Earticle

이 연구는 오랫동안 시각문화연구에서 주목받지 못한, 드론 사진의 기 원인 19세기 항공사진을 다룬다. 구체적으로 항공사진의 발명과 그 의의 를 고찰하고, 이 사진이 19세기 미술 중에서 특히 인상파에 미친 영향을 밝힌다. 나아가 당시 도큐먼트 사진이던 항공사진이 어떻게 스스로 점차 추상화, 예술화되는지를 추적한다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 사진 사의 여러 고전은 지금도 나다르가 1858년 최초로 항공사진을 촬영했다 고 명시한다. 하지만 이 역사적 ‘사실’은 나다르의 저서에만 등장하는 허 구이며 진정한 최초의 항공사진은 1860년 블랙이 촬영한 사진이다. 블랙, 나다르를 포함한 19세기 항공사진 주역들은 지도제작과 군사정찰이라는 실용적 목적을 위해 항공사진을 제작했다고 표명했다. 하지만, 이들의 진 짜 관심은 수직 이미지가 제공하는 시각적 매력이었다. 항공사진의 실용 적 사용은 20세기 전반이 되어서야 가능해진다. 둘째, 항공사진은 인상파 의 부감 시점에 영향을 끼쳤다. 당시 새로운 미술을 추구하던 인상파는 전통회화의 수평 시점을 극복할 새 시점을 항공사진에서 발견한다. 하지 만 인상파의 부감 시점은 항공사진 이외에 르네상스이래 등장한 다른 수 많은 부감 이미지의 영향도 받았다. 항공사진과 인상파의 관계는 직접적 이 아니라 간접적이며 상징적이다. 마지막으로, 항공사진은 19세기 후반 아마추어 비행사가 촬영한 사진을 통해 추상화되고 예술화된다. 이 비행 사들은 처음에는 기구에서 본 것을 단순히 기록하기 위해 사진을 촬영했 다. 하지만 이들은 항공시점이 유발하는 예기치 못한 형태에 매료되어, 이를 의도적으로 포착했다. 이 사진은 당시 전시되었을 때 단순한 도큐먼 트가 아니라 작가의 예술작품으로 인정받았다. 이 사진은 20세기 초 아방 가르드 미술과 사진에도 큰 영향을 미쳤다.

This study deals with aerial photography in the 19th century, the origin of drone photography, which has not been noticed in visual culture research for a long time. Specifically, it reveals the process of invention and significance of aerial photography, and the influence this photography had on 19th century art, especially Impressionism. Furthermore, it traces how aerial photographs, which were document photographs at the time, gradually become abstract and artistic. The results of the study are as follows. First, many classics in the history of photography still state that Nadar took the first aerial photograph in 1858. However, this historical ‘fact’ is a fiction that appears only in Nadar's writings, and the first true aerial photograph was taken by Black in 1860. The protagonists of aerial photography in the 19th century, including them, stated that they produced aerial photographs for practical purposes: mapping and military reconnaissance. However, their real interest was the visual appeal provided by vertical images. The practical use of aerial photography did not become possible until the first half of the 20th century. Second, aerial photography has an impact on Impressionists' aerial perspective. The Impressionists, who were pursuing new art at the time, found a new viewpoint in aerial photography to overcome the horizontal viewpoint of traditional painting. However, the aerial perspective of the Impressionists was also influenced by many bird's-eye images that appeared since the Renaissance besides aerial photography. The relationship between aerial photography and Impressionism is not direct but indirect and symbolic. Finally, aerial photography is abstracted and turned into art through photographs taken by amateur aviators in the late 19th century. These astronauts initially took pictures simply to document what they saw from the balloon. However, they were fascinated by the unexpected shape caused by the aerial view, and gradually took pictures of it intentionally. When these photographs were exhibited at the time, they were promoted as works of art by the artist. These photographs had a great influence on avant-garde art and photography in the early 20th century.

본 연구의 목적은 영화<에브리씽 에브리웨어 올앳원스>의 혼종적 스타 일의 성격을 밝히는 것이다. 이를 위해 본 연구는 영화의 지속되는 시간 속에서 존재하는 시청각적 요소들을 미장센과 몽타주의 통합체적 과정으 로 분석하면서 그것들이 표현하는 의미와 그에 상응하는 스타일을 발견하 고자 한다. 이 영화의 의미가 비정과 증오를 극복하는 다정과 사랑으로 볼 때 그 의미에 상응하는 표현의 스타일은 고전주의, 사실주의, 표현주 의의 혼종성이다. 이 영화는 고전 서사를 바탕으로 할리우드의 전형적인 3막 시퀀스 구조로 스토리를 구성했고 그 스토리를 표현하는 데 있어 할 리우드 고전적 스타일을 활용했다. 그러나 이 영화가 기존 할리우드 영화 와 차별되는 지점은 기존에 상반된 스타일로 간주되던 사실주의와 표현주 의를 할리우드 전통 속에서 혼합시킨 새로운 스타일에 있다. 영화가 탄생 한 이래 오랫동안 영화는 자신의 고유한 예술적 특성을 창조하는 방향인 표현주의와 영화의 미디어적 사물성을 보존하려는 방향인 사실주의로 그 스타일이 상반되는 경향을 보였다. 그러나 사실주의가 외부 세계를 객관 적으로 보여주고 표현주의가 인물의 내면세계를 주관적으로 보여주는 점 에서 둘 다 실재하는 인간의 시간을 기록한다는 공통점을 찾을 수 있다. 이 영화는 현실 장면을 사실주의 스타일로, 멀티버스 장면을 표현주의 스 타일로 전개하다가 마지막에 고전주의 스타일 안에서 상반된 두 스타일을 통합한다. 그리고 영화는 절정에서 멀티버스의 세계와 현실 세계를 교차 하면서 결국 모든 것이 하루 동안 벌어진 에블린 가족의 객관적인 시간과 주관적인 시간이었음을 보여준다. 인간이 경험하는 객관적인 시간과 주관 적인 시간이 하나이듯이 이를 표현한 사실주의와 표현주의 스타일도 결국 이 영화에서 하나로 통합된다.

The purpose of this study is to reveal the characteristics of the hybrid style of the film <Everything Everywhere All At Once>. To this end, this study analyzes the audiovisual elements that exist in the duration of the film in a syntagmatic process of mise-en-scène and montage, and seeks to discover the meanings they express and the corresponding style. Considering the meaning of this film as affection and love that overcomes heartlessness and hatred, the style of expression corresponding to that meaning is a hybrid of classicism, realism, and expressionism. Based on the classic narrative, this film is composed of a story with a typical Hollywood three-act sequence structure, and uses the classic Hollywood style to express the story. However, the point where this film is differentiated from the existing Hollywood films lies in the new style that mixes in the Hollywood tradition the realism and the expressionism, which were previously regarded as opposite styles. For a long time since the birth of cinema, film has tended to have conflicting styles: expressionism, the direction of creating its own artistic characteristics, and realism, the direction of preserving the materiality of film as a medium. However, in that realism shows the external world objectively and expressionism shows the inner world subjectively of a character, a common point can be found in that both objectively or subjectively record real human time. The film develops reality scenes in realism style and multiverse scenes in expressionism style, and finally integrates the two conflicting styles within the classicism style. And as the film intersects the world of the multiverse and the real world at the climax, it shows that everything was the objective and subjective time of the Evelyn family that took place in one day. Just as the objective time and the subjective time experienced by humans are one, the realism and expressionism that expressed the human time eventually merge into one in this film.

본 연구는 최근 범람하고 있는 K-컬처에 대한 연구들을 비판적으로 분 석함으로써, 공통되고 단일한 한국성이라는 실체가 K-컬처라고 불리는 문 화 현상들에서 찾을 수 없다는 이유로 K-컬처란 미디어에 의해 창조된 허구적인 텅 빈 기호일 뿐이라는 연구들을 비판하고자 한다. 공통된 단일 한 실체가 없다고 해서 실질적 영향력이 있는 K-컬처라는 현상 자체를 허구로 간주하는 것이 아니라, K-컬처가 단일한 실체 없이 모호한 존재방 식을 보임에도 불구하고 어떻게 사회적으로 실존하는 현상이 가능한지를 묻고 K-컬처에 대한 새로운 현실적합적인 인식론적 태도를 모색하는 것 이 우리에게 필요하다. 이에 본 연구는 베네딕트 앤더슨의 상상된 공동체 개념에 기대어 ‘상상된 K-컬처’라고 하는 퍼지집합을 새롭게 제안한다. 앤 더슨의 ‘상상된’이라는 의미는 허구적이라는 의미가 아니라 직접적으로 그 구성원들을 모두 확인할 수 없고 그러한 문화가 상상되는 바로 그 물질적 인 과정이 중요하다는 의미이다. 이처럼 K-컬처 또한 그것을 이루는 모든 분야와 특성들을 구체적이고 직접적으로 모두 확인할 수 없으며, K-컬처 는 ‘한국성’이라는 모호한 기준과 다양하게 관계 맺는 모든 구성요소들로 이루어진 퍼지집합처럼 이루어져 있다. 따라서 K-컬처를 이해하기 위해서 는 수렴과 발산의 두 방향 모두를 포함하는 이중적 태도가 현실적으로 필요하다 할 것이다.

By critically analyzing the recent proliferation of studies on K-culture, this study aims to criticize the studies that claim that K-culture is only a fictional empty sign created by the media because a common and unified Koreanness cannot be found in the cultural phenomena called K-culture. The absence of a single common entity does not mean that the phenomenon of K-culture, which has a real impact, should be considered fictitious, but it is necessary to ask how it is possible for K-culture to be a socially existent phenomenon despite its ambiguous way of existence without a single entity, and to seek a new realistic epistemological attitude toward K-culture. In this study, we propose a new fuzzy set of K-culture called ‘imagined K-culture’ by relying on Benedict Anderson's concept of imagined community. Anderson's ‘imagined’ does not mean fictitious, but rather that we cannot directly identify all of its members, but the material process through which their culture is imagined is important. Similarly, K-Culture is a fuzzy set of all the components that relate to the vague criterion of ‘Koreanness’, and all the fields and characteristics that make up K-Culture cannot be specifically and directly identified. Therefore, in order to understand K-culture, a dualistic attitude that includes both convergence and divergence is actually necessary.

21세기 들어 각국 정부는 자국의 소프트파워를 제고하고 글로벌 문화 산업 경쟁력을 올리기 위한 브랜드 내셔널리즘에 힘을 쏟고 있다. ‘국풍 國風 브랜드 내셔널리즘’은 중국전통역사와 문화, 그리고 사회주의를 연결 하는 중국특색사회주의를 내세우며 ‘문화자신’ 정책을 펼치고 있는 시진핑 정부의 문화정책을 문화산업적으로 실현시키는 문화전략으로 볼 수 있다. 대중미디어들은 국가 문화정책과 문화산업의 연결고리로서 브랜드 내셔널 리즘의 핵심적 역할을 수행한다. 중국 TV 선협로맨스판타지(이하 선협로 판)는 원서사인 웹소설의 ‘가상적 중국’의 시뮬라크르를 영상으로 재현함 과 동시에 이데올로기적 요소를 포함한 시청각 콘텐츠를 확장, 첨가하여 게임, 애니메이션, 영화 등 타 매체에 공유하여 패스티시 장르를 형성하 고 있다. 본고에서는 중국 선협로판물의 트랜스미디어화에 관한 내적 콘 텐츠 분석에서 한 걸음 더 나아가 중국 고유의 ‘국풍’ 이데올로기적 관점 에서 미디어문화산업에 대한 접근을 시도했다. 유, 불, 선 등을 포함한 삼 계 三界 세계관을 배경으로 신선들의 로맨스를 펼치는 선협로판물은 공동 체의 안녕을 위해 개인의 희생을 내세우는 유교적 가치관의 중국 특색사 회주의 이데올로기를 포함하고 있다. 특히 TV매체는 국풍 이데올로기가 첨가된 시청각 콘텐츠를 통해 팬덤을 형성하여 ‘국풍 브랜드 내셔널리즘’ 이 추구하는 문화산업적 측면에서 가장 큰 영향력을 미친다.

Some governments are promoting brand nationalism to enhance the soft power of the state and the global competitiveness of its cultural industry in the 21st century. The ‘Guofeng’ Brand Nationalism is a strategy of the Xi Jinping regime to realize the cultural policy of ‘Cultural Confidence’ and put forward ‘Socialism with Chinese Characteristics’ which combines Chinese traditional history, culture and socialism. Mass media plays a key role in the Brand Nationalism by linking the state policy and the cultural industry. Chinese TV Xianxia Romance Fantasy works project the ‘Virtual China’ simulacre from original web novels into video media. They form a pastiche genre, with ideological elements added to the audiovisual contents. While the preceding researches focused on the cultural analysis of contents of Chinese Xianxia Romance Fantasy, this paper attempts to approach the culture phenomenon related to ‘Geofeng’ from the ideological perspective. Chinese Xianxia Fantasy Romance, in the traditional three-world cosmic setting, embodies the ideology of Socialism with Chinese Characteristics, which contains the Confucian value of individual sacrifices for the cause of the community. TV Xianxia series emphasize and proliferate the ideology. Xianxia Romance Fantasy genre is a major contributor to the Guofeng Brand Nationlism, and the TV Xianxia Romance Fantasy series which have huge fandom, globally spread cultural contents with the ideological elements.

최근 기술의 발달과 함께 ‘영화’와 ‘게임’, ‘공연’, ‘연극’과 ‘퍼포먼스’ 등 과 같은 다양한 시각문화와 예술 분야에서 ‘촉각’이 주목받고 있다. 그 이 유는 ‘촉각’이 발생시키는 ‘운동성’과 ‘감각 확장성’ ‘상호작용성’과 같은 특성이 오늘날 관객의 요구에 부응하고 있기 때문이다. 학계에서도 기존의 시각 중심적 논의에서 ‘촉각’에 주목한 연구들이 진 행되어왔다. 촉각을 활용한 체험교육, 문학이나 예술에 나타난 촉각의 이 미지, 촉각의 영향, 촉각의 특성, 촉각 활용 기술에 대한 연구 등 다양한 방향의 연구들이 있다. 그런데 이러한 ‘촉각’을 적극적으로 수용하고 있는 분야가 ‘이머시브 공 연’과 ‘전시’이다. 그 이유는 작품의 성격을 드러내고 주제를 전달하는데 ‘촉각’이 중요한 역할을 하고 있기 때문이다. 그러나 두 분야가 주목하는 ‘촉각’의 역할에는 조금 다른 점이 있다. 창작자나 기획자가 의도하는 ‘관 객의 반응’이 다르다. 본고에서는 이 점에 주목하여 ‘이머시브 공연’과 ‘전 시’ 분야에서 ‘촉각’이 서로 다른 역할을 수행하고 있음을 밝히고자 한다. 이를 위해 먼저 ‘촉각’과 ‘촉각성’에 대한 기존의 이론적 논의를 검토하여 이머시브 공연과 전시에서 주목하고 있는 ‘촉각’과 ‘촉각성’의 역할에 대해 살펴본다. 연구 결과 ‘이머시브 공연’에서는 ‘현실성’을 강화하고 인간의 본능을 끌어내는 ‘촉각성’에 주목하여 관객에게 실제와 같은 경험을 제공 하였다면 ‘전시’에서는 ‘촉각’ 자체를 작품을 완성하는 요소로 보고 관객과 작가 사이의 ‘의미작용’을 유도하여 작품의 주제를 효과적으로 전달하는 데 주목하고 있었다. 본고는 문화와 예술 분야에서 ‘시각’에서 ‘촉각’ 중심으로의 논의가 변 화하는 상황에서 ‘촉각’과 ‘촉각성’을 적극적으로 수용하고 있는 ‘이머시브 공연’과 ‘전시’ 사례를 분석하여 오늘날 ‘촉각’의 다양한 역할에 대해 구체 적으로 논의하는 데 의미가 있다. 본고를 통해 문화와 예술 분야에서 ‘촉 각’의 특성을 이해한 적합한 활용방안이 다루어지길 바란다.

With recent technological developments, tactile/haptic have been gaining attention in various cultural and artistic fields, including in movies, games, concerts, theater, and performances. This is because the characteristics of tactile/haptic, such as kinesthesia, sensory expansion, and interactivity, respond to the needs of today's audiences. In academia, studies that focus on tactile/haptic are emerging from the existing visual-centered discussion. Studies investigate experiential education using tactile/haptic, images of tactile/haptic in literature and art, the impact of tactile sensations, the characteristics of tactile/haptic, and technologies for utilizing tactile/haptic. In particular, the fields of “immersive theater” and “exhibition” are actively embracing tactile/haptic. This is because tactile sensations play an important role in revealing the nature of works and conveying themes. However, there is a difference between the two fields, owing to the differentiated ‘audience response’ that the creator or organizer intends to achieve and in their conveyance of the theme. This paper provides insights into the different roles that tactility plays in the fields of ‘immersive theater’ and ‘exhibition’. To this end, we first examine the role of tactile/haptic by reviewing existing theoretical discussions. The results reveal that ‘immersive theater’ focuses on ‘tactile’ to enhance ‘realism’ and elicit instinctual reactions in the audience for a more realistic experience. Meanwhile, ‘exhibition’ focuses on ‘haptic’ as an element that completes the work and induces ‘meaning-making’ between the audience and the artist to effectively convey the theme of the work. as the discussion in the field of culture and art is shifting from ‘visual’ to ‘tactile/haptic’, this paper's analysis of the cases of ‘immersive theater’ and ‘exhibitions’ that actively embrace ‘tactile/haptic’ provides a meaningful contribution to the conversation of the roles of ‘tactile/haptic’. It is hoped that this paper will provide an understanding of the characteristics of ‘tactile/haptic’ in the field of culture and art, and insights into appropriate ways to utilize them.