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본 연구는 청년예술 지원사업의 심의총평을 경유하여 청년예술(인)이 타 예술인 세대로부터 어떻게 인식되고 있는지를 알아보려는 목적이 있다. 청년예술(인) 개념은 대한민국 사회의 청년실업이라는 사회구조적 문제를 해결하기 위한 청년정책에서 비롯되어 예술(인)정책으로까지 파생된 근원적 배경이 있다. 이러한 바탕 위에서 청년예술인의 창 작계획을 평가한 심의총평을 해체하여 예술계에 존재하는 타자로부터 청년예술(인)의 의미를 재발견함으로써 청년예술에 관한 개념과 논의를 새롭게 확장하고자 한다. 이를 위해 앞서 연구된 청년예술(인)의 주요 쟁점과 동향을 초출하여 청년예술은 사회문제 해결로의 청년복지의 대상, 예술정책으로서의 예술(인)지원, 그리고 세대를 구분한 예술창작의 한 형태 등으로 이해되고 있음을 파악했다. 분류된 청년예술의 개념 및 논의와 더불어 연구의 중심이 되는 청년 예술 지원사업의 심의총평은 오랜 기간 해당 사업을 다양한 유형으로 시행하고 평가해온 서울문화재단의 4개년도 자료를 대상으로 선정했다. 매년 500건 이상을 상회하는 청년예술 지원서를 통해 공연 및 전시 분야의 각 전문가 그룹 총 33명의 심의에 관한 종합된 의견을 검토하여 분석하였다. 그 결과 청년예술(인) 개념은 전문성을 기반으로 예술계에 소속된 예술(인), 기성과는 다른 독자성을 지닌 창작의 형태와 방법론, 당사자로서 예술인 존재가 가지는 질문과 문제의식의 내용 등으로 나타났다.

This study aims to explore how youth artists are perceived by other generations of artists through the review summaries of youth art support projects. The concept of youth artists originates from youth policies created to address the structural social issue of youth unemployment in South Korea, which has subsequently extended into art policies. Building on this foundation, by deconstructing the review summaries that evaluated the creative plans of youth artists, this study seeks to rediscover the meaning of youth artists as viewed by others within the art community, thereby expanding the concepts and discussions surrounding youth art. To this end, the study first examined and interpreted key issues and trends related to youth artists identified in prior research, recognizing that youth art is understood as a target of youth welfare aimed at solving social problems, as art support within art policies, and as a form of artistic creation distinguished by generational differences. Alongside the classified concepts and discussions of youth art, the core of this research—the review summaries of youth art support projects—was selected from four years of data provided by the Seoul Foundation for Arts and Culture, which has long implemented and evaluated these projects in various forms. The study analyzed comprehensive opinions from 33 expert reviewers across performance and exhibition fields, drawn from over 500 youth art support applications submitted annually. The findings reveal that the concept of youth artists encompasses artists affiliated with the art world based on professionalism, forms and methodologies of creation possessing distinctiveness different from established artists, and the questions and critical awareness inherent to artists as subjects themselves.

최근 K-컬처의 확산과 함께 한국 국립박물관의 성과가 문화외교의 성취로 해석되는 경향이 확대되고 있다. 특히 국립중앙박물관의 관람객 수, 외국인 관람객 비중, 세계 박물관 순위와 같은 운영 지표는 관리 지표임에도 불구하고 언론과 정책 담론에서 국가 위상과 문화 영향력을 보여주는 근거로 반복 인용되고 있다. 본 연구는 이러한 운영 지표가 공론장에서 문화외교적 성과로 의미화되는 담론적 구성 과정을 분석하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 페어클러프의 비판적 담론 분석(CDA) 3차원 모델을 적용하여 정책 문서, 국립중앙박물관 보도자료, 언론 보도를 분석하였다. 분석 결과, 운영 지표는 텍스트 차원에서 성취 담론으로 재현되고, 담론 실천 차원에서 국제 순위 비교 및 한류·관광 담론과 결합되며 의미가 확장되고, 사회적 실천 차원에서 국가 위상 담론 속에서 반복과 제도적 승인 과정을 통해 자연화되는 경향이 확인되었다. 이 과정에서 산출(Output) 지표는 담론적 해석을 통해 성과(Outcome)를 대표하는 지표로 전환되며, 특정 문화적 사건은 이러한 해석을 강화하는 계기로 작동한다. 이는 지표가 객관적 성과를 반영하는 수단이 아니라 담론적 맥락 속에서 의미가 구성되는 ‘지표 정치’의 작동을 보여주며, 박물관 평가에서 다차원적성과 지표 체계의 필요성을 시사한다.

With the expansion of K-culture, there is a growing tendency to interpret the performance of South Korean national museums as achievements of cultural diplomacy. In particular, operational indicators of the National Museum of Korea—such as visitor numbers, the proportion of foreign visitors, and international museum rankings—are repeatedly cited in media and policy discourses as evidence of national prestige and cultural influence, despite being managerial performance measures. This study examines the discursive construction process through which these indicators are endowed with the meaning of cultural diplomacy outcomes in the public sphere. To this end, the study applies Fairclough’s three-dimensional model of Critical Discourse Analysis (CDA) to analyze policy documents, official press releases, and media reports. The findings show that operational indicators are represented as achievement-oriented discourse at the textual level, their meanings are expanded through articulation with international ranking comparisons and Hallyu and tourism narratives at the level of discursive practice, and they become naturalized within discourses of national prestige through repetition and institutional endorsement at the level of social practice. In this process, output indicators are transformed into indicators representing outcomes through discursive interpretation, while specific cultural events function as catalysts that reinforce these interpretations. These findings demonstrate the operation of “indicator politics,” in which indicators acquire meaning within discursive contexts rather than reflecting objective performance. The study suggests the need for a multidimensional performance evaluation framework for museums that incorporates qualitative values and relational outcomes.

본 연구는 예술제에서의 주민참여가 지역예술의 가치 형성에 미치는 영향을 이해하고, 그 과정에서 나타나는 구조적 특성을 분석하는 것을 목적으로 한다. 이에 일본 에치고츠마리 대지예술제(ETAT)를 사례로 한 질적 연구를 수행하였으며, 다양한 자료원에서 수집한 2차 자료를 분석하였다. 수집된 자료를 작가 선택시스템(Wijnberg & Gemser, 2000)에 관한 이론적 논의를 기반으로 해석하였다. 분석 결과, ETAT는 전문가에 의하여 작품을 선택하는 구조를 갖추고 있으나, 작품의 구현 과정에서 지역 커뮤니티 참여가 결합된 이중적 운영 구조를 보이는 것으로 나타났다. 이는 지역예술에 관한 상징적 가치 부여가 전문가 선택을 넘어, 지역의 장소성과 사회적 맥락 내에서 실행과 수용에 기반하여 이루어짐을 시사한다. 이와 같은 논의를 기반으로 본 연구는 예술의 가치화가 특정 주체의 선택을 넘어 구현 과정에서의 다양한 행위자에 의하여 조정되는 과정임을 이해하는 것에 학술적 의의가 있다.

This study aims to understand how community participation in art festivals influences the formation of artistic value in community-engaged art, with a particular focus on analyzing the structural characteristics that emerge in this process. To this end, a qualitative case study was conducted on the Echigo-Tsumari Art Triennale (ETAT) in Japan, drawing on secondary data collected from multiple sources. The collected data were subsequently interpreted through the theoretical lens of the selection system proposed by Wijnberg and Gemser. The findings reveal that ETAT adopts a structure in which artworks are selected by experts, while exhibiting a dual operational structure in which community participation is incorporated into the process of implementation. This suggests that the symbolic value of community-engaged art is constructed not solely through expert selection, but through processes of enactment and reception embedded in local site specificity and social contexts. Building on these findings, the study contributes by showing that the valuation of art extends beyond the decisions of specific actors and is instead shaped through the involvement of multiple actors in the process of implementation, thereby offering meaningful academic insights.

본 연구는 국내 주요 비엔날레의 상대적 효율성을 측정·분석하여 지속 가능한 운영 방안을 모색하는 것을 목적으로 한다. 국내 비엔날레는 1995년 광주비엔날레가 시작된 이후 지방자치단체의 주도로 지역 정체성 강화, 문화예술 기반 확충, 경제적 파급효과 창출 등을 목표로 운영되어 왔으나, 성과와 효율성에 대한 객관적이고 정량적인 평가는 미흡한 실정이다. 따라서 본 연구에서는 다수의 투입 및 산출요소를 공유하는 유사한 평가단위 간의 효율성을 비교하기 위해 자료포락분석(Data Envelopment Analysis, DEA)을 활용하여 국내 주요 비엔날레의 상대적 효율성을 분석하였다. 분석대상은 부산, 청주, 전남, 강원, 대구, 서울, 광주 등 7개 비엔날레의 10개 개최 사례를 의사결정단위(Decision Making Unit(DMU))로 설정하였다. 자료포락분석 적용을 위해 예산, 공간 규모, 인력 수의 3개 투입요소와 참관객 수와 수입의 2개 산출요소를 설정하였다. 상대적 효율성은 주최 측이 통제하기 불가능한 산출요소를 고정하고 투입요소의 효율성을 측정하는 투입방향 모형을 기반으로 분석하였다. 또한 투입 규모에 대한 산출 변화에 대해서는 수확불변 관점의 CCR 모형과 수확가변 관점의 BCC 모형을 각각 적용하였다. 이와 더불어, 두 모형의 분석 결과를 바탕으로 규모효율성과 규모수익을 추가적으로 분석하여 개선 방향을 제시하였다. 분석 결과, 수확불변과 수확 가변 관점에서 2018 전남, 2017/2019 서울, 2016/2018 광주비엔날레가 상대적 효율성이 가장 높은 효율성 경계에 위치한 준거집단으로 나타났고, 그 외의 5개 비엔날레는 상대적 효율성이 낮아 개선이 필요한 것으로 나타났다. 개선이 필요한 5개 비엔날레는 개선을 위해 참조할 주요 준거집단을 벤치마킹하여 개선 방향을 제시하였다. 본 연구는 국내 비엔날레 운영에 대한 객관적 평가 기준을 제시하고 효율적 운영을 위한 정책적·실무적 시사점을 제시한다.

This study aims to measure and analyze the relative efficiency of major biennales in Korea and to explore strategies for their sustainable operation. Korean biennales, primarily organized by local governments, have been operated with the objectives of strengthening regional identity, expanding cultural and artistic infrastructure, and generating economic spillover effects. However, objective and quantitative evaluations of their performance and efficiency remain insufficient. To address this gap, this study applies Data Envelopment Analysis (DEA) to conduct a comparative analysis of relative efficiency among biennales. The analysis includes ten cases from seven biennales—Busan, Cheongju, Jeonnam, Gangwon, Daegu, Seoul, and Gwangju—each treated as a decision-making unit (DMU). Input variables consist of budget, spatial scale, and number of personnel, while output variables include the number of visitors and revenue. An input-oriented approach is employed to evaluate relative efficiency by comparing input utilization while holding output levels constant. Both the CCR model, assuming constant returns to scale (CRS), and the BCC model, assuming variable returns to scale (VRS), are applied. Furthermore, scale efficiency and returns to scale are examined based on the results of the two models. The results indicate that, under the input-oriented CCR model, five DMU (DMU 5, 7, 8, 9, and 10) are identified as efficient with a relative efficiency score of 1.0, whereas DMU 1, 2, 3, 4, and 6 are classified as inefficient, with scores below 1.0. Under the input-oriented BCC model, six DMU (DMU 1, 5, 7, 8, 9, and 10) are found to lie on the efficiency frontier, while DMU 2, 3, 4, and 6 remain inefficient, consistent with the CCR results. Based on these findings, this study provides an objective evaluation framework for the operation of biennales in Korea and offers policy and practical implications for improving their operational efficiency.

본 연구는 글로벌 아트페어 Frieze가 운영하는 멤버십 프로그램인 Frieze Connect 사례를 분석함으로써, 아트 멤버십 프로그램이 참여자의 문화자본 형성과 미술 소비 행태에 미치는 영향을 탐색하고, 이를 바탕으로 한국형 아트 멤버십 모델의 발전 방향을 제시하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 Bourdieu(1986)의 문화자본 이론과 Pine & Gilmore(1999)의 체험 경제 이론을 분석 틀로 적용하고, Frieze Connect 2025 멤버십 참여자 19명을 대상으로 한 설문조사와 5명의 심층 인터뷰를 통해 자료를 수집하고 분석하였다. 연구 결과, Frieze Connect 멤버십은 단순한 전시 관람 혜택을 넘어 반복적인 예술 체험과 전문가와의 직접 교류를 통해 참여자의 체화된 문화자본을 확장하고, 미적 안목과 네트워크를 포함하는 ‘컬렉터 아비투스’ 형성의 초기 단계에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 특히 소규모 기반의 프라이빗 프로그램은 관계 마케팅 구조를 강화하며 참여자와 작가, 갤러리 간의 심리적 거리 축소 및 사회적 자본 형성에 기여하는 것으로 분석되었다. 또한 아티스트 스튜디오 방문, 프라이빗 투어, 렉처 프로그램 등은 교육적, 미적, 현실 도피적, 엔터테인먼트적 요소가 결합된 복합적 체험을 제공하며 이러한 다차원적 경험 설계는 참여자의 만족도와 몰입도를 높이는 핵심 요인으로 작용하였다. 이러한 결과는 아트 멤버십이 단기적 혜택 제공을 넘어 참여자의 문화자본 축적과 장기적인 미술 소비 행태 변화를 유도하는 ‘관계 기반 문화 플랫폼’으로 기능할 수 있음을 시사한다. 본 연구는 기존 미술관 중심의 멤버십 연구를 확장하여 아트페어 기반 멤버십의 역할을 조명하고, 향후 한국 미술 시장에서 아트 멤버십 프로그램 설계에 대한 이론적, 실무적 시사점을 제공한다.

This study aims to examine the impact of art membership programs on participants’ cultural capital formation and art consumption behavior by analyzing the case of Frieze Connect, a membership program operated by the global art fair Frieze, and to suggest directions for the development of art membership models in Korea. To achieve this, the study applies Bourdieu’s (1986) theory of cultural capital and Pine & Gilmore’s (1999) experience economy framework as analytical lenses. Data were collected and analyzed through a survey of 19 participants in the 2025 Frieze Connect membership program and in-depth interviews with five participants. The findings indicate that Frieze Connect functions beyond a simple benefit-based membership system by expanding participants’ embodied cultural capital through repeated artistic experiences and direct interactions with professionals. This process contributes to the early-stage formation of a “collector habitus” encompassing aesthetic discernment and network development. In particular, small-scale, private programs strengthen relationship marketing structures and facilitate the reduction of psychological distance between participants and art world actors such as artists and gallery professionals, thereby contributing to the formation of social capital. Furthermore, programs such as artist studio visits, private tours, and lectures provide multi-dimensional experiences that integrate educational, esthetic, escapist, and entertainment elements. Such integrated experience design serves as a key factor in enhancing participant satisfaction and engagement. These results suggest that art membership programs can function as relationship-based cultural platforms that go beyond short-term benefit provision, fostering the accumulation of cultural capital and inducing long-term changes in art consumption behavior. By extending the focus of existing museum-centered membership studies to an art fair–based model, this study highlights the role of art membership within the broader art ecosystem and offers both theoretical and practical implications for the design of art membership programs in the Korean art market.