Earticle

본 연구는 군산문화관광재단의 설립 초기 단계에서 지역이 가지고 있는 특성과 지역의 수요를 반영한 문화예술 지원체계 구축 방안을 모색하고자 하였 다. 이를 위해 지역의 예술인, 문화기획자, 행정실무자들을 대상으로 포커스 그 룹 인터뷰(FGI)를 진행하여 문화예술지원정책의 핵심 구성요소를 도출하였고, 계층적 분석법(AHP)을 통해 정책 요소의 중요도와 우선순위를 분석하였다. 연 구 결과 ‘소통기반 구축’의 중요도가 가장 높았으며, 소통기반 구축의 하위요소 인 ‘소통 플랫폼 구축’과 ‘정기 간담회 운영’이 핵심 요소로 평가되었다. 이 외 에도 ‘지원사업 지역 특성화’, ‘지원절차 투명성 및 접근성’, ‘문화 지속가능성’, ‘창작공간 및 인프라 지원’ 등의 요소가 도출되었다. 본 연구는 정성적 방법과 정량적 방법론을 결합하여 구체적인 전북특별자치 도 군산시 지역문화재단의 정책설계 방향을 실증적으로 제시하였다는 점에서 의의를 지니며, 향후 유사한 기초문화재단의 지원체계 구축에 활용 가능한 기 초 자료로 기여할 수 있을 것이다.

This study aims to explore strategies for establishing an effective cultural and artistic support system that reflects the characteristics and needs of the region during the early stages of the Gunsan Cultural Tourism Foundation’s establishment. To this end, a Focus Group Interview (FGI) was conducted with local artists, cultural planners, and administrative practitioners to derive key components of cultural policy. Subsequently, the Analytic Hierarchy Process (AHP) was employed to analyze the relative importance and priority of each policy element. The results indicated that “building a communication foundation” was the most important factor, with “communication platform development” and “regular roundtable meetings” identified as the most critical subcomponents. Additional elements such as “localization of support programs,” “transparency and accessibility of support procedures,” “cultural sustainability,” and “creative space and infrastructure support” were also derived. This study is meaningful in that it presents an empirical policy design framework for the regional cultural foundation of Gunsan City in Jeollabuk-do by combining qualitative and quantitative methodologies, and it can serve as a reference for the construction of support systems in similar local cultural foundations.

본 연구는 미디어아트 전시에서 전시동선의 연속성이 관람경험에 매우 중요 한 요소로 작용한다는 점에서 전시동선의 연속성이 관람경험에 어떤 영향을 미치는지를 실증적으로 분석하였다. 연구대상지인 아르떼뮤지엄은 국내 대표적 인 미디어아트 전시관으로 다수의 전시실이 유기적으로 연결된 구조를 바탕으 로, 관람자의 이동 경로와 감상의 흐름을 자연스럽게 유도한다는 점에서 적합 한 분석대상으로 선정되었다. 전시동선의 연속성은 ‘공간의 연속성’과 ‘내용의 연속성’으로 구분되며, 각각 관람몰입, 관람의 질, 관람 만족도에 미치는 영향 을 검증하였다. 분석 결과, 공간의 연속성은 전시몰입과 만족도에, 내용의 연속 성은 가상몰입과 정서적 체험 요인에 유의한 영향을 미쳤다. 본 연구의 차별성 은 기존 미디어아트 전시연구가 주로 기술적 요소나 작품 특성에 초점을 맞춘 데 반해, 관람자의 지각된 경험에 기반한 동선 경험에 주목하고 이를 구조화했 다는 점에 있다. 이는 향후 전시 기획에서 몰입 중심의 체험 설계를 구현하는 데 실질적 방향을 제시하며, 감각적 경험에 기반한 전시환경의 질적 전환을 도 모하는 한편, 관람자 중심의 체험 설계 확장에 기여할 것으로 기대된다.

This study empirically analyzed how the continuity of the exhibition flow affects the visitor experience, focusing on the Arte Museum, a leading media art exhibition hall. The Arte Museum was selected as a suitable place for analysis in that it induces the flow of visitor based on the structure in which many exhibition rooms are organically connected. This study highlights “perceived exhibition flow” as a key factor shaping visitor experiences, particularly investigating how spatial and content continuity affect viewing immersion, perceived quality, and overall satisfaction. The continuity of the exhibition flow is divided into 'space continuity' and 'content continuity', and the effect of each on viewing commitment, quality of experience, and viewing satisfaction was verified through surveys and statistical analysis. As a result of the analysis, space continuity had a significant effect on exhibition immersion and satisfaction, and content continuity had a significant effect on virtual immersion and emotional experience factors. The distinction of this study is that existing media art exhibition research mainly focused on technical elements or characteristics of works, while focusing on and structuring flow experiences based on viewers' subjective perceptions and sensory flows. This presents a practical direction for realizing an immersion-oriented experience design in future exhibition planning, and is expected to contribute to expanding viewer-centered experience design while promoting qualitative transformation of the exhibition environment based on sensory experience.

본 연구는 대전광역시 대덕구 장동에서 지속되고 있는 장승제를 중심으로, 민속신앙이 현대 공동체 안에서 어떻게 재구성되고 실천되는지를 고찰하였다. 『장동 장승제』 구술채록자료(2025)를 바탕으로, 장승제의 형성과 제도화, 목장 승에서 석장승으로의 전환, 장승제의 축제화와 주민 참여 양상 등을 구술자의 서사를 통해 분석하였다. 이를 통해 장승제가 단순한 신앙의례를 넘어 공동체 내부의 위기 대응, 정체성 강화, 기억의 제도화 수단으로 기능하고 있음을 확 인하였다. 나아가 본 연구는 구술사 방법, 민속지적 해석, 상징 인류학적 분석 을 통합하여, 장승제가 공동체 문화 실천으로서 어떻게 변화하고 존속하는지를 심층적으로 분석하였다. 이는 지역 민속신앙의 현대적 계승 방식과 문화유산화 과정을 이해하는 데 학술적 의의를 지닌다.

This study examines how the traditional Jangseungje (village guardian pole rite) has been reconstructed and practiced in the contemporary community of Jang-dong, Daedeok-gu, Daejeon. Drawing on the 2025 oral history collection Jang-dong Jangseungje, the study analyzes the formation and institutionalization of the rite, the transformation from wooden to stone jangseung, and the festivalization and participatory structure of the event, as narrated by local informants. The research reveals that the Jangseungje functions not only as a ritual of folk belief but also as a cultural device for crisis response, community identity formation, and memorialization. Combining oral history methodology, folkloristic interpretation, and symbolic anthropology, this study demonstrates how Jangseungje has evolved into a living cultural practice and an enduring local tradition. It offers a valuable perspective on the modern inheritance and heritage-making of Korean folk beliefs.

기존 도시재생이 물리적 환경 개선에 초점을 두었다면, 최근에는 문화예술을 매개로 한 창의성과 공동체성을 중심으로 도시의 사회경제적 활력을 회복 하려는 패러다임이 주목받고 있다. 본 연구는 마르쿠센과 가드와(Markusen & Gadwa)가 제시한 창조적 장소만들기의 이론틀을 바탕으로, 이탈리아 시칠리아 의 소도시 파바라(Favara)에 조성된 팜컬추럴파크(Farm Cultural Park)의 문화 예술 기반 도시재생 사례를 분석하고, 유사한 문제를 겪는 도시들에 적용할 수 있는 시사점을 제안하고자 하였다. 연구 방법으로는 문헌 연구와 현장 관찰, 그리고 관계자를 대상으로 한 심층 인터뷰를 병행하였다. 분석 결과, 팜컬추럴 파크는 민간 주도의 창의적 ‘리더십’을 통해 역사 중심지의 유휴 공간을 재구 성하고, 장소성을 회복하며 도시의 물리적・사회적 활력을 증진하였다. 지역 맥락을 반영한 공간 디자인, 어린이 건축학교, 참여형 예술 프로그램은 ‘독특한 전략’으로 작용하였으며, 지역 주민과 예술가 등 '다양한 주체 간 협력'은 지속 적 협업 구조로 정착되어 정서적 유대감과 공동체 기반을 다지는 데 기여하였 다. ‘포용적 구조’는 세대와 계층을 아우르며 정서적 기반을 강화하였고, ‘국제 문화 네트워크’와의 연계는 도시 브랜드를 재정립하는 계기를 마련했다. 본 연 구는 창의성과 공동체성이 결합 된 문화예술 실천이 쇠퇴한 도시의 회복을 이 끄는 실질적 전략임을 실증적으로 확인하였다는 점에서 의의가 있다.

While traditional urban regeneration has primarily focused on improving the physical environment, recent paradigms increasingly emphasize revitalizing a city’s socio-economic vitality through creativity and community engagement, with arts and culture serving as key drivers. Using the theoretical framework of creative placemaking proposed by Markusen and Gadwa, this study analyzes the arts-based urban regeneration initiative of the 'Farm Cultural Park' (FCP) in Favara, Sicily. The aim is to offer practical implications for other cities facing similar challenges. The research methodology combined literature review, field observation, and in-depth interviews with stakeholders. The findings reveal that FCP, led by private leadership with a creative vision, restructured vacant spaces in the historic center, restored the sense of place, and enhanced both the physical and social vitality of the city. Spatial designs reflecting local history and cultural context, along with educational platforms such as the SOU and participatory art programs, served as distinctive strategies. Collaboration among local residents, artists, and other stakeholders established a sustainable system that encouraged voluntary participation, strengthened community bonds, and reinforced intergenerational solidarity. In particular, its inclusive structure promoted multi-generational engagement and empathy, reinforcing the emotional foundation of the community, while international cultural networks redefined the city’s brand. This study empirically confirms that arts and culture practices blending creativity and community are effective strategies for revitalizing declining cities.

창작공간은 예술인의 복지를 실현하는 핵심 수단으로 주목받고 있다. 본 연구는 창작공간이 예술인에게 단순한 물리적 작업장이 아니라, 관계 형성과 심 리적 안정 등 창작의 지속성을 가능하게 하는 ‘복지정책’으로써 기능함에 주목 한다. 이를 이론적으로 설명하기 위해 Oldenburg, R.의 ‘제3의 공간’ 개념을 분 석 틀로 적용하였으며, 창작공간이 예술인 사회복지에 기여할 수 있는 가능성 을 탐색하였다. 연구 방법으로는 문헌조사, 부산지역의 예술인을 대상으로 한 포커스 그룹 인터뷰의 2차 질적 자료 분석을 병행하였다. 분석 결과, 창작공간 은 예술인 간의 자발적 교류와 심리적 지지, 비형식적 네트워킹을 촉진함으로 써 창작 지속성을 높이는 환경을 조성하고 있었으며, 이는 기존 복지제도가 포 괄하지 못했던 예술인의 실질적 욕구를 보완하는 역할을 하고 있었다. 특히 창 작공간이 일, 쉼, 관계가 혼합된 일상적 제3의 공간으로써 기능할 때, 사회적 자본을 강화하는 예술인 복지정책의 새로운 대안이 될 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 창작공간을 단순한 물리적 기반시설이 아닌 복지정책의 실천 장으 로 재개념화함으로써, 예술인 복지의 실효성을 높이는 정책 설계에 이론적·실 천적 시사점을 제공한다.

Creative spaces have become a prominent mechanism for advancing the welfare of artists. This study investigates creative spaces not only as physical work environments, but also as a form of welfare policy that supports artistic practice by fostering relationship-building and psychological well-being. Drawing on Ray Oldenburg’s concept of the ‘Third Place,’ this research employs an analytical framework to assess how creative spaces can enhance artists’ social welfare. Adopting a mixed-methods approach, the study combines a literature review with qualitative analysis of secondary data derived from focus group interviews with artists in Busan. The findings reveal that creative spaces facilitate voluntary exchanges, provide psychological support, and encourage informal networking among artists, thereby creating an environment conducive to the sustainability of creative activities. These functions address practical needs that are often unmet by conventional welfare systems. Notably, when creative spaces operate as everyday ‘Third Places’—integrating work, rest, and social interaction—they emerge as a promising alternative for welfare policies aimed at strengthening social capital among artists. This study thus redefines creative spaces as practical platforms for welfare policy, offering both theoretical and practical implications for the development of more effective artist welfare policies.

본 연구는 평택 출신 역사인물 안재홍(1891~1965)을 지역 문화콘텐츠로 활용하는 방안을 모색하는 데 목적이 있다. 평택시는 1995년 도농복합형태의 통합 도시로 출범했으나, 30년이 지난 현재까지도 시민들의 통합된 정체성 형성이 미흡하며 도시를 대표할 랜드마크와 관광자원이 부족한 실정이다. 본 연구에서는 문헌연구와 사례분석을 통해 평택의 문화자원 현황을 분석하고, 독립운동가이자 언론인・역사학자・정치가로서 다면적 정체성을 지닌 안재홍의 문화적 가치를 조명하였다. 연구 결과, 안재홍은 다층적 정체성을 지닌 콘텐츠 소스로써의 가치, ‘신민족주의'와 ‘다사리'라는 철학적 자산을 남긴 사상가로서의 가치, ‘로컬’과 ‘내셔널’을 연결하는 문화적 가치를 지닌 인물임을 확인하였다. 이를 바탕으로 디지털 기반 콘텐츠 개발(디지털 아카이브 구축, 모바일 스토리 텔링 플랫폼, SNS 연계 콘텐츠), 실감형 체험 콘텐츠(AR／VR 기술 활용, 위치기 반 디지털 투어), 융합형 문화프로그램(문화예술 프로그램, 정기 문화행사, 교육 프로그램 개발) 등 세 가지 차원의 활용방안을 제시하였다. 특히 OSMU와 MSMU 전략을 병행 적용함으로써 콘텐츠의 다각화와 확장 가능성을 확보하고자 하였다. 학술적으로는 상대적으로 인지도가 부족한 역사인물을 재조명하여 지역문화콘텐 츠 연구의 영역을 확장하고, 평택의 정체성 형성 과제를 다루었다는 점에 있으며, 실용적으로는 평택의 도시 브랜딩 강화, 문화관광 활성화, 지역 공동체 결속 증진 을 위한 구현 가능한 전략을 제공했다는 점에서 본 연구의 의의를 찾을 수 있다.

This study explores strategies for utilizing Ahn Jae-hong (1891–1965), a historical figure from Pyeongtaek-si, as a local cultural content. Despite its designation as an integrated urban-rural city in 1995, Pyeongtaek-si still lacks a unified civic identity, iconic landmarks, and tourist infrastructure. Through a literature review and case analysis, this study examines the city's cultural resources and highlights Ahn’s multifaceted identity—as an independence activist, journalist, historian, and politician—and his cultural significance. The findings identify three core values: his role as a multilayered content source, the ideological relevance of his “New Nationalism” and “Dasari” philosophies, and his function as a bridge between local and national narratives. Based on these insights, the study proposes strategies in three areas: (1) digital content development (e.g., archives, storytelling platforms, social networking services [SNS] ), (2) immersive experiences (e.g., AR／VR content, location-based tours), and (3) integrated cultural programs (e.g., arts events, educational content). This study applied OSMU and MSMU strategies to maximize content diversity and reach. Academically, this research expands the discourse on regional cultural content through the reexamination of a lesser-known historical figure. Practically, it offers actionable strategies for city branding, cultural tourism revitalization, and community cohesion in Pyeongtaek-si.

Under the background of Industrial Revolution 4.0, the digital transformation process of performing arts organizations is accelerating. This study focuses on exploring the effect of digital professional development on the digital service capabilities of practitioners and its internal psychological mechanism, especially the mediating role of self-efficacy. Based on the integrated framework of self-efficacy theory and continuing professional development theory (CPD), this study uses a multi-stage sampling method to conduct a questionnaire survey on practitioners of performing arts organizations, and uses a structural equation model (SEM) for empirical analysis. The study found that the level of digital professional development significantly and positively predicts digital service capabilities, and self-efficacy shows a partial mediating effect in this path. This study not only expands the scope of cross-research on digital technology application and organizational behavior, but also provides an evidence-based basis for optimizing the human resource development strategy of performing arts organizations.

在工业革命4.0背景下，表演艺术组织数字化转型进程加快，本研究聚焦于探究 数字化专业发展对从业人员数字服务能力的提升效应及其内在心理机制，特别是自 我效能感的中介作用。基于自我效能感理论（Self-efficacy Theory）与专业发展理 论（Continuing Professional Development，CPD）的整合框架，本研究采用多阶 段抽样法对表演艺术组织从业者进行问卷调查，并运用结构方程模型（SEM）进行 实证分析。研究发现，数字化专业发展水平显著正向预测数字服务能力，自我效能 感在该路径中呈现部分中介效应。本研究不仅拓展了数字技术应用与组织行为学的 交叉研究范畴，同时为优化表演艺术组织人力资源发展策略提供了循证依据。

본 연구는 한국과 중국의 실경공연 정책 환경을 비교하고, 문헌 계량학적 분석을 통해 양국의 연구 동향을 고찰하는 데 목적이 있다. 이를 위하여 양국 정책 환경의 주요 차이를 개괄하고, 양국의 관련 학술 연구를 대상으로 연도별 논문 편수, 연구 주제, 연구 방법, 논문 유형 등의 차이를 분석하였다. 중국의 학술 문헌은 CNKI(中国知网), Wanfang Data(万方数据), VIP(维普数据)에서 수집 되었고, 한국의 경우 KISS, RISS, DBPIA 데이터베이스를 사용하였다. 연구 주제 에 따라 범위에 부합하는 논문을 선별한 결과, 최종적으로 분석에 포함된 논문 수는 중국 1,107편(최초 연구 출간 년도인 2004년부터 2024년까지), 한국 31편 (최초 연구 출간 년도인 2010년부터 2024년까지)으로 나타났다. 분석 결과, 중 국 실경공연 연구는 2004년부터 빠르게 확장되어 온 것으로 나타났으며, <인 상·류산저(印象·刘三姐)>와 같은 대형 프로젝트의 성공을 바탕으로 산업화, 시장화, 정책적 지원이 결합된 발전 모델이 중심이 되어 전개되어 온 것으로 나타났다. 아울러 문화 전승, 관광 경제, 관객 경험, 기술 응용적 측면에서 활 발한 연구가 이루어진 것으로 분석되었다. 반면, 한국의 실경공연 연구는 상대 적으로 벤치마킹 위주의 탐색적 단계에 있으며, 주로 지역 관광산업과 연계한 실경공연의 활용, 한국형 실경콘텐츠의 개발, 첨단기술의 접목 가능성에 중점 을 두고 있는 것으로 분석되었다. 본 연구는 양국 간 연구 동향과 담론의 비교 를 통해 한·중 문화 공연 산업의 협력적 발전 및 학술적 대화를 위한 기초 자료를 제공한다는 점에서 학문적 의의를 가진다.

This study conducts a comparative analysis focusing on the policy environments and research trends of live-scenery performances in Korea and China. To this end, it first outlines the key policy differences between the two countries and then applies bibliometric methods to analyze variations in related academic research—specifically examining the number of publications by year, research themes, methodologies, and types of scholarly work. Chinese academic sources were collected from CNKI (中国知 网), Wanfang Data (万方数据), and VIP (维普数据), while Korean data were retrieved from KISS, RISS, and DBPIA. Based on thematic relevance, a total of 1,107 Chinese articles (published from 2004 to 2024) and 31 Korean articles (published from 2010 to 2024) were selected for final analysis. The results show that Chinese research on live-scenery performances has expanded rapidly since 2004, largely driven by the success of large-scale projects such as Impression Liu Sanjie (印象·刘三姐), which represent a development model combining industrialization, marketization, and strong policy support. Research in China has been active across areas such as cultural transmission, tourism economics, audience experience, and technological innovation. In contrast, Korea’s research remains in a relatively exploratory and benchmarking-oriented phase, with an emphasis on the use of live-scenery performances in regional tourism, the development of Korea-specific performance content, and the potential for integrating advanced technologies. This study contributes to the academic discourse by providing a foundational comparison of the two countries’ scholarly trajectories, offering insights for future collaboration and co-development in the cultural performance industries of Korea and China.