Earticle

본 연구는 중국 ‘톈진(天津) 고문화거리’와 한국 ‘인사동 전통문화거리’를 사례로 전통문화예술거리 형성의 역사적 맥락을 고찰하고, 현황과 특징, 시사점을 탐색한다. 1400년대로부터 기원한 톈진 고문화거리는 1986년 당국의 지원 과 정비에 힘입어 주요 역사문화 관광지로 자리매김했다. 건축, 수공예, 연극, 음식 등은 주로 청나라 시대를 계승, 재현하고 있으며 차별화된 톈진 고유의 전통문화를 즐길 수 있다. 한편, 인사동 전통문화거리는 조선과 일제강점기를 거치는 근현대사 배경 속에서 골동품상점과 고고미술화랑, 갤러리를 중심으로 형성되었다. 한국 전통의 주거 양식과 음식, 문화예술이 공존하는 가운데 다국적 요소들이 접목되어 ‘전통문화’의 새로운 관점을 제시한다. 결론적으로 톈진 고문화거리는 ‘전통성’, ‘문화성’, ‘고유성’으로 인사동 전통문화거리는 ‘전통성’, ‘예술성’, ‘다양성’으로 그 특징을 함축 할 수 있다. 이에 전통문화의 계승과 보전, 그리고 현대인들의 욕구가 충족되는 개방적이고 수평적인 공간으로서 ‘전 통문화거리’에 대한 확장적 연구가 필요한 시점이라 하겠다.

This study examined the historical context of the formation of traditional culture and arts streets with two examples of China's "Tianjin Traditional Culture Street" and Korea's "Insa-dong Traditional Culture Street," and explored the current status, characteristics, and implications. Originating from the 1400s, Tenjin Traditional Culture Street became a major historical and cultural tourist destination in 1987 thanks to the support and maintenance of the authorities. Handcrafts, plays, and foods mainly inherit and reproduce the Qing Dynasty, and you can enjoy Tianjin's own traditional culture. Meanwhile, the traditional cultural street in Insa-dong, Seoul, was formed around antique stores, archaeological art galleries, and galleries in the background of modern and contemporary history through Joseon and Japanese colonial era. In the coexistence of Korean traditional residential style, food, and culture and arts, multinational elements are combined to present a new perspective of "traditional culture." In conclusion, the image of Tianjin Traditional Culture Street is implied by "tradition," "culture," and "uniqueness," while the image of Insa-dong Traditional Culture Street is implied by "tradition," "artistry," and "diversity." It is time for an extended study on "traditional culture street" as an open and horizontal space where the succession and preservation of traditional culture and the needs of modern people are satisfied.

본 연구는 해설이 있는 클래식 음악공연의 속성을 규명하고 각 속성이 관객의 만족과 재관람의도에 미치는 영향을 분석하여, 해설이 있는 클래식 음악공연 기획에 실무적 시사점을 제공하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 해설이 있는 클래식 음악공연 관람 경험이 있는 관객들을 대상으로 설문조사를 실시해, 최종 262명의 응답을 실증 분석에 사용하였다. 분석 결과, 해설이 있는 클래식 음악공연의 속성은 해설자의 호감도, 해설자의 표현력, 해설의 정보전달, 해설의 흥미유발, 연주자자질, 연주내용, 공연장환경, 마케팅 총 8개로 구성되었다. 이중 해설의 정보전달, 연주내용, 마케팅이 만족과 재관람의도에 긍정적인 영향을 미쳤으며, 해설의 흥미유발은 만족에 오히려 부정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이와 더불어 만족은 재관람의도에 긍정적인 영향을 미쳤고. 해설의 정보전달, 연주내용, 마케팅과 재관람의도의 관계에서 만족의 매개효과를 확인하였다. 이는 관객들이 공연 관람 시 해설을 통해 단순히 재미보다는 양질의 클래식 음악 전문 정보를 접하기를 원하며, 다양한 레퍼토리와 악기, 프로모션, 공연에 대한 평론 등에 의해 만족이 좌우된다는 것을 시사한다. 본 연구의 결과는 클래식 음악공연에서 해설을 활용할 효과적인 전략 수립에 기초 자료로 활용되어 클래식 음악 대중화에 기여할 수 있을 것으로 기대된다.

The purpose of this study was to suggest practical implications in planning classical music performance by identifying the attributes of classical music concerts with commentaries and analyzing their effect on satisfaction and revisit intention. A survey was conducted on the audience who watched classical music concerts with commentaries, and the final 262 copies were used for empirical analysis. Results suggested eight attributes of classical music concerts with commentaries including commentator’s favorability, commentator’s expressiveness, delivering information through commentary, arousing interest through commentary, quality of the performer, performance content, environment of concert hall, and marketing. Among them, delivering information through commentary, performance content, and marketing had a positive effect on satisfaction and revisit intention, while arousing interest through commentary had a negative effect on satisfaction. In addition, satisfaction had a positive effect on revisit intention, and had a mediating effect of on the relationship between delivering information, performance content, marketing, and revisit intention. These results suggest that audiences want to get high-quality professional information related to classical music rather than information focused on entertainment, and satisfaction depends on various repertoires while musical instrument, promotion, and reviews of the performance. The result of this study will be used as basic data for developing effective strategies for classical music concerts with commentaries, and will help popularize classical music.

본 연구는 클래식 음악공연 관객이 추구하는 가치체계를 규명하여 클래식 공연계의 성장과 발전을 모색할 수 있는 탐색적 연구를 수행하였다. 관객의 가치추구체계는 클래식 음악공연의 속성-혜택-가치로 구성되며, 이를 분석하기 위하여 수단-목적 사슬 이론(MEC)을 활용하였다. 이에 본 연구는 클래식 음악공연 관객의 가치추구체계에 대한 탐색적 연구로서 수도권에 거주하는 관객 23명을 대상으로 심층인터뷰 기반의 소프트래더링 기법을 적용하였다. 연구 결과, 클래식 음악공연 관객의 주요 가치추구체계는 [출연진–예술적 아름다움 향유–자아실현]으로 나타났다. 또한, 클래식 음악공연 관객의 특성인 전공 여부에 따른 가치추구체계를 비교, 분석한 결과, 서로 상이한 가치추구체계를 나타내고 있음을 확인하였다. 본 연구는 클래식 음악공연 관객에 대한 심층적인 이해를 바탕으로 관객의 요구에 상응하는 공연을 효율적으로 제공하기 위한 기반을 마련하였다. 관객 중심의 공연기획 및 제작을 통해 관객을 개발하고, 나아가 클래식 공연계의 자생적인 선순환 구조 확립에 기여할 것이다.

This study conducted an exploratory research to explore the growth and development of classical music performance by identifying the value system pursued by the audience. The audience's value pursuit system consists of attributes-consequences-values associations of classical music performance, and the means-end chain theory(MEC) was used to analyze this. Therefore, in this study as an exploratory study on the value pursuit system of classical music performance audiences, applied a soft laddering technique based on in-depth interviews to 23 audiences residing in the metropolitan area. As a result of the study, the main value pursuit system of classical music performance audience was [cast - enjoyment of artistic beauty - self-fulfillment]. In addition, it turns out that the value pursue system of a classical music majoring group is different from that of non-majoring group. Based on an in-depth understanding of the audience for classical music performances, this study laid the foundation to efficiently provide performances that correspond to the audience's needs. Through audience-centered performance planning and production, it will develop the audience and further contribute to the establishment of a self-sustaining virtuous cycle in the classical performance field.

예술활동증명 제도는 예술인 복지사업 참여를 위한 기본 절차로, 예술인 복지법상 예술을 ‘업’으로 하여 예술활동 을 하고 있음을 확인하는 제도를 말한다. 예술활동증명 제도는 예술인 복지정책의 선행제도로 기능하고 있어 현장 예술인 및 지역 문화재단, 예술인지원기관 등의 관심이 높다. 이에 이 연구에서는 예술활동증명 방식(예술활동 실적, 수입 등)·세부 기준·유효기간·실적인정 범위, 예술활동증명 제도의 전반적인 운영 개선방안 및 법령과 지침 개정 안 도출을 목표로 하여 예술활동증명 제도 개선방안 모색을 진행했다. 기존 예술활동증명 제도 도입 후 지금까지의 주요 변화를 파악하기 위하여 본 연구는 선행연구 분석 및 예술활동 증명 관련 운영체계, 회의록 등 한국예술인복지재단의 예술활동증명 관련 메타데이터 정보를 활용했으며 예술활동증 명 사업담당자, 예술인, 심의위원 등 61명을 대상으로 한 그룹인터뷰를 진행했다. 인터뷰 결과를 토대로 내놓은 법적/제도적 개선방안은 실적 기준의 확대 필요성, 인정 기준 및 세부 기준의 재고, 허위 예술활동증명 신청에 대한 제재 강화, 장애 예술인에 대한 지원, 분과별 심의위원회 내부 기준 공식화 등이다. 이번 연구의 의의 중 하나는 예술활동증명 관련 방대한 메타데이터뿐 아니라 총 61명의 예술활동증명 사업담당 자, 예술인, 심의위원 등을 대상으로 한 그룹 인터뷰를 진행하여 두 개의 데이터를 기반으로 하여 제도 개선안을 도 출했다는 것이다. 향후 과제로는 좀 더 많은 표본 수를 대상으로 한 설문조사 및 깊이 있는 FGI를 통해 장르별, 연령 별, 성별 요구에 맞는 예술활동증명 제도 개선안을 내놓는 것이라 할 수 있다.

The Verification of Artistic Activities is a basic procedure for participation in artists’ welfare projects, and refers to a system that confirms that an artist is engaged in artistic activities with art as his or her ‘business’ under the Artist’s Welfare Act. The Verification of Artistic Activities functions as a precedent system for artist welfare policy, so there is a lot of interest from field artists, local cultural foundations, and artist support organizations. Accordingly, this study aims to derive methods for proving artistic activities (artistic activity performance, income, etc.), detailed standards, validity period, performance recognition scope, overall operation improvement plan for the Verification of Artistic Activities, and amendments to laws and guidelines for the Verification of Artistic Activities. In order to identify major changes since the introduction of the existing Verification of Artistic Activities, we used metadata information related to the Verification of Artistic Activities from the Korea Artists Welfare Foundation, including analysis of previous research, operating systems related to the Verification of Artistic Activities. A group interview was conducted with 61 people, including those in charge of certification projects, artists, and review committee members. Legal/institutional improvement measures presented based on the FGI results include the need to expand performance standards, reconsideration of recognition standards and detailed standards, strengthening sanctions on applications for false Verification of Artistic Activities, support for disabled artists, and formalization of internal standards for each division's review committee. One of the significance of this study is that in addition to the extensive metadata related to the Verification of Artistic Activities, group interviews were conducted with a total of 61 artistic activity certification project managers, artists, and deliberation committee members, and a system improvement plan was derived based on the two parts of data. Future tasks include coming up with an improvement plan for the Verification of Artistic Activities tailored to the needs of genre, age, and gender through surveys targeting a larger sample size and in-depth FGI.

본 논문은 예술작품의 사회적 수용에 관한 정부와 다양한 예술계 구성원의 행위를 이해하는 것에 그 목적이 있다. 이를 위해, 본 연구는 예술 사회학적 논의를 기반으로 예술과 예술가에 관한 정부의 지원, 통제, 개입에 관한 문헌과 미술계의 매개인력이 작품에 관한 합의를 도출하는 과정을 중심으로 이론적 배경을 구성하였다. 이후, 본 연구는 85 미술운동을 단일 사례로 여겨, 다양한 출처의 역사적 자료를 수집하였다. 특히, 본 연구는 80년대 중국 정치 환경의 변화로부터 형성된 85 미술운동이 사회적으로 수용되는 과정을 중점적으로 살펴보았다. 분석 결과, 85 미술운동의 형성 과정에서 정부의 개입과 해당 운동에 속한 작품과 작가의 정당성을 마련하는 과정에 위치한 주요 행위자(예술 학교, 비평가, 전시기획자)를 포착하였다. 이를 바탕으로, 본 논문은 국가의 정책과 정치적 환경이 예술계 행위자에 미치는 영향을 논의했다는 측면에서 학술적 의의를 지닌다.

This article aims to understand the practices of the government and various agents in the art world regarding the societal acceptance of artworks. To do so, this study constructed a theoretical background based on discussions about the sociology of art, focusing on the literature on the government's support, control, and intervention in art and artists, and the process by which intermediaries in the art world construct consensus on the works of art. Afterwards, this study considered the 85 New Wave as a single case and collected historical data from various sources. Particularly, this study focused on the process by which the 85 New Wave, which was formed from changes in China's political environment in the 1980s, was socially embraced. As a result of the analysis, the government's intervention in the formation of the 85 New Wave and the main actors (art schools, critics, curators) located in the process of establishing legitimacy for the works of art and artists belonging to the movement were captured. Based on this, this paper has academic significance in that it discusses the impact of national policies and the political environment on agents in the art world.

예술문화 진흥을 포함한 창의성을 활용하는 도시 정책에 대한 집중은 최근 지속적으로 커지고 있다. 특히, 예술경영과 문화정책의 관점에서 주목해야 할 것은 예술문화를 통해 자신의 지역 특성을 알리고 사람들을 지역으로 유인하며 산업을 활성화하기 위한 창조도시 정책에 집중하는 추세이다. 이러한 정책은 창조도시의 우월성을 주장해 온 다양한 주장들에 의해 지지를 받아왔다. 그러나 다른 한편으로는 창조도시 정책과 관련하여 정치적, 사회적 이의도 지적되고 있다. 쟁점에 대한 기존의 논의들은 정책이 자본 불평등을 악화시키는 경향이 있으며 젠트리피케이션, 비가용성, 분리, 불평등을 조장할 위험이 있음을 지적했다. 본 논문은 논의 외에도 문화생산 사회학의 관점에서 창조도시가 사람들의 민주적인 문화표현, 복잡성, 고유성을 저해하고 주변화하였음을 지적한다. 다른 한편으로는 시민이 참여하는 예술 프로젝트 가 이러한 도전에 대응할 수 있는 문화생산과 사회적 네트워크를 이끌어낼 가능성이 있음도 지적한다. 본 연구는 2016년 4월부터 2021년 3월 사이에 진행된 ‘도쿄페스티벌’과 도시마구에서 의도적 표집과 참여자 관찰을 통한 현장조사 결과를 활용한다.

The focus on urban policies that leverage creativity, including arts and culture promotion, has been consistently growing in recent times. What should be focused on, especially from the perspective of arts management and cultural policy, is the trend toward focusing on creative city policies to promote the characteristics of one's own region, attract people to the region, and revitalize industry through arts and culture. These policies have been supported by various arguments that have asserted the superiority of the creative city. On the other hand, however, political and social challenges have also been pointed out in relation to creative city policies. Previous discussions on issues have pointed out that policies tend to exacerbate capital inequalities and risk promoting gentrification, unaffordability, segregation, and inequality. In addition to the discussions, from the perspective of the sociology of cultural production, this paper points out that the creative cities have inhibited and marginalized people's democratic practices of cultural expression, complexity, and vernacularity. On the other hand, it also points out that art projects with citizen participation have the potential to elicit cultural production and social networks that can counter these challenges. This study uses the results of a field survey through purposive sampling and participant observation at the “Tokyo Festival” and in Toshima City conducted between April 2016 and March 2021.

본 논문은 프랑스 K-pop 팬덤에 관한 연구로서 프랑스의 전반적인 한류 팬덤에서 드러나는 초국가적 지역성의 맥락을 살펴보는 데 연구의 목적을 둔다. 연구 방법은 문헌연구와 심층인터뷰로 진행하였다. 인터뷰는 프랑스 대학의 한국학 전공 학생 11명과 한국에서 공부하거나 거주하는 프랑스인 4명을 대상으로 하였다. 프랑스의 한류 팬덤 형성은 디지털 환경이 주어진 시기부터로 볼 수 있으며, 아시아 문화에 대한 편견이 존재하는 가운데 청소년과 청년층에 집중되었다. 하지만 프랑스의 K-pop 팬덤은 “대중문화자본”으로서의 차별성을 드러내며 자존감과 사회적 의미를 수용함으로써 프랑스 고유의 문화환경을 관통하였다. 이에 따라 세 가지 주요 주제가 드러났다. 1) 팬덤은 팬들의 정체성을 탐색하는 가운데 문화와 가치의 위계질서와 차이로서 기여한다. 2) 팬덤은 사회적 상호작용과 창의성, 참여의 세계를 자생적으로 만들어낸다. 3) 팬덤은 더 넓은 한국 문화로 나아가는 관문 역할을 한다. 결과적으로 프랑스 K-pop팬덤에서 초국가적 지역성은 K-pop 팬덤의 변화력과 문화적 의의를 이끌어내고, 문화 교류와 글로벌 연결, 개인적 변화의 통로로서 역할을 강조하는 방향으로 제시될 수 있다.

This paper is a study of French K-pop fandom and aims to examine the context of transnational locality in the overall Hallyu fandom in France. The research methodology was based on a literature review and in-depth interviews. The interviews were conducted with 11 students majoring in Korean studies at a French university and 4 French people studying or living in Korea. The formation of Hallyu fandom in France can be seen as a result of the digital environment, and it has been concentrated among teenagers and young adults amidst the prejudice against Asian culture. However, French K-pop fandom has penetrated the cultural environment of France by showing its distinction as "popular cultural capital" and embracing self-esteem and social meaning. Three key themes emerge: fandom serves as a cultural and value hierarchy and distinction within which fans navigate their identities; it creates a self-sustaining universe of social interaction, creativity, and participation; and it acts as a gateway to broader Korean culture. As a result, transnational locality in French K-pop fandom can be presented in a way that draws on the transformative power and cultural significance of K-pop fandom and emphasizes its role as a conduit for cultural exchange, global connectivity, and personal transformation.

본 연구는 한국 클래식음악 애호 관객의 공연예술 소비 행동의 양상과 소비의 의미를 심층적으로 이해하고자 현상학 적 연구(phenomenological research)를 수행하였다. 2021년을 기준으로 20대∼40대에 속하는 16인의 한국 클래식음 악 애호 관객을 연구 참여자로 모집하고, 티켓 구매, 정보 탐색 및 평가, 관람, 후원 등 공연예술 소비 행동의 주요 측면에서 나타나는 양상을 파악하고, 소비에 내포된 의미를 여가 및 예술 소비의 관점에서 해석하였다. 연구에 참여한 클래식음악 애호 관객의 공연예술 소비 경험은 총 9개 범주, 30개 주제모음, 55개의 주제로 분석되었 다. 각 범주는 ‘클래식음악과의 첫 만남’, ‘강렬한 예술적 체험의 기억’, ‘자발적 소비의 시작’, ‘소비의 지속’, ‘소비 지속을 위한 전략행동’, ‘티켓 구매 결정요인’, ‘관람 만족요인’, ‘클래식음악 핵심가치 평가’, ‘소비의 확장’으로 도출되었다. 연구에 참여한 한국 20대∼40대 클래식음악 애호 관객은 체화 및 제도 문화자본을 다채롭게 보유한 개인으로서 10대를 전후한 시기부터 양육과 교육을 통해 예술적 체험을 축적하였으며, 축적된 체화 문화자본은 성인이 되어 여가 소비를 고려하는 과정에서 클래식음악 공연 관람을 선택하도록 촉진하는 요인이 되는 것으로 파악된다. 이들 20대∼40 대 클래식음악 애호 관객에게 공연예술 소비는 소득과 시간의 제한적 상황 속에서도 상당 수준의 여가 자원과 문화적 역량을 지속적으로 투입하여 자아성장을 꾀하는 진지한 여가(serious leisure) 수준의 활동으로서, 예술작품, 악기, 예술 가, 예술단체 등 소비 대상물에 대한 꾸준한 학습과 이해를 수반하는 문화자본(cultural capital) 축적의 과정이자, 보유 정보와 지식을 표현하고 교환하는 문화자본 생산의 과정으로 나타난다. 클래식음악 애호 관객이 온·오프라인의 예술장(arts field)을 넘나들면서 공연예술 소비 행동(티켓 구매, 정보 탐색 및 평가, 관람, 후원)을 통해 진지한 여가 수준에서 문화자본을 지속적으로 축적하고 생산하는 것은 새롭고 깊이 있는 수준에서 예술세계를 이해하고 공감하며, 개인의 문화적 정체성을 확인함으로써 내적 안정을 추구하는 의미를 갖는다.

This study conducted phenomenological research to understand the meanings of performing arts consumptions among classical music lovers in Korea. As of 2021, 16 classical music lovers in their 20s to 40s were recruited as research participants, and the performing arts consumption behaviors(ticket purchase, information search and evaluation, viewing, and patronage) were identified, and the meanings of consumption was interpreted from the perspective of serious leisure and cultural capital. The experience of performing arts consumption was analyzed in a total of 9 categories, 30 theme clusters, and 55 themes. Each category was derived as ‘First Encounter with Classical Music’, ‘Memory of Intense Artistic Experience’, ‘Initiation of Voluntary Consumption’, ‘Continuation of Consumption’, ‘Strategic Actions for Continuation of Consumption’, ‘Determinants of Ticket Purchase’, ‘Audience Satisfaction Factors’, ‘Evaluation of the Core Value of Classical Music’, and ‘Expansion of Consumption’. The consumption of performing arts is a serious leisure activity that seeks self-growth by continuously investing a considerable level of leisure resources and cultural competencies under limited income and time, and it is a process of accumulating and producing cultural capital. The continuous accumulation and production of cultural capital at the level of serious leisure by classical music lovers in Korea has the meaning of understanding and empathizing with the art world at a new and profound level, and seeking inner stability by affirming one's cultural identity.

본 연구는 다양한 배경을 가진 예술가들 간의 상호작용 및 협력을 통해 실천되는 예술형태인 포용적 예술이 국제 적 환경에서 어떻게 운영되고 확장될 수 있는지 탐색하고자 한다. 특히, 2023년 한-캐나다 공동기금사업으로 운영된 프로젝트 이인(한국)과 내셔널엑세스아트센터(캐나다)의 국제협업사례를 중심으로 장애, 비장애 예술가들의 협업 과 정을 분석한다. 본 연구는 기존 문헌연구들과 정책적 배경을 검토하고 실행연구의 틀을 기반으로 사례의 기획 의도 와 배경, 과정 분석을 통해 발견 및 시사점을 제시하였다. 연구 결과, 비장애 조력자와 접근성의 제공, 지속 가능한 협업을 위한 기관의 포용적 태도의 중요성, 장애예술가의 주체적 참여를 통한 예술적 가능성 함양. 예측 불가능성과 위험감수의 가능성, 협업자 간의 관계 형성 방안 등이 도출되었다. 이 연구는 실제 예술현장에서 포용적 예술의 실천 을 통해 포용적 예술이 이론과 실제에서 어떻게 결합되고 실행될 수 있는지에 대한 구체적인 사례를 제공한다는 점 에서 의의가 있다.

This study aims to explore how inclusive art, an art form fostered through the interaction and collaboration among artists from diverse backgrounds, can be implemented in an international setting. It examines the inclusive art practices of artists with and without disabilities, with a focus on the international collaboration between Project YYIN and the National Access Art Centre of Canada, a project jointly funded by Korea and Canada in 2023. This study reviews the existing literature and policy background and presents findings and implications based on the framework of action research, analyzing the objective, background, and process of the case. The findings highlight the provision of non-disabled facilitators and accessibility, the importance of inclusive attitudes of institutions for sustainable collaborations, the fostering of artistic possibilities through the active participation of artists with disabilities, and the possibility of unpredictability and risk-taking, and how to build relationships between collaborators. The significance of this study lies in providing concrete examples of how inclusive arts can be integrated and enacted in both theory and practice through artistic endeavors in the arts field.