Earticle

현대 사회의 특징 중 하나는 먹거리에 대한 심각한 집착이다. 이러한 집착은 어디서 유래하는 것인가? 본 논문은 이에 대한 해답을 현대 텍스트가 아닌 19세기말 프랑스 작가 조리스-칼 위스망스의 『거꾸로』(1884)에서 찾으려 한다. 이 작품의 분석을 통해서 현대의 신경증들에 대한 성찰의 단초를 찾고 특히 음식과 관련한 기호학적 접근을 시도하고자 한다. 『거꾸로』의 중심 주제는 실존적 공허이다. 이 실존적 공허를 어떻게 채울 것인가? 어떤 방법으로 더 이상 실존적 의미를 부여할 전통적인 보호망이 없는 이 시대에 살아가는 의미를 부여할 것인가? 더 이상 삶에 의미가 없기에, 이 작품에서는 감각들에 의해, 감각작용들에 의해 그 빈곳을 채우고자 한다. 점점 더 복잡해져가는 온갖 전략과 상품과 술수가 난무한다. 향수, 옷감, 서적, 그림은 물론 특히 한 장에서는 음식을 통해서 주인공 데제셍트가 삶의 공허함을 채우고자 한다. 그 음식 메뉴에서 우리가 추출할 수 있는 것은 무엇인가? 이국적인 것에 대한 집착, 민속적인 것에 대한 집착, 순수한 것에 대한 집착. 이러한 분석은 지금 우리가 먹거리에 대해 지니고 있는 신경증적 집착에 대해 흥미로운 관점을 제공해 준다.

One knows the story of Against the Grain: the fundamental thematic crux of the book is the existential vacuum; how to fill the existential void; how to give meaning to life at a time when there are more traditional safety nets to give this meaning to existence. Since there is no meaning in life, we try to supplement it by the senses, sensations, and chapters of the book are only a row through all the senses, exposed to products , strategies, expedients and preparations of increasing sophistication: perfumes, fabrics, but also books, paintings, and finally a special chapter on dishes through which Esseintes tries to fill the existential void. What recipes can we learn from the Grain? The obsession with the exotic. the "folk" obsession, the obsession with purity, that three recipes that offer us an amused look on contemporary and fun food neuroses.

La société contemporaine se caractérise par une véritable obsession pour la nourriture. Pourquoi sommes nous autant obsédés par la nourriture ? L’article qui suit essaie de trouver une réponse non pas dans un texte contemporain mais dans un texte qui, non seulement d’après le présent auteur mais aussi selon l’avis de plusieurs lecteurs beaucoup plus avertis, ouvre une réflexion sur les névroses de la contemporanéité : À rebours de Joris-Karl Huysmans(1884). L’on connaît le récit d’À rebours : le nœud thématique fondamental du livre c’est le vide existentiel ; comment combler le vide existentiel ; de quelle façon donner un sens à la vie à une époque à laquelle il n’y a plus de filets de protection traditionnels pour conférer ce sens à l’existence. Puisque il n’y a pas de sens dans la vie, l’on essaye d’y suppléer par les sens, par les sensations, et les chapitres du livre ne sont qu’une enfilade à travers tous les sens, exposés à des produits, des stratégies, des expédients et des préparations d’une sophistication croissante : les parfums, les étoffes, mais aussi les livres, les tableaux, et enfin un chapitre extraordinaire sur les mets à travers lesquels des Esseintes essaye de combler ce vide existentiel. Quelles recettes pouvons-nous tirer d’À rebours ? L’obsession de l’exotisme. l’obsession « folklorique », l’obsession de la pureté, voilà trois recettes qui nous offrent un regard amusé et amusant sur les névroses alimentaires contemporaines.

현대 미술 작품 앞에 서면 관람자는 여러 가지 수용 경험에 접하게 되고, 수많은 미학적 질문과 철학적이고 윤리적인 궁금증을 마주하게 된다. 미술 작품과 관람자 사이에는 침묵의 대화가 이어지는데, 그 사이를 이어주는 것은 공통된 감수성과 세계와 사물에 대한 동일한 가치관이다. 또한 일종의 거울 효과가 나타나서 작품과 인간이 서로를 재고 서로를 평가한다. 화가 자신의 “가장 내밀한 곳"에서 나와 관람자의 "심층 자아"에게로 말을 거는 거울의 구조, 이러한 구조가 작품 앞에 서있는 자에게서 겨냥하고 있는 것은 그의 무의식적 주체이다. 이 논문은 현대 러시아 젊은 화가인 유나 베르트의 작품, 특히 <소녀들이 말한다>와 <남자들이 말한다>의 두 연작 시리즈를 대상으로 삼는다. 유나 베르트의 작품에서는 모델의 얼굴이 언제나 뒤로 돌아서 있거나 어둠 속에 묻혀있거나 불명확하게 그려진다. 언제나 얼굴이 명확하게 보이지 않는 그의 작품들 속에서는 바로 관람자들이 등장하는 남성이나 여성 인물들의 전체를 직접 창조하고 상상하여 표상하도록 강요당하게 된다. 우선 유나 베르트 작품에서 보는 자와 그림 사이에 작동하는 의사 소통 형태에 주목하고, 이어서 그 그림들이 우리들에게 던지는 질문이라는, 유예된 서사들, 결여된 이야기들에 관해서 살펴볼 것이다.

Faced with contemporary painting, the viewer (or viewer) is faced with a wealth of experience and receiving practices to a host of aesthetic and philosophical questions and ethical questioning. Between the pictorial artwork and viewer is a silent dialogue that ties on the basis of a common sensibility and a vision of the world and things. It is also and above all a form of mirroring construction in which the work and men size each other up and consider: Addressed by the painter "the darkest of himself" to the "inner self" of it who looks after a subject (the unconscious), the subject (the unconscious) it is in him that stops in front of it. In this article, I will object to the pictorial work of Bert Yuna, a young contemporary Russian painter, particularly two sets of tables respectively entitled Girls and Men Talk Talk. First, I will focus on the specific form of communication operating between the viewer and the pictorial work Yuna Bert and, secondly, the incomplete stories, the outstanding narrations that his paintings offer us as much questions. In his pictorial works, it's all female or male protagonists that the viewer is forced to represent themselves, to whom he is summoned to give physical traits, invent an existence or activities.

Devant la peinture contemporaine, le spectateur (ou regardeur) est confronté à une profusion d’expériences et de pratiques de réception, à une kyrielle d’interrogations esthétiques et de questionnements de nature philosophique et éthique. Entre l’œuvre d’art pictural et son contemplateur c’est un dialogue silencieux qui se noue sur la base d’une sensibilité commune et d’une même vision du monde et des choses. Il s’agit aussi et surtout d’une forme de construction en miroir dans laquelle l’œuvre et l’homme se jaugent et se jugent : Adressée par le peintre “du plus obscur de lui-même” au “moi profond” de celui qui la regarde, issue d’un sujet (de l’inconscient), c’est le sujet (de l’inconscient) qu’elle vise en celui qui s’arrête devant elle. Dans cet article, je prendrai pour objet l’œuvre picturale de Yuna Bert, une jeune peintre russe contemporaine, et plus particulièrement deux séries de tableaux respectivement intitulées Girls Talk et Men Talk. Dans un premier temps, je m’intéresserai à la forme spécifique de communication opérant entre le regardeur et l’œuvre picturale de Yuna Bert et, dans un second temps, aux récits lacunaires, aux narrations en suspens que ses toiles nous proposent comme autant de questionnements. Dans ses œuvres picturales, c’est la totalité des protagonistes féminins ou masculins que le regardeur est contraint de se représenter, auxquels il est sommé de donner des traits physiques, d’inventer une existence ou des activités.

본 논문은 제도적이고 참여적인 의사 소통의 실천들과 그 문제점에 관한 긴 연구의 일부이다. 이 프로젝트는 연구자들이 만연한 사회문제들 (환경책임 문화의 발전, 공공의 건강, 위생 문제 등등)의 해결책을 제시하는 데 일조하고 참여하는 것을 지향하고 있다. 이러한 작업들은 보통 사회의 여타 분야들 (조합들, ONG, 공권력, 기업 등등) 곁에 연구자나 연구팀의 참여로 특징지어 진다. 일반적인 틀 속에서 본 논문의 목표는 다음 세 가지다. 첫째, 상호조직적인 검증된 형태들이 어떻게 이 프로젝트의 행위와 동반하고 조직간의 경계들을 흔들어 놓는가를 보여주는 것이고, 둘째, 이론적 차원에서 독창적인 이 작업들이 경험적이고 사회적인 두께를 가지고 있으면서 기존의 선입견들에 의문을 제기하는 지를 보여주는 것이며, 셋째 이러한 상호조직적 형태들을 만들어내는 영역이, 연구자들로 하여금 전통적으로 문학 속에 산재해 있던 참여와 행동과 참가의 개념들을 연결지음으로써, 이론의 틀을 되돌아보도록 하는 것이다.

This reflection is part of a research program in the long course devoted to the problems and practices of engaging and instituting communication. These projects are geared towards researchers contribution to solving societal problems (development of a culture of environmental responsibility, public health and disease prevention, etc.). These works are characterized by the commitment of researchers and research teams alongside other actors in society: associations, NGOs, governments, businesses, etc. Within this general framework, our product specifically designed to: (1) to show how qualified forms of inter organizational accompany the conduct of these projects and scrambling approach organizational boundaries, (2) to explain how the works , original theoretically that also have an empirical and societal thickness, question some assumptions, (3) identify how the field, namely that produce these interorganizational forms, queries the theoretical framework, including leading researchers to link the concepts of commitment, action and traditionally dispersed in literature participation.

Cette réflexion s’inscrit dans un programme de recherche au long cours consacré aux problématiques et aux pratiques de la communication engageante et instituante. Ces projets sont orientés vers une contribution des chercheurs à la résolution de problèmes de société (le développement d’une culture de l’éco-responsabilité, la santé publique et la prévention sanitaire, etc.). Ces travaux sont caractérisés par l’engagement des chercheurs et des équipes de recherche aux côtés d’autres acteurs de la société : des associations, des ONG, des pouvoirs publics, des entreprises, etc. Dans ce cadre général, notre article a plus précisément pour objectif : (1) de montrer comment des formes qualifiées d’inter organisationnelles accompagnent la conduite de ces projets et bousculent l’approche des frontières organisationnelles, (2) d’expliciter comment des travaux, originaux sur le plan théorique qui ont aussi une épaisseur empirique et sociétale, questionnent certains présupposés, (3) d’identifier comment le terrain, en l’occurrence ce que produisent ces formes interorganisationnelles, interroge le cadre théorique, notamment en conduisant les chercheurs à mettre en relation les notions d’engagement, d’action et de participation traditionnellement dispersées dans la littérature.

본 논문은 도상성에 기반을 둔 후각 경험의 은유화 과정과 지표성에 기반을 둔 내러티브적 상상력을 살펴봄으로써 어떻게 감각 경험이 의미화될 수 있는지를 고찰하는 데 목적을 두고 있다. 이를 검토하기 위해 세 종류의 세미오시스를 가정한다. 재현적 세미오시스, 지시적 세미오시스, 해석적 세미오시스가 그것이다. 각각의 세미오시스는 기호-대상-해석체의 삼원적 요소로 구성되며 목적을 지향하는 삼원적 행동을 통해 실현된다. 즉 해석체(수단)는 기호(행동)가 대상(목적)을 실현하게 하는 중재 기능을 하며, 기호는 대상에 의해 강제되며 다시 해석체를 강제함으로써 해석체를 대상에 연결시키는 중재 기능을 한다. 재현적 세미오시스는 도상성을 기반으로 기호와 해석체간의 관계가 지배적으로 재현되는 기호활동이며, 지시적 세미오시스는 지표성을 기반으로 기호와 대상과의 관계가 지배적으로 나타나는 기호활동이다. 마지막으로 해석적 세미오시스는 재현적 세미오시스와 지시적 세미오시스와의 대화적 관계를 재현하며 해석체와 대상을 연결하는 기호활동이다. 이러한 개념에 기반하여 가능성의 기호로서의 자질기호를 해석하는 기호활동의 세미오시스는 자아-해석의 과정이라는 점을 주장한다. 그러므로 세미오시스를 통해 형성되는 기호적 자아는 외부의 기호와 내부의 기호와의 대화를 통해 진화하는 대화적 자아의 특징을 가지며, 따라서 해석하는 대행자로서의 자아 정체성을 갖는다.

This paper aims to examine how sensation can be signified through investigating metaphorization of olfactory experience based on iconicity and through narrative imagination based on indexicality. For this purpose, my hypothesis is that there are three kinds of semiosis, namely, the representative, the indicative, and the interpretative. Each semiosis consists in a triadic set of components, Sign-Object-Interpretant, realizing a triadic purpose-driven action. In other words, Interpretant(a means) functions as a mediator between Sign(an action) and Object(a purpose), so as to realize the purpose of Object. For this reason, Sign is forced by Object and in turn forces Interpretant, so as to mediate Interpretant with Object, functioning as a mediator. In this respect, representative semiosis is sign action where relation of Sign and Interpretant is dominant based on iconicity by representing the relation; Indicative semioisis is sign action where relation of Sign and Object is dominant based on indexicality by indicating the relation; interpretative semiosis is sign action where the dialogical relation between representative semiosis and indicative semiosis is represented, so as to mediate Interpretant with Object. Based on the above, I argue that semiosis is a process of self-interpretation by means of interpreting qualisign as a sign of possibility. Therefore, semiotic self, which is formed by means of semiosis, is characterized by dialogic self, which evolves through dialogue between the inner Sign and the outer Sign, accordingly becoming an interpreting agent for self-identity.

오늘날 모든 영역이 신자본주의의 영향아래 있는 상황에서 미술 역시 예외는 아니다. 미술사, 미학, 예술학, 예술비평 등 다양한 담론을 제시할 수 있는 학문들이 있지만 아트페어, 옥션 등의 시장이 빠른 템포로 앞장서서 만들어내는 주류미술에 가려 그 밖에 있는, 예술의 본질을 추구하는 미술에 대해 제대로 들여다 볼 수 없다. 이에 본 연구자는 예술의 한국적 정서에 대한 연구에 앞서 가장 한국적 정신의 주체적 입장을 취하였던 학자로서 퇴계 이황에 주목하였다. 퇴계는 문화적으로 거대국가였으며 영향력을 크게 떨치고 있었던 중국과 학문적으로 체계를 갖추고 있는 일본의 학자들과의 차별성을 보이는 조선정신의 정체성을 구축한 학자다.<퇴계와 한국의 자연이미지>연구는 미술 안에서 거론되고 있는 한국적 정체성으로서의 자연미를 퇴계의 시 ｢팔월십오야서헌대월 八月十午夜西軒對月｣를 해석하면서 살펴본 것이다. 한국적 자연미를 대표하는 조선의 달항아리와 분청사기는 우주, 자연과 인간 본질의 관계를 통해 조화롭고 균형 있게 사는 삶에 적용시킨 퇴계의 학문을 시각적으로 드러낸 작품들이다. 인간을 비롯한 모든 만물이 자연처럼 겉과 속이 다르지 않고 이치가 하나 되는 것으로 형태를 이룰 때 아름다운 미적가치가 생기는 자연미에서 순수하고 검박하지만 동시에 우아한 예술이 탄생된다. 고요하고 통일된 마음으로 사람의 완성됨을 지향하는 선비들과 관찰과 연마를 꾸준히 하며 겸손을 담아내는 예술가들은 모두 불이不二의 실천을 보여주는 예다. 이 논문은 현재 자본과 결합된 아이디어위주의 현대미술계에서 예술가의 태도가 간과되고 있는 점으로부터 퇴계의 인격과 실천의 합일적 세계관을 드러내는 것으로 예술의 본질에 대해 시의 적절하게 사고하게 한다.

The art has the characteristics of free and unlimited expression in every aspects. The theory in western world has been enthusiastic about the originality of individual and the new expression being overwhelmed with the previous trend. Also, it has played a huge role for the world to be moved forward. In the second half of the 20th century, the aesthetic idea and pattern along with the philosophy of analysis and criticism have been considered to be important, and only the art itself has been prevailed in separation with the human introspection such as ethics, moral, and virtue. Furthermore, the art has not been an exception under the circumstance when every fields in modern days have been under the influence of modified capitalism. There are many academic fields to suggest various arguments such as art history, aesthetic, arts, criticism of art, etc., but because of the main stream arts led and made by the market such as art-fare, auction, etc., it has been difficult to look at other types of arts which seek the essence of arts itself. Recently the world of art in Korea has shown the combined accomplishments in commercial success through domestic / overseas exhibitions in art museum and art galleries as well as the review of monochrome painting which had been established in 1970s. As of 2016, they shed new light on Minjung Art. All of these have been led by art galleries and art-fare rather than researches and scholarship. This may be deemed as a strategy to reveal the characteristics of Korean identity in arts as a collective personality among the Korean wave made by Korean popular culture. However, there are not many interdisciplinary researches regarding the beauty of Korea which deals with the traditional foundation of Korea. Prior to the research of Korean emotion of arts, the researcher has focused on Toegye, Yi, Hwang, a scholar who had taken the most independent position of Korean emotion. He was a scholar to build the identity of Joseon spirit among Japanese scholars with established academic system and Chinese scholars from gigantic nation in culture with heavy influences. This study has mentioned several times with naturalistic emotion as a Korean identity in the arts, and the interpretation of poem of Toegye “Parwol Sipohya Seohun Daewol” has been used for how the Korean natural image may differ from other countries. When the reason of all creation including human being has become a whole and formed the shape being consisted the same with outside and inside like the nature, the pure and simple art would be created from the natural beauty with beautiful aesthetic value. Moreover, since the attitude of artist has been overlooked in modern art world which focused on the idea combined with capital, it would make us to think timely about the essence of arts by revealing the personality of Toegye and the consolidated world view of implementation.

GUI는 인간과 정보 처리구조가 상이한 컴퓨터 프로세스와의 차이를 보완하기 위해 인간과 컴퓨터의 경계에서 그래픽 표현을 통해 정보 소통을 위한 사용 행위를 지원한다. 본고에서는 GUI가 존재하는 기술 생태계를 재조명하여 도구에서 환경으로 인식의 확장을 이루고자 하였다. 이를 위해 인간의 신체 기관인 손과 눈의 공진화로 이루어진 기술 변화, 인공 기관인 도구들로 만들어진 환경에 대한 인식, 과학에 순응하는 기술과 이를 보완하는 예술의 상호 관계, 그리고 새로운 디지털 환경에서 기능하는 GUI의 역할을 순차적으로 검토하였다. 컴퓨터의 인터페이스는 세상을 바라보는 방법을 기계적 방식으로 학습시키고, 기계적 방식으로 세상을 살아가도록 규율할 가능성을 보유한다. 인간의 의지에서 출발한 기술은 초기에는 인간과 자연에 영향을 받았지만, 근대에 들어와 독자적으로 발전하고, 이제는 자연에서 벗어나 인간-기계가 결합된 독립된 세계를 구축해 나가고 있다. 따라서 기술을 도구보다는 환경, 더 나아가 새로운 자연의 질서로 인식하면서 강제적인 조정보다는 현상을 함께 살피는 것이 필요하다. 계산기와 미디어가 결합된 컴퓨터는 기술과 예술도 결합하고 있다. 디지털은 보편적인 복제 기술을 통해 일상적인 생활 속에 예술을 보급하고, 새로운 기술을 통한 예술 기반을 창출하며, 새로운 환경에서 예술의 모티브를 제공한다. 예술 또한 차가운 기술에 감성을 부여하며 디지털 기술을 인간적인 환경으로 변화시키는 토대가 된다. 이러한 배경 범주에서 볼 때 GUI는 인간과 컴퓨터 기술의 권력 구조를 가시적으로 관찰할 수 있는 중요한 단서이며, 앞으로 컴퓨터 기술이 인간의 삶의 형식과 태도를 어떻게 변화시킬 수 있는가를 살펴볼 수 있는 연구 대상이 될 것이다.

GUI(Graphic User Interface) is a digital technology tool assisting users with a graphic symbol to smoothly use computers with different information processing structures and humans. By refocusing the technology ecosystem where GUI is present, this paper is to expand the recognition of GUI from tools to the environment. To this end, we sequentially reviewed technical changes made by coevolution of hands and eyes, human body parts, awareness of the environment made by tools, the artificial organ, mutual relation between technology conforming to science and art complementing it and role of GUI functioning in a new digital environment. Technology that started from the human will was influenced by man and nature in early days but was developed independently in modern times and now it is building an independent world combining man-machine out of nature. Therefore, it is necessary to examine the phenomenon rather than mandatory adjustment while recognizing technology as the environment rather than a tool, furthermore, as a new order of nature. In particular, digital technology is building its own system in everyday life through universal replication technology. This fixed computer interface teaches how to see the world in a mechanical manner and has the possibility to regulate to live a life in a mechanical manner. Digital technology is the foundation of human environment changes in the current society. When viewed in this category, visible GUI is an important clue to observe the power structure of human-computer technology and will be the study target to examine how computer technology will change the type and attitude of human life.

본 논문에서 필자는 카메라 옵스큐라의 의미를 확장하기 위하여 근대적 담론에서 벗어나 선사시대를 그 출발지점으로 삼고자 한다. 이를 위해서는 카메라 옵스큐라의 특성을 자연의 현상으로 재규정할 필요가 있다. 특히 카메라 옵스큐라의 존재를 선사시대로 환원시켜보면 그 안에서 포착되는 이미지의 특성, 예컨대 점과 선의 관계는 오히려 새롭게 조망될 수 있는 대상이 되기도 한다. 이러한 시도 속에는 궁극적으로 회화적 전통에서 점과 선의 관계를 재구성하려는 의도가 놓여 있고, 카메라의 역사적 의미를 인류학적 관점에서 확장시키고자 하는 의도가 내포되어 있다고 할 수 있다. 본고에서는 카메라 옵스큐라의 자연현상적 의미를 근대예술 중 하나인 ‘인상파’화풍과 접맥시킴으로써 점의 가능성을 조망하고, 근대적 이미지 분류체계인 범죄인 사진 목록의 의미를 선의 가능성이 확장된 것으로 조망함으로써 궁극적으로 점과 선의 관계를 재정립하고자 한다. 하지만 이러한 시도는 결과적으로 우리가 보편적 지식으로 알고 있는 것을 향해 던지는 질문이며 이를 통해 의미의 재발견을 실천하는 것이라고 할 수 있다. 또한 영상문화학적 관점에서, 동시에 예술사의 관점에서 누락지점을 확인하는 작업으로서 의의가 있다고 할 수 있을 것이다.

This paper is aim to overlook the meaning of natural phenomena with the paleolithic camera obscura and inscribe Prehistoric significance of the Camera Obscura. It is ultimately to redefine the dots and line as formative elements. Also this article will show the hidden possibility of drawing by modern art as one of the ‘impressionist’ painting style. But it eventually can be said that these attempts imply extended meaning from the historical to the anthropological perspective. the paleolithic camera obscura informs about the visual culture that we need recognize. In this paper, the paleolithic camera obscura shows the relationship bwetween dots and lines as formative elements. But this also is the beginning of a new perspective to photograph and film as visual culture and culture contents.

‘말(spoken language)’은 언어적 메시지뿐만 아니라 발화자의 감정 및 태도를 함께 전달하는 대표적 커뮤니케이션 매체이다. 이에 수반되는 발화자의 시선이나 자세 및 제스처 등은 메시지의 전달력을 높이거나 상호간의 커뮤니케이션 효과를 향상시킨다. 다만 빈번히 ‘말’의 역할을 대신하는 ‘문자’는 언어적 메시지만 담을 수 있을 뿐 그 외의 정보들은 말로서 풀어내지 않는 한 전달이 불가능하다. 그런데 흥미롭게도 현대 디지털 커뮤니케이션 상의 텍스트를 살펴보면 문자뿐만 아니라 문장부호 및 특수기호 등의 여러 기호들이 기존과는 다른 의미로서 사용되고 있음을 확인할 수 있다. 여러 사례들을 분석해 본 결과, 해당 기호들은 주로 발화자의 감정 및 태도를 표현하는 역할을 수행하고 있다. 다시 말해 목소리의 크기 및 발화 뉘앙스 등 음성 환경에서는 청각에 의존적이었던 반-언어적 정보들이 새로운 상징기호를 통해 시각적으로 전달되고 있는 것이다. 이러한 기호들의 쓰임은 기존 문자 커뮤니케이션 환경이 지니는 소통의 한계를 해소해 주는 역할을 수행하게 된다. 더불어 기존에 쓰이고 있는 관습기호가 의미작용을 통해 새로운 시니피에를 얻어가는 기호변화의 과도기적 단계를 보여준다는 점에서 유의미하다고 판단된다.

Spoken language is a representative communication media which conveys not only linguistic messages but also speaker’s emotion and attitude. Also, speaker’s glance and gestures along with spoken language improve effectiveness of the message delivering and communication. However, the ‘letter’ which often substitutes spoken language, denotes only linguistic messages. It cannot show the speaker’s emotion, attitude or nuance unless they were addressed in language. Interestingly, you can see that variety of signs such as punctuation marks and special symbols are being used on modern digital communication text with different meanings. According to analysis of examples, these signs remind us of the speaker’s emotion and attitude. In other words, para-language information such as volume of the voice, accent or nuance that are received through hearing in spoken language is now conveyed through visual symbol signs. They perform a role in alleviating limitations of text communication. Above all, It is a meaningful phenomenon that these para-language signs show the process of how conventional signs’ signified changes.