Earticle

본 연구는 서울문화재단의 2023년 예술지원사업을 문화경제학의 관점 에서 분석하고, 자원배분 구조가 예술생태계의 지속가능성에 미치는 영향 을 평가하는 것을 목적으로 한다. 분석틀은 러스킨의 고유가치론, 트로스 비의 이중가치론, 프레이의 내재적 동기론, 토우즈의 예술가 노동시장 구 조론으로 구성되며, 이를 토대로 이론별 가치 항목을 설정하고, 서울문화 재단의 실제 예산 편성과 비교 분석하였다. 분석 결과, 가치 기반 항목의 예산 비중은 전체의 18.8%에 불과하며, 나머지 81.2%는 발표지원 등 단 기성과 중심 사업에 집중되어 있었다. 이는 예술의 공공성, 창작의 자율 성, 예술가의 생활 안정성과 같은 문화정책 핵심 가치들이 정책 설계에서 구조적으로 후순위로 배치되어 있음을 시사한다. 특히 창작의 준비단계, 기반 조성, 권익 보호 등은 소외되어 있으며, 이는 프레이와 토우즈가 강 조한 창작 지속성과 사회경제적 조건과도 충돌한다. 본 연구는 문화경제 학 이론을 정책 분석에 적용함으로써, 예술지원사업이 단기성과 중심 구 조에서 벗어나 장기적 가치와 공공적 기능을 포괄하는 방향으로 재편될 필요성을 제시한다. 향후 문화예술 정책은 성과 계량성에 대한 과도한 의 존을 탈피하고, 예술의 사회적 역할, 창작의 전(全)주기적 지속성, 예술가 의 생존 기반을 포괄하는 평가체계를 확립해야 할 것이다.

This study analyzes the Seoul Foundation for Arts and Culture’s 2023 arts support projects from the perspective of cultural economics, focusing on how its resource allocation structure affects the sustainability of the arts ecosystem. Using theoretical frameworks from John Ruskin’s theory of intrinsic value, David Throsby’s dual value theory, Bruno Frey’s theory of intrinsic motivation, and Ruth Towse’s analysis of the labor market for artists, the study derives value-based indicators and applies them to empirical budget analysis. The findings reveal that value-based items account for only 18.8% of the total budget, while the remaining 81.2% is concentrated in short-term, outcome-oriented projects such as exhibition support. This structural imbalance suggests that essential cultural policy values—such as artistic autonomy, publicness, and socioeconomic security for artists—are marginalized within the current policy framework. In particular, areas such as creative preparation, foundational support, and rights protection are insufficiently addressed, revealing a significant gap between theoretical principles and actual policy priorities. By applying cultural economic theory to policy analysis, this study emphasizes the need to move beyond performance-centered approaches and toward a restructured model that includes long-term value and public function. Future cultural policy should reduce excessive dependence on quantifiable outcomes and establish an evaluation framework that reflects the social role of art, the continuity of creative work, and the structural conditions for artists’ survival.

본 연구는 ‘탈-모성(脫母性)’ 개념을 통해 신자유주의 통치성과 포스트 페미니즘 담론이 교차하는 오늘날의 문화적 조건 속에서, 규범적 모성이 반복 수행되는 양상과 그 균열의 가능성을 분석하고자 했다. 탈-모성은 전통적 모성 신화의 거부에 머무는 반(反)-모성과는 구별되며, 규범의 반 복을 통해 차이와 전복 가능성을 생성하는 수행적 실천으로 이해될 수 있 다. 이를 위해 넷플릭스 드라마 《더 글로리》에 재현된 세 모녀 관계—정 미희–문동은, 홍영애–박연진, 강현남–이선아—를 중심으로 방기, 위선, 재 구성이라는 층위를 따라 모성 수행의 감정 정치적 양상을 고찰하였다. 분 석 결과, 탈-모성은 정동과 관계의 층위 속에서 감정 윤리를 재구성하고, 돌봄의 새로운 실천 가능성을 제기하는 하나의 수행성 장치로 기능함을 보여준다. 나아가 이러한 탈-모성적 실천이 사적인 정체성의 층위를 넘 어, 돌봄의 제도화와 공동체 윤리 구성이라는 공적 차원으로 확장될 수 있는지에 대한 이론적 질문을 남긴다.

This study introduces the concept of de-maternalization, a performative and affective rupture of normative motherhood that arises at the intersection of neoliberal governmentality and postfeminist discourse. Rather than simply rejecting motherhood, de-maternalization signifies a critical form of performative resistance-one that reiterates maternal norms in ways that expose their internal contradictions and ethical limitations. Focusing on the Netflix drama ≪The Glory≫(2022), the article analyzes three mother-daughter relationships-Mi-hee and Dong-eun (abandonment), Young-ae and Yeon-jin (hypocrisy), and Hyeon-nam and Seon-a (reconfiguration). These narratives dramatize how affective violence and emotional labor function within the contemporary logic of maternal performance. Drawing on Judith Butler’s theory of gender performativity, Sara Ahmed’s politics of emotion, and James Ferguson’s critique of neoliberal subjectivation, the study theorizes de-maternalization as a symbolic and embodied negotiation of social expectations, unstable affects, and ethical possibility. Ultimately, this framework reconceptualizes motherhood not as a static identity but as a contested field of normative repetition-especially in a time when care itself is increasingly privatized, instrumentalized, and responsibilized.

속도와 이동성을 특징으로 하는 새로운 미디어 환경의 출현은 창작자와 수용자 사이의 위계적 경계를 더욱 흐릿하게 만들고 있다. 숏폼 플랫폼에 특화된 콘텐츠 중 하나인 POV는 시점을 의미하는 영문 point of view의 줄임말로, 틱톡 TikTok, 유튜브 쇼츠, 릴스 Reels 등에서 생산되고 반복과 모방을 통해 디지털 밈으로 확산되는 영상 장르를 가리킨다. 본 논문은 숏폼 POV 콘텐츠가 영화의 주관적 시점 기법과 팬픽션의 독자삽입 서사 를 어떻게 재매개하며, 기존 미디어에서 기원한 감정적 동일시의 구조를 플랫폼 친화적인 영상 형식으로 전환하는지를 분석한다. 이를 위해 소셜 미디어 이전의 미디어인 영화와 팬픽션 글쓰기에서 시점 장치가 공감의 인터페이스로 작동해온 방식을 계보적으로 고찰한 뒤, K-pop 팬덤 내에 서 생성된 숏폼 POV 콘텐츠를 중심으로 감정 동일시 전략이 디지털 플랫 폼 환경에서 시청각적으로 재구성되는 과정을 살펴본다. 소셜 미디어 플 랫폼을 지배하는 관심 경제 attention economy의 논리 속에서 숏폼 POV 콘텐츠 속 얼굴 없는 이미지 unfaced image가 상호주관적인 공감 형성 과정의 복잡성과 깊이를 소거한 채 히토 슈타이얼이 지적한 ‘빈곤한 이미 지’ poor image 로 귀결되는 과정을 비판적으로 고찰한다.

The emergence of a new media environment characterized by speed and mobility has increasingly blurred the hierarchical boundaries between creators and audiences. A representative genre of short-form platforms, PoV (point of view) content refers to videos produced and circulated on social media platforms such as TikTok, YouTube Shorts, and Instagram Reels, where they are remediated and disseminated as digital memes through repetitive mimicry. This paper examines how PoV content remediates the subjective point-of-view techniques of cinema and the self-insert narratives of fanfiction, transforming inherited structures of emotional identification into platform-friendly audiovisual formats. To this end, the study first traces how point-of-view devices have historically functioned as interfaces of empathy in pre-social media media forms, particularly film and fanfiction writing. It then critically analyzes how, within K-pop fandom, the emotional identification strategies of fanfiction are audiovisually reconfigured in short-form PoV content under the conditions of digital platforms.

인공지능(AI)의 급속한 발전은 예술 창작에서 AI를 중요한 도구로 자리 매김하게 했다. 미드저니(Midjourney)와 같은 AI 그림 모델은 간단한 텍스 트 입력만으로 고품질 이미지를 생성할 수 있다. 컴퓨터의 기술 예술 창 작 방식에 변화는 다양하게 이루어지고 있다. 예술과 기술을 접목시키는 기계적 상황은 ‘인간적 접근 방식(human-centered approach)’ 특성을 지 닌 이미지 생성 방식에 대한 논의가 부족한 측면이 존재해 왔다. 미드저 니 플랫폼에서 이루어지는 프롬프트 조합, 스타일 참조 기능(sref：Style References), 무드보드(Moodboard) 기능은 ‘인간적 접근 방식’ 이미지 생 성의 주요 요소로 작용할 수 있다는 가능성을 보여준다. 본 연구는 넷노 그래피와 실험 분석을 병행하여 미드저니의 이러한 기능이 ‘인간적 접근 방식’ 이미지 생성에 어떻게 영향을 미치는지를 탐구한다. 첫째, 프롬프트 조합과 모델 버전 간의 적합성 여부를 살핀다. 서로 다 른 프롬프트 구성은 시각적 표현 양식에 차이를 가져온다. 결과론적으로 이미지 스타일 생성에 영향을 주게 된다. 둘째, 스타일 참조 기능(sref)은 ‘인간적 접근 방식’ 특성을 강화한다. 미드저니에서 특정 스타일 이미지를 입력하면 생성 이미지의 예술적 표현력이 향상되는 경향이 나타난다. 셋 째, 무드보드 기능은 다중 이미지를 시각적으로 결합하여 감정 표현과 스 타일 융합에 영향을 준다. 프롬프트 조합, 스타일 참조 기능(sref), 무드보드 기능은 AI 이미지 생 성 과정에서 활용 가능한 시각적 제어 요소로 작용하며, ‘인간적 접근 방 식’이미지를 생성하기 위한 체계적인 프레임워크 구축에 기여한다. 또한 이 세가지 구성은 AI 예술 창작의 제어 가능성에 대한 새로운 이론적 관 점을 제시한다. 그 결과 도출된 정교한 이미지 생성 방식은 인간의 미적 감각과 감정적 요구를 충족하게 된다.

The rapid advancement of artificial intelligence (AI) has established it as a transformative tool in artistic creation. AI image generation models, such as Midjourney, can produce high-quality images from simple text inputs, revolutionizing the creative process. However, prior studies have largely overlooked methods for generating images with human-inspired characteristics. This study adopts a combined approach of netnography and experimental analysis to investigate how prompt combinations, style reference, and moodboard features on the Midjourney platform influence the creation of human-inspired imagery. The interplay between prompt configurations and model versions shapes the direction of image style generation, leading to diverse visual expressions. The style reference function enhances artistic expressiveness by incorporating a specific reference image, resulting in images that more closely align with human-inspired characteristics. Similarly, the moodboard function integrates multiple reference images, influencing both emotional expression and stylistic coherence, thereby contributing to the nuanced development of human-inspired imagery. These functions—prompt combinations, style reference, and moodboard—serve as visual control mechanisms in the AI image generation process, forming a systematic framework for creating human-inspired imagery. This framework provides a novel theoretical perspective on the controllability of AI-generated art. It enables creators to produce refined images that align with human aesthetic sensibilities and emotional needs, advancing the potential for AI to support human-centered creative expression.

본 연구는 음악과 미술의 융합 과정에서 생성형 인공지능을 활용한 사 례와 이에 대한 감상자 반응을 분석하였다. 프랑스 인상주의 작곡가 드뷔 시(Claude Debussy, 1862-1918)의 《기쁨의 섬≫(L'Isle Joyeuse, 1904) 을 음악·미술의 융합 관점에서 분석하고, 이를 시각화가 가능한 형태로 텍스트화한 후, 이미지 생성형 인공지능 모델 ‘미드저니’(MidJourney)에 입력하였다. 이러한 음악-텍스트-이미지 연계방식을 통해 총 52개의 관 련 이미지가 생성되었으며, 이를 수정하고 보완하는 작업의 전 과정에서 이미지 생성과 음악 연주는 상호적으로 작용하고 있음을 알 수 있었다. 본 연구는 드뷔시의 단일 작품을 중심으로 한 사례 기반 소규모 질적 연 구로, 완성된 결과물을 8명의 감상자에게 제시하고 반응을 수집하였다. 이후 파이썬(Python)의 판다스(Pandas), 매트플롯립(Matplotlib) 라이브러 리와 KNU한국어 감성분석도구를 사용하여 감성 분석 및 시각화를 수행하 였다. 연구 결과, 기술을 활용한 음악과 미술의 융합이 서양 음악의 대중 적 접근성을 높이는 데 긍정적인 역할을 할 수 있음이 밝혀졌으며, 예술 분야에서의 인공지능 융합 연구의 새로운 가능성을 제시하였다. 앞으로 이러한 융합 연구가 활성화되어 클래식 음악의 대중적 확산과 교육적 실 천에 기여할 수 있을 것으로 기대된다.

This study explores the integration of generative AI in the fusion of music and visual art through the analysis of audience responses. Centered on Claude Debussy’s ≪L’Isle Joyeuse≫(1904), the research translates the musical content into descriptive text, which is then processed by the image-generating AI model MidJourney to produce 52 related visual outputs. The iterative process of editing these images revealed a mutual interaction between musical interpretation and visual generation. This qualitative case study collected responses from eight participants after presenting them with the completed audio-visual materials. Using Python libraries such as Pandas and Matplotlib, along with the KNU Korean sentiment lexicon, the study conducted sentiment analysis and visualization based on the audience’s textual feedback. The findings suggest that the fusion of technology with classical music and visual art can enhance accessibility and engagement with Western classical music. This research highlights the emerging potential of AI-driven convergence in the arts and suggests meaningful directions for its future application in education and public dissemination.

본 연구는 알랭 드 보통의 ‘감정 미학(emotional aesthetics)’을 중심으 로, 불안이라는 감정이 예술 속에서 어떻게 감각적이고 철학적인 방식으 로 구현되는지를 고찰한다. 드 보통의 ‘감정 미학’은 감정을 단순한 심리 적 반응으로 보지 않고, 존재를 사유하고 삶을 해석하는 철학적 계기로 이해한다. 특히 그는 불안을 인간 실존의 근원적이자 구조적인 조건으로 간주하며, 이 부정적인 감정이 윤리적 성찰과 미적 인식의 출발점이 될 수 있음을 강조한다. 본 연구는 이러한 관점을 중심으로 불안, 외로움, 고 독을 형상화한 미술가들의 작품세계를 새롭게 조망한다. 이들은 서로 다 른 시대와 문화적 배경 속에서도 고립된 인간 존재와 내면의 불안을 예리 하게 포착하며, 타자와의 단절에서 비롯된 외로움과 자기 자신과의 내적 대화 속에서 생성되는 고독 사이의 존재론적 진폭을 드러낸다. 이들의 작 품은 정체성의 불확실성과 인정 욕망의 좌절이라는 실존적 불안을 공통된 정서로 내포하고 있다. 본 연구는 이와 같은 감정 구조를 드 보통이 제시 한 ‘사회적 지위에 대한 불안’ 개념과 연결하여 해석한다. 그리고 이 과정 에서 예술이란 불안과 슬픔에 형태를 부여하고, 삶의 부정성 속에서도 존 재의 존엄과 의미를 발견하게 하는 윤리적 수용체로 기능할 수 있음을 환기한다.

This study examines how the emotion of anxiety is embodied in art through both sensory and philosophical dimensions, focusing on Alain de Botton’s concept of emotional aesthetics. De Botton’s emotional aesthetics does not treat emotions as mere psychological reactions but as philosophical channels through which existence is contemplated and life is interpreted. In particular, he regards anxiety as a fundamental and structural condition of human existence, emphasizing its potential to become a starting point for ethical reflection and aesthetic awareness. Drawing on this framework, the study reinterprets the artistic worlds of painters who visualize anxiety, loneliness, and solitude. Despite their differing historical and cultural contexts, these artists sharply capture the image of isolated human existence and the intensity of internal unrest. Their works reveal the ontological amplitude between loneliness—stemming from disconnection from others—and solitude—formed through introspective dialogue with the self. They commonly express existential anxiety rooted in the uncertainty of identity and the frustration of the desire for recognition. This emotional structure is analyzed in connection with de Botton’s notion of status anxiety, illustrating how art reclaims affective complexity within broader social and existential frameworks. Ultimately, the study argues that art functions as an ethical vessel that gives form to pain and sorrow and discovers dignity and meaning even within life’s negative conditions. In this light, art is not an escape from anxiety but a means of transforming it into existential awareness, emotional coexistence, and self-acceptance.

이 연구는 넷플릭스 오리지널 시리즈가 디지털 플랫폼 환경에서 어떻게 영화적 감상 경험을 구성하며, 기존 텔레비전 서사와 구별되는 새로운 내 러티브 양식을 창출하는지를 분석한다. ‘넷플릭스 시학(Netflix Poetics)’과 ‘매우 긴 영화(a Very Long Movie)’라는 개념을 중심으로, 서사의 연속성, 몰입 중심의 감상 구조, 시각적 미학의 통합이라는 측면에서 넷플릭스 시 리즈의 주요 특징을 이론적으로 고찰하였다. <기묘한 이야기>, <OA>, <리플리 더 시리즈>를 사례로 삼아, 각 작품이 영화적 감각과 미학을 구 현하는 동시에 플랫폼 기반의 새로운 시청 리듬을 창출하고 있음을 실증 적으로 분석하였다. 연구 결과, 넷플릭스는 감상 환경과 서사 구조를 능 동적으로 재구성하는 주체적 플랫폼으로 부상했으며, 포스트 네트워크 시 대의 비선형적 소비 패턴에 대응하는 감상 생태계를 형성하고 있음을 확 인하였다. 이 연구는 ‘매우 긴 영화’ 개념을 통해 OTT 시대 영상문화가 영화와 텔레비전의 경계를 재구성하고 있음을 이론적으로 규명하고, 플랫 폼 환경에서 전개되는 내러티브 양식이 영화적 경험의 의미와 구조를 어 떻게 재편하고 있는지를 비판적으로 분석하였다.

This study investigates how Netflix original series construct cinematic experiences within a digital platform environment. Centering on the concepts of “Netflix Poetics” and the “Very Long Movie,” the research examines narrative continuity, immersive viewing structures, and visual aesthetics as defining characteristics of Netflix’s serial storytelling. Analyzing Stranger Things, The OA, and Ripley, the study demonstrates that these series are designed not as episodic television but as cohesive, film-like narrative entities. Through simultaneous release strategies, automated playback, and high-density mise-en-scène, Netflix erodes the traditional boundary between film and television, inviting continuous, immersive viewing. The findings position Netflix as more than a content distributor—it emerges as a curatorial agent actively shaping narrative structures and viewer engagement within a post-network media ecology. Drawing on Amanda Lotz’s concept of the “post-network era,” the study highlights how Netflix’s design principles resonate with nonlinear, user-driven consumption patterns. Platform-specific affordances— such as recommendation algorithms and personalization technologies—restructure both the temporal logic and narrative form of serialized content, aligning the cinematic with the algorithmic. By defining the “Very Long Movie” not merely as extended runtime but as a cinematic mode of narrative coherence and aesthetic integration, this study rearticulates Netflix’s role in transforming screen storytelling. The case of Ripley, in particular, illustrates the platform’s capacity to support high-art aesthetics and formal experimentation that might be unfeasible in traditional theatrical contexts. Netflix thus operates as a site of cinematic reinvention, enabling creators to hybridize the logics of film and television under a new grammar of streaming. This research contributes to ongoing debates on platform aesthetics by proposing the “Very Long Movie” as a conceptual framework through which to understand how cinematic ontology, narrative temporality, and audience agency are being restructured in the streaming era. Future studies may further extend this model across other global platforms to map the divergent trajectories of post-cinematic storytelling.

오늘날의 브랜드 아이덴티티 개발 과정에서 나타나는 특징적인 경향 중의 하나가 공동창조다. 공동창조란 다양한 이해관계자들이 가치 창출을 위해 집단적 창의성을 기반으로 협업하는 방법을 말한다. 브랜드 아이덴 티티가 특정한 현상을 만드는 일이라고 볼 때 공동창조는 현상을 만드는 특징적인 경향이다. 이 연구는 공동창조 과정을 통해 이루어진 브랜드 아 이덴티티라는 현상 기저에 어떤 내재적 원리가 작동하고 있을 것이라는 추론으로부터 시작됐다. 그에 따라 연구자는 불교 철학의 근간이라 할 수 있는 연기(緣起)를 연구의 원리이자 개념으로 상정하였다. 연기는 일체의 존재는 상의상존하면서 끊임없이 변화한다는 불교 철학의 핵심 기제로서, 브랜드 아이덴티티 공동창조 과정의 작동원리를 특징적으로 이해하는데 유의미하다. 브랜드 아이덴티티를 함께 구축한다는 것은 그 과정에 참여 하는 공동창조자들이 브랜드가 지향하는 공통된 맥락 안에서 경계 없이 사고하고 행동함을 전제로 한다. 공동창조의 참여자들은 상호 의존적인 관계로, 각자 독립적으로 존재할 수 없고 서로를 대체할 수도 없다. 그리 고 공동창조 과정에서 브랜드의 정체성은 여러 관점이 교차하고 충돌하면 서 끊임없이 변화하는 수행의 역동성을 갖게 된다. 결과적으로 브랜드 아 이덴티티의 공동창조 경향은 참여자들이 상보적 관계 속에서 다양한 관점 이 투사되고 조율, 조정되는 연기적 태도가 반영됨으로써 하나의 특정한 현상을 만들어 내는 일이라 할 수 있다.

One of the distinctive trends in the development of brand identity today is co-creation. Co-creation refers to the method by which various stakeholders collaborate based on collective creativity to achieve shared values. This study aimed to uncover the intrinsic principle underlying the process of brand identity formed through co-creation. Accordingly, the researcher adopted the concept of dependent arising (Pratītyasamutpāda), a fundamental principle in Buddhist philosophy, as the guiding principle of this study. This concept provides a valuable perspective for understanding the operational dynamics of the brand identity co-creation process. The collective effort of building brand identity presupposes that co-creators engage in a cohesive manner within the shared context that the brand seeks to establish. Participants in the co-creation process are inherently interdependent; they do not function in isolation, nor can they substitute for one another. Furthermore, the brand identity that emerges through co-creation exhibits a dynamic, performative quality, marked by the continuous convergence and interaction of diverse perspectives. Consequently, the co-creation trend in brand identity can be seen as the creation of a specific phenomenon that embodies an attitude reflecting the principles of dependent arising, where participants engage in a complementary relationship in which diverse viewpoints are projected, coordinated, and harmonized.

본 연구는 현대조형에서 빛이 발휘하는 특성을 존재론적 사유를 통해 조망하고, 이에 대한 예술적 발현의 방식을 고찰하는데 목적을 두었다. 빛은 고대부터 진리, 선, 생명력 등을 상징하는 은유체로 기능하며 동서양의 사상과 종교에 두루 영향을 끼쳤고, 예술가들은 이를 작품 안에서 시각적으로 가시화하기 위해 스테인드글라스나 키아로스쿠로 같은 기법을 발전시켰다. 정신적이고 영적인 존재로 간주되었던 빛은 근대과학의 발전 에 따라 구체적 입자를 지닌 물질로 파악되었고, 인상주의가 물감을 통해 표현했던 빛은 20세기 중반 이래 첨단 테크놀러지를 통해 조형의 주제일 뿐만 아니라 그 자체로 조형의 요소이자 원천으로 활용되었다. 빛의 발광 체인 광원 오브제는 물리적 형태로 조형의 요소를 갖춤으로써 시각 대상 물의 일부를 형성했지만, 캘리포니아를 중심으로 전개되었던 ‘빛과 공간 운동(Light and Space Movement)’의 제임스 터렐 작품들은 광원을 은폐 시키고 주변 공간 전체를 빛의 공간으로 변모시킴으로써 ‘관조’라는 시각 의 인지 방식으로부터 신체가 함께 개입된 ‘지각’과 ‘몰입’이라는 체험으로 작품 감상의 방식을 변화시켰다. 이러한 몰입은 VR 작품에서처럼 가상의 재현물을 다루는 방식과 구별되어, 작품이 재현하거나 모방하는 대상의 원본 없이도 공간 자체를 작품화한다. 여기서는 특히 제임스 터렐의 작품 을 중심으로, 그가 받은 예술적, 사상적 근거들을 비물질적, 정신적 측면에서 규명함으로써 빛이라는 요소가 현대조형에서 지니는 의미와 발현 방식을 고찰한다.

This study aims to examine the ways of artistic expressions with light in contemporary art by illuminating its property through ontological contemplation. Since the ancient times, light has influenced on the thoughts and religions all around the world by functioning as the symbol of truth, goodness, vitality, and Western artists, in particular, have developed artistic techniques such as stained glass and chiaroscuro in order to visualize it. Considered as psychological and spiritual being, light was discovered newly as physic material as modern science has developed. After the Impressionism colored daylights on canvas, light has been used as the artistic element and source due to the high technology since the mid twentieth century. On the contrary to the light source object, in material form, as parts of art works, James Turrell altered the ways of art appreciation with experience and immersion; he sets the whole exhibition space filled with light by hiding the light source. Distinguishing itself from the ways of virtual representation in VR pieces, this sort of immersion makes the whole space without original figurative object. Focusing on the works by James Turrell, in particular, this paper researches the significance and the ways of artistic expression with light in contemporary art by investigating the artistic and the theoretical basis in the aspect of immateriality and spirituality.

청춘 로맨스라는 장르영화는 해당 시기 청년 세대의 일상, 이상적 추구와 현실적 좌절을 그린다. 동시대 중국의 청춘 로맨스 영화는 개혁개방 이후 출생하고 2000년대와 2010년대를 거치며 성장한 세대에 주목한다. 즉 청춘 로맨스 영화의 청춘 표상이 개혁개방 이후 중국의 사회문화적 변 화를 대변하는 것이다. 저우둥위는 데뷔작인 <산사나무 아래>에서부터 ‘국민 첫사랑’의 강력한 이미지를 각인한 배우이다. 다양한 작품 활동에도 불구하고 저우둥위는 유독 청춘 로맨스 장르에서 발군의 활약을 보이고 있는데, 이는 그녀의 ‘얼굴’이 보여주는 청춘의 특징 및 그 스타 페르소나 와 불가분의 관련이 있다. 이에 본 논문에서는 저우둥위가 출연한 2010년 대 중국의 청춘 로맨스 영화를 중심으로 동시대 중국의 청춘 표상이 의미 하는 바를 고찰하였다. 스타의 얼굴은 단순한 이미지가 아니라 각 시대 대중의 선망과 기대가 압축된 감정-이미지다. 시대의 반영물로서 영화와 스타는 일종의 역사적 함의를 띠며, 청춘 로맨스 영화의 표상으로서 배우 의 ‘얼굴’은 동시대의 정동을 자극하는 함의를 지닌다. <짝궁이었던 너>(2014)에서 <소년 시절의 너>(2019)에 이르기까지, 저우둥위의 청춘 표상은 포스트 80세대가 낭만적 이상의 좌절을 경험하고 포스트 90세대 가 중국적 현실 비판에 이르는 과정을 보여준다.

Text of abstract The genre of youth romance films depicts the daily lives, ideals and frustrations of young people in that period. Contemporary Chinese youth romance films focus on those born after the reform and opening up, who grew up in the 2000s and 2010s. In other words, the portrayal of youth in these films reflects the socio-cultural changes in China since the reforms. Zhou Dongyu is an actress who made a strong impression as ‘the people's first love’ in her debut film, Under the Mountain Tree. Despite her various professional activities, Zhou Dongyu consistently delivers strong performances in the youth romance genre, which are inextricably linked to her youthful appearance and star persona. This paper therefore examines the meaning of contemporary Chinese youth representation, focusing on Chinese youth romance films from the 2010s in which Zhou Dongyu appeared. A star's ‘face’ is not just an image; it is an emotional image that encapsulates the envy and expectations of the public in each era. As reflections of the times, films and stars have historical implications, and the ‘face’ of an actor in youth romance movies stimulates contemporary affection. Zhou Dongyu's portrayal of youth, from “My Old Classmate”(2014) to “Better Days”(2019), illustrates the evolution of romantic ideals from the post-80 generation to the post-90 generation, leading to a critical reflection on Chinese reality.