Earticle

본 연구는 2006년부터 2025년까지 중국에서 발표된 애니메이션 영화 음악 관련 학술지 논문과 학위논문을 대상으로 하여, 연구주제, 음악 스타일 및 장 르, 연구방법, 연구대상의 변화 추이를 체계적으로 분석하고, 이를 중국 애니메 이션 산업 발전 및 문화 정책의 흐름과 연계하여 고찰하는 데 목적이 있다. 이 를 위하여 중국 주요 학술 데이터베이스(CNKI, WANFANG, VIP)를 통해 총 154 편의 논문을 수집하여 연구 시기별로 분류·정리하였으며, 관련 문화산업 정책 자료를 함께 검토하였다. 연구 결과, 중국 애니메이션 영화 음악에 대한 연구 는 초기에는 해외 사례 분석과 음악 기능 중심의 논의에 집중되었으나, 중후반 기로 갈수록 본토 작품, 민족 음악, 감정 표현 및 미학적 주제로 확장되는 경 향을 보였다. 음악 스타일 측면에서는 전통 악기, 민족 장르, 전자음악 등 다양 한 표현 방식이 주목되었으며, 연구 방법은 주로 질적 사례 분석과 문헌 연구 중심으로 나타났다. 다만, 양적 분석 및 혼합연구의 비중은 낮은 수준에 머물 렀다. 연구 대상 역시 초기에는 국제적 작곡가와 작품에 집중되었으나, 최근에 는 <나타지마동강세>, <중국기담> 등 본토 중심의 작품과 문화 배경이 주요 분 석 대상으로 부상하였다. 이러한 분석은 중국 애니메이션 산업의 시장 성장, 문화 정체성 강화, 교육 및 정책 변화와 밀접한 관련을 가지며, 본 연구는 한 국과 동아시아 문화 연구, 교육 커리큘럼 설계, 콘텐츠 전략 논의 등에서 비교 문화적 관점을 제공할 수 있을 것이다. 향후 연구에서는 수용자 인식, 정량적 효과 분석, 산업적 실천과의 연계성을 강화할 필요가 있으며, 이를 통해 중국 애니메이션 음악 연구의 학문적 기반을 보다 확대해 나갈 수 있을 것이다.

The purpose of This study aims to systematically analyze the trends in academic research on animation film music in China from 2006 to 2025. By examining a total of 154 journal articles and theses retrieved from major Chinese academic databases (CNKI, WANFANG, and VIP), the research categorizes and interprets changes in research themes, music styles and genres, methodologies, and target subjects. The findings are then contextualized within the broader developments in China's animation industry and cultural policy shifts. The analysis reveals that early studies primarily focused on foreign cases and the functional roles of music. In contrast, recent research has expanded to emphasize domestic productions, ethnic music elements, emotional expression, and aesthetic analysis. In terms of musical style, increasing attention has been given to traditional instruments, ethnic genres, and electronic music. Methodologically, most studies employed qualitative case studies and literature reviews, while quantitative and mixed-method approaches remained limited. The scope of research subjects has shifted from international composers and works to Chinese domestic productions such as Ne Zha and Chinese Tales, reflecting a growing focus on national identity and cultural background. This trend aligns closely with the rapid growth of China's animation market, the reinforcement of cultural identity, and evolving educational and policy frameworks. The study offers a comparative cultural perspective valuable for Korean and East Asian cultural studies, curriculum design, and content strategy development. Future research should expand to include audience perception, quantitative impact assessment, and connections with industry practices to further solidify the academic foundation of Chinese animation music studies.

본 연구는 기술 발전과 팬데믹을 계기로 확산된 온라인 공연에 주목하여, K-POP 온라인 공연을 경험한 중국 관객의 재구매 의도에 영향을 미치는 요인 을 실증적으로 분석하였다. 이를 위해 가치기반수용모델(Value-based Adoption Model, VAM)을 이론적 틀로 설정하고, 지각된 유용성과 지각된 즐거움으로 구 성된 효용 요인, 부족한 현장감과 기술적 복잡성으로 구성된 희생 요인이 지각 된 가치에 미치는 영향을 분석하였다. 더불어 K-POP 아이돌에 대한 충성도가 재구매 의도에 미치는 직접 효과와 조절 효과를 함께 검토하였다. PLS-SEM 분 석 결과, 지각된 즐거움은 지각된 가치에 가장 강한 정(+)의 영향을 미쳤으며, 부족한 현장감과 기술적 복잡성은 유의한 부(-)의 영향을 나타냈다. 지각된 가 치는 재구매 의도를 유의하게 예측하였고, 충성도 역시 재구매 의도에 직접적 인 영향을 미쳤으나, 지각된 가치와 재구매 의도 간의 관계를 조절하지는 않는 것으로 나타났다. 이러한 결과는 K-POP 온라인 공연 소비가 콘텐츠에 대한 합 리적 가치 평가와 감성적 충성도라는 두 개의 독립된 경로를 통해 이루어질 수 있음을 시사한다. 본 연구는 VAM의 희생 요인을 공연예술 맥락에 맞게 재 구성함으로써 이론적 적용 범위를 확장하였으며, 온라인 공연이 단순한 팬덤 기반 소비를 넘어 콘텐츠 중심의 지속 가능한 플랫폼으로 발전할 수 있는 가 능성을 실증적으로 제시하였다는 점에서 학문적 및 실무적 의의를 갖는다.

This study empirically examines the factors influencing repurchase intention among Chinese audiences who have experienced K-POP online concerts, in the context of the growing popularity of online performances following technological advancements and the COVID-19 pandemic. Based on the Value-based Adoption Model (VAM), the research investigates how perceived usefulness and perceived enjoyment (benefit factors), as well as lack of liveness and technological complexity (sacrifice factors), affect perceived value. In addition, the study explores both the direct and moderating effects of fandom loyalty toward K-POP idols on repurchase intention. Using PLS-SEM, the analysis reveals that perceived enjoyment had the strongest positive effect on perceived value, while both lack of liveness and technological complexity negatively affected it. Perceived value significantly predicted repurchase intention, and fandom loyalty also had a direct effect on repurchase intention; however, it did not moderate the relationship between perceived value and repurchase intention. These findings suggest that K-POP online concert consumption is driven by two independent routes: rational evaluation of content value and emotional loyalty to idols. This study contributes to theory by extending the application of VAM to the performing arts context through a redefinition of sacrifice variables. It also offers practical implications by demonstrating the potential of online concerts to evolve beyond fandom-driven consumption into a sustainable, content-centered platform.

한국 사회는 단일민족 중심의 인식에서 점차 벗어나 다문화사회로 전환하며 다양한 다문화정책을 시행해 왔다. 그러나 이러한 정책은 종종 결혼이민자 중 심, 정부 주도의 동화주의적 접근에 머물러 이주민을 수동적 수혜자로 인식하 는 한계를 보였다. 본 연구는 이 한계를 극복하기 위해 이주민을 능동적 문화 주체로 보는 디아스포라 관점을 도입하였다. 연구 대상인 광주 고려인마을은 2001년 소수 가구에서 출발해 약 7천 명 규모로 성장한 디아스포라 공동체로, 역사와 문화유산을 기반으로 다양한 문화예술 활동을 전개해왔다. 현상학적 연 구방법을 사용하여 공동체 구성원과 지역 문화예술기관 관계자 13명을 심층 인터뷰하였고, Berry의 문화적응 이론을 분석틀로 적용하였다. 연구 결과, 고려 인마을은 고유 문화를 유지하면서도 지역사회와의 적극적인 상호작용을 통해 혼종적 문화공간을 형성하고 있었다. 특히 ‘민간 주도–공공 후발 지원’의 민관 협력 구조 속에서 문화예술 활동이 문화관광으로 확장되며 경제적·사회적 통 합을 촉진하였다. 본 연구는 다문화정책의 패러다임 전환 필요성을 제기하고, 디아스포라 문화자원이 지역 문화생태계의 핵심 자산이 될 수 있음을 시사 한다.

South Korea has gradually transitioned from a monoethnic identity toward a multicultural society, implementing various multicultural policies to support immigrants’ cultural adaptation. However, such policies have often been limited to assimilation-driven approaches that treat immigrants as passive beneficiaries. This study introduces the perspective of the diaspora, viewing immigrants as active cultural agents. The research focuses on Goryeoin Village in Gwangju, a diaspora community that has grown from a few households in 2001 to a population of over 7,000, engaging in diverse arts and culture initiatives based on its historical and cultural heritage. Employing a phenomenological qualitative method, in-depth interviews were conducted with 13 members of the community and local cultural institutions, analyzed through Berry’s acculturation theory. Findings reveal that Goryeoin Village maintains its cultural identity while actively interacting with the local society, forming a hybrid cultural space. Notably, within a public-private partnership framework characterized by “grassroots initiatives–public follow-up support,” cultural and artistic activities have expanded into cultural tourism, fostering economic and social integration. This study highlights the need for a paradigm shift in multicultural policy and underscores the potential of diaspora cultural assets as key resources for local cultural ecosystems.

본 연구는 로컬 커뮤니티에서 사회적 자본이 협력과 신뢰를 증진시키는 긍정적 자원으로 작용함과 동시에, 배제와 위계를 재생산하는 구조적 기제로 작 동할 수 있다는 이중적 성격을 밝히고자 한다. 이를 위해 퍼트넘의 공동체 협 력 이론과 부르디외의 자본 이론을 이론적 틀로 설정하고, 경상남도 ○○군에 위치한 협동조합을 중심으로 질적 사례연구를 수행하였다. 반구조화된 인터뷰 와 문헌자료를 통해 수집한 자료는 귀납적 내용분석을 통해 참여 동기, 신뢰 구축, 권력 편중, 외부 연계, 사회적 자본의 양면성 등 다섯 가지 범주로 분석 되었다. 연구 결과, 사회적 자본은 주민 간 유대감과 협력의 기반이 되는 동시에, 문화적 배타성과 권력 집중, 외부자에 대한 소외로 이어질 수 있는 위험도 내포하고 있었다. 이러한 이중성은 로컬 커뮤니티의 리더십 성격, 포용성, 자원 지속성, 외부 연결망 관리에 따라 강화되거나 완화될 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 사회적 자본을 통해 지역공동체의 역동성과 구조적 한계를 동시에 조망하고, 주민 주도 정책의 실천 가능성과 한계에 대한 이론적·실천적 함의를 제시한다.

This study explores the dual nature of social capital in local communities, wherein it functions both as a positive resource that fosters cooperation and trust, and as a structural mechanism that reproduces exclusion and hierarchy. Drawing on Putnam’s theory of community cooperation and Bourdieu’s theory of capital, this research employs a qualitative case study focused on a cooperative located in ○○ County, Gyeongsangnam-do, South Korea. Data were collected through semi-structured interviews and documentary analysis, and analyzed using inductive content analysis. The findings were categorized into five themes: participation motivation, trust-building, power concentration, external linkages, and the ambivalence of social capital. The results reveal that while social capital strengthens bonds and cooperation among residents, it can also entail risks such as cultural exclusivity, centralized authority, and the marginalization of outsiders. This duality is found to be shaped by the nature of local leadership, inclusivity, resource sustainability, and the management of external networks. The study offers both theoretical and practical implications for understanding the dynamic potentials and structural limitations of social capital in local community development and citizen-led policy initiatives.

본 연구는 아마추어 밴드 활동이 개인의 행복감에 어떠한 영향을 미치는지를 탐구하고자 하였다. 이를 위해 실제 밴드 활동에 참여하고 있는 직장인 8명 을 대상으로 심층 인터뷰를 실시하고 그 결과를 분석하였다. 연구 결과 첫째, 중·고등학교 및 대학 시절 음악 활동 경험이 있는 참여자일수록 성인이 된 이후에도 아마추어 밴드 활동을 지속하는 경향이 뚜렷하게 나타났다. 둘째, 아 마추어 밴드 활동은 일상생활에서 누적된 스트레스와 정서적 피로를 해소하는 정서적 완충지대로 기능하며, 삶의 활력을 회복하는 주요한 심리적 자원으로 인식되었다. 셋째, 아마추어 밴드 활동은 높은 수준의 몰입을 요구하며, 그 과 정에서 심리적 충족감을 제공하는 것으로 나타났다. 넷째, 아마추어 밴드 활동 을 통한 음악 기술의 향상과 합주 성과는 자기 효능감과 성취감을 고양시키는 요소로 작용하였다. 다섯째, 아마추어 밴드 활동은 재충전의 기회를 제공하는 것뿐만 아니라, 직장생활에서의 긍정적 상호작용을 이끌어 내어 조직 내 사회 적 유대 및 협업 효율성을 증진시키는 것으로 나타났다. 마지막으로, 아마추어 밴드 활동은 개인의 행복감과 심리적 안정감 증진에 실질적인 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 이러한 연구 결과는 아마추어 밴드와 같은 공동체 기반의 음악 참여가 개인의 정서적 만족도와 삶의 질 향상에 기여될 수 있음을 보여 준다. 본 연구는 음악 참여와 행복감 간의 인과관계를 탐색하는 후속 연구의 기초자료로서 학문적 의의가 있다.

This study aimed to explore how amateur band activities influence participants’ sense of happiness. To this end, in-depth interviews were conducted with eight working adults actively engaged in amateur band participation, and the results were qualitatively analyzed. First, it was found that individuals with musical experience during middle school, high school, or university were more likely to continue amateur band activities in adulthood. Second, amateur band participation served as an emotional buffer that alleviated accumulated stress and emotional fatigue from daily life, and was perceived as a key psychological resource for restoring vitality. Third, the nature of band performance, which demands a high level of concentration and coordination, facilitated experiences of psychological immersion and fulfillment. Fourth, improvements in musical skills and successful ensemble outcomes fostered emotional satisfaction by enhancing participants’ self-efficacy and sense of accomplishment. Fifth, amateur band activities contributed to positive interpersonal interactions in the workplace, offering opportunities for emotional renewal while strengthening social bonds and collaborative efficiency within the organization. Lastly, amateur band participation was found to have a significant impact on enhancing individuals’ happiness and psychological stability. These findings suggest that community-based music engagement, such as amateur bands, can meaningfully contribute to individuals’ emotional well-being and overall quality of life. This study providing foundational data for future research investigating the causal relationship between music participation and happiness.

본 연구는 도시재생사업의 현장에서 예술인이 수행하는 역할과 그 참여경험의 본질을 현상학적 방법론을 통해 탐색하고, 문화예술 기반 도시재생의 사회 적·문화적 의미를 심층적으로 고찰하는 데 목적이 있다. 연구대상은 2023년 광주광역시 동구 도시재생지원센터와 협업하여 ｢문화마을코디네이터 사업｣에 참여한 예술인 3명이며, 이들의 경험을 심층면담을 통해 수집하고 Colaizzi의 현상학적 방법론에 따라 분석하였다. 분석 결과, 예술인의 참여경험은 ‘지역사회와의 상호작용’, ‘협업을 통한 성 취와 성장’, ‘제도적 한계와 지속가능성’이라는 세 범주와 총 20개의 주제로 도 출되었다. 예술인들은 단순한 창작자를 넘어 지역의 문화적 자산을 재해석하고 공동체와 소통하는 중재자이자 실천적 문화매개자로서 기능하였다. 또한 협업 과정에서 내적 성찰과 예술적 확장을 경험하였으며, 주민과의 상호작용 속에서 창의적 해석을 통해 일상 공간을 문화적으로 전환하는 데 기여하였다. 한편, 행정 중심의 사업 구조는 예술인의 창의성과 자율성을 제약하는 한계 로 작용하였으며, 예술인의 지속가능한 참여를 위한 제도적 지원의 필요성이 제기되었다. 본 연구는 예술인이 도시재생의 주체적 행위자로서 수행하는 다층 적 역할을 실증적으로 확인하였으며, 향후 문화예술 기반 도시재생의 정책 설 계 및 제도 개선 과정에서 예술인의 참여를 전략적 요소로 제도화할 필요성을 강조한다.

This study aims to explore the roles performed by artists in urban regeneration projects and the essence of their participation experiences through a phenomenological approach, thereby providing an in-depth understanding of the socio-cultural significance of culture- and arts-based urban regeneration. The research participants comprised three artists who took part in the “Cultural Village Coordinator Project” in collaboration with the Urban Regeneration Support Center of Dong-gu, Gwangju Metropolitan City, in 2023. Data were collected through in-depth semi-structured interviews and analyzed using Colaizzi’s phenomenological method. The analysis revealed three overarching categories—interaction with the local community, achievement and growth through collaboration, and institutional limitations and sustainability—comprising a total of 20 themes. The artists functioned not only as creators but also as mediators and practical cultural facilitators who reinterpreted local cultural assets and engaged in dialogue with the community. Through collaborative processes, they experienced self-reflection and artistic expansion, contributing to the cultural transformation of everyday spaces through creative interpretation in interactions with residents. However, the administrative structure of the projects limited their creativity and autonomy, highlighting the need for institutional support to ensure their sustainable participation. This study empirically confirms the multifaceted roles of artists as active agents in urban regeneration and emphasizes the necessity of institutionalizing their participation as a strategic component in future policy design and system improvement for culture- and arts-based urban regeneration.

본 연구는 체화된 인지 이론을 바탕으로 이머시브 시어터 관객이 신체, 지각, 환경을 통해 어떠한 인지 변화를 경험하게 되는지 분석하고자 한다. Margaret Wilson의 체화된 인지 이론의 요소를 분석의 틀로 삼아, 이머시브 시 어터 허난의 <오직 허난·연극 환성(只有河南·戲劇幻城)>을 경험한 3명의 연구 참여자의 개인 경험을 바탕으로 내러티브적 관점으로 질적 자료를 수집하여 분석하였다. 분석결과로 첫째, 온몸으로 참여하는 이머시브 시어터는 관객 의 수동적 관찰 차원에서 능동적 체험으로 전환함으로써 신체 경험에 더 의존하게 된다는 사실을 발견하였다. 둘째, 이러한 오감을 통해 관객의 인지는 이 성적 분석 중심에서 감정이 이끄는 체험 중심으로 변화과정을 확인하였다. 셋째, 문화기호에 대한 해석을 통해 관객이 내러티브를 깊이 이해하고 재구성함으로써, 인지의 내면화와 의미 생성이 가능하다는 것을 발견하였다. 이러한 분석 결과는 신체, 지각, 환경의 상호작용이 단순히 감각 경험을 쌓는 수단이 아니라, 인지 변화를 이끌어내는 핵심 메커니즘이라는 사실을 알게 되었다. 결국 이머시브 시어터는 독창적 공간 설계와 다차원적 관점을 통해 관객에게 감정과 인지가 교차하는 공명 영역을 제공하고, 이를 통해 역사, 문화, 자아에 대해 더 깊은 이해를 이끌어낸다.

This study aims to analyze how immersive theater audiences experience cognitive changes through the body, perception, and environment based on embodied cognition theory. Using elements of Margaret Wilson’s embodied cognition theory as the analytical framework, qualitative data was collected from a narrative perspective based on the personal experiences of three participants who experienced the immersive theater performance Only Henan·Drama Fantasy City(只有河南·戲劇幻城). The analysis revealed the following results: First, immersive theater, which involves full-body participation, transforms the audience’s experience from passive observation to active engagement, making them more reliant on bodily experiences. Second, through the engagement of the senses, the audience’s cognition shifts from rational analysis to experience-driven emotions. Third, through the interpretation of cultural symbols, the audience is able to deeply understand and reconstruct the narrative, enabling the internalization of cognition and meaning-making. These findings highlight that the interaction of the body, perception, and environment is not merely a means to accumulate sensory experiences but serves as a core mechanism for inducing cognitive change. Ultimately, immersive theater offers the audience a resonant space where emotion and cognition intersect, fostering a deeper understanding of history, culture, and the self through its innovative spatial design and multidimensional perspectives.

이 글은 2018년 전북 연극계 미투 이후 전북의 성평등 문화예술 정책의 전개 양상을 파악하려는 작업이다. 본 연구에서 살펴볼 정책 사례는 ‘전북 문화 예술 성평등 네트워크(이하 전성넷)’이다. 전성넷은 전북 도내 문화재단이 꼽는 대표적인 성평등 문화예술 정책으로, 재단과 여성단체가 협력하여 사업을 진행 한 지 5년 여 되었다. 본 연구는 전성넷을 젠더거버넌스 실천의 하나로 보고 전성넷의 이니셔티브 효과를 세 부문에서 살펴본 것이다. 첫째, 창발성이다. 전 성넷의 사업은 비선형적이면서도 예측불가능한 방식으로 전개되고 있고, 네트워크는 명확한 답안이나 고정된 규범 없이 구성원 간의 지속적인 피드백과 실 험적 논의를 반복하며 시스템적 창발성을 생성하고 있다. 둘째, 협치성이다. 전 성넷의 모든 시공간은 의사소통 실천의 현장으로 과제의 셋팅부터 해결에 이 르기까지 모든 사안의 합의는 숙의와 협의를 거쳐 진행된다. 전성넷의 협치는 단순한 참여 구조가 아닌 신뢰, 상호이해, 상호의존성, 헌신과 같은 관계 속에 서 형성되고 있다. 셋째, 확산가능성이다. 전성넷이 개발한 콘텐츠는 지역 안팎 의 문화재단에서 활용될 여지가 있으며, 다른 지역에서도 전성넷과 같은 연대 체를 구성할 수 있다. 하지만 전성넷의 확장성을 저해하는 재단 내 구조적 제약도 존재한다. 재단의 잦은 인사 개편에 따른 구성원의 교체가 빈번하여 전성 넷 구성원의 성평등 정책에 대한 임파워먼트 역량을 키우는 데 한계가 크다.

This article examines the development of gender-equality cultural and artistic policies in Jeonbuk Province following the #MeToo movement in the local theater sector in 2018. The primary case analyzed is the Jeonbuk Gender-Equality Cultural Arts Network (hereafter Jeonseongnet), which has been jointly operated for over five years through collaboration between the provincial cultural foundation and women’s organizations. Recognized by the foundation as a representative example of gender-equality policy in the cultural and artistic sector, Jeonseongnet is analyzed here as a practical case of gender governance. The initiative’s impacts are examined in three dimensions. First is emergence: Jeonseongnet’s programs have unfolded in nonlinear and unpredictable ways, producing systemic emergence through continuous feedback and experimental dialogue among participants, without fixed norms or predetermined answers. Second is collaborative governance: all aspects of Jeonseongnet’s activities function as arenas of communicative practice, in which every phase—from agenda setting to problem resolution—proceeds through deliberation and consensus. This governance model is not based merely on participatory structures but is shaped through relationships of trust, mutual understanding, interdependence, and commitment. Third is diffusibility: the contents developed through Jeonseongnet have the potential to be utilized by cultural foundations both within and beyond the region, and similar coalitions could be organized elsewhere. However, structural constraints within the foundation hinder such diffusion. Frequent personnel reshuffles, for example, disrupt continuity and limit members’ capacity for sustained empowerment in advancing gender-equality policies.

본고는 조선 후기에서 현대 한국에 이르는 장례문화 변화를 문화사회학적 관점에서 재해석함으로써, 근대화 속에서 공동체를 중심에 두는 전통적 상례 양식과 죽음 관념이 어떻게 변화되어 갔는지, 현대사회에서 죽음과 관련된 어 떤 사회문화적 공백과 결핍이 생겼는지, 죽음이 어떤 의미를 가질 수 있는지를 종합적으로 성찰하는 계기를 제공하고, 지역의 상례의 보존의 필요성을 탐구한다. 이를 위해, 근대화가 촉발한 세 가지 분화—의료 시스템의 분화, 직업의 분 화, 개인의 분화—를 거시적 배경으로, 그리고 다양한 지역의 장례 실천의 해 체를 결과로 두고 분석한다. 특히, 경험적 정당화를 위해 거시적 배경은 재차 미시적 범주(주체·관계, 공간·장소, 사상·문화)로 세분하여 전통 의례서와 민속기록, 제도·정책 문서, 그리고 보조 통계 등을 활용하여 구체적으로 탐구 한다. 그 결과는 다음과 같다. 의료 시스템의 분화는 죽음의 의료화/생물학화와 사망 판정·처리의 표준 절차화를 낳아, 해석의 중심을 종교·의례에서 의료- 행정 체계로 이동시켰다. 또한, 직업의 분화는 장례지도사 등 전문가 체제의 정착을 통해 염습·입관·발인 등 전 과정을 서비스화·외주화하고, 애도의 시 간·행위를 운영 프로세스에 종속시켰다. 그리고, 개인의 분화는 죽음을 개인 화·익명화하고, 공동체적 감정 수행을 축소시켰다. 결과적으로 죽음은 공동체 적·관계적 사건에서 제도-절차적 이벤트로 재구성되었다. 이 세 흐름의 귀결로 장례실천의 탈지역화가 진행되어, 상여길·굿·지역별 상례 등 지역 고유의 기억 실천이 약화되었다.

This study reinterprets the transformation of funerary culture from the late Chosŏn period to contemporary Korea from a cultural-sociological perspective, examining how traditional mortuary practices and conceptions of death were reshaped in the course of modernization. To this end, the analysis situates three differentiations triggered by modernization—those of the medical system, the occupational system, and the individual—as the macro-level background, while taking the disintegration of diverse regional funerary practices as the resulting outcome. For empirical grounding, these macro processes are further specified through micro-level categories—actors and relations, spaces and places, ideas and culture—drawing upon ritual manuals, folkloric records, institutional and policy documents, and supplementary statistics. The findings indicate that the differentiation of the medical system engendered the medicalization/biologization of death and the standardization of death certification and treatment, shifting interpretive authority from religious-ritual frameworks to medical-administrative systems. Occupational differentiation fostered the professionalization of funeral directors, transforming the entire sequence of mortuary procedures—washing, encoffining, and burial—into commodified and outsourced services, while subordinating mourning time and practices to operational protocols. Individual differentiation produced the personalization and anonymization of death, diminishing collective performances of grief. As a result, death was reconstructed from a communal and relational event into an institutionalized, procedural event. The convergence of these three trajectories has further advanced deterritorialization, eroding locally embedded commemorative practices such as funeral processions, shamanic rites, and region-specific mortuary customs. By comprehensively tracing the dissolution of traditional conceptions of death and mortuary forms centered on community, this study reflects on the sociocultural voids and deficiencies that emerge in modern society, contemplates the meanings death may hold in contemporary contexts, and briefly discusses the necessity and possible approaches to preserving mortuary practices as regional cultural resources.

본 연구는 급성장하는 중국 뮤지컬 시장을 배경으로, 관람객의 작품 구매요 인이 지각된 가치 및 충성도에 미치는 영향을 분석하였다. 507명의 중국 뮤지 컬 관람객을 대상으로 설문조사를 실시하고 회귀분석을 수행한 결과, 배우 요 인과 연간 관람 횟수가 지각된 가치에, 제작진 요인과 연간관람 횟수가 충성도 에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 반면, 작품성, 시설편의성, 관객 서비스, 예매서비스는 유의미한 영향을 미치지 않았다. 이는 중국 관객의 경험 중심 소비 성향과 제작진 전문성에 대한 신뢰가 충성도 형성에 중요한 역할을 함을 시사하며, 이에 대한 함의와 향후 과제를 제안하였다.

This study investigates how purchase factors influence perceived value and loyalty among audiences in China's rapidly growing musical market. A survey of 507 Chinese musical attendees and regression analysis revealed that actor-related factors and annual viewing frequency significantly affect perceived value, while production team factors and viewing frequency influence loyalty. Conversely, factors such as content quality, facility convenience, audience service, and ticketing service showed no significant effect. These results highlight the importance of experience-based consumption and trust in production expertise in shaping audience loyalty.

‘여서(女書)’는 중국 후난성 강영(江永) 지역에서 과거 문자 교육을 받지 못 한 여성들이 독자적으로 창제해 사용한 문자이다. 1990년대 사실상 소멸 위기 에 처하였던 여서 문자는 최근 들어 다시 대중의 주목을 받고 있다. 중국의 페 미니즘과 소셜 미디어의 발전에 따라 여성의 정체성과 표현 방식에 새로운 변 화가 일어나는 것이 그 원인으로 꼽히고 있다. 본 연구는 중국의 여성 문자인 여서가 오늘날 다시 활용되는 양상에 대해 알아보고 그 의의를 파악하는 데 목적이 있다. 따라서 문헌연구와 사례연구 방법을 활용하여 매체, 시각, 공연 예술에서 여서 문자가 활용된 사례를 분석하였으며, 각각 문화적, 사회적, 예술 적 의미에서 구체적으로 서술하였다. 그에 따라 여서 문자의 현대적 활용 의의 로 첫째, 중국 여성 정체성 상징, 둘째, 여성의 연대, 셋째, 지역 전통문화 전 승, 넷째, 경제적 효과, 다섯째, 심미적 가치 등 다섯 가지를 연구 결과로 도출 하였다. 결론적으로, 중국에서 여서 문자는 여성 정체성과 연대를 강조한 보기 드문 전통 사례로 인식되며, 오늘날에는 문화적 상징으로 자리매김하고 있는 것으로 파악할 수 있다.

‘Nvshu’ is a character independently created and used by women who lacked formal education in the Jiangyong region of Hunan Province, China. Despite approaching extinction in the 1990s, ‘Nvshu’ has experienced a resurgence in public visibility in recent years. The evolving discourse on female identity and modes of expression, influenced by the development of feminism and the proliferation of social media in contemporary China. This study aims to investigate the contemporary re-utilization of ‘Nvshu’ and to elucidate its cultural significance. Employing both literature review and case study methods, this study explores the application of ‘Nvshu’ within the realm of media arts, visual arts, and performing arts, analyzing its cultural, social, and artistic significance. The study identifies five key dimensions of ‘Nvshu’s contemporary significance: (1) its role as a symbol of Chinese women’s identity; (2) its function as a medium of female solidarity; (3) its contribution to the inheritance of local traditional culture; (4) its capacity to generate economic value; and (5) its embodiment of aesthetic qualities. In conclusion, ‘Nvshu’ can be recognized in China as a rare form of traditional cultural practice that embodies female identity and solidarity, and is increasingly regarded as a significant cultural symbol.

이 연구는 폐산업시설 문화재생을 통해 공공복합문화공간으로 전환한 전주 팔복예술공장을 사례로, 해당 공간에서 활동한 문화매개자들의 내러티브를 통 해 창조적 장소만들기 과정에서 형성되는 의미와 정체성을 탐색하였다. 문화매 개자는 단순히 정해진 사업을 수행하는 것이 아닌 예술과 공동체를 연결하며 장소에 이야기를 입히는 서사적 주체로서 기능한다. 이 연구는 이들의 경험을 통해 장소에 어떤 의미를 부여하고, 어떤 방식으로 정체성을 형성하는지 심층 인터뷰와 참여 관찰을 통해 분석하였다. 연구 결과, 문화매개자의 창조적 장소 만들기는 예술적 열정, 공동체와의 소통, 문화적 가치 실현을 통해 자발성과 공공성을 지닌 실천으로 나타났고, 이는 장소의 무형적 가치 창출과 공동체 관 계 형성으로 이어졌다. 문화매개자들의 활동은 단기 사업 중심의 구조적 한계 를 드러내면서 지속가능한 문화생태계 조성을 위한 제도적 지원과 사회적 매 개체의 필요성을 제기하였다. 결론적으로 이 연구는 창조적 장소만들기를 물리 적 재생을 넘어 문화적 상상력과 감성적 관계를 바탕으로 한 공동체적 실천으 로 정의하며, 문화 정책 설계에 있어 문화매개자의 경험과 목소리를 적극적으 로 반영해야함을 강조한다.

This study explored the formation of meaning and identity formed in the process of creative place-making through the narratives of cultural Intermediaries who worked in the space, focusing on the Palbok Art Factory in Jeonju, which was converted into a public complex cultural space through cultural regeneration of abandoned industrial facilities. Cultural Intermediaries do not simply carry out predetermined projects, but function as narrative subjects that connect art and community and tell stories to places. This study analyzed what meaning they give to places and how they form identity through in-depth interviews and participatory observation through their experiences. As a result of the study, creative place-making of cultural Intermediaries appeared as a practice with spontaneity and publicity through artistic passion, communication with the community, and realization of cultural values, which led to the creation of intangible values of places and the formation of community relationships. In addition, the activities of cultural Intermediaries revealed structural limitations centered on short-term businesses, and raised the need for institutional support and social media to create a sustainable cultural ecosystem. In conclusion, this study defines creative place creation as a community practice based on cultural imagination and emotional relations beyond physical regeneration, and emphasizes that the experiences and voices of cultural Intermediaries should be actively reflected in cultural policy design.