Earticle

오늘날 우리는 인간 신체에 대한 다양한 실험과 마주하고 있다. 바이오 테크의 비약적인 발전으로, 인간은 기술적인 존재로 정의되고, 인간 신체 의 급진적인 변형이 곳곳에서 시도되고 있다. 현대의 바이오 아트는 이러 한 경향 속에서 포스트휴먼의 신체성을 강화하고, 이에 기초해 인간과 생 명에 접근하는 고유의 경로를 구축한다. 그것은 생명공학 기술을 적극 차 용하면서, 신체의 예술적 활용을 시도한다. 그것은 누구도 예상치 못한 신체 변형과 확장, 그리고 해체와 재구성을 시도하면서, 인간의 본질 탐 구에 나선다. 신체가 변형되고, 신체 조직이 예술 재료로 활용되는데, 이 는 공학적 목적이 아닌 인간을 이해하기 위한 것이다. 현대의 생물학적 예술 실천은 인간이 본래 혼성적인 존재라는 사실, 그리고 인간 신체가 미시적 생명의 토대 위에 형성되었다는 사실을 기반으로 수행된다. 그것 은 생명의 보편적 토대를 발견하고, 그 위에 새로운 인간 형상을 구축하 기 위한 예술적 시도이다. 실제로 바이오 아트는 앞으로 변해갈 인간의 모습보다 미시적 생명이라는 인간 신체의 기원에 더 큰 관심을 드러낸다. 그것은 신체 변형이 우리가 태어나기 이전부터 시작된 프로세스의 연속이 라는 사실을 강조하고, 이를 통해 인간의 기원과 미래, 즉 프리휴먼과 포 스트휴먼을 잇는 경로를 구축한다. 오늘날 포스트휴먼은 바이오 아트가 결코 간과하지 않는 미시적 생명의 토대 위에서 가능해진다.

Today, we faced with various radical experiments on human body. Humans are defined as technical beings, and radical experiments on transformation of human body are being attempted. Bio art in this biotech era strengthens the posthuman physicality and, based on this, builds its own path to understanding of human and life. The bio-artists are encouraging the use of biotechnology to intervene the body artistically. They explore the essence of human beings, attempting to transform and extend the body and to deconstruct and reconstruct it in an unexpected way. The use of body as art materials in contemporary biological art is not for engineering purposes, but for understanding of human. The practice of bio art is always concerned with the fact, that humans are inherently hybrids, and that their body is constructed on the basis of microscopic life. Bio art is an artistic attempt to discover the general basis of life and create new human images. In fact, it cares more about the origin of the human body as microscopic life than about the human figure that will change in the future. It emphasizes that body transformation is a continuous process which began before we were born, and builds a path between human origin and future, as well as pre-human and post-human. Posthuman can only be constructed on the basis of microscopic life that bio art has never neglected.

몸은 모든 표현에 있어서 가장 근원적이고 기초적인 요소다. 이는 그래픽디자인에서도 다름 아니다. 이 연구는 그래픽디자인에 표현된 몸에 대 해 메를로-퐁티의 ‘몸의 현상학’의 관점으로 바라보고 있다. 그의 논의는 대개, 몸은 나에 의해서 지각되기도 하지만 관찰되는 대상이 되기도 하는 이중감각의 주체라는 점, 몸 도식에 의해서 몸은 감각 상호 간의 소통을 가능하게 하며 세계에 대한 상징체계를 형성한다는 점 등으로 이루어져 있다. 몸에 대한 그의 모든 논의는 몸은 세계로부터 혹은 타자와의 관계 에서 독립적으로 존재하지 않으며 애매한 관계 속에서 존재함을 의미하는 ‘몸의 애매성’으로 집약된다. 이 같은 관점들은 그래픽디자인에 표현된 몸 에 대한 새로운 해석을 가능하게 한다. 그래픽디자인에 표현된 몸은 그것 이 몸의 전체나 일부라 할지라도 단순히 몸의 표면이나 혹은 보이는 자체 로서의 몸이 아니다. 몸은 디자인을 표현하는 주체의 몸으로서 표현되기 도 하지만 이 때의 몸은 디자인의 수용자(독자)에게는 대상으로서의 몸이 되기도 한다. 몸은 주관과 객관이 만나는 표현 원리로써 작용하며 주체와 대상 사이의 소통을 가능하게 하는 시각적 상징체계를 형성하는 역할을 한다. 특히, 몸은 상호감각의 주체로서 의식(정신)을 품는 공간이자 세계 와 만나는 교섭의 장소라는 점은 그래픽디자인 표현의 대상으로서 몸이 갖는 의미를 구체적으로 가늠할 수 있도록 해준다. 결과적으로 그래픽디 자인에 표현된 몸은 어떤 특정한 형식에도 갇히지 않은 채 모든 표현의 가능성에 대한 열린 태도를 드러내는 방식이자 계기가 된다.

The body is the most fundamental and fundamental element in all expressions. This is no different in graphic design. This study looks at the body expressed in graphic design from the viewpoint of the phenomenology of the body of Merlot-Ponti. In general, his discussion is that the body is a subject of dual senses that can be perceived by me but also become an object to be observed, The fact that the body enables communication between senses and forms a symbolic system for the world through the body schema, etc. Consists of. All of his discussions about the body are concentrated into ‘the ambiguity of the body’, which means that the body does not exist independently from the world or in relation to the other, but exists in an ambiguous relationship. These perspectives enable a new interpretation of the body expressed in graphic design. The body expressed in graphic design is not simply the surface of the body or the body as visible itself, even if it is the whole or part of the body. The body is expressed as the body of the subject expressing the design, but the body at this time is also the body as the object to the audience (reader) of the design. The body acts as an expression principle where subject and object meet, and plays a role in forming a visual symbolic system that enables communication between the subject and the object. In particular, the fact that the body is a space that holds consciousness (spirit) as a subject of mutual sense and a place of bargaining with the world makes it possible to measure concretely the meaning of the body as an object of graphic design expression. As a result, the body expressed in graphic design serves as a way and an opportunity to reveal an open attitude toward all possibilities of expression without being trapped in any specific form.

현대 영화에 나타난 ‘조커’와 같이 잔인하고 공포스러운 광대의 연원은 어디에 있을까? 본 연구는 ‘조커’가 근대의 대변혁기에 나타난 충격적인 낭만주의 광대 피에로의 계승자란 전제하에, 그것의 오랜 발현의 현장으 로 나아가고자 한다. 이 공포스러운 광대는 긴 역사의 산물이며, 복합적 인 생성의 조건 속에서 출생한다. 이와 같은 출생과 관련해 본 논문이 주 목하는 것은 19세기 파리에서 출현해 노동자들의 피안이 된 근대 팬터마 임 무대이며, 근대의 대중을 사로잡은 혁신적인 스펙터클의 세계이다. 보 다 구체적으로 주목하는 것은 19세기 초 파리 퓌낭뷜 무대의 전설적인 피 에로 드뷔로와 19세기 말에서 20세기 초 유럽과 미국의 양 대륙을 종횡 무진으로 활동한 난폭한 영국 광대 할론 리 형제이다. 이유는 이들 혁신 적인 피에로야말로 현대 공포스러운 광대의 토대가 된다고 추정하기 때문 이다. 근현대의 공포스러운 광대는 고대 팬터마임과 근대 코메디아 델라르테 를 선조로 둠으로써 오랜 희극의 역사와 발전에 예속해있다. 이런 맥락에 서 잔혹하고 공포스러운 광대의 출생은 희극적인 팬터마임의 발전에 필연 적인 변곡점을 형성한다. 그의 출생은 19세기를 전후로 생겨난 근대 미학 의 거대한 전회와 무관치 않으며, 낭만주의가 몰두한 그로테스크 미학의 약진과는 내밀히 교차한다. 따라서 논문은 근대 팬터마임의 발전과 19세 기의 공포스러운 피에로의 출현 양상을 탐구하며, 그것의 현대적인 계승 양상을 또한 살펴본다.

Where do horror clowns in modern movies like the Joker come from? This study aims to revisit the origins of the iconic villain, the Joker. The article first focuses on the world of innovative spectacles, which appeared in Paris in the 19th century and captivated the public. Specifically, we trace the foundations of the modern horror clown from the pantomime of the legendary pierrot, J. G. Deburau, in the Théâtre des Funambules in the early 19th century Paris. This article also studies the violent British clowns, the Halon Lee brothers, who were active in Europe and the United States in the late 19th and early 20th century. Having originated from the ancient pantomime and the modern commedia dell’arte, the horrifying pierrots, or clowns, form a dramatic fork in the development of comedy. This formation is intimately connected to the evolution of modern aesthetics. Moreover, it subtly intersects with the advancement of grotesque aesthetics immersed in romanticism.

문자나 그림과 같은 오래된 매체부터 사진과 전자매체에 이르기까지 모 든 기록매체는 기억에 대한 인간의 열망과 관련되어 있다. 기억에는 이름 을 붙이고 해석이 가능한 것도 있지만, 그렇지 못한 것도 있다. 전근대에 는 장소라는 것을 매개로 하여 시간과 공간이 이어져 있었으나, 근대에 와서는 변화의 속도가 빨라져서 장소가 가지는 문맥적 의미가 사라지고 말았다. 그로 인해 과거에 대한 기억이 현재로 이어지지 못한 채 사람들 의 기억이 점차 불확실해지게 되었다. 본 연구에서는 잃어버린 기억을 미 술로 재구성한다는 견지에서 알라이다 아스만(Aleida Assmann)의 기억이 론과 국제적으로 활발하게 활동하는 중국의 설치미술작가 인시우전(尹秀 珍)의 작품을 연결시켜 보았다. 인시우전은 중국이 급속한 사회변화를 겪 는 과정에서 언어로 표현되지 못한 채 쌓여간 개인의 불안과 상실감을 장 소체험의 차원으로 끌어냈다. 그는 전통적인 미술매체로는 쉽게 서사화 될 수 없었던 경험을 설치미술의 현장성을 통해 환기시키는 방식으로 작 업했다. 현재의 시간과 망각의 시간, 현재의 공간과 사라진 공간을 매개 하는 장소가 바로 미술작품이 되는 셈이다. 인시우전의 작품은 재현 불가 능한 기억의 영역을 미술로 풀어냈다는 점에서 주목할 가치가 있다. 기억 을 미술로 재구성하는 방식은 향후 기억담론에서 본격적으로 논의될 필요가 있다.

From old media such as letters and pictures to photography and electronic media, all the recording media are related to human aspirations for memory. Some memories can be named and interpreted, but others cannot. In the pre-modern era, time and space were connected through the medium of places, but in modern times, the speed of change was accelerated and the contextual meaning of places disappeared. This has left people's memories increasingly uncertain, with memories of the past not continuing to the present. In this study, I connected the memory theory of Aleida Assmann with the works of Chinese installation artist Yin Xiuzhen, who is active internationally. Yin has brought the anxiety and loss of individuals, which have been accumulated in the process of China's rapid social change, to the level of a place experience. She worked in a way that evoked experiences that could not easily be narrated by traditional art media through the realism of installation art. In other words, the place that mediates the current time, the time of oblivion, and the current space and the lost space will become artwork. Yin’s work is worth noting in that it unravels the realm of non-reproducible memory into art. The method of reconstructing memories into art needs to be discussed in earnest in future memory discourse.

내러티브에 나타나는 등장인물이 경험하는 감정에 관한 연구는 매우 부 족한 상황이며 보다 체계적으로 연구될 필요가 있다. 본 연구에서는 내러 티브에서 등장인물이 경험하는 감정의 구조화와 범주화를 위해 일반적이 면서 보편적인 감정을 연구하고자 시도하였다. 본 연구에서는 감정을 이 해하기 위한 접근 방법으로 동양과 서양의 철학적, 심리학적 논의들을 검 토하고 내러티브에서 등장인물이 경험하는 감정의 분류에 관한 기호학적 범주화 연구를 진행하였다. 이를 위해 기호학적 이항 대립에 근거하여 대 립적 감정을 도출한 결과 ‘기쁨’의 대립적 감정으로 ‘슬픔’, ‘분노’의 대립 적 감정으로 ‘관용’, ‘공포’의 대립적 감정으로 ‘안도’, ‘사랑’의 대립적 감 정으로 ‘증오’, ‘혐오’의 대립적 감정으로 ‘수용’, ‘욕망’의 대립적 감정으로 ‘무관심’, ‘놀람’의 대립적 감정으로 ‘예상’이라는 감정의 대립쌍을 확인할 수 있었다. 본 연구는 내러티브에 나타나는 등장인물의 감정에 관한 선행 연구가 매우 부족한 실정에서 감정 분류는 물론 내러티브 속 등장인물의 감정 표출에 관한 기호학적 범주화 연구를 진행하고 이것의 타당성을 확 인하였다는 점에서 연구의 의의를 찾을 수 있겠다.

Research on emotions experienced by characters appearing in narratives is scarce and requires more systematical studies. This study examined universal and general emotions in order to structure and categorize emotions experienced by characters in narratives. This study also examined philosophical and psychological discussions of the East and West in an attempt to understand emotions, and offered a discussion on the classification of emotions experienced by characters in narratives. Semiotic categorization studies were conducted. The results of deriving polar emotions based on semiotic binary opposition, such as ‘sadness’ as an inverse emotion of ‘joy’, ‘forbearance’ as opposed to ‘anger’, ‘relief’ as the inverse of ‘fear’, ‘hatred’ in opposition of ‘love’, ‘acceptance’ as opposed to ‘disgust’, ‘indifference’ as the inverse of ‘desire’, and ‘anticipation’ contrasting with ‘surprise’, we were able to confirm corresponding opposing pairs for specific emotions. Since prior studies on the emotions of characters appearing in narratives are sorely lacking, this study based its premise on the classification of emotions and the emotions of the characters within the narrative. This study’s significance dwells in the fact that the semiotic categorization of emotional expressions was conducted and its validity was confirmed.

본 연구는 언어네트워크 분석기법을 활용한 문화기술에 관한 중심키워 드 분석을 하는 것이다. 최근 5년간의 KCI(Korea Citation Index, 한국학 술지 인용 색인연구)에 등재된 논문을 대상으로 언어네트워크 분석을 통 해 문화기술(Culture Technology)의 중심키워드 간의 연결망 구조를 분석 하고자 한다. 분석한 결과, 첫째, 문화기술에 관하여 워드 클라우드를 분 석에서 문화기술에 밀접한 중심키워드는 ‘경영’, ‘과정’, ‘상징’, ‘국가’로 분석되었다. 둘째, 연결중심성 분석에서는 문화기술에서 가장 중요한 중 심키워드 중 하나는 ‘조직’과 ‘혁신’으로 나타났다. 문화기술에 관하여 가 장 중요한 것은 문화기술에 관하여 조직을 어떻게 구성할 것인가? 그리고 어떻게 혁신할 것인가? 에 관한 관심이 높은 것으로 분석되었다. 셋째 문 화기술에 가장 영향을 주는 것은 중심키워드는 ‘조직’이며, 이 ‘조직’은 ‘혁신’의 지향하는 콘텐츠가 중요하다는 것을 증명하였다.

This study is to analyze the central keyword on cultural technology using language network analysis method. The purpose of this study is to analyze the network structure between the core keywords of Culture Technology through language network analysis for papers registered in the KCI for the last 5 years. The analyzed result was visualized with the eigenvector of connection center and community analysis to interpret the meaning. The results of the empirical analysis are as follows. First, in the word cloud analysis of cultural technology, the languages closely related to cultural technology were analyzed as ‘management’, ‘process’, ‘symbol’, and ‘country’. Second, in connection-centered analysis, one of the most important things in cultural technology is organization and innovation. The most important thing about cultural technology is how to organize an organization about cultural technology? And how to innovate? It was analyzed that the interest in is high. Third, it is the organization that manages and operates the culture technology that most affects the culture technology, and this organization proves that the content aimed at innovation is important. It is the organization that manages the culture technology that has the most influence on the culture technology, and it has been demonstrated that the organization in charge of the culture technology must have contents aimed at innovation. Through this study, the core language that has an influence on cultural technology was analyzed and proved through a language network.

넷플릭스 오리지널 영화는 극장 개봉을 통한 영화 유통 및 소비 질서, 영화의 정의 등에 균열을 야기하고 있다. 극장 개봉은 영화 고유의 매체 적 특징으로 인식되어 왔으나 코로나19 팬데믹은 극장을 대표적인 기피 공간으로 부상시키고 있다. 이러한 상황에서 넷플릭스를 통해 영화를 공 개하려는 사례도 늘고 있다. 이 연구는 넷플릭스 오리지널 영화가 영화의 의미에 대한 고전적 질문을 새롭게 제기하고 있다는 점에 주목하여, 넷플 릭스 오리지널 영화가 구독 기반 서비스를 지속하게 하는 ‘퀄리티’ 콘텐츠 로 기능하고 있음을 주장하였다. 세계적 거장 감독들의 예술 작품으로서 넷플릭스 오리지널 영화는 세계 영화제 수상을 통해 예술성과 화제성을 인정받으며 넷플릭스를 콘텐츠 기업으로 부각시키는 동시에 언택트 시대 영화 소비 문화를 가정, 개인 중심으로 변화시키고 있다. 이 연구는 넷플 릭스 오리지널 영화에 대한 논의를 통해 팬데믹 시대 급속도로 변화하는 극장 중심의 영화 문화를 현재의 미디어 전경 변화와 TV와의 관계 속에 서, 가정의 맥락 속에서 탐색하고자 했다.

The global pandemic of COVID-19 has transformed activities from face-to-face to “untact,” or contact-free, through digital media. This trend is especially prominent in movie-watching habits, namely, the rapid increase in OTT platforms like Netflix, and the growing global culture of watching movies through “subscription-based” platform services. The traditional definition of “cinema” has deteriorated with the decline in theater-centered collective movie-watching culture. Netflix Original is leading changes in various aspects such as Netflix has gained recognition as a “content” company that offers movies by famous directors. The decline of theater culture in the untact era has allowed Netflix to serve as a new channel for movie releases, establishing itself as an alternative to theater-oriented culture. In the post TV regime, Netflix Original movie continues the genealogy of quality TV, and at the same time functions as higher artistic quality content.

영화의 운동성이란 정지된 단면의 복사에서 벗어나 움직임을 인위적 단 위로 분절하여 발전(發電)시킴으로써 가능해진 현실을 재현하는 힘이다. 이는 곧 기계적 환영을 교정하는 직/간접적 시간-이미지를 다양한 운동의 층위를 통해 제시하는 들뢰즈적 ‘사유기관’인 영화매체의 본질이라고 할 수 있다. 의식을 확장하는 사유기관으로서 영화를 구성하는 한층 작은 수 준의 운동 경향은 작가의 양식화된 영상필체를 통해 드러나기 마련이다. 본고는 프랑스의 대표 작가인 레오스 까락스 작품의 미학적 측면을 이 미지 운동의 관점에서 분석한다. 이는 작품 속에 겹겹이 쌓인 미시적 운 동의 유동적 단면들, 즉 ‘형식이 된 감독의 예술적 직관’을 움직임으로 읽 으려는 시도다. 다시 말해, 시간의 흐름을 정지된 것으로 공간화하는 인 간 지각의 한계로부터 탈피하여 영화적 운동을 지각하는 것이다. 이를 통해 감독이 세 유형의 이미지 운동-작동방식을 영화적 기법으로 하여 관객에게 진정한 의미의 사유가 결여된 ‘무사유’를 재사유하도록 자 극하고 있음을 발견한다. 그 결과 생성된 의식의 간극을 자각하는 관객들은 관습적이고 논리적인 것에 의문을 던지게 되며, 그와 동시에 자연적 지각이 왜곡해온 세계에 대한 환영의 교정을 이룰 수 있다.

The meaning of the mobility of cinematic images often understood in superficial ways such as ‘the movement of the subject’ ‘the movement of the camera’ and ‘the overflow of space and time’ through montage. However, the constricted vision of understandings of the word ‘mobility’ can also narrow down the true sense of its significant implications. G. Deleuze expands the horizon of the cinematic movement to the stimulation of perception through his cinema-image theories. He accepts Bergson's concept of the image, but further advances his perception of cinematic time/movement-images in his Cinéma. The purpose of this study is to reveal the fractal structure of the cinematic movements to expose the larger scale of the image-movements by analyzing films by french filmmaker Leo's Carax, who considered a post-modernist film-auteur. By capturing the fractal properties of the cinematic movements in his films, this paper reveals that the cinema expands its meaning of the mobilities itself as an enduring whole and also broadens the perception of film spectators.

본 연구는 1960-70년대에도 한국의 관객은 다양한 방식으로 영화를 관 람했다고 보고 이를 춘천 영화관객을 통해 확인하려 한다. 춘천은 미군 주둔지이자 강원도청 소재지이기에 여러 특징을 지닌 지역들로 구분되어 있었고 1970년대 중반의 본격적인 TV 보급 이전까지 영화 흥행업이 성황 을 이루어 다양한 성격의 여러 영화관들이 들어서서 영화관람의 다양성을 살펴보기 좋은 지역이다. 구체적으로는 영화관이 위치한 춘천 특정 지역 의 특성이 상영·관람환경과 관객의 영화관람에 끼친 영향, 이로 인해 성 립한 다양한 영화관람 양상에 대해 살펴보려 한다. 특히 당시의 억압적 독재체제 하에서도 관객은 산만하게 영화를 관람하면서 사회질서로부터 일탈할 수 있었던 것에 주목할 것이다. 영화관람 양상의 다양함을 통해 영화연구는 영화텍스트 중심의 연구 방식에서 벗어나 상영환경과 관객의 수용양상까지 시야에 넣어야 함도 말하고자 한다.

This study aims to discuss the various ways of filmgoing of the audience residing in Chuncheon under the assumption that the Korean film audience watched movies in various ways even in the 1960s and 1970s. During the Cold War, the U.S. military base and Gangwon Provincial Office were located in Chuncheon, dividing the region into districts with different features. Moreover, Chuncheon was a region appropriate for examining the diversity of filmgoing, since movie theaters with different characteristics were built in the area in the mid-1970s due to the prosperity of the movie industry before the spread of television. This study specifically focuses on the influence of the regional characteristics of Chuncheon, where movie theaters were located, on the screening and viewing environment and the filmgoing of the audience and the various aspects of filmgoing established by these influences. In particular, this study focuses on how the film audience, under the oppressive order of the Cold War and dictatorship, threw down social order by showing discursive behaviors while watching movies. Furthermore, this study suggests that film studies should break away from study methods merely centered on movie text and include the screening environment and the acceptance patterns of the audience through the examination of various filmgoing aspects.

본 연구는 <녹두꽃>의 주요 인물을 삼원론적 방법으로 분석한 글이다. 삼원은 변코자하는 힘의 ‘헤테로’, 변치 않고자 하는 힘의 ‘호모’, 올바르 게 존재케 하는 힘의 ‘뉴트로’를 의미한다. 이러한 삼원의 개념을 캐릭터 특성에 대입하여 분석한 것이 삼원론적 캐릭터 분석방법이다. 한편 뉴트 로 캐릭터를 돕는 ‘뉴토’라는 개념이 하나 더 있다. 뉴토는 제로세계의 뉴 트로라고 할 수 있으며, 뉴토 캐릭터는 주인공이 마지막에 뉴트로 캐릭터 로 변화하는 것을 돕는 일종의 현로(賢老) 캐릭터라고 할 수 있다. <녹두꽃>은 송자인, 백이강, 백이현이라는 세 명의 주인공으로 구성되 어 있다. 헤테로 캐릭터 송자인은 ‘사랑’이라는 감정을 들여다보고 인식하 게 되면서 호모 캐릭터의 특성을 보완하였다. 그리고 그 과정에는 최덕기 가 뉴토로 작용함으로써 최종적으로 자신의 행동을 스스로 결정하는 ‘자 주’의 뉴트로 캐릭터로 성장하였다. 호모 캐릭터인 백이강은 평등한 세상 을 경험해보고 그것의 가치를 깨닫게 되면서 변화하는 헤테로의 특성을 획득하였다. 여기에 전봉준을 포함한 그의 농민군 동료들이 뉴토로 작용 함으로써, 최종적으로 ‘평등’을 구현하는 뉴트로 캐릭터로 성장하였다. 반 면 호모 캐릭터인 백이현은 인간애가 결여된 채 조선의 개화를 목표로 달 려나가지만, 잘못된 뉴토로 인해 헤테로의 특성을 보완하여 뉴트로 캐릭 터를 달성하는 데에 실패하였다. <녹두꽃>은 48부로 구성된 방대한 분량 의 드라마이지만, 삼원론적 방법론은 주요 인물의 캐릭터 분석과 전체적 인 핵심 메시지를 추출하는데 매우 유용하였음을 확인할 수 있었다.

This study analyzed the main characters of <The Mung Bean Flower> in a tri-origin way. First of all, it was found that Song Ja-in, Baek Yi-gang, and Baek Yi-hyeon, the main characters of <Mung Bean Flower>, each symbolized the core values of the Donghak Peasant Revolution such as self-reliance, equality, and humanity. Song Ja-in, a Hetero character, complemented the characteristics of Homo characters as she came to look into and recognize the emotion of “love”. And in the process, Choi Deok-gi acted as a Neuto, eventually growing into a Neutro character of self-reliance that was to make a “self-determination of his actions”. Baek Yi-gang, a Homo character, acquired the changing characteristics of Hetero as he experienced an equal world and realized its value. On top of that, the colleagues of his peasant army, including Jeon Bong-jun, acted as Neuto, eventually growing into a Neutro character that was to embody “equality”. On the other hand, Baek Yi-hyun, a Homo character ran for the objective of enlightening Joseon without humanity, but failed to realize the Neutro character by complementing the characteristics of Hetero due to the wrong Neuto. Although <The Mung Bean Flower> might be a massive drama composed of 48 parts, it was confirmed that the tri-origin methodology was very useful in analyzing the three main characters and extracting the entire core message.

본 논문은 19세기 프랑스 신인상주의 화가인 조르즈 쇠라(George Seurat)의 그림을 모티브로 손드하임(Sondheim)이 창작한 뮤지컬 작품 『Sunday in the Park with George』를 통해 컨셉 뮤지컬에 관한 연구를 목적으로 한다. 손드하임의 뮤지컬들은 동시대의 기존 뮤지컬의 구성과 달리 다양한 컨셉을 갖고 연출된 실험적인 작품이라는 특징을 보여준다. 연극이나 오페라에서도 반복 공연을 할 수는 있지만 공연 마다 언제든지 다른 결말을 만들어 낼 수 있다는 가변성을 가진 것처럼 손드하임의 컨셉 뮤지컬도 다양한 스토리와 결말을 만들어 낼 수 있는 확장성을 가지고 있 기 때문에 연출의 의도에 따라 공연 시기와 배역 간에 조금씩 다른 컨셉 이 적용되기도 하고 다른 소재들을 채택하고 있다. 본고의 대상인 뮤지컬 작품(2013년 작)은 1986년 초연작품에 비해 활용된 컴퓨터 그래픽의 색 감 변화를 통하여 작품의 완성도를 높이는 부분 등이 달라져 있었다. 점 묘법을 청각적으로 형상화한 가사와 작곡은 본 작품의 컨셉을 가장 잘 표 현하는 부분이기도 하고 작품에 등장한 닽(Dot, 조르즈의 애인이름 또는 그림 작업 중의 대사), 작업실에 걸어놓은 세부 부분들을 묘사하는 각각 의 그림들, 빛(조명)의 파편들 등이 할머니의 유산인 일기장을 통하여 개 별 소재들이 하나의 연결 고리를 이루고 있다. 이처럼 예술가의 창작을 통한 진정성 있는 작품으로 완성 된다는 결말은 당시의 뮤지컬에서는 비 교할 수 없는 상상력의 표현이라고 할 수 있다. 새로운 분야의 개척이라 는 의미에서 컨셉 뮤지컬은 관객에게 전달하고자하는 창작성을 잘 보여준다.

This thesis aims to study the concept musical through the musical work 『Sunday in the Park with George』 created by Sondheim with the motif of the painting of the 19th century French neo-impressionist painter George Seurat. Unlike the composition of contemporary musicals, Sondheim's musicals are characterized as experimental works directed with various concepts. It is possible to perform repetitive performances in plays or operas, but just as Sondheim's concept musicals have the variability that they can create different endings at any time. A slightly different concept may be applied between the performance period and the role, and different materials may be adopted. Compared to the 1986 premiere work, the musical work (2013), which is the subject of this paper, has a different aspect of enhancing the completeness of the work through the color change of the computer graphic used. The lyrics and compositions that audibly embody pointillism are the part that best expresses the concept of this work, and depicts the dots (Dot, Georges' lover's name or dialogue during painting) and the details hung in the studio Each painting, fragments of light (lighting), etc. are connected to each other through the diary, the grandmother's legacy. As such, the conclusion that the artist's creation is completed into a genuine work can be said to be an expression of imagination that cannot be compared in musicals of the time. In the sense of pioneering a new field, the concept musical shows well the creativity it wants to convey to the audience.