Earticle

본 연구는 기후위기와 디지털 전환 환경 속에서 대형 국립미술관의 시설운영을 데이터 기반 지능형 체계로 혁신 하기 위한 통합 운영모델을 제안한다. 이를 위해 루브르 박물관, 메트로폴리탄 미술관 등 해외 선도 사례와 국내 국 립미술관의 현황을 비교 분석하였다. 분석 결과, 해외 기관들은 에너지·환경·설비 데이터를 통합 관리하고 AI와 디 지털 트윈 기술을 통해 예지보전과 에너지 최적화를 실현하고 있는 반면, 국내 기관은 부서 간 데이터가 단절된 단순 모니터링 단계에 머물러 있는 것으로 나타났다. 이에 본 연구는 시설운영 데이터를 5대 핵심 범주(에너지, 설비상태, 환경, 안전, 공간점유)로 체계화하고, 이를 기 반으로 한 ‘데이터 수집-클라우드 통합 플랫폼-AI 분석 및 예측-운영 거버넌스’의 4계층 통합모델과 핵심성과지표 (KPI)를 제시하였다. 본 연구는 기존의 스마트 미술관 논의를 전시·관람 중심에서 시설 운영 인프라와 조직 혁신의 영역으로 확장함으로써, 국립미술관의 지속가능한 경영을 위한 실질적 가이드라인을 제공하는 데 의의가 있다.기여 하고자 한다.

This study proposes an integrated operational model to transform the facility management of large-scale national art museums into a data-driven intelligent system in the context of the climate crisis and digital transformation. To this end, the study conducts a comparative analysis of leading international cases, such as the Louvre Museum and the Metropolitan Museum of Art, alongside the current status of national art museums in Korea. The analysis reveals that while leading overseas institutions achieve predictive maintenance and energy optimization by integrating energy, environment, and equipment data through AI and digital twin technologies, domestic institutions remain at a stage of simple monitoring characterized by data fragmentation across departments. Accordingly, this study systematizes facility operation data into five core categories— energy, equipment condition, environment, safety, and space occupancy. Based on this, it proposes a four-layer integrated model consisting of data collection, a cloud-based integrated platform, AI analysis and prediction, and operational governance, along with Key Performance Indicators (KPIs). This study is significant in that it extends the discussion of smart museums from exhibition and visitor services to the realms of facility infrastructure and organizational innovation, thereby providing practical guidelines for the sustainable management of national art museums.

본 연구는 온라인 공연 환경에서 관람객이 인지하는 체험가치가 관람만족과 재관람의도에 미치는 영향을 실증적 으로 분석하는 것을 목적으로 한다. 본 연구는 온라인 공연의 체험가치를 오락적, 심미적, 일탈적, 교육적 체험요소와 상호작용성을 포함하는 다차원적 개념으로 정의하였다. 온라인 공연이 공연예술의 주요 형태로 자리 잡은 현시점에 서, 관객이 지각하는 체험가치가 만족과 행동의도에 어떤 영향을 미치는지를 규명하는 것은 온라인 공연 산업의 지 속가능성과 경쟁력 강화를 위한 핵심 과제라 할 수 있다. 연구를 위해 최근 1년 이내 온라인 공연을 관람한 경험이 있는 성인 376명을 대상으로 설문조사를 실시하였으며, 수집된 자료는 SPSS 26.0과 PROCESS Macro(Model 4)를 활용하여 분석하였다. 분석 결과, 온라인 공연의 체험가치는 관람만족에 긍정적인 영향을 미쳤으며, 관람만족은 재관 람의도로 이어지는 관계적 구조를 형성하는 것으로 나타났다. 즉, 체험가치가 높게 인식될수록 관객의 공연 만족 수 준이 향상되고, 이러한 만족이 다시 재관람으로 이어지는 심리적 경로가 확인되었다. 이러한 결과는 온라인 공연이 단순한 시청 행위를 넘어 오프라인 공연을 대체하거나 보완재할 수 있는 감정적·참여적 체험 중심의 예술 소비 형 태로 자리매김하고 있음을 시사한다. 본 연구는 체험경제이론을 기반으로 체험가치를 다차원적 구성요소로 확장하여 온라인 공연의 만족 및 행동의도 간 구조적 관계를 실증적으로 분석함으로써 학문적 확장성을 확보하였다. 또한 실 무적으로는 공연 기획자와 플랫폼 운영자가 오락적 체험, 심미적 체험, 일탈적 체험, 교육적 체험, 상호작용성 등 다 양한 체험요소를 통합적으로 설계함으로써 관객의 만족과 지속적 참여를 유도해야 함을 제안한다.

This study empirically examines the influence of perceived experiential on viewer satisfaction and re-viewing intention within the context of online performances. Experience value is conceptualized as a multidimensional construct that includes entertainment, aesthetic, escapist, and educational experiences, as well as interactivity. As online performances have emerged as a central mode of performing arts consumption, identifying how audiences perceive experiential value and how such value shapes satisfaction and subsequent behavioral intentions is a critical task for enhancing the sustainability and competitiveness of the online performance industry. To address this objective, we administered a questionnaire to 376 adults who had watched an online performance within the past year, and the collected data were analyzed using SPSS 29.0 and PROCESS Macro (Model 4). The analysis showed that experiential value positively affected viewer satisfaction, and satisfaction significantly predicted re-viewing intention. In other words, higher levels of perceived experiential value increased audience satisfaction, which in turn formed a psychological pathway leading to repeated viewing behavior. These results indicate that online performances function not merely as a mode of passive viewing but as an emotionally engaging and participatory form of artistic consumption capable of complementing or substituting for offline performances. Based on the Experience Economy Theory, this study contributes academically by expanding experiential value into a multidimensional construct and empirically verifying the structural relationship among experiential value, satisfaction, and behavioral intention in online performance settings. Practically, the findings suggest that performance producers and platform operators should integrate entertainment, aesthetic, escapist, educational, and interactive experience elements into their design strategies to enhance viewer satisfaction and promote sustained audience engagement.

본 연구는 실감 기술이 공연예술의 경험을 어떻게 변화시키는지를 휴버트 드레이퍼스의 체화된 인지 개념을 토대 로 탐구하였다. 문헌연구를 통해 가상현실과 현장 공연의 경험 요소를 비교하고, AmazeVR K-pop 콘서트와 오프라 인 콘서트 관람자를 대상으로 관람평 및 심층 인터뷰를 수행하였다. 연구 결과, 가상 공연은 시각·청각 중심의 기술 매개를 통해 ‘실재감’과 ‘몰입’을 유발하지만, 이는 주로 개인화된 인지적 몰입에 국한되며 상호신체적·정서적 교감 이 결여된 것으로 나타났다. 반면 현장 공연은 관객과 시연자, 관객 간의 신체적 상호작용을 통해 정서적 몰입과 집 단적 유대, 사회적 연결감을 형성하였다. 이러한 차이는 드레이퍼스의 ‘체화된 인지’와 보그만의 ‘초점적 실천’ 개념으 로 설명되며, 공연예술의 현장성이 단순한 물리적 실존을 넘어 감각적·정서적 상호신체성에 기반함을 시사한다. 본 연구는 기술 매개 공연의 한계를 비판적으로 성찰하고, 예술과 기술 융합 시대의 인간 중심 공연 경험을 재구성하는 기초적 논의를 제시한다.

This study explored how immersive technologies transform the experience of performing arts based on Hubert Dreyfus's concept of embodied cognition. Through literature review, it compared experiential elements of virtual reality and live performances, and conducted audience reviews and in-depth interviews with attendees of both AmazeVR K-pop concerts and offline concerts. The results revealed that while virtual performances induce ‘sense of presence’ and ‘immersion’ through visually and auditorily centered technological mediation, this is primarily confined to individualized cognitive immersion and lacks mutual physical and emotional connection. On the other hand, live performances fostered emotional immersion, collective bonding, and social connectedness through physical interactions between the audience and performers, as well as among audience members themselves. These differences are explained by Dreyfus's concept of ‘embodied cognition’ and Borgmann's ‘focal things and practices,’ suggesting that the immediacy of performing arts is grounded in sensory and emotional mutual embodiment, transcending mere physical presence. This study critically reflects on the limitations of technology-mediated performances and presents foundational discussions for reconstructing human-centered performance experiences in the era of art-technology convergence.

본 연구는 2000년대 이후 중국 민영미술관(民营美术馆)의 제도적 형성과 구조 변화를 분석하고, 지속가능성을 제고할 수 있는 방안을 제시하는 것을 목적으로 한다. 1980년대 국가 주도의 공공문화체계 속에서 형성된 중국의 미술관 생태계는 2000년대 이후 문화산업화 정책과 민간 자본의 참여가 결합되면서 새로운 구조로 재편되었으며, 2010년대 이후 중국의 민영미술관은 단일 법률로 규정된 제도는 아니지만, 정책 및 행정 문서에서 반복적으로 명 명·분류되며 제도화된 범주로 기능하며 자본 투자, 도시 문화 전략, 문화 행정 정책이 결합된 운영 구조를 중심으로 확산되었다. 특히 베이징과 상하이를 중심으로 한 민영미술관은 2015년 전후 양적·공간적 확장의 정점을 형성하며 전국적으로 확대되는 양상을 보였다. 그러나 2020년대에 들어 재정 압박의 심화와 정책 환경의 변화가 결합되면서, 민영미술관의 지속가능성에 대한 구조적 문제가 본격적으로 부상하였다. 기존 중국 미술생태계 관련 연구들은 주로 2010년 전후 미술시장의 성장기에 집중되어 있으며, 2012년 이후 전 세계 미술시장의 침체 속에서도 중국 내부에서 민영미술관이 도시발전 전략의 일환으로서 도시의 문화 경쟁력과 미술시장의 활력을 유지한 구조적 동력에 대한 분 석은 부족하였다. 이에 본 연구는 이러한 공백을 보완하고, 중국 민영미술관을 중심으로 중국 미술생태계의 제도적 특수성을 규명함과 동시에 지속가능성 제고 방안을 탐색하는 데 학술적 의의를 둔다. 연구 결과, 중국 민영미술관의 지속가능성은 ① 운영 체계의 안정성, ② 재정 기반의 다변화, ③ 사회적 신뢰의 축적에 의해 좌우되며, 이는 개인 자본 중심의 사적 제도가 사회적 제도로 이행하는 전환 과정으로 해석된다. 본 연구는 민영미술관을 중국 문화산업 내 하이브리드 제도(hybrid institution)로 규정하고, 그 지속가능성을 결정하는 구조적 요인을 실증적으로 제시함으로 써 예술조직의 경영학적 연구에 기여한다.

This study examines the developmental process and structural transformation of private art museums in China since the 2000s, with a particular focus on identifying institutional and managerial factors that can enhance their sustainability. Originating from the state-led public cultural system of the 1980s, China’s museum ecosystem underwent rapid transformation through the integration of cultural industrialization policies and private capital in the 2000s. Since the 2010s, private art museums have expanded as hybrid spaces where capital, urban development, and policy intersect—reaching a peak around 2015 in Beijing and Shanghai and later spreading nationwide. However, in the 2020s, financial pressure and policy shifts have led to increasing challenges to sustainability. Previous studies have primarily focused on the growth phase of China’s art market around 2010, while few have analyzed the structural drivers that enabled private art museums to sustain cultural competitiveness and market vitality despite the global art market downturn after 2012. Addressing this research gap, this study explores the institutional particularities of China’s art ecosystem and proposes pathways to enhance the sustainability of private art museums. The findings indicate that sustainability depends on three key factors: (1) stability of organizational governance, (2) diversification of financial resources, and (3) accumulation of social trust. Ultimately, private art museums are interpreted as hybrid institutions within China’s cultural industries, whose evolving structures provide new insights for the management and sustainability of art organizations.