Earticle

클린트 이스트우드의 영화는 고전적 할리우드 서사와 장르 형식을 유지하면서도, 상호텍스트성과 패스티쉬를 통해 영화사적 기억을 반복·변형하는 포스트모던한 특징을 드러낸다. 특히 <페일 라이더>와 <용서받지 못한 자>는 웨스턴 장르의 신화를 호출하면서 동시에 그것을 자기반영적으로 해체하는 미학적 특징을 보인다. 하지만 그의 영화가 단순히 패스티쉬와 혼성성·상호텍스트성의 영역에만 머무는 것은 아니다. <아메리칸 스나이퍼>나 <설리>와 같은 영화를 둘러볼 때, 그의 영화에는 할리우드 고전 서사가 그려내는 신화적 세계를 벗어나는 어떤 독특한 현실성이 나타난다. 이는 고전적 서사가 봉합하지 못하는 균열과 잔여를 드러내는 라캉의 실재 개념과 연결되기도 하고, 감각적 실재와 현실 대상 사이의 간극을 강조하는 그레이엄 하먼의 예술 개념과 조응하기도 한다. 따라서 이 글에서는 이러한 논점을 중심으로 클린트 이스트우드 영화의 미학적 구조를 고전주의와 포스트모더니즘의 긴장 관계 속에서 분석하고, 나아가 그의 작품에 나타나는 독특한 현실성을 고찰하고자 한다. 특히 가장 고전적인 영화 형태 속에서 영화라는 상징체계의 한계를 노출하는 역설적 리얼리즘의 가능성에 주목할 것이다. 나아가 그 과정에서 그의 영화를 장 뤽 고다르와 허우 샤오시엔의 영화와 비교하며, 영화사와 현실에 접근하는 서로 다른 방식을 논의해 보고자 한다.

The films of Clint Eastwood retain the narrative structure and genre conventions of classical Hollywood cinema while simultaneously exhibiting postmodern characteristics through intertextuality and pastiche, repeating and transforming cinematic memory. In particular, Pale Rider and Unforgiven invoke the mythology of the Western genre while self-reflexively dismantling it through their aesthetic form. However, his films do not remain merely within the realm of pastiche, hybridity, and intertextuality. In films such as American Sniper and Sully, one can discern a distinctive sense of reality that exceeds the mythic world constructed by classical Hollywood narrative. This reality may be connected to Jacques Lacan’s concept of the Real, which reveals the ruptures and residues that classical narrative fails to suture, while also resonating with Graham Harman’s conception of art, which emphasizes the gap between sensuous reality and real objects. Accordingly, this essay examines the aesthetic structure of Clint Eastwood’s cinema through the tension between classicism and postmodernism, while further investigating the unique reality manifested in his works. In particular, it focuses on the possibility of a paradoxical realism that exposes the limits of cinema as a symbolic system precisely through the most classical cinematic forms. Furthermore, in this process, the essay compares his films with those of Jean-Luc Godard and Hou Hsiao-hsien in order to discuss different ways of approaching film history and reality.

본 연구는 루돌프 아른하임(Rudolf Arnheim)의 ‘미학적 동형성(Isomorphism)’을 토대로 와다 아츠시(Wada Atsushi) 애니메이션에 나타난 ‘수행적 평면’과 ‘디지털 아우라’의 생성 원리를 규명한다. 와다 아츠시의 작업은 하이퍼-화이트(Hyper-White)라는 순도 ‘0’의 공간과 분절된 레이어들의 중첩을 통해 이루어지는 움직임이 서로를 견제하며 하나의 ‘장(field)’을 만들어낸다. 한편으로는 수많은 프레임들의 쪼개짐으로 완전히 반대의 지점에서 부드러운 지점을 만들어 2차원 평면의 장 속으로 관객에게 집중을 요구한다. 여기서 비어있음과 촘촘히 채워짐 이라는 두 가지 상반된 벡터들은 독특한 지각적 긴장(Perceptual Tension)을 유발한다. 와다 아츠시의 애니메이션의 미학은 이러한 지각적 긴장 속에 있는 각 프레임들이 움직이면서 관객에게 ‘재미없음’을 유발하는데서 발생한다. 왜냐하면 바로 그 지점에서 작가 자신은 평면적 프레임의 쌓음이라는 수행적 과정을 거쳐 ‘재미있음’을 경험하게 하는 역설의 미학을 갖기 때문이다. 이러한 역설의 미학은 사실 관객들에게는 서사에 대한 기대를 배반하는 시각적 저항(Resistance)을 일으키는데, 반면 작가는 반복적 루프를 통해 파편화된 형태들을 능동적으로 구조화(Structuring)하는 제의적 유희가 가능하도록 만든다. 아른하임적 관점에서 이러한 고통스러운 지각과 유희적 구조화의 결합은 디지털 매체 내부에 새로운 ‘지각적 깊이’와 ‘강도적 아우라’를 형성하는 핵심 기제가 된다. 결국 와다 아츠시의 애니메이션은 아우라의 상실이 아니라, 시간이 멈춤으로서 공간이 깊어지는 디지털 아우라를 만들어낸다. 그것은 와다 아츠시가 구축하는 현대 애니메이션 미학의 수행적 장이자 새로운 움직임들의 방향을 이룬다.

This study examines the generative principles of the ‘performative plane’ and ‘digital aura’ in Atsushi Wada’s animations, based on Rudolf Arnheim’s concept of aesthetic isomorphism. Wada’s work constructs movement through a Hyper-White space of absolute purity (zero degree) and the superimposition of fragmented layers. These movements mutually restrain and balance one another, thereby creating a single unified ‘field.’ At the same time, the extreme fragmentation of numerous frames paradoxically produces soft and gentle moments, demanding the viewer’s concentrated attention within the two-dimensional plane. This process generates a unique perceptual tension. The critical point is that the aesthetics formed in these frames induce a sense of ‘boredom’ or ‘uninterestingness’ in the viewer, while simultaneously allowing the artist himself to experience ‘interestingness’—a paradoxical aesthetic. Wada’s narratives are situated within this paradoxical aesthetics. This aesthetic of paradox creates visual resistance in audiences by betraying their narrative expectations. In contrast, for the artist, it enables a ritualistic play in which fragmented forms are actively structured through repetitive loops. From an Arnheimian perspective, the combination of painful perception and playful structuring functions as a core mechanism that forms a new ‘perceptual depth’ and ‘intensive aura’ within digital media. Ultimately, Wada’s animation does not represent the loss of aura, but rather creates a digital aura in which time is suspended and space deepens. This constitutes the performative field of contemporary animation aesthetics that Wada constructs and establishes a new direction for movement.