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본 논문은 시각예술 온라인 콘텐츠 사업인 <널 위한 문화예술>의 성공요인을 분석함으로써 온라인 콘텐츠의 새로 운 전략적 대응과 확산 가능성을 제시하는 데 연구의 목적을 둔다. 연구방법은 문헌연구와 사례연구, 메타분석, 전문 가 면담 등으로 진행하였다. 이에 따라 온라인 콘텐츠 이용자 특성을 살펴보고, 실제 시각예술 온라인 콘텐츠 활용 현황을 점검하였다. 그 결과, 여전히 대면 활동을 중시하는 시각예술 분야에서 온라인은 대면에 대한 보조수단 정도 로 인식함으로써 콘텐츠 기획과 활용에 제약이 있음을 확인하였으며, 이를 극복한 사례로 <널 위한 문화예술> 성공요 인을 기획, 제작, 유통단위에서 분석하였다. 기획단위에서의 강점은 주제 다양성과 스토리텔링 기법 적용 및 온라인 언어 개발, 그리고 데이터 분석 및 피드백에 따른 것으로 정리하였다. 제작단위에서의 강점은 구성의 정교화, 지속가 능한 콘텐츠 제작, 이용자 중심의 콘텐츠로, 유통부분에서의 성공요인은 플랫폼 다양화를 통한 편리한 접근성과 다른 기업 및 기관과의 협업으로 보았다. 결론적으로 <널 위한 문화예술>이 예술을 일상과 연계한 이야기 구조로 바라보면 서 성공의 계기를 만들었다고 보고, 그 결과 시각예술 관객 및 비즈니스모델 개발에도 주요한 시사점을 던져주고 있 음을 확인하였다.

This paper aims at presenting new strategic responses and potential proliferation of online content by analyzing the success factors of the visual arts online content business, <Art and Culture for You>. The research methods were conducted through literature research, case studies, meta-analysis, and expert interviews. Accordingly, the characteristics of online content users were examined and the actual use of visual arts online content was checked. As a result, in the field of visual arts, which still values face-to-face activities, online recognized restrictions on content planning and utilization, and as an example of overcoming this, the success factors of <Art and Culture for You> were analyzed in planning, production, and distribution units. Strengths in planning units are summarized as subject diversity, application of storytelling techniques and development of online languages, and data analysis and feedback. Strengths in production units were refinement of composition, sustainable content production, and user-centered content, and success factors in distribution were seen as convenient accessibility through platform diversification and collaboration with other companies and institutions. In conclusion, it was confirmed that <Art and Culture for You> created an opportunity for success by looking at art as a story structure linked to daily life, and as a result, it also gave major implications to visual art audiences and business models development.

코로나19 (COVID-19) 팬데믹은 기존에 사회 여러 분야에서 일어나고 있던 변화들을 가속화하고 있으며, 이에 대 한 대응으로 예술축제 또한 변화하고 있다. 이 논문은 코로나19시대에 생존을 위해 변화하는 예술축제를 실증적으로 고찰했다. 본 논문은 질적연구방법론(인터뷰, 관찰 및 자료분석)을 사용한 남호주 예술축제 사례연구를 통해 지금과 같은 격변의 시기에 중요한 예술축제의 세 가지 주요 변화를 다음과 같이 파악한다. 첫번째, 살아남은 예술축제들은 국내 및 국제 초점에서 지역초점(즉, 한 주 또는 여러 주에 걸쳐 있을 수 있는 지역 관광 및 지역 예술가의 참여)으로 변화하였다. 두번째, 예술축제 생태계는 코로나19의 영향을 받아 다양한 정부 기관, 예술가, 축제관계자 등 여러 이 해 관계자의 요구에 대응하여, 경쟁위주의 관계에서 협업 위주의 관계로 변화하였다. 세 번째, 코로나19시대에 대응 하여 온라인 라이브 공연, 국제 행사 스트리밍, 혁신적인 온라인 모임을 통한 예술축제의 디지털 전환 (Digital transformation)이 두드러졌다. 디지털 기술의 활용으로 관객 경험과 지역 예술가들의 참여, 그리고 협력이 강조된 새 로운 예술 축제의 출연은 코로나 19시대에 예술가들과 축제관계자들, 그리고 참여자들에게 새로운 기회를 창출하고 있다.

The global health pandemic, COVID-19, has accelerated changes in a disrupted world, with arts festivals adjusting in response to it. This paper is salient as it examines empirically COVID-19 and arts festivals as they transform to ensure survival. Using qualitative methods (i.e., interviews, observations, and content analysis) to assess arts festivals in South Australia, we identify three key shifts in arts festivals that are highlighted as critical during turbulent times. Our findings identified the first shift— localism—where surviving arts festivals moved from national and international foci to localism (i.e., local tourism that may span one state or several states and engagement of local artists). The second shift—from competition to collaboration—responds to the changing needs of multiple stakeholders in the arts festival ecology affected by COVID-19 including different government bodies, artists, and other festivals. The third shift—digital transformation—sees arts festivals respond to the global pandemic through online live performances, streaming international events, with innovative gatherings of groups of people. We identify the necessity that local artists find opportunities for collaboration in working for arts festivals that is a shining light in a disrupted world focusing on leveraging technology for audience experiences and artist engagement.

이 연구는 생활문화공동체만들기 사업 분석을 통하여 우리나라에서 다양하게 전개되고 있는 공동체 활성화 사업 들이 어떤 방향으로 사업 성과와 목표를 설정하여야 하는지를 살펴보고자 하였다. 이를 위하여 2020년 실시된 생활 문화공동체만들기 사업을 분석한 결과, 동 사업은 그동안 중요하게 다루었던 사업수행주체나 지역특성의 문제보다, 사업을 수행하는 단체가 어떤 목적을 가지고 사업을 수행하였는지와 관련한 ‘주관적 의도 요인’을 사업 방향 및 성과 목표 설정에 더 유용하게 활용할 필요가 있음을 확인하였다. 결론적으로, 생활문화공동체만들기 사업과 같이 공동체 를 활성화하고자 하는 사업에서는 성과와 목표를 설정함에 있어 사업의 궁극적 지향보다 사업에 참여하는 주체들의 참여 의도와 그것을 통해 기대할 수 있는 성과에 기반하여 수립될 필요가 있음을 제시하였다

This study aims to support policy-making process in the project which focuses on community revitalization. For the purpose, it examined the factors which influence performance of the Cultural Community Creating Project(CCCP). Generally, it has been considered that those factors such as subject(‘insider’ or ‘outsider’) and regional characteristic(‘urban’ or ‘rural’) plays an important role in community projects. It argues that those factors tend to pay attention to ‘visible’ components in the process, without considering ‘invisible’ one like intention of the participant groups which organize programs. With the criteria Including both components, this study analysed the performance of the Cultural Community Creating Project and identified that the invisible factor played more significant role in the project’s performance comparing to other factors. As a conclusion, it suggested that in order to set up criteria for the CCCP, invisible components like ‘intention’ of participant groups should be significantly considered in the policy-making process.

힙합문화와 힙합음악은 최근 젊은 층을 중심으로 급속히 성장하고 있으며, 특히 힙합음악은 대중음악의 주류 장 르로 급성장하였다. 그러나, 이러한 힙합문화와 힙합음악에 대한 연구는 매우 미진한 실정이며, 특히 힙합음악 소비 자에 대한 연구는 거의 진행되지 않았다. 따라서, 본 연구는 급속한 성장세를 나타내는 힙합음악에 대한 소비자의 소 비동기와 소비행동, 그리고 소비자 유형에 대한 탐색적 연구를 실시하여 힙합음악을 중심으로 한 힙합문화의 성장과 발전, 이의 활용에 대한 전략적 시사점과 소비자 연구에 대한 토대를 제공하고자 한다. 연구 결과 힙합음악 소비자의 주요 소비동기는 힙합문화 참여, 휴식과 취미, 스트레스 해소, 동질성 추구의 4가지인 것으로 분석되었다. 힙합음악 소비자의 소비행동은 곡 선택기준, 소비창구, 정보원, 선호 장르, 소비 경로, 일 감상시간의 여섯 가지 행동에 대해 분석하였다. 또한 힙합음악 소비자의 유형은 관심형, 힙합음악 애호형, 힙합음악 방관형, 힙합음악 열성형의 네 가지 로 분류하고 각 유형별 특징을 확인할 수 있었다. 본 연구에서 진행한 힙합음악에 대한 탐색적 연구 결과는 빠르게 성장하고 있는 국내 힙합문화와 힙합음악에 대한 소비자 중심의 학문적 연구 기반을 제공하여 힙합문화와 힙합음악 의 성장과 발전을 위한 소비자 연구, 관련 음악 산업의 발전 전략 및 정책 개발에 대한 기초적 자료로 활용할 수 있 을 것으로 기대된다.

In this study, we investigate motives and behavioral characteristics of consumers to the the Hip-Hop music. Hip-hop music consumption motives are turned to be four factors such as participation to the Hip-hop culture, relaxation and hobby, stress reduction and pursuit of homogeneity. We also classify the Hip-Hop music consumers into four types, interested consumers, lovers, onlookers, enthusiastics based on the elicited consumption motives. Then, we identifies behavioral characteristics of each type of hip-hop consumers using the detailed behavioral properties such as music selection criteria, consumption channels, information source, consumption method and daily listening time. Our research is the first exploratory research effort on the motives and behavioral characteristic of the hip-hop music consumers, and will be a very important research foundation for further research on hip-hop consumers and advancement of the hip-hop music industry.

본 연구는 2014년에 제정된 <지역문화진흥법>을 기반으로 시행되고 있는 생활문화센터 활성화 사업의 쟁점을 살 펴보면서 지역문화 활성화에 기여하는 생활문화센터의 역할을 재점검하는 데 목적이 있다. 특별히 용인시에 소재하 는 보정역생활문화센터를 대상으로 하여 실질적인 생활문화 활성화 방안을 제시하고자 한다. 연구 방법은 정책 보고 서와 선행 연구 자료 등을 대상으로 한 문헌조사와 사례연구로 진행하였으며, 생활문화 개념의 근간이 되는 자발적 이고 일상적인 문화 활동 참여와 활동에 따른 사회적 영향을 통해 보정역생활문화센터 현황을 분석하였다. 분석 결 과, 자발적인 시민 참여시스템과 민관 협력 모델의 마련, 공적 지원의존도와 대비되는 독립적이고 지속 가능한 모델 의 필요성이 제기되었고, 이는 해외사례 분석을 통해 얻을 수 있는 시사점과도 크게 다르지 않았다. 본 연구의 결과 로 보정역생활문화센터 중심의 생활문화 허브(Hub) 구축과 새로운 형태의 생활문화 공간 조성, 지역 특성에 맞는 생 활문화 프로그램 개발, 지역 주민의 자발적‧주체적 참여, 용인시만의 차별화된 생활문화 축제 개최를 활성화 방안으 로 제시하고 있다.

The purpose of this study is to review the role of living culture centers contributing to the revitalization of regional culture by looking at the issues of the revitalization project of living culture centers based on <Regional Culture Promotion Act> enacted in 2014. In particular, I intends to present measures to revitalize the living culture of the Bojeong- Station living culture center located in Yongin. The research method was conducted with a literature survey and a case study on policy reports and prior research materials. Accordingly, the current status of the Bojeong- Station living culture center was analyzed through voluntary and daily cultural activities underlying the concept of living culture and the social impact of activities. According to the analysis, the need for an independent and sustainable model prepared for the voluntary participation system of citizens, public-private cooperation model, and dependence on public support was not much different from the implications provided in overseas case analysis. As a result, it was proposed to establish a living culture hub centered on Bojeong- Station living culture center, create a new type of living culture space, develop a living culture program suitable for local characteristics, participate voluntarily and subjectively, and promote Yongin City's unique life and culture festival.

지역문화진흥법 제정 이후 지역문화정책의 수립과 실행 주체로 지역의 역할이 더욱 강조되면서 공공기관은 물론 정책의 대상이었던 지역민을 비롯해 민간 영역에서의 참여와 역할의 중요성도 커지고 있다. 지역문화진흥을 목적으 로 하는 지역문화정책사업들이 다양하게 추진되면서 실행주체 역시 공공 뿐 아니라 민간에서도 다각화되고 있으며, 이에 따른 사업추진결과도 다르게 나타나고 있다. 본 연구는 지역문화정책사업의 추진에 있어 지역의 대표적 기관인 문화재단과 민간이라는 차이가 어떻게 다른지를 살펴보는 사례연구이다. 문화재단에 대한 다양한 연구가 축적된 반 면, 민간과의 차이가 왜, 어떻게 드러나는지에 대한 사례연구 및 비교연구가 전무하여 본 연구를 통해 축적한 결과가 민간과 문화재단의 보편적 차이인지, 지역의 특수성에 기인한 것인지를 살피는 데 도움이 될 것이라 본다. 이를 위해 연구자는 지역문화진흥법에 근거해 시행중인 ‘지역문화전문인력양성사업’의 전북지역 운영사례를 검토하였다. 전북 지역의 경우, 해당 사업을 초기 2년은 민간에서, 이후에는 문화재단에서 운영하였는데, 운영 주체의 차이는 사업추진 을 위한 협력체계와 운영구조, 교육과정 등 구체적인 사업운영에 차이를 드러내었다. 이를 바탕으로 연구자는 지역문 화정책사업의 추진 및 실행에 있어 운영주체의 차이가 갖는 의미가 무엇인지에 대한 성찰의 계기를 갖고자 하였다.

Since the enactment of the ‘Regional Culture Promotion Act’, the role of the region was further emphasized as the main body of the establishment and implementation of local cultural policies and the importance of participation and role in the private agency, including local people who were subject to policy as well as public institutions, has been increasing. As various local cultural policy projects aimed at promoting local culture have been promoted, the implementation entity is diversifying not only in the public but also in the private agency, and the results of the project are different. This study is a case study that examines the differences between the Cultural Foundation and the private agency, which is a representative institution of the region in the implementation of Local Cultural Policy Projects. For the research, researcher reviewed the case of the operation of the 'Training System of Local Culture Expert' in Jeonbuk province based on the Regional Culture Promotion Act. In the case of Jeonbuk province, the training system was operated by the private agency for the first two years and later by the cultural foundation. Depending on the operating entity, there were differences in the specific business operation process, such as establishing and implementing a cooperative system for promoting the project, and organizing curriculum and programs. This study suggested the need to consider the characteristics of the operating entity in the promotion and implementation of local cultural policy projects and the importance of establishing a cooperative relationship between the subjects for promoting local culture.

예술경영 연구는 학문적으로 정립되는데 있어서 두 개의 대표적인 특성이자 과제를 안고 있다. 첫째는 이론적 차 원의 과제로서 현장에서 출발한 연구의 특성상 이론과 방법론의 독자성을 추구하기 보다는 기성의 다학문적 이론과 방법론의 활용한 연구가 주류를 이루고 있다는 점이다. 즉 예술경영학의 정체성 문제이다. 둘째는 실천적 차원의 과 제로서 예술경영 이론이 예술의 현장의 관점이나 문제제기와 관점을 어떻게 반영하고 수렴하고 있는가이다. 아직까 지도 예술가들에게는 예술경영의 목표들이 ‘예술적’ 활동을 상업적 혹은 물질적 가치로서 치환함으로써 세속화시킨 다는 선입견이 존재한다. 그 결과 예술경영적 실천이 예술가로 하여금 자기 예술의 자생성과 지속가능성을 실현할 수 있는 방법이 될 수 있음을 간과하게 만든다. 본 논문은 후자의 문제를 풀기 위한 시도로서 예술가의 관점에서 인 지되고 있는 예술경영의 개념을 찾는 것을 목적으로 한다. 현재 논의되고 있는 예술경영의 중요한 개념들이 한국의 근대화 시기에 예술의 현장에서 어떤 방식으로 발화 되었는가를 실증자료를 근거로 조사하여 ‘예술경영’이 어떤 의미 로 이해되었는지 분석한다. 예술가들의 사고 및 행동에서 예술경영의 단초들이 어떻게 존재하였는가를 분석하는 기 준으로는 예술경영학의 주요 원론서에 등장하는 공통적인 개념들을 추출하여 사용한다. 예술경영 개념 발화를 실증 할 수 있는 자료로는 아르코예술기록원(구 국립예술자료원)의 한국근현대예술가 구술채록집을 활용하였다. 연극과 무 용분야 19명의 예술가 구술채록(평론가 제외) 분석 결과 열 명의 예술가들에게서 예술경영의 관점을 추적할 수 있었 다. 이들에게 중요하게 인지되었던 예술경영 개념은 관객, 매표, 예술적 리더십, 후원임을 알 수 있었다.

Arts management research faces two major challenges in establishing itself as an independent academic discipline. Arts management study tends to adopt major theories and methodologies from other academic disciplines. This may be referred to the identity issue of arts management research. Another challenge pertains to how well arts management theories reflect realities of its field and are able to provide prescriptions on its pertinent problems. The latter has influenced to form a gulf between artists and arts managers in Korea on the role of arts management. In the past, many artists in Korea acknowledged arts management to flatter on whims of market rather than support artist and organization for sustainability. This paper traces the footage of arts management ideas and practices of modern Korean artists who were most active in the ages between 1940s~1980s especially in the fields of drama and dance. To analyze how modern artists adopted key ideas of arts management theory, we have scrutinized oral history archives of 19 artist that were produced by the Arts Council of Korea. We could trace narratives on the concepts of “audience development”, “patronage”, “arts entrepreneurship”, and “arts leadership” in ten out of 19 artists. This preliminary research leaves much room for discussion in the future about the specific environment and context of how these narrative might be interpreted.