와의 상호작용에 주목하여 톺아본다. 최근의 바이닐 혹은 LP 대유행의 배경에는 20대와 30대로 형성되어 있는 MZ세대의 열광이 전제되어 있다. 바이닐 을 실제 음악청취의 매체로 사용해보지 못한 MZ세대가 이러한 복고주의적 성향을 강하게 띠는 과거의 레트로 아이 템에 열광하는 이유는 무엇일까? 이 질문에 답하기 위하여 본 논문은 근거이론적 접근을 채택한다. 우선 문화상품 소비패턴에 대한 선행연구를 진행한 후, 개별 및 그룹 인터뷰와 참여자 행동 연구에서 수집된 현장 데이터 분석을 근거로 MZ세대의 바이닐 레코드 수집 과정과 경험 세계를 파악한다. 그 과정 속에서 바이닐 수집, 구매, 상품창조 활동이 어떻게 그들 스스로에게 만족감을 주며, 이것이 어떻게 문화 자본으로 구축되어 가는지, 궁극적으로 MZ세대 의 바이닐 수집 과정과 경험이 현재의 대중문화 맥락에서 어떤 의미를 지니는지 살펴본다. 연구 결과, MZ세대의 바 이닐 수집 열풍을 다음과 같이 정리할 수 있었다. 첫째, 바이닐과 같은 레트로에 대한 MZ세대의 열광의 배경에는 기 존대중문화에 대한 강한 불만이 있다. 둘째, 이들은 수동적으로 상품을 소비해오던 기존의 전형적 소비자 역할에서 벗어나 문화 자본을 만드는 전문적이고 배타적인 문화적 역량을 개발함으로써 성취감을 얻는 것으로 확인되었다. 마 지막으로 이들은 바이닐 문화와 대중문화를 잇는 중재자로서의 독자적 역할을 스스로 도맡음으로써 자신들이 추구하 는 음악적 가치를 드러내고 있었으며, 이러한 과정에서 옛 것에 대한 취향을 키우고 있었다.

This study examines the vinyl collection craze among members of Gen MZ (20 to 30 year olds), with particular attention to their experiences, motivations, and interactions with other collectors and buyers. The Gen MZers who are driving the vinyl phenomenon did not grow up with vinyl records so why are they so enthusiastic about a retro media? We analyze research on cultural product consumption patterns and our field data and use grounded theory to apprehend the experiential world of Gen MZ vinyl record collectors through individual and focus group interviews and participant action research. Our goal is to gain insight into how their vinyl collecting, purchasing, and product creation activities affords them satisfaction, builds cultural capital, and contributes to shaping this moment in popular culture. In general, we found that the vinyl collecting craze among Gen MZers is driven by several factors, notably a strong sense of dissatisfaction with popular culture and the typically passive consumption of its products, coupled with the sense of fulfillment the collectors get from developing the specialized and exclusive knowledge that builds cultural capital. These factors intersect with certain distinctive personality traits of collectors, expressed in their impulse to establish themselves as uniquely discerning arbiters of musical taste and value, to produce a typically nostalgic trajectory through the world of collecting and consuming yesterday’s commercial audio technology.

이 글은 전주시 선미촌 성매매 집결지의 문화적 도시재생을 주요 사례로 ‘성매매 집결지 폐쇄’라는 정치적 의제를 둘러싼 특수한 도시재생 내 이해관계자들의 협력 및 이익관계, 그리고 갈등 구조를 면밀하게 살펴보았다. 이후 도시 재생 과정에서 이해관계자들의 권력화와 도시재생 담론의 배타성에 대한 대응으로 예술가들이 보여준 예술 실천을 분석하고, 예술의 새로운 역할에 대해 언급하였다. 이를 위해 이 글은 질적 연구 방법인 인터뷰를 채택하였고, 문헌연 구, 공적 자료 등을 통해 객관성을 확보했다. 또한, 현장 답사, 직간접 프로그램 참여를 통해 사례에 대해 심층적인 이해와 분석을 하고자 하였다. 본 연구를 통해 분석한 주요 내용은 이와 같다. 첫째, 도시재생의 과정에서 이해관계자들은 상호 관계를 통해 협 력하는 반면, 공간의 재구성에 대한 다른 관점과 개별 이익을 위한 의도를 보였다. 이러한 정치적 의제와 도시재생 담론을 둘러싼 이해관계자들의 권력화와 배타성에 대한 대응으로 예술가들은 예술 실천, 주로 ‘사회 참여 예술’을 통 해 대안의 의제와 새로운 공간 담론을 형성하였다. 그리고 이는 결과적으로 성매매 집결지 공간에서 배제되었던 타 자들을 수용하고 참여시키는 과정이 되었고, ‘배제공간’에서 ‘수용공간’ 이자 ‘창조공간’으로의 공간 재구성을 이루었 다. 둘째, ‘여성인권과 예술의 공간’이라는 슬로건 아래 수행되는 도시재생의 과정에서 ‘인권’과 ‘예술’의 핵심적인 역 할을 하는 전북여성인권지원센터와 예술가 간의 갈등이 발견되었다. 이와 관련하여 ‘예술의 새로운 역할’에 대한 시 사점으로 사회 참여 예술의 특징을 통해 두 이해관계자의 유사점과 차이점을 분석해보고, 갈등의 원인과 해결을 위 한 실마리를 찾고자 하였다. 덧붙여, ‘예술’이 성매매 여성들에게 물리적, 심리적으로 공동체와 교류하고 소통할 수 있는 통로가 될 수 있음을 언급하며, 예술의 역할에 대한 중요성을 시사하였다.

Drawing on a case study - the ongoing regeneration of the Seonmi-village red-light district in Jeonju-si, Korea - the paper examines the cooperative relationships, interests, and the structure of conflicts among stakeholders in the specific regeneration surrounding the political agenda, ‘the red-light district closures.’ After this, the paper analyses art practice artists showed to respond against power-oriented stakeholders and the exclusiveness of engagement with the regeneration process and finally suggests the new role of art. For this research, the paper adopts the interview as a qualitative research method and secures objectivity through literature review, official documents, or data. Also, it tries to understand and analyse the case comprehensively with a field trip and direct or indirect participation in the programmes. The analysis reveals two results. First, in the regeneration process, stakeholders have a cooperative relationship, whereas showing the intention for individual benefit and different perspectives on the reconstitution of the space. In response to stakeholders’ one-sided power and their exclusiveness in political agenda and the discourse of regeneration, artists shaped the alternative ways and new discourse in the space through art practice, mainly centring on ‘Socially Engaged Art.' Consequently, this became the process that “others" who had been excluded from the regeneration discourse were accepted and participated, thereby achieving the reconstitution of the space from ‘exclusive space’ and ‘illegal space’ to ‘inclusive space’ and ‘creative space.' Second, the conflict between stakeholders who play a vital role in the ‘art’ field and the ‘human right’ field is discovered in the process of regeneration implemented under the slogan “the space for art and women’s human right." In relation to this, as the implication of ‘the new role of art,' the paper indicates that a clue to the causes and solution of the conflict can be found by analysing both stakeholder's similarities and differences through the characteristic of 'Socially Engaged Art.' Additionally, the paper mentions that ‘art’ can be acted as a conduit that prostitutes physically and psychologically communicate and exchange with communities, implying the importance of art’s role.