Earticle

본 논문은 이슬람이 지배하고 있는 이집트, 레바논, 모로코 세 국가의 속담들 나타난 민중들의 종교관을 고찰한 글이다. 각기 문화가 다르고 경험과 신에 대한 경외 정도가 다르므로 속담에 비춰진 이들의 종교관은 절대복종, 원망으로 나타나기도 하며 때로는 타 종교에 대하여 적개심이 극도로 표출되기도 하였다. 이 논문에서 분명한 점은 아랍인들이 처세술의 교훈으로써 속담을 삶의 지표로 삼아 성(聖)과 속(俗)을 오가면서 자신들의 솔직한 감정을 표출되고 있다는 점이다. 이런 속담은 불완전한 인간이 완전을 향해 질주하다가 예기치 않고 맞닥뜨리는 여러 상황에서 삶의 지혜를 통하여 얻어진 결정체라는 점이다. 이집트 속담에서는 인간이 신에게 대개 순응하는 모습을 보이며 레바논 속담은 복잡다단한 사회 환경으로 인하여 성인이나 신에게 반항하는 모습이 상대적으로 많이 나타났다. 반면에 모로코 속담에서는 타 종교에 대한 적개심이 많이 표출되어 있는 편이다. 이 속담 연구를 통하여 알 수 있는 점은 세 국가 간의 국민들의 종교관이 다소 차이점을 보이고 있으나 이슬람도 사람중심의 종교이며 인간의 감정기복에 따라 신이나 종교가 친한 매개체로 때로는 경원시되는 대상이 되고 있다는 점으로 결론을 내릴 수 있다.

This paper aims to examine the religious view of the populace in the proverbs of Egypt, Lebanon, and Morocco, which are dominated by Islam. Because each culture is different and experiences are different, the degree of awe about God may appears as an absolute obedience and resentment through their proverbs and sometimes there are several proverbs in which the hostility toward the other religions is extremely expressed. It is clear from this paper that the Arabs are expressing their candid feelings as a teaching lesson, using the proverbs as an index of their life, These proverbs are that the incomplete human being is sometimes crystallized from the wisdom of life in many different situations that rush toward perfection. In the Egyptian proverbs, human beings generally conform to God, and the Lebanese proverbs showed a relatively large number of rebellious appearances against the saints and God due to a complex social environment. On the other hand, the Moroccan proverbs expressed much hostility towards the other religions. In conclusion, through this research, Islam is also a people-centered religion and according to human emotional ups and downs God and religions are friendly to human being, but sometimes they are the subject to resentment or to keep at a distance.

1965년 한국외국어대학교에 아랍어과가 설치되면서 중동연구가 시작되어 발전해왔지만, 50년이 지난 오늘날까지 국내 이슬람학은 여전히 불모지와 다를 바 없다. 19세기 말이래 다양한 방법론으로 이슬람학을 발전시켜 온 서구와 달리 우리나라의 이슬람 연구는 답보상태다. 특히 국내 학자들은 서구의 이슬람 연구방법이나 결과를 ‘오리엔탈리즘Orientalism’의 산물로 일반화하여 비판하면서 정치화된 입장에서 학자를 친 이슬람과 반 이슬람이라는 진영 논리로 나누어 보는 경향을 짙게 보인다. 이 논문은 서구 이슬람학의 역사적 무함마드 연구를 예로 삼아 국내의 이슬람 연구 동향을 비판적으로 고찰하고, 서구 학자들이 추구해 온 객관적 연구 정신을 오리엔탈리즘 담론의 덫에 빠지지 않고 우리 이슬람학계가 구현해야 한다고 주장한다.

Since the establishment of the Department of Arabic at the Hankuk University of Foreign Studies in 1965, Korean scholars have conducted researches on the Middle East, but Islamic Studies is still highly underdeveloped. They have tended to sacrifice opportunities to take more objective approaches by disregarding the Western Islamicists’ works on Islam as mere products of Orientalism. Comparing the Western Islamicists’ quest for the historical Muhammad with Korean scholars’ approaches to the topic, this paper attempts to analyze the lack of development in Korean Islamwissenschaft and propose new ways to boost objective research in the academic field without falling into the trap of the discourse on Orientalism in the hope that this will contribute to a further development of Islamic Studies in Korea.

이 논문은 시각문화학자인 W. J. T. 미첼(Mitchell)의 대상성 이론을 기반으로 구한말 개항장 풍속화인 김준근의 기산(箕山)풍속화에 재현된 조선인 이미지의 타자성을 지정학적 맥락에서 분석한 것이다. 미첼은 제국주의 이데올로기가 식민지화 대상국의 이미지에 덧씌워질 경우, 타자화된 다중적 대상성(objecthood)이 토템(totem), 페티시(fetish), 우상(idol)의 세 가지 범주로 나타난다고 설명했다. 이 대상성은 기산풍속화의 조선풍물과 조선인의 이미지가 1차와 2차의 변용과정을 거치며 타자화 되는 과정에서 단계별로 나타난다. 연구 과정에서 그림에 개입된 지정학적 시선을 밝혀내고자 원본이미지와 변용된 이미지용 텍스트 사이의 간극에도 주목하였다. 단원 김홍도의 풍속화를 모본으로 외국인 수집가의 눈높이에 맞게 1차 변용된 기산풍속화 속 조선인과 조선풍물의 이미지는 상징적 토템으로 제시된다. 이는 외국인들에게는 이국적 풍물의 페티시로서 수집의 대상이 되기도 한다. 외국수집가들의 손을 거쳐 외국 책, 특히 조선 지배를 노리던 일본의 책에 실린 기산풍속화는 조선의 전근대성을 규정하는 문자텍스트와 함께 삽화로 실린다. 이때 2차변용을 거치면서 타파되어야할 미개한 우상의 이미지로 제국주의 목적에 맞는 의미를 형성한다. 기산풍속화는 19세기말 서양이 풍물사진을 통해 이국의 원주민을 호기심어린 시선으로 대상화했던 것과 일치하는 방식으로 타자성을 지니게 되었으며, 일본 책에 실린 기산풍속화의 경우는 조선 식민지화를 정당화하는 도구로까지 이용되었다는 것을 알 수 있다.

This paper, on the basis of W. J. T. Mitchell's objecthood theory, analyzes Otherness of Joseon images in Gisan genre paintings, which are open port genre paintings by Kim Jun Geun in late 19th century. Mitchell, a visual culture theorist, argues that, if the image of the colony is projected through imperial ideology, various objecthoods of the image could be revealed. In the case of Gisan genre paintings, Joseon images unveil each of the three objecthoods(Totem, Fetish, Idol), as they go transformed at the two stages. Gisan's Joseon images, initially transformed from Danwon Kim Hond-do genre paintings, are presented as symbolic Totem. When foreigners collected Gisan genre paintings as rare artifacts, the images unveil the objecthood of Fetish. At the next stage, Gisan genre paintings in foreign books, when used as illustrations with texts describing pre-modern traits of Joseon, reveal the objecthood of Idol, which shaped an imperialistic landscape of Joseon. This paper found that geopolitical views intervened in the images of Gisan genre paintings, and transformed the images at the several stages, and that the respective objecthood of Totem, Fetish, and Idol is unveiled in the images. Particularly, the gap between the text and the image was noticed. We come to the following conclusions: this may well correspond to the way of Western imperialism in the late 19th century which, through folklore pictures, viewed non-European natives as the Other and defined them as uncivilized savages. Furthermore Gisan paintings in Japanese books were used as instruments which justified the colonialization of Joseon.

본고는 현대 철학과 인문학 담론에서 첨예하게 대두되고 있는 바이러스, 전염, 면역 등의 개념을 소개하고자 한다. 이에 대해 가장 적극적으로 전유하는 사상가로서 데리다를 손꼽을 수 있다. 데리다는 명시적으로 현대 유전학과 면역학의 용어를 차용하여 현대 문명의 시스템의 원리를 설명했던 90년대의 저술들을 포함하여 현대 의학과 생물학의 핵심 개념들을 창조적으로 재해석하는 작업에 몰두했다. 이와 같은 논지를 발표한 사상가들을 바탕으로 본 논문에서는 영상문화의 지평을 넓히고자 바이러스의 기호 인류학적 상상력에 초점을 두고 특히 바이러스가 지니는 생물학과 인간 문화 전반을 아우르는 이미지 현상이라는 관점 하에서 바이러스성에 대하여 다루고자 한다. 무엇보다 개념적 혼동을 불러올 수 있는 다차원적 의미론을 지닌 바이러스에 대하여 정리하기위해 가상과 디지털 사이의 혼동을 다루고자 한다.

This article intends to introduce the concepts of virus, infectious disease, and immunity that are emerging in contemporary philosophy and humanities discourse. Derrida is one of the most thought-provoking thinkers. Derrida explicitly engaged in the task of creatively reinterpreting the core concepts of modern medicine and biology by borrowing the terms of modern genetics and immunology. In this paper, I focus on the semiotic anthropological imagination of viruses in order to broaden the horizon of image culture. In this paper, I focus on viruses under the view of image phenomena including viruses and biology and human culture in general. do. Most of all, I want to deal with the confusion between virtual and digital in order to summarize viruses with multidimensional semantics that can lead to conceptual confusion.

본 논문은 토마스 만의 중편소설『베니스에서의 죽음』에서 나타나는 응시의 촉각적 성질, 햅틱 응시 또는 만지는 응시에 대한 문제를 다룬다. 논문은 토마스 만의 소설을 분석 대상으로 삼고 있으나, 분석에 필요한 일부 요소에 대해서는 부분적으로 만의 소설을 바탕으로 한 루키노 비스콘티의 동명의 영화를 불러오기도 하였다. 토마스 만의 햅틱 응시에 대한 문제는, 지금껏 다루어지지 않은 것이 사실이다. 그러나 본 논문은 『베니스에서의 죽음』에서 분석의 가능성을 엿보았고, 리글과 들뢰즈의 햅틱 비젼, 만지는 시선에 대한 논의를 바탕으로 접근을 시도하였다. 그와 더불어 소설 속에 나타나는 다른 감각들(청각, 후각, 촉각)에 대해서도 함께 다루고자 하였다. 들뢰즈는 만지는 응시는 햅틱 공간과 쌍을 이룬다고 설명하였고, 그 매끈한 성질의 대지 위에, 강렬한 감각의 경험이 펼쳐질 수 있게끔 자신을 제공한다고 설명하였다. 그와 마찬가지로 『베니스에서의 죽음』에서 만지는 시선이 운동하는 햅틱 공간은, 응시의 성격만큼이나 강렬한 다른 감각들의 경험을 제시한다. 본 논문은 다양한 감각 경험들에 대한 문제를 앞서 다루고, 이어서 햅틱 응시, 만지는 응시에 대한 문제로 들어간다. 시각의 촉각성에 대해서, 리글과 들뢰즈는 이집트의 저부조와 벽화를 가장 탁월한 모델로 제시하였다. 이집트 저부조가 지닌 만지는 시선의 성질, 가까움의 성질, 납작하고 고립된 성질 등은, 『베니스에서의 죽음』에서 아센바흐의 만지는 시선의 특성을 분석하는데 큰 도움을 주었다. 본 논문은, 들뢰즈를 빌어, 토마스 만의 만지는 응시와 그에 조응하는 햅틱 공간 즉, ‘바다를 모델’로 한 매끈한 공간이자 변화와 생성의 공간, 정동의 공간, 나아가 복합적 공간의 의미를 탐구하였다.

This article deals with the question of the haptic gaze of gold in the novel of Thomas Mann, Death in Venice. In doing so, we are also partially treating Luccino Visconti's film based on Mann's novel. The haptic look of Thomas Mann is a rarely trite subject. In this context, this article approaches this quality of the supposed look of having truited by Mann, through the theory of the haptic vision of Riegle and Deleuze. To do this, we begin by treating the intense and various experiences of the five senses, well expressed in the novel; Then the characters of Aschenbach's haptic gaze (the hero of the novel), its proximity, its frontality and its quality of touch as caress. These, being characterized by Riegle and Deleuze, the proper qualities of Egyptian art as base-reliefs and wall paintings. And finally, the article treats the haptic space which is paired with the haptic gaze - a smooth, open space, a space of becoming - and which is conceived by Aschenbach.

Cer article trait la question du regard haptique or regard à toucher dans le roman de Thomas Mann, Mort à Venice. Ce faisant, nous trâitons aussi quoique partiellement le film de Luccino Visconti réalisé d’après le roman de Mann. Le regard haptique de Thomas Mann est un sujet rarement trâité. Dans ce contexte cet article approche à cette qualité du regard supposé d‘avoir trâité par Mann, à travers la théorie de la vision haptique de Riegle et de Deleuze. Pour ce faire, nous trâitons d’abord les expérience intenses et divers des cinque sens, bien exprimées dans le roman ; puis les carractères du regard haptique d’Aschenbach (le hero du roman), de sa proximité, de sa frontalité et de sa qualité de toucher comme carresse. Ceux-là, étant caractérisé par Riegle et Deleuze, les qualités propres des art egyptiens comme base-reliefs et peintures murails. Et pour finir, l’arcticle trâite l’espace haptique qui fait paire avec le regard haptique - une espace lisse et ouvert, une espace de devenir - et qui est conçu par Aschenbach.

본 연구는 에번스의 핵심 테제인 다큐멘터리 스타일을 대상으로 사진사와 사진미학의 관점에서 이 개념이 지닌 복합적인 의미를 드러내고자 한다. 1930년대 다큐멘터리 스타일의 등장 배경, 다큐멘터리 스타일이 지닌 형식과 내용, 다큐멘터리 형식이 지닌 미학적 의미 밝히고자 한다. 이를 통해 1990년대 이후 서구 현대사진의 중요한 패러다임인 도큐먼트 경향의 예술사진의 기원과 의미를 모색하고자 한다. 사진사에서 19세기 동안 도큐먼트와 예술은 서로 대립되는 개념으로 인식되어 왔다. 하지만 이 두 개념은 1930년대부터 에번스의 다큐멘터리 스타일을 통해 결합되기 시작했다. 그의 다큐멘터리 스타일은 당시 미국 사진계의 거장들 대신에 실제의 미학을 주창했던 유럽의 관점에 뿌리를 둔다. 에번스의 다큐멘터리 형식은 범죄사진, 과학사진과 같은 실제 도큐먼트 사진의 형식과 거의 일치한다. 그것은 엄밀하게 표준화된 사진 형식으로 모든 디테일이 드러나는 선명성, 단순한 프레임, 정면성, 정지된 포즈, 무표정 등을 특징으로 한다. 에번스의 다큐멘터리 형식은 이처럼 도큐먼트 사진의 내부뿐만 아니라 외부인 시리즈와 아카이브의 형식에도 존재한다. 그는 미국 사회를 조사, 기록, 분류하는 사진 아카이브를 구축하고자 했다. 에번스의 사진은 도큐먼트 사진의 주요 특징인 익명성에 바탕을 둔다. 그것은 객체와 주체의 익명성이라는 이중의 익명성이다. 그의 인물은 개별성이 사라진 도시에서 부유하는 익명의 대상들이다. 이 사진 시리즈들의 촬영과정에서 사진가의 개입은 최소화된다. 특히 움직이는 대상을 무작위로 촬영하는 스냅방식을 사용함으로써, 작가의 익명성은 더욱 더 강화된다. 에번스는 이처럼 주체의 죽음에 의한 순수 기록 방식을 통해 완벽한 도큐먼트에 도달하고자 했다.

This paper aims to reveal the complex meaning of this concept from the viewpoint of photo history and photographic aesthetics, focusing on Walker Evans' core thesis, documentary style. It explores the background of the 1930s documentary style, the form and content of the documentary style, and the aesthetic meaning of the documentary style. Through this, It intend to explore the origins and meanings of artistic photographs of document tendency, which is an important paradigm of Western contemporary photography since the 1990s. During the nineteenth century in photography, document and art have been perceived as conflicting concepts. However, these two concepts began to be combined through the documentary style of Evans from the 1930s. His documentary style is rooted in Europe's viewpoint of realistic aesthetics instead of the masters of American photography at the time. Evans' documentary form closely matches the form of real document photos, such as criminal photographs and science photographs. It features a precisely standardized picture form, with all the details revealing sharpness, simple framing, frontalism, static pose, and non-expression. Evans' documentary form exists not only in the interior of a document photo but also in the form of an outsider series and archive. He wanted to build a photo archive that examined, recorded, and classified American society. Evans' photographs are based on anonymity, a key feature of documentary photography. It is the dual anonymity, that is anonymity of objects and subjects. The people in his photos are anonymous subjects that float in a city, of which individuality has disappeared. The photographer's involvement in these series of photographs is minimized. Especially, by using the snap method which takes a moving object at random, the artist's anonymity is further strengthened. Evans thus wanted to reach a perfect document through pure recording by the death of the subject

본 논문의 목적은 영화영상을 비평적 글쓰기와 연계한 교육에 효과적인 분석 시트를 제안하는데 그 목적이 있다. 글쓰기와 사진영상 그리고 영화영상과의 관계는 이미 심도깊게 연구된 바가 있지만 이것이 일선의 교육을 목적으로 하여 체계화된 사례는 찾아보기 힘들다. 특히 이론가의 내용을 학습하는데에는 적극적이나, 그 이론을 적용하여 글쓰기에 적용하려는 시도는 더욱 찾아보기 힘들다. 이에 본 논문에서는 영상비평이론에 전범인 롤랑 바르트와 질 들뢰즈의 이론을 정리한 후, 영화영상과 연계한 글쓰기 분석 시트에 적용 가능한 부분을 추출하여 체계화하고자 한다. 이 때 두 사상가의 이론을 범주화 하고 절충지점을 조율할 때 중요하게 추출하려는 부분은 ‘비언어 커뮤니케이션’이다. 영화 영상 속에는 언어와 비언어의 비중을 생각해볼 때 단연 비언어적 요소가 많은 것이 사실이다. 이를 간과하지 않으면서 영화영상, 사진영상의 이론적 의미와 글쓰기로 승화할 때 체계화 할 수 있는 요소를 대상으로 하여 분석 시트에 일별해 놓고자 한다. 이는 논리적 비약과 자의적 해석으로 인하여 그 체계성에 오류가 있을 수밖에 없으나, 교육 목적의 체계화를 위한 시도로서 앞으로의 발전 가능성을 염두에 두고 시도된 다는 점에서 그 의미를 찾을 수 있으리라 조심스럽게 판단해 본다.

The purpose of this paper is to propose an effective analytical sheet for teaching cinematic images in connection with critical writing. The relationship between writing, photographic images and films has already been studied in depth, but it is hard to find a case in which this is systematized for the purpose of education. In particular, it is active in learning the contents of the theorist, but it is hard to find an attempt to achieve the purpose of writing by applying the theory. In this paper, after analyzing the theories of Roland Barth and Gilles Deleuze in the theory of image criticism, I try to systematize the analysis sheet by extracting the applicable parts to the writing analysis sheet linked with films. Non-verbal communication is an important part of categorizing the two thinkers' theories and coordinating the points of compromise. It is true that there are many non-verbal elements when considering the importance of language and non-language in films. Without overlooking this, I would like to keep the "theoretical value of movie images and photographic images" and "elements that can be systematized by writing" on the analysis sheets. This is because there is an error in the systematicity due to logical leap and arbitrary interpretation, but I will judge carefully that it will be meaningful in that it is attempted for future development as an attempt to systematize educational purpose.

본 연구는 한국 웹툰의 국제화와 인도네시아 내 웹툰 현상을 분석하고 그 함의를 탐구한다. 이를 위해 본 논문은 한국 웹툰이 어떤 경로를 거쳐 산업적 발달을 이루었는지, 이미 20년 가까이 진행된 한류 현상과 웹툰의 국제화 간에는 어떤 관계가 있는지, 그리고 인도네시아는 어떤 방식의 만화 생산과 유통, 그리고 수용의 역사를 갖고 있는지를 질문한다. 이를 통해 문헌연구, 심층 인터뷰와 FGI(포커스 그룹 인터뷰)를 포함한 질적연구를 주요 방법론으로 하여, 인도네시아 웹툰 팬들의 한국 웹툰에 대한 태도와 수용 방식 및 그 문화적 의미를 국제 커뮤니케이션의 관점에서 논의한다. 본 연구에 의하면 인도네시아 수용자는 한국의 대중문화 상품을 자본주의적 경쟁력을 갖춘 매력적인 텍스트로 인식하고 있다. 일본 망가가 준독점적인 위치를 차지한 인도네시아 만화시장에서 한국 웹툰은 만화의 생산과 소비 지형에 변화를 주고 있다. 일테면, 출판사로부터 외면 받던 인도네시아 만화가들을 웹툰 작가로 데뷔시키고, 번역에서 문화적 한계를 제거하는 등 다각적인 현지화 노력을 펼치고 있다. 그러나 문화적 및 종교적 공통점이 많지 않은 인도네시아는 조심성 있게 접근해야 할 시장이다. 해외 시장을 개척하고자 하는 콘텐츠 사업자는 문화현상의 가변성에 대한 정교한 인식과 현지 미디어 및 소비환경의 변화에 대한 철저한 준비가 필요할 것이다.

This study aims to understand the "webtoon" phenomenon in Indonesia and analyze the implications of it in relation to the internationalization of the Korean webtoon. For this purpose, this paper first examines the relationship between the Korean Wave and the internationalization of the Korean webtoon, and then explores the historical contexts of production, distribution and reception of Indonesian comics. Using qualitative research methods including literature review, in-depth interviews and FGI (Focus Group Interviews), this paper inquires into the Indonesian fans' attitude towards and reception of Korean webtoon attitude, and discusses the cultural meaning of this new phenomenon from the perspective of international communication. According to this paper, Indonesians tend to recognize the Korean cultural products as highly competitive capitalist texts, different from their domestic ones. Although the Japanese manga have exerted strong influences on Indonesia markets, Korean webtoons have an impact on production and consumption of comics in Indonesia. For example, Korean webtoon platforms make efforts to localize their business, and help Indonesian artists, who had been neglected by local publishing companies, debut as professional comic artists. After all, this paper argues that Korean content companies need to be more culturally sensitive to foreign markets.

이 연구는 필름 느와르 스타일이 도시 부조리와 모순을 잘 담아낸다는 가정 아래, 과거 강남개발 과정을 재현한 영화 <강남 1970>을 분석한다. <강남 1970>은 필름 느와르의 형식을 전유하여 1970년대 전후 강남을 중심으로 진행된 서울개발 과정을 살펴보는 영화이다. <강남 1970>의 두 중심인물 남성은 서울이 근대 자본주의 도시로 급격하게 이전하는 과정에서 원래의 보금자리를 잃고, 권력자들의 땅따먹기 놀이와 같은 부동산 투기에 이용된다. 그 와중에서 이들은 한 몫을 챙길 수 있으리라 기대하고 전면에 나서서 강제와 폭력을 행사하기도 한다. 그런데 이러한 폭력과 강제를 통해서 땅은 사람이 삶을 영위하는 공간이라는 의미를 상실하고 화폐가치로 평가되고 교환되는 상품이라는 의미를 얻게 된다. 이와 같은 모습은 어두운 폐허나, 안개 자욱한 늪지, 화려한 색의 조명이 비추는 술집, 빛과 그림자가 근엄하게 드리운 실내 등의 공간적 재현과 그 안에서 이뤄지는 폭력적 행위를 통해 잘 드러난다. 특히 근대 자본주의 도시 공간이 형성되는 방식을 보여주고자 권력자와 비권력자의 대비를 공간적으로 구분해 재현한다는 점이 특징적으로 보인다.

This study analyzes <Gangnam Blues>(2015), the movie about the 1970s development of Gangnam area, under the hypothesis that fim noir is an appropriate filmic style to deal with urban problems and contradiction. <Gangnam Blues> appropriates film noir style to examine the expansion of Seoul through the development of Gangnam in the 1970s. Two main characters of <Gangnam Blues> lose their shelter and later are involved in speculation of real estate. Even though they become gangsters to use violence for their small portion, they are used by power elites behind. Through their violence and coercion, land loses the old meaning of human residence but acquire the new meaning of commodity for exchange and commercial value. This transformation is signified by dark ruins, foggy wetland, and night clubs in terms of image of place. These domestic spaces of contrasted lighting is represented as spaces filled with violent activities and conspiracies. <Gangnam Blues> is featured with that power elites’ space is contrasted with the powerless’s one in order to show the process of construction of modern capitalistic urban space.