Earticle

본 연구는 예술인복지 관점의 창작공간 지원정책의 방향과 과제를 연구하고자 한다. 창작공간은 작업실로서 창작 공간과 레지던스로서 창작공간으로 구분된다. 창작공간 지원정책은 예술창작 지원 관점, 지역문화 재생 관점, 콘텐츠 산업 지원 관점 등을 통해 확대되고 다원화되어 왔다. 그러나 예술인이 계속 사용할 수 있으면서 저렴한 창작공간에 대한 수요, 작업실로서 창작공간은 오랫동안 정책의 사각지대에 있었다. 그러다 예술인복지 정책이 확대되면서 작업 실로서의 창작공간 정책에 대한 정책적 타당성의 근거를 마련할 수 있었다. 서울시에서 시작하여 예술인복지 정책 기본계획에서도 창작공간 지원정책이 예술 활동 여건 개선과제로 설정되었다. 하지만 주거복지정책 일환으로 공급하 는 예술인 공공임대주택의 경우, 창작공간의 비중이 낮다보니, 작업실로서 창작공간에 대한 수요는 여전히 충족되지 못하고 있다. 이를 개선할 수 있는 대안을 모색하기 위해 미국 뉴욕, 영국 런던, 프랑스 파리 등 예술인 인구가 많은 국제적인 창조도시의 작업실로서 창작공간 정책과 공급모델을 공공주도모델, 민간주도모델, 민관협력모델로 나누어 살펴보고, 뉴욕의 예술인을 위한 저렴한 부동산(AREA), 런던의 창조적 토지신탁(CLT) 같은 새로운 민관협력모델을 조사하여 시사점을 제시하였다. 이제 예술인복지 관점에서 창작공간 지원정책은 시작 단계이다. 창작공간은 예술인 의 직업적 지위와 활동의 근간이 되는 시설이라는 점에서 더 효과적인 정책대안을 마련할 필요가 있다.

This study aims to examine the policy for supporting creative spaces from the perspective of artist welfare. Creative spaces can be categorized as either workspaces or residences. Although policies supporting creative spaces have diversified in recent years, the policy for residences is limited due to the restricted occupancy period. The demand for affordable creative workspaces for artists has long been overlooked in policy-making. As the artist welfare policy expanded, the policy for creative spaces as workspaces gained attention. However, the supply of public rental studios for artists is insufficient compared to artists' demand. To identify potential improvements, I examined the policies and supply models for creative spaces in cities with a high concentration of artists per capita, such as New York, London, and Paris. I investigated specific initiatives such as New York's Affordable Real Estate for Artists (AREA) and London's Creative Land Trust (CLT), and suggest implications based on findings. The policy for supporting creative spaces from the perspective of artist welfare is still in its early stages. As creative spaces are essential facilities for the professional status and activities of artists, it is crucial to prepare more effective policy alternatives from the perspective of artist welfare.

기부금 모금 등과 같은 다양한 재원(財源) 확보는 문화예술 조직의 지속가능한 경영을 위하여 필수적이지만, 대다수는 적극적인 재원 조성에 나서지 못하고 있는 상황이다. 이에 본 연구에서는 공공 문화예술 조직의 기부금 모금에 영향을 미치는 제도를 톺아보고 그 제도변화를 모색하고자 한다. 이를 위해 재단법인 국립극단을 대상으로 실행연구를 진행하여, 조직 내에서 시도된 실제 업무 개선 노력을 제도적 브리콜라주의 관점으로 분석하였다. 연구 결과, 국립극단 조직 내외부 의 다양한 제도적 제약으로 기부금 모금이 활성화되지 못하고 있는 상황에서 이를 극복하기 위한 조직 내부의 실질적인 노력이 제도변화를 추동할 수 있다는 점을 확인할 수 있었다. 본 연구는 문화예술 분야 기부와 관련하여 문화예술 조직의 실질적인 변화를 위해 자체적인 기부금 모금을 시도하고 그것을 제도적 차원에서 논의하였다는 점에서 국립극단과 유사한 제도적 환경에 놓여 있는 공공 문화예술 조직 내부의 극적인 변화를 요구하고 있다.

Securing diverse funding sources, such as donations, is crucial for the sustainable management of arts and cultural institutions; however, it is often challenging in practice. Although some may argue that the culture of donations in South Korea is less developed than in the United States or Europe, it is essential to examine this issue without relying on assumptions. In this study, we investigated the institutions affecting fundraising for public arts and cultural organizations and explored institutional changes. To accomplish this, we conducted action research on the National Theater Company of Korea and analyzed the organization's internal efforts from an institutional bricolage perspective. Our findings suggest that the internal efforts of the organization can drive institutional changes by effectively overcoming various constraints that hinder fundraising. Finally, we discussed the attempts of arts and cultural organizations to raise funds and the associated changes in the institutional dimension, advocating for dramatic changes within public arts and cultural organizations in similar institutional environments as the National Theater Company of Korea.

K-POP 엔터테인먼트 기업들이 ESG 경영 도입 단계에 들어섬에 따라 기업 특성에 맞는 구체적인 ESG 활동에 관한 심층적 연구가 필요하다고 판단하였다. 이에 본 연구는 K-POP 엔터테인먼트 기업 ESG 활동의 중요도와 우선 순위를 도출하고자 기업의 주요 이해관계자인 소비자를 대상으로 AHP 분석을 실시하였다. 분석 결과, K-POP 엔터 테인먼트 기업의 ESG 활동 중 사회(S) 활동이 가장 중요한 것으로 나타났으며 이는 K-POP 엔터테인먼트 기업의 ESG 활동 방향이 환경(E) 부문으로 치우쳐져 있는 현 상황과 대비된다. 각 세부 활동을 살펴보면 환경 부문에서는 ‘친환경 가치확산’의 중요도가 가장 높게 나타났는데, 이는 다른 산업과 달리 화제성과 영향력이 큰 엔터테인먼트 산 업의 특성이 반영된 결과로 보인다. 또한 사회 부문은 ‘소속 아티스트’의 중요도가 가장 높게 나타났는데 아티스트 인권침해, 불공정 계약 등 K-POP 엔터테인먼트 기업들의 비윤리적인 행태가 언론 등을 통해 알려지면서 소비자들 이 이에 대한 윤리적 책임을 요구하고 있는 것으로 볼 수 있다. 마지막으로 지배구조(G) 부문에서는 ‘윤리경영’과 관 련된 활동이 가장 중요한 것으로 나타났는데, 대중에게 미치는 영향이 큰 산업인 만큼 청렴과 투명성이 중요하게 작 용하는 것으로 해석할 수 있다. 이처럼 본 연구는 K-POP 엔터테인먼트 기업의 ESG 활동을 세부적으로 제시하고, K-POP 엔터테인먼트 산업의 ESG 활동 우선순위가 타 산업과 상이하다는 점을 포착하였다는 측면에서 학술적 의의 를 지닌다. 또한 K-POP 엔터테인먼트 기업의 ESG 경영 도입에 있어 합리적인 의사결정에 도움을 줄 수 있다는 점 에서 실무적 의의를 지닌다.

As K-POP entertainment companies began ESG management, there is a need for in-depth research on specific ESG activities that fit each company's characteristics. Accordingly, this study conducted an AHP analysis on consumers who are major stakeholders of the company to derive the importance and priority of ESG activities of K-POP entertainment companies. Results suggest that social (S) activities are the most important, in contrast to the current situation in which K-POP entertainment companies focus their effort to environmental (E) activities. In the environmental sector, 'spreading eco-friendly values' was found to be the most important activities reflecting the characteristics of the entertainment industry, which is popular and influential unlike other industry. In the social sector, ‘affiliated artists’ was found to be the most important. This can be seen as consumers demanding ethical responsibility for the unethical behavior of K-POP entertainment companies, such as artist human rights violations and unfair contracts, as they are known through the media. Finally, in the governance sector, activities related to ‘ethical management’ were found to be the most important. This study could be academically meaningful in that it specifically examined the ESG activities of K-POP entertainment companies and found that the priorities of ESG activities in the K-POP entertainment industry are different from other industries. This study could also provide practical guidelines for the K-POP entertainment companies when performing ESG management.

극장의 매니저가 고객의 의향을 미리 예측할 수 있다면 고객에게 보다 만족스런 서비스를 제공함으로써 고객의 문화 복지를 향상시키고, 극장의 수익증진까지 기대할 수 있다. 이에 고객 행태를 분석하기 위한 서비스마케팅 관련 연구는 끊임없이 진행되고 있다. 본 연구는 공연예술서비스 마켓을 중심으로, 이 시장에서 이루어지는 고객의 재 구매 의사결정의 진행과정과 그 구조 를 ‘구조모형모델’을 이용하여 분석해 보고자 한다. 특히 재 구매결정에 있어 고객의 감정적 평가가 가지는 영향력이 보 다 강력하고 복잡하게 작용하는 공연예술시장만의 특수성과 현 시점의 시대적 상황을 고려해, 이제껏 시도해 보지 않았 던 ‘문화적인 경험’이란 새로운 개념을 독립적 변수로 추가 도입하였다. 공연예술시장에서 재 구매 의향을 이루어내는 기존 구성개념에 새로운 개념을 더해, 각 구성개념간 상호관계를 이해 하고, 재 구매 의도 파악의 구성개념에 대한 또 다른 접근법을 제시, 그 실제적 효용가치를 검증하고자 하였다. 이를 통 해 기존의 공연예술 서비스 품질관련 연구를 실증분석을 토대로 보강하고, 새로운 접근방법 구현을 실체화 하고자 한다. 이를 위해 유럽 최대 공연시장이라 할 수 있는 ‘Fringe Festival’에서 한국공연을 관람한 다국적 고객을 대상으로 직접 설문조사를 실시하였고, 총 36개국, 총 인원 568명의 다양한 정보를 수집하였으며, ‘AMOS 7.0 소프트웨어’를 이용하여 구조방정식 모형분석을 실시하였다. 연구분석 결과, 공연관객들의 ‘문화적 경험’이 고객의 재 구매 의사결정에 유의미한 영향을 미치고 있음을 확인하고, 그 영향의 통계적 결과치를 산출할 수 있게 되었다. 이로써 공연예술시장의 고객의사결정 모형에서 문화적 경험효과를 찾아내 재조명하고, 또 이러한 문화적 경험효과의 영향력을 실체화 할 수 있게 되었다.

Many managers predict and assume their audiences’ behavior for developing sum of profit and boosting cultural welfare or service quality. In service marketing studies, customer satisfaction and repurchase intention has exhaustively studied and clarified the pathway of customer behavior. However when audiences make a decision, their pathway seems different with customers in normal service markets. Using the structure model, we explore how audiences make decisions to repurchase in the performing arts market. To predict on the audience’s desire to repurchase with merging new conceptual ideas, cultural experience is explored as something emotionally charged and complex in services in the performing arts. This research will seek to build a model and tests the interrelationship of the constructs in predicting repurchase intention in a performing arts market. A survey instrument has been designed based on European audiences who attending Korean performing arts in world biggest performing arts market, Edinburgh festival fringe. Over 36 different countries’ 568 respondents results have processed by utilizing a Structural equation modeling (SEM) of AMOS 7.0 software. The result shows that cultural experience significantly influences audience behavior intention and gives us the suggestion of how the impacts of cultural experience occur on the audience’s decision-making process within emotional appraising. This result approves that the cultural performing arts service is a complex service and it needs special attention for understanding their audience behavior unlike typical services.

미술시장의 성장에도 불구하고 미술품 구매자에 대한 논의는 매우 드물다. 이에, 본 연구는 최근 3년 내 국내 주 요 경매와 아트페어에서 실제로 미술품을 구매한 이들을 대상으로 온라인 설문을 진행했으며, 그중 구매자 809인의 자료를 분석하였다. 특히, 미술시장의 새로운 구매층으로 주목받고 있는 젊은 구매자들을 기성 구매자와 비교 분석했 다. 분석 결과, 젊은 구매자 집단은 지난 3년 평균 총 7.5개를 구매했으며 약 1억 1,232만원을 지출했고, 기성 구매 자 집단은 약 10.7개의 작품을 구매하고 총 1억 9,238만원을 지출했다. 미술품 구매량과 구매 가격이 나타내는 젊은 구매자 집단의 객관적인 구매지표는 기성 구매자 집단 대비 상대적으로 낮지만, 구매 만족도 및 현재 자신이 인식하 는 수준 등 주관적인 지표는 집단 간 차이가 나타나지 않았다. 그 밖에, 젊은 구매자 집단은 기성 구매자 집단 대비 가격 접근성이 높고, 다양한 장르와 젊은 해외 국적 작가에 대한 선호가 상대적으로 높으며 실용적인 목적이 두드러 졌다. 또, 최초 작품 구매 시점 및 구매 의사 결정이 상대적으로 빠른 기간에 이루어졌다. 연구 결과를 바탕으로 시장 전략과 정책 개발을 위한 시사점을 제시했다.

This study examines the purchasing behavior of art collectors in the current art market through an online survey of 809 participants who purchased artworks in the past three years. The study particularly focuses on the Millennial-Z (MZ) generation of collectors and compares their behavior with that of the X and Baby Boomer generations. The findings indicate that the MZ generation purchased an average of 7.5 pieces in the past three years, spending approximately 112.32 million Korean won, while the XB generation purchased an average of 10.7 pieces, incurring a total expenditure of 192.38 million Korean won. The study reveals that although the objective purchasing indicator for the MZ generation was lower, their subjective indicators such as purchase satisfaction and the mobility of perceived capability did not differ from those of the older generations. The MZ generation also displayed a preference for more affordable pricing, young and overseas artists across various genres, and practical purposes in their purchases. Furthermore, the study found that the MZ generation demonstrated a faster starting time and decision-making period in collecting art. The research results contribute to the understanding of the market strategy and policy development in the art industry.

현대사회의 특징 중 하나를 ‘나노사회화 현상’으로 분석한 김난도 교수는 ‘나노 사회가 된다는 것은 우리 사회가 공동체적 유대를 이루지 못한다는 의미이며, 이것이 모든 트렌드의 근본 원인’이라고 전망한다(김난도 외, 2021). 그 런 의미에서 ‘공동체’성을 존재방식으로 표방하는 종교단체, 특히 기독교 공동체는 이미 코로나 19라는 거대한 ‘단절’ 의 세계를 경험하며 ‘공동체’ 활동에 큰 타격을 입은 가운데, ‘나노사회의 시대적 흐름 속에서 어떻게 존속하며 활동 을 지속하겠는가?’의 질문을 피할 수 없게 되었다. 국내외 현대 교회들이 종교 공간의 문화예술 자본과 자원을 활용 해 사회적 접점을 시도하는 경우가 늘어나고 있지만, 대부분 경전에 근거한 ‘포교’의 관점이 전제되는 경우가 많아 종교활동으로 간주 되기 쉽다. 포스트 코로나 시대 종교단체의 사회적 역할에 대한 변화와 대안을 모색하는 연구들 과 더불어 개신교 교세감소 현상에 대해 사회적 교회로서의 자구방안을 촉구하는 교계의 움직임도 적지 않다. 하지 만 종교와 사회의 조우(遭遇)를 지지하는 이론 및 실천적 적용에 관한 연구는 부족한 현실이다. 이에 본 연구는 ‘공동체해체’로 명명되는 나노화 현상 속에서 ‘공동체’의 존재 방식으로 존속해온 종교단체, 개신 교교회가 가진 사회적 자본으로서의 가치를 주목하고, 문화예술과의 상생적 접점을 모색하는데 목표를 두고 있다. 먼 저 사회구조 및 체계를 포괄하는 ‘리좀이론’과 성서의 세계관을 통섭적으로 성찰하여 상호 이해의 이론적 틀로써 ‘리 좀적 교회공유체’ 개념을 도출한다. 나아가 리좀적 교회공유체의 모델이 될 수 있는 실천적 활동을 사례로 분석하여 종교단체가 종교적 본래성을 지속하면서도 문화예술의 사회적 요구에 부응할 수 있는 실천적 방안을 제시하고 있다. 이를 통해 종교시설에 대한 일반사회의 인식을 전환하고 종교단체 역시 인문사회의 관점에서 사회적 역할을 논의할 수 있는 기초자료가 될 수 있길 기대한다.

Research by Nan Do Kim characterizes modern society as a ‘nano-society’, a “phenomenon where communal bonds cannot be formed, and which all trends are based upon” (Kim et al., 2021). Religious groups that based their identity upon ‘community’, especially Christians, have experienced a negative blow to their communal activities due to the disconnection and isolation brought on by the COVID-19 pandemic. As a result, many religious communities were challenged to find solutions to survive and continue their activities amidst an era shifting towards a nano-society. Despite the increase in number of modern churches sharing their religious space and resources for Arts and Culture in attempts to reconnect with society, most have operated with missionary work as its premise and are often perceived by outsiders as religious activities. Many studies have highlighted the observed changes to the societal role of religious organizations in a post COVID-19 era in addition to movements within Protestant communities calling for countermeasures to its own decline. However, there is lack of research on theoretical and practical applications that support encounters between religion and society. This study aims to outline mutualistic relations between Arts and Culture and religious organizations with community-based identity that have survived through nano-societal community dissociation, with special attention to the societal value of Protestant Christian groups. Using the collective reflection of biblical worldview and the Rhizome Theory of societal structure as the theoretical framework, this study derives the concept of a ‘Rhizome-like church shared-body’. Additionally, through the analysis of an active ‘Rhizome-like church shared-body’ model, this study suggests methods for religious organizations to satisfy the societal needs of Arts and Culture while also maintaining their religious originality. Hopefully, this will change the general society's perception of religious facilities and serve as basic data for religious organizations to discuss their social roles from the perspective of humanities and society.

본 연구는 코로나-19 시기 국민들의 문화예술분야 관람 매체별 수요와 그에 따른 만족도를 살펴보고자 ｢2021 국민문화예술활동조사｣자료를 실증분석하여 보았다. 분석결과, 첫 번째로 문화예술 수요와 만족에 영향을 미치는 요 인으로 본인과 부모의 교육수준이 주요한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이는 코로나-19라는 제한적 상황에 있어 서도 문화예술활동에 있어서 문화자본의 역할을 발견하였다는데 그 의의가 있다. 두 번째로 전통적인 문화예술관람 은 일정 수준 이상의 소득이 요구되었으나, 코로나-19가 경제적인 장벽이 일정 정도 해소시켜주는 역할을 수행하였 다. 세 번째로 거주지역의 차이로 인해 발생하는 지리적 여건이 이제는 더 이상 문화예술활동에 대한 제약 요인으로 작용하지 않음을 발견하였다. 문화예술관람에 있어서 지리적･경제적 제약을 완화할 수 있는 다양한 매체(스마트폰 및 태블릿pc 등)로의 전환 가능성을 살펴보았으며, 또한 국민들의 이러한 활동을 다각적으로 지원할 수 있는 정책적 방안이 마련되어야 할 것이며, 아울러 코로나-19와 같은 국가적 재난상황에 있어서 문화예술관련 정책을 위한 기초 자료로 활용되기를 바란다.

This study empirically analyzed the demand for culture and arts and their satisfaction based on the 2021 National Culture and Arts Activity Survey to examine the types of culture and arts viewing by the people during the COVID-19. As a result of the analysis, it was found that the educational level of oneself and parents had a major influence as a factor influencing the demand and satisfaction of culture and arts. This is significant in that it has discovered the role of cultural capital in cultural and artistic activities even in the limited situation of COVID-19. Second, traditional culture and arts viewing required a certain level of income, but COVID-19 played a role in resolving economic barriers to a certain extent. Third, it was found that the geographical conditions caused by differences in residential areas no longer act as a limiting factor for cultural and artistic activities. In the future, measures should be prepared to ease these geographical and economic restrictions and further revitalize local cultural policies that can carry out various cultural and artistic activities, and in addition to COVID-19, it will be used as basic data for cultural and artistic policies in national situations.