Earticle

본 연구는 성공회 서울주교좌성당의 100년 역사 속에서 건축양식과 공 간 구조의 변화를 분석하여 대성당의 정체성 형성과 재구성 과정을 규명 하고자 한다. 기존 연구가 대성당의 토착화 여부와 양식적 특성에 주목했 다면，본 연구는 기호학과 텍스트 해석학의 방법론을 적용하여 대성당의 건축 요소，성물, 공간 구조를 텍스트로 분석하고 대성당 건립과 완성에 관여한 주체의 서사를 검토하였다. 그 결과 본 연구는 대성당을 한식 요 소를 수용한 서양성당으로서 ‘규범 중심의 번역적 보편교회’라 설명하였 다. 또 본 연구는 기존 연구의 서구화와 토착화라는 이분법적 구도를 넘 어，대성당을 규범적 보편성과 번역적 보편성 사이의 변증법적 관계 속에 서 공동체가 보편교회를 향한 약속을 지킨 윤리적 서사 과정으로 해석했 다. 이를 통해 대성당의 정체성은 규범적 보편성을 지향하던 초기 단계에 서 보편성을 지역 문화 안에서 수행하는 번역적 보편성의 형태로 점차 재 구성되었음을 확인하였다. 이에 본 연구는 교회의 정체성을 건축양식에 한정하지 않고 그 양식이 표현하는 전례와 통합적으로 분석했으며 교회 주체의 서사를 이해함으로써 구조 분석의 결과를 인문학적으로 재해석했 다는 점에서 의의를 갖는다.

This study investigates the formation and reconstruction of the identity of the Seoul Anglican Cathedral over the course of its one-hundred-year history by analyzing transformations in its architectural style and spatial structure. While previous studies have focused primarily on the question of indigenization and stylistic characteristics, this research applies semiotics and textual hermeneutics to interpret the cathedraFs architectural elements, liturgical objects, and spatial organization as a text. It further examines the narrative of the cathedral community understood as the narrative Subject in a Greimasian actantial structure, actively engaged in the construction and completion of the cathedral. The study argues that the cathedral may be explained as a Western church incorporating Korean elements, embodying a form of norm-centered translational catholicity. Moving beyond the binary framework of Westernization and indigenization, this research interprets the cathedral within a dialectical relationship between normative catholicity and translational catholicity, viewing it as an ethical narrative process through which the cathedral community, as the narrative Subject, has upheld its commitment to the catholic Church. The findings demonstrate that the cathedral’s identity gradually shifted from an initial orientation toward normative catholicity to a form of translational catholicity in which catholicity is enacted and performed within the context of local culture. By integrating architectural form with liturgical expression and analyzing the narrative agency of the ecclesial Subject, this study offers an interdisciplinary reinterpretation that combines structural analysis with humanistic reflection.

르네상스 정원은 인간의 지성과 물질 세계 사이의 역동적인 상호작용에서 비롯된 내재적 복잡성의 산물이다. 본 연구는 ’제3의 자연(terza nat니ra)’의 지적 지형을 추적하며，정원을 예술과 자연의 ‘합자연적 (connaturale)’ 결합으로 규정한다. ‘제3 자연’에 대한 논의는 존 딕슨 헌 트의 연구를 통해 활성화되었으나，본 연구는 토마스 E. 백이 번역한 바 르톨로메오 타에지오의 보ᅡ 빌라』에 새롭게 주목하는 한편，그의 문헌학 적 분석을 단초로 삼아 그 고대의 기원을 탐구하는 데 초점을 둔다. 헌트는 본파디오와 타에지오를 키케로의 '제2 자연‘과 연결하여 ‘세 가 지 자연’이라는 틀을 구축했다. 본 연구는 이 틀을 수용하면서도，선행된 문헌학적 연구를 바탕으로 이 개념이 루크레티우스와 플리니우스의 작품 에 나타나는 공생적 논리와 깊이 연관되어 있음을 확인한다. ‘제3 자연’은 분명 본파디오가 만든 신조어이고，비록 고대 문헌에서 직접적인 선례를 찾을 수는 없지만，그는 고전 텍스트에서 예술과 자연의 협력에 대한 잠 재적 사상을 포착하여 16세기 인문주의적 곤程에서 재구성했다. 이는 키 케로의 ‘제2의 자연’을 단순히 계승한 것이 아니라，루크레티우스와 플리 니우스의 저서에서 발견되는 단편적이고 상호 보완적이며 구별하기 어려 운 사상들을 재조립하여 창출한 결과물임을 시사한다. 본파디오는 정원의 층위 즉 ‘제3 자연’으로 새롭게 배치함으로써，인간의 기량(ars)을 자연 속 에 내재화하는 근대적 사유의 토대를 마련했다. 이는 르네상스의 지적 네 트워크가 고대 담론의 단순한 모방이 아닌 창조적 변이를 통해 새로운 담 론을 출현시켰음을 입증한다.

Renaissance gardens are products of inherent complexity, arising from the dynamic correspondence between human intellect and the material world. This study traces the topography of the “Third Nature” (terza natura), defining the garden as a “connatural” (connaturale) union of art and nature. While investigation of this term gained momentum through John Dixon Hunfs research, this study focuses on seeking its ancient origins, specifically building upon Thomas E. Beck’s translation of Bartolomeo Taegio’s La Villa. Hunt established the “Three Natures” framework by linking Bonfadio and Taegio to Cicero’s “Second Nature.” While accepting this framework, this study reviews philological analyses to confirm that the concept is deeply intertwined with the symbiotic logic in Lucretius and Pliny-works with which humanists were undoubtedly familiar. The “Third Nature” is a neologism by Bonfadio; although direct precedents are not in ancient literature, he captured latent ideas regarding art-nature cooperation in classical texts and reassembled them from a sixteenth-century humanist perspective. It is not a simple succession of Cicero’s “Second Nature,” but a reassembly of fragmentary, symbiotic, and indistinguishable thoughts found in Lucretius and Pliny. By elevating the garden to a third level, Bonfadio provided foundations for modem thought that interiorizes human skill (ars) within nature. This suggests the intellectual network of the Renaissance garden was an emergence of discourse through creative variation rather than mere imitation.

기술 발전은 배우와 관객의 행위를 확대하였으며，이머시브 시어터라는 공연 제작의 새로운 창작 패러다임을 만들어 냈다. 이머시브 시어터는 VR 기술을 활용하여 가상공간에서 관객과 배우의 협업으로 구성된다. 이에 공연이라는 예술적 장에서 인간과 기술에 관한 이분법적 접근을 벗어나 두 주체의 공진화 검토가 필요하다. 따라서 본 연구는 에리카 피셔-리히 테의 수행성 관련 논의 중 '피드백 고리’로 '기술-관객-배우’ 관계의 요소 별 수행적 행위를 규명하고자，VR 이머시브 시어터 <더 언더 프레즌츠: 템페스트>(2020)를 분석하였다. 기술은 단순한 도구로서의 활용이 아닌 관객의 경험과 행위를 창출하고 관객과 배우 간 상호작용의 매개가 된다. 관객이 단순한 관찰자에서 능동적 참여자로 전환되면서 제4의 벽을 해체 하는 양상은 化60년대 이후의 역할 바꾸기，공동체 형성, 상호 접촉 등의 연출 전략과 연계되면서 피드백 고리로 이어진다. 공연예술에서의 기술과 인간，배우와 관객이라는 이분법적 접근을 넘어 *기술-관객-배우’의 관계 를 재검토한 이유 역시 여기에 있다. 이러한 연구를 토대로 향후 관객의 수행성뿐 아니라，기술과 인간의 다양한 공진화 양상이 논의될 수 있기를 기대한다.

Technological advances have expanded performers’ and audiences5 actions, spawning immersive theatre as a new creative paradigm. This form leverages VR technology, where virtual-space collaboration between audiences and performers shapes the content. Thus, theatre as an artistic field demands moving beyond human-technology dichotomies toward examining their co-evolution. This study analyzes the VR immersive production The Under Presents: Tempest(2020), using Erika Fischer-Lichte’s performativity concept of the “feedback-schleief' to map performative actions in the “technology-audience-actor” triad. As audiences shift from passive observers to active participants, the dismantling of the fourth wall aligns with strategies such as role reversal, community formation, and embodied contact. This shift prompts a reassessment of the “technolog广audience -actor” constellation and opens avenues for examining co-evolutionary dynamics between humans and technological systems.

쉬청제 Joseph Hsu 감독의〈고독의 맛 니ttle Big Women〉(2020)은 현 대 대만 사회에서 70세의 주인공 린슈잉이 경험하게 되는 모성과 사회적 역할이라는 이중적 정체성을 여러 인물과의 관계를 통해 다층적으로 표현 한다. 본 연구는 〈고독의 맛〉에서 사물의 상징과 절제의 영상이 어떻게 모녀 관계를 재현하는지를 사회문화적 맥락과 가족 권력 구조의 틀 속에 서 분석하였다. 영화는 어머니의 70세 수연과 아버지의 장례식을 중심으로 전개되는 플롯을 통해，구세대와 신세대 간의 '모성 서사’와 '딸의 주체성’이 충돌하 는 과정을 정교하게 그려낸다. 새우를, 도장，편지와 사진 같은 사물들이 지닌 상징적 의미는 가족 간 갈등을 표현하며 긴장 관계를 구축하고 동시 에 감정 해소와 화해를 위한 서사적 복선을 제공한다. 〈고독의 맛〉은 가족영화의 형식을 취하고 있지만，밀도 높은 대사나 극 적인 사건 중심의 전개에 의존하지 않는다. 대신 절제된 서사 리듬과 감 정이 응축된 화면 구성，정교한 장면 배치를 통해 가족 구성원 사이에서 언어로는 전달되지 않는 트라우마의 기억과 잠재적인 감정 흐름을 섬세하 게 포착한다. 영호는 침묵，응시，정지된 카메라 등의 연출 기법을 반복적 으로 활용하면서, 모녀 관계 속 세대 간 감정의 충돌과 상처의 경험을 시 각화된 ‘감정의 공간’으로 형상화하고，‘정적 서사’의 미학을 구축한다. 〈고독의 맛〉에 재현된 모성 권위에 대한 해체와 재구성，여성의 정서적 상처를 드러내고 치유하는 과정은 한 가족의 이야기를 넘어，전통적 가족 가치관의 재정립을 요청하는 시대적 담론으로 확장될 수 있다.

Director Joseph Hsu’s <Little Big Women> (2020) multi-dimensionally portrays the dual identity of motherhood and social roles experienced by the protagonist, Lin Shuying, in contemporary Taiwanese society through her relationships with various characters. This study analyzes how the symbolism of objects and the aesthetics of restraint represent the mother-daughter relationship within the framework of sociocultural contexts and familial power structures. The film meticulously depicts the conflict between the "maternal narrative, of the older generation and the "subjectivity of the daughters5 through a plot centered on the mother’s 70th birthday celebration and the father’s funeral. The symbolic meanings embedded in objects such as shrimp rolls, seals, letters, and photographs construct tension by expressing familial conflicts, while simultaneously providing narrative foreshadowing for emotional resolution and reconciliation. Although <Little Big Women> adopts the form of a family drama, it does not rely on dense dialogue or dramatic, event-driven progression. Instead, through a restrained narrative rhythm, emotionally condensed compositions, and sophisticated mise-en-scene, it delicately captures the flow of latent emotions and traumatic memories that remain uncommunicated through language. By repeatedly employing directorial techniques such as silence, the gaze, and a static camera, the film visualizes the generational emotional clashes and experiences of trauma within mother-daughter relationships as a 'spatialization of emotion, and establishes an "aesthetic of static narrative9. The deconstruction and reconstruction of maternal authority, alongside the process of revealing and healing women’s emotional wounds as represented in Little Big Women, extends beyond a single family’s story to a contemporary discourse calling for the re-establishment of traditional familial values.

본 연구는 뮤지컬 <조지와 함께한 일요일 공원에서>을 대상으로 비선형 서사 구조가 인물의 관계 발전과 형성에 어떠한 영향을 미치는지를 탐구하는 것에 목적을 둔다. 본 논문에서는 비선형 플롯의 시간 배열이나 교란 및 재배열을 다룬 선행 연구의 한계를 보완하는 것은 물론, 조르주 쇠라의 점묘법이 뮤지컬의 음악과 언어, 그리고 장면 구성 원리를 분석하면서 음악 동기와 모티프의 반복·변주 및 병렬의 비선형적 ‘배열 구조’ 형성이 캐릭터 간의 관계에 미치는 영향에 주목하였다. 이는 비선형 플롯을 통한 1막과 2막의 서로 다른 시간과 사건의 배열을 통해 인물들이 어떻게 갈등과 감정을 심화시키고 해결하는지를 살펴보면서, 비선형 서사의 특징적 함의를 살펴보았다. 이를 위해 <조지와 함께한 일요일 공원에서>의 대본, 악보를 서사학적·드라마투르기적 분석에 근거하여 분석을 수행하였다. 분석 결과, 1막과 2막 사이의 약 100년에 걸친 시간 도약은 선형적 플롯으로는 구현할 수 없는 독특한 인물 관계의 진화를 가능하게 하는 것으로 나타났다. 이야기의 결말 방식은 ‘해결’이 아닌 관계의 파편화를 통해 반복과 대칭 및 변주로 형식을 재배열하면서 관계의 의미를 새로이 구성하였다. 특히 이러한 시간적 비 연속성은 시간 너머에서 예술적 유산, 정서적 연결이라는 주제를 한층 두드러지게 하면서, 파편화된 관계의 해석적·비판적 참여를 촉진한다는 점에서 현대 뮤지컬 드라마투르기의 미학적 성취로 평가될 수 있다.

This study investigates how the non-linear narrative structure of the musical Sunday in the Park with George shapes and influences the development and formation of character relationships. In doing so, the thesis not only supplements the limitations of prior scholarship that has primarily addressed non-linear plots in terms of disrupted, rearranged, or re-ordered temporal sequences, but also foregrounds Georges Seurat’s pointillism as a transferable compositional principle in the musical’s dramaturgy. By analyzing the ways pointillist aesthetics are translated into musical and linguistic organization and scenic construction, the study focuses on how a non-linear “arrangement structure”—formed through the repetition, variation, and juxtaposition of musical motifs and thematic units—affects inter-character relational dynamics. Based on the contrasting temporal frames and event configurations of Acts I and II, the research examines how conflicts and emotions are intensified and reconfigured through non-linear plotting, and clarifies the broader implications of such narrative strategies. To this end, the thesis conducts narratological and dramaturgical analyses of the script and score of Sunday in the Park with George. The findings indicate that the approximately 100-year temporal leap between Acts I and II enables a distinctive evolution of character relationships that cannot be realized within a conventional linear plot. Rather than producing “resolution” in a traditional sense, the work reorganizes relational meaning through the fragmentation of narrative elements and their formal re-arrangement via repetition, symmetry, and variation. In particular, this temporal discontinuity foregrounds the themes of artistic legacy and affective connection across time, while encouraging audiences’ interpretive and critical engagement with fragmented relationships. In this respect, the musical’s non-linear dramaturgy may be understood as an aesthetic achievement that expands the possibilities of contemporary musical theatre.

본 연구는 프란체스카 우드만의 사진에 반복적으로 나타나는 흐릿한 신체와 잔상 표현에 주목하여, 사진 매체에 내재된 시간성이 어떻게 확장·재구성되는지를 분석한다. 전통적으로 사진은 단일한 순간을 고정하는 기록 매체로 이해되어 왔으며, 롤랑 바르트의 ‘그것이-존재-했음’이라는 명제는 사진을 완료된 과거의 증거로 규정해 왔다. 그러나 우드만의 사진은 장노출, 모션 블러, 중첩된 움직임 등을 통해 촬영 과정에서 발생하는 시간의 흐름과 미완의 운동을 이미지 안에 축적함으로써 이러한 사진 존재론에 균열을 일으킨다. 본 연구는 우드만의 흐릿한 이미지를 앙리 베르그송의 지속 개념을 중심으로 해석하며, 사진 속 신체를 고정된 실체가 아닌 형성 중인 과정적 존재로 파악한다. 또한 신체와 배경이 융합되는 시각적 효과를 통해, 우드만의 사진이 단절된 순간의 포착이 아닌 중층적 시간 구조와 연속성을 시각화하고 있음을 밝힌다. 이를 통해 본 연구는 사진을 정지된 시간의 기록이 아니라, 운동과 변화가 잔류하는 시간적 장으로 재사유할 가능성을 제시한다.

This paper examines the expansion of temporality in photography by focusing on the blurred bodies and afterimages that recur throughout the photographs of Francesca Woodman. Photography has traditionally been understood as a medium that fixes a single moment in time, and Roland Barthes’s concept of ça-a-été has defined photographic images as evidence of a completed past. Woodman’s photographs, however, challenge this ontology by incorporating traces of movement, motion blur, and long exposure, thereby accumulating the flow of time and unfinished motion within a single frame. Drawing on Henri Bergson’s concept of durée, this study interprets Woodman’s blurred images as visualizations of continuous and layered time rather than frozen instants. The human body in her photographs is understood not as a fixed entity but as a processual being in formation, situated between presence and disappearance. Furthermore, the visual fusion of body and space reveals how Woodman’s work constructs a multilayered temporal structure in which past and present coexist. Through this analysis, the study proposes a reconsideration of photography as a medium that not only records moments but also makes visible the persistence and transformation of time.

본 논문은 박찬욱 감독의 영화 〈어쩔수가없다〉에 나타난 녹색 미장센의 의미를 분석하고, 그것이 폭력의 개연성을 서사적 논리 대신 감각적 필연성으로 조직하는 방식을 고찰한다. 영화는 실직 가장 만수의 살인을 인과적으로 정당화하지 않으면서도, 관객으로 하여금 그의 선택을 ‘어쩔 수 없는 것‘처럼 체감하게 만든다. 본 연구는 이러한 효과가 인물의 대사나 심리 묘사보다 공간과 색채의 배치를 통해 구축된다는 점에 주목한다. 거실, 주방, 안방 등 주요 공간에 반복적으로 배치된 녹색은 자연과 생명의 색이 아니라, 관리되고 통제된 질서를 시각화한다. 이때 녹색은 폭력적 인물을 타자화하는 장치가 아니라, 그의 세계를 정상성과 안정의 공간으로 감각화하는 미장센으로 기능한다. 관객은 이 공간을 통해 만수를 괴물이나 범죄자가 아닌 중산층 가장으로 동일시하게 된다. 그 결과 폭력은 일탈이 아니라 세계를 유지하기 위한 하나의 선택지처럼 인식된다. 본 논문은 색채가 관객의 윤리적 판단과 동일시 구조를 조직하는 미학적 장치로 작동함을 밝힌다.

This paper analyzes the meaning of the green mise-en-scène in Park Chan-wook’s film No Other Choice and examines how it organizes the plausibility of violence not through narrative logic but through sensory inevitability. Although the film does not causally justify the murder committed by Mansu, an unemployed head of household, it leads the audience to experience his choice as something “inevitable.” This study argues that such an effect is constructed less through dialogue or psychological depiction than through the arrangement of space and color. The green tones repeatedly placed in key domestic spaces—such as the living room, kitchen, and master bedroom—do not signify nature or vitality; rather, they visualize a managed and regulated order. In this context, green does not function as a device that otherizes a violent character. Instead, it operates as a mise-en-scène that renders his world perceptible as a space of normality and stability. Through this spatial configuration, the audience comes to identify Mansu not as a monster or criminal, but as a middle-class patriarch. As a result, violence is perceived not as deviance, but as one possible means of maintaining the world he inhabits. This paper demonstrates that color functions as an aesthetic apparatus that organizes the spectator’s ethical judgment and structure of identification.

본 연구는 마르크 오제의 ‘비장소’ 개념을 예술학의 장으로 초대하여, 초근대성이 관계, 기억, 정체성의 조건을 재편하는 방식이 회화의 화면에서 어떻게 번역되는지를 고찰한다. 오제는 초근대성을 사건과 시간의 과잉, 공간의 과잉, 준거의 개인화라는 세 가지 ‘과도함’의 전제로 규정하는데, 비장소는 이 과도함이 만든 공간으로서 통과와 절차, 표지와 규정, 익명성과 일시성이 지배하는 일종의 ‘새로운 영토’이다. 현대회화에서 이러한 비장소 담론의 미학적 구성은 포토리얼리즘 계열에서 뚜렷이 관찰되는데, 이들은 ‘공간의 과도함’이 낳은 통과의 속도와 이미지화된 표면성을 시각화하고, 정체성·관계성·역사성의 밀도와 축적이 약화되는 순간을 ‘읽기–도착’의 실패로 제시한다. 반면 에드워드 호퍼와 에릭 피슬의 회화는 비장소의 전형적인 공간을 넘어 사적·역사적 장소마저 정착과 귀속을 보장하지 못하는 상황을 포착한다. 이들의 작품은 오제의 관점에서 인류학적 장소가 ‘유기적인 사회성’을 창조하는 것처럼 비장소는 ‘고독한 계약성’을 창조한다는 점을 강하게 환기하며, 비장소의 초근대적 징후들과 현대적 주체의 정체성 문제를 고독의 심미성으로 감각화한다. 따라서 본 연구는 비장소 담론을 통해 오늘날의 공간 경험의 논리를 회화적 언어의 차원에서 추적하고, 그 과정에서 드러나는 현대인의 삶의 조건과 그 존재론적 함의를 인류학과 예술학이 교차하는 지점에서 새롭게 조명하고자 한다.

This study introduces Marc Augé’s concept of the ‘non-place’ into art studies and examines how supermodernity reorganizes the conditions of relation, memory, and identity as translated on the pictorial plane. Augé defines supermodernity through three forms of excess: the excess of events and time, the excess of space, and the individualization of frames of reference. The non-place emerges from these excesses as a “new territory” governed by passage and procedure, signage and regulation, anonymity and transience. In contemporary painting, the aesthetic formation of non-place discourse is most clearly observed in photorealist works. They visualize the velocity of passage and the image-mediated surface generated by spatial excess, presenting the thinning of identity, relationality, and historicity as a failure of ‘reading’ to become ‘arrival.’ By contrast, the scenes of Edward Hopper and Eric Fischl show that even private or historically saturated places can no longer guarantee settlement or belonging. From an Augéan perspective, such works forcefully recall that, just as anthropological place fosters an ‘organic sociality,’ the non-place produces a ‘solitary contractuality,’ sensing the supermodern symptoms of non-place and the issue of contemporary identity through the aesthetics of solitude. Accordingly, this study traces the logic of contemporary spatial experience at the level of pictorial language and revisits, where anthropology meets art studies, the conditions of contemporary life and the ontological implications that surface through this translation.

본 연구는 넷플릭스의 이중적 시각 전략을 베르나르 스티글레르의 ‘약리학’ 관점에서 독해하여, 24/7 자본주의가 동시대 관객의 지각과 시간성을 포획하는 메커니즘을 규명한다. 이를 위해 오리지널 시리즈 <오징어 게임>과 <셀러브리티>를 각각 신경계를 타격하는 ‘각성제’와 이완을 유도하는 ‘진정제’로 규정하여 비교 분석하였다. 본고는 조나단 크레리의 ‘24/7 체제’와 발터 벤야민의 ‘산만함’ 논의를 골자로 삼되, 마크 B. N. 핸슨의 ‘피드 포워드’와 볼터와 그루신의 ‘하이퍼매개’ 개념을 접목하여 분석의 층위를 심화하였다. 이러한 분석을 통해, 넷플릭스는 상반된 두 정동을 변증법적으로 교차시키는 정교한 통치술을 구사하는 것으로 독해된다. 첫째, <오징어 게임>은 ‘영희 로봇’의 기계적 응시와 강렬한 보색 대비의 미장센을 통해, 인간을 데이터로 환원하고 수면을 박탈하는 ‘강제된 주의’의 폭력성을 시각화한다. 둘째, <셀러브리티>는 이질적인 화면 비율의 몽타주와 하이퍼매개된 인터페이스로 시선을 분산시키되, 이 산만함을 티치아나 테라노바의 ‘무급 노동’으로 전환하는 ‘허용된 산만함’의 포획 전략을 보여준다. 결론적으로 넷플릭스는 긴장과 이완의 교차 투여를 통해 이용자를 알고리즘에 종속된 데이터 조각, 즉 ‘분할물’로 재편한다. 이에 본 연구는 알고리즘의 예측적 피드 포워드와 이용자의 현행적 의지가 충돌하는 지점을 포착함으로써, 24/7 통제 사회가 인간의 지각을 재편하는 알고리즘 통치성의 구조적 실체를 규명한다는 점에서 의의를 갖는다.

This study examines Netflix’s dual visual strategies through the lens of Bernard Stiegler’s ‘Pharmacology,’ elucidating how platform capitalism under the ‘24/7 system’ captures the perception and temporality of contemporary audiences. By analyzing the original series Squid Game and Celebrity, this research defines Netflix’s operation not as a singular mechanism, but as a dialectical interplay between a ‘Stimulant’ targeting the nervous system and a ‘Sedative’ inducing relaxation. The theoretical framework integrates Jonathan Crary’s analysis of the ‘24/7 system’ and Walter Benjamin’s concept of ‘distraction,’ while incorporating Mark B. N. Hansen’s ‘feed-forward’ mechanism and Bolter and Grusin’s ‘hypermediacy’ to deepen the analysis. Through this analysis, Netflix is interpreted as employing a sophisticated pharmacological governance that dialectically interweaves two contradictory affects. First, Squid Game visualizes the violence of ‘Forced Attention’ through the mechanical gaze of the ‘Young-hee’ robot and the mise-en-scène of intense complementary color contrast, which reduce humans to binary data and force a state of sleep-deprived hyper-attention. Second, Celebrity demonstrates the capture strategy of ‘Permitted Distraction.’ By utilizing a montage of heterogeneous aspect ratios and hypermediated interfaces to disperse the viewer’s gaze, the series converts this inattention into Tiziana Terranova’s ‘free labor,’ sustaining the platform’s traffic ecosystem. Ultimately, by circulating the physiological states of tension and relaxation, Netflix reconstructs the user not as an integrated individual, but as a ‘dividual’—a fragmented data profile subject to algorithmic governmentality. Thus, this study is significant in that it elucidates the structural reality of algorithmic governmentality, revealing how the 24/7 control society reconfigures human perception by capturing the conflicting points between the algorithm’s predictive feed-forward and the user’s actual will.

본 연구의 목적은 현대미술에서 유한 존재인 인간의 이미지를 통해 죽음을 넘어서고자 하는 욕망을 어떤 방식으로 조형화하였는지 고찰하는 데 있다. 철학자 하이데거가 인간의 가장 확실한 가능성이 죽음이라는 관점에서 존재론을 전개했듯이, 모든 생명체에게 유일하게 공평한 것은 아마도 죽음일 것이다. 그리고 현존재의 유한성은 죽음에 의해 결정된다. 인류는 오래도록 삶의 연장, 나아가 종교적 구원을 통한 영생이나 삶의 무한한 반복을 꿈꾸어왔다. 그러나 현대 의학조차도 생명을 조금 더 연장해 줄 뿐, 실존적 존재로서의 생명은 필연적으로 죽음을 벗어날 수 없다. “인생은 짧고, 예술은 길다”거나 “호랑이는 죽어서 가죽을 남기고, 사람은 죽어서 이름을 남긴다”는 격언은, 인간이 삶의 존재론적 족적이나마 무한에 이르도록 남기고 싶어 하는 열망을 투영한 것이라고 할 수 있다. 인류는 유한한 삶을 무한한 상태의 죽음과 대비시키며 현실에 충실할 것을 교훈적으로 역설해왔으며 철학, 학문, 종교, 과학은 각자의 입장에서 상이한 방식으로 삶과 죽음의 관계를 설정하고 이를 인류에게 제시해왔다. 특히 초상은 실존의 흔적을 회화, 조각, 사진 이미지로 붙잡아 영속시키는 대표적 장르로 기능해왔다. 현대의 발달된 다양한 뉴미디어는, 박제된 상태로 실존의 이미지를 존속시키는 사진과 달리 생생하게 살아 있게 하고 죽은 자를 부활시키기도 한다. AI 기술은 존재의 과거 삶의 모습으로부터 이후에 가능할 법한 이미지를 소환하여 실제 생명체보다 더욱 실제와도 같은 유기체적 삶을 부여한다. 그러므로 이미지는 이미 소멸한 존재를 영속시키는 대리물이자 흔적이 된다. 현대미술은 시간의 물리적 흐름에 역행하며, 물질로서의 신체가 소멸된 존재에게 이미지를 통해 영원한 생명을 부여한다. 여기서 사례로 제시한 빌 비올라의 비디오 작품은 단선적 시간의 흐름과 달리, 시간성을 병치하여 중첩시키거나 혼합하는 방식을 통해 실존적 생사의 경계를 뛰어넘어 이미지 안에서의 삶으로 영속시킨다.

This research aims to trace the way of human desire to overcome the death through the image and how contemporary art exhibits it. A philosopher Heidegger spread his ontology in terms that the most certain possibility of human beings is death, which might be the sole thing equally allowed to all living things. And the mortality of ‘Dasein’ is determined by the death. Therefore, human being has dreamed of the eternal circulation of life or immortality by religious salvation for a long time. Even the contemporary medical science, however, only can extend life for a tiny moment; the life never seems to avoid death after all. The Latin aphorisms such as “Life is short, art is long(vita brevis est ars longa)” or “A tiger leaves its skin after death; a man leaves his name” have projected the men’s desire to leave any mark of life forever. Mankind has accentuated a moral that we should commit one’s mortal life by contrasting the death in infinite state. Diverse fields of philosophy, learning, religion, science have established and suggested the relationship between life and death in different ways. Portraits in art, however, have kept the traces of existence in image like painting, sculpture, photography. The developed contemporary media, unlike such art genres, has kept a being alive or let it be resurrected. AI technology allows more vivid and active life than real life by calling forth one’s existence from the past. Various contemporary images become, therefore, an alternative immortal life. Contemporary art retrogresses the physical flow of time, and gives eternal life to its image. Bill Viola’s video works, for instance, immortalize the life within the image beyond the boundary between life and death, through the juxtaposition or the overlap of time sequence.

본 연구는 기존의 지문이나 홍채,얼굴형상 등 정적 생체인증의 비가역성 문제를 해결하기 위해 얼굴 표정의 동적 액션 유닛(Action Unit, 이하 AU) 패턴을 활용한 취소 가능 생체인증(cancelable biometrics) 프레임워크를 제안한다. 본 연구에서는 AU 강도의 시계열 데이터로부터 속도(V), 가속도(A), 저크(J)의 운동학적 특징을 추출하고 개인별 변별력과 재현성을 복합적으로 평가하여 상위 5개의 AU를 자동 선별하는 방법론을 독창적으로 제시한다. 이를 검증하기 위해 MediaPipe 기반의 478개3D 랜드마크를 활용한 12개 AU 추출, Savitzky-Golay 필터링을 통한 운동학적 특징 공학, 그리고 코사인 유사도와 DTW(Dynamic Time Warping)를 결합한 인증 매칭 엔진을 포함하는 7개 모듈의 프로토타입 시스템을 구현하였다. MYFED 데이터셋 기반 실험 결과 정적 얼굴 인식대비 정확도96%(+11%p), EER 1.8%(-3.4%p)의 유의미한 성능 향상을 확인하였으며(paired t-test, p < 0.01) 감정별로는 놀람(AU1,2,5) > 행복(AU6,12) > 슬픔(AU15,17) 순의 식별력을 보였다. 본 연구의 시사점은 표정 변경만으로 템플릿 갱신이 가능한 ISO/IEC 24745 준수 프레임워크를 실증적으로 제시하였다는 점이다.

This study proposes a cancelable biometric authentication framework utilizing dynamic Action Unit (AU) patterns of facial expressions to address the irreversibility limitations of static biometrics (fingerprint, iris, facial geometry). The core contribution is an original methodology that extracts kinematic features—velocity (V), acceleration (A), and jerk (J)—from AU intensity time-series data, then automatically selects the top 5 AUs through composite evaluation of discriminability and reproducibility for each individual. A prototype system comprising 7 modules was implemented, including 12-AU extraction from 478 MediaPipe 3D landmarks, Savitzky-Golay filtered kinematic feature engineering, and a dual authentication engine combining cosine similarity with Dynamic Time Warping (DTW). Experiments on the MYFED dataset demonstrated statistically significant improvements over static face recognition (ArcFace): 96% accuracy (+11%p) and 1.8% EER (-3.4%p) (paired t-test, p < 0.01). These findings empirically validate an ISO/IEC 24745-compliant framework enabling template renewal through expression changes, contributing a new security paradigm of 'renewable biometric identity' in the deepfake era.

본고에서는 최근 반인반수 이미지의 귀환 현상을 정당화해 줄 우리 내면의 소인(素因)을 선사시대 암각화와󰡔산해경󰡕을 통해 찾아본 결과 원시인류는 각양의 반인반수 이미지를 통해 인간과 동물 나아가 인간과 자연의 조화와 합일을 추구했음을 알 수 있었다. 이것은 우리의 원형 심상에 인간과 동물이 둘이 아니라 하나이며 함께 살아가는 동반자적 관계라는 인식이 각인되어 있음을 말해준다. 다음으로 반인반수 이미지의 변천을 고대에서 근현대까지 살펴보았다. 서구의 경우 그리스시대 이후 인본주의가 흥기하면서 동물성은 저열한 것으로 평가되고 반인반수는 괴물로 인식된다. 중세 이후 기독교의 영향으로 이러한 인식은 더욱 강화되며 근대에 이르러 인간은 동물과 완전히 결별하고 우주 최고의 지위에 등극한다. 동양의 경우 반인반수 이미지는(삭제요망) 고대에서 근대 이전까지 우호적인 동물관을 유지해 왔다고 볼 수 있다. 그러나 이러한 연속성도(삭제요망) 현대에 들어와 서구의 상상력이 표준의 지위를 차지하면서 동양의 반인반수에 대한 긍정적인 인식도 급격히 하락, 괴물로의 인식이 획일화된다. 당대에 이르러 이른바 포스트휴먼의 시대로 진입하면서 동물성은 복권의 단계에 이르렀고 이와 동시에 귀환한 반인반수 이미지가 사회, 문화 도처에서 범람하고 있다. 이는 우리의 심층에 각인되어 있던 인간과 동물이 동반자적 관계라는 원형 심상이 오랜 억압 끝에 귀환한 것을 의미한다. 아울러 반인반수의 이러한 원형 심상은 오늘날 자연과의 합일, 타자와의 공존, 혼종성, 융복합 등을 추구하는 집단 심성으로 표출되고 있다.

In this paper, through prehistoric petroglyphs and the Shanhaijing, we found that primitive human pursued harmony and unity between human and animal, as well as between human and nature, as a result of searching for our inner underlying cause to justify the recent return of the half-human half-beast image. This suggests that our archetype image is imprinted with the perception that human and animal are not two but one and living together as partners. Next, we looked at the transition of the image of half-human half-beast from ancient times to modern times. In the West, with the rise of humanism after the Greek period, animality is considered low and half-human half-beast is recognized as a monster. This perception is further strengthened by the influence of Christianity after the Middle Ages, and in modern times, human completely separate from animal and ascend to the top position in the universe. In the case of the East, it can be said that the image of half-human half-beast has maintained a friendly view of animal from ancient times to before modern times. However, as Western imagination has occupied the standard position in modern times, the positive perception of half-human half-beast in the East has also declined rapidly, and the perception of the East as a monster has become uniform. As we entered the so-called posthuman era, animality reached the stage of the lottery, and at the same time, the image of the half-human half-beast, which has returned, is flooding everywhere in society and culture. This means that the original image of human and animal companionship, which was imprinted in our depths, has returned after a long period of oppression. In addition, this archetypal image of the half-human half-beast is expressed today as a collective spirit that pursues unity with nature, coexistence with others, hybridity, and convergence.

본 연구는 웹소설 원작 드라마 〈서울 자가에 대기업 다니는 김 부장 이야기〉를 중심으로, 한국 중산층을 표상하는 타인지향적 주체의 붕괴와 재구성 과정을 사회문화적 맥락에서 고찰한다. 특히 동일한 서사 구조를 공유하는 웹소설과 드라마를 비교하며, 드라마 텍스트가 서사적 배열과 연출 장치의 변주를 통해 주인공의 몰락 및 회복을 어떻게 재맥락화하는지 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 데이비드 리스먼의 타인지향형 성격 이론과 윌리엄 오그번의 문화지체 개념을 준거 틀로 채택하여, 김 부장의 승인 욕구와 부동산을 향한 물신성이 파국으로 귀결되는 궤적을 추적한다. 원작 웹소설이 가족 간의 가치 대립과 리더십 유형의 대조를 통해 비교적 선형적인 하강 서사를 직조했다면, 드라마는 몽상, 환멸, 공황 등의 감각적 장치를 전면화하여 이러한 충돌을 주체 내부의 파열과 붕괴 과정으로 입체화한다. 연구 결과, 드라마 속 김 부장의 몰락은 단순한 개인의 실패가 아니라 승인 중심의 주체성이 변화된 사회 조건과 충돌하며 빚어낸 구조적 파열음으로 독해된다. 나아가 극 후반부 그가 보여주는 변화는 완전한 내면지향성으로의 전환이라기보다, 타인의 시선에 과잉 반응하던 감각을 덜어내고 감당 가능한 속도로 삶을 재배열하려는 '제한적 자율성'의 모색으로 평가할 수 있다.

This study analyzes the television adaptation The Dream Life of Mr. Kim (original Korean title: Seoul Jaga-e Daegieop Danineun Kim Bujang Iyagi), originally published as a web novel, in order to examine the reconstruction of the other-directed subject and its sociocultural implications. Although both the web novel and the drama share the same central events -namely, a real estate fraud and the protagonist’s social decline- this study focuses particularly on how the drama reconfigures the protagonist’s downfall and recovery through specific narrative devices. Drawing on David Riesman’s theory of the other-directed character and William F. Ogburn’s concept of cultural lag, the study analyzes how Manager Kim’s desire for approval, comparative disposition, and fixation on real estate culminate in the disintegration of his subjectivity. While the web novel presents his decline in a relatively linear form through contrasts in family values and workplace leadership styles, the drama foregrounds sensory devices such as daydreams, disillusionment, and panic, thereby reorganizing these conflicts as an internal process of rupture and collapse. The findings indicate that the drama does not portray Manager Kim’s recovery as economic resurgence or moral redemption. Rather, it reinterprets his downfall as a structural crisis arising from the collision between approval-oriented subjectivity and changing social conditions. His subsequent transformation is presented not as a complete shift toward inner-directed autonomy but as the possibility of limited autonomy, marked by a partial easing of his excessive responsiveness to others’ expectations.