Earticle

본 논문은 하먼의 예술론을 그의 철학 체계(OOO)와 미학적 관점에서 고찰하되, 그 요체를 미적 긴장의 미학과 은유의 존재론적 메커니즘을 통 해 규명하고 나아가 그것의 예술적 적용 가능성을 탐구한다. 하먼의 예술 론은 자신의 철학 체계에서 도출된 것임에도 여러 면에서 중요한 예술적 함의를 가진다. 그는 객체의 비직서적 성질에 의존한다는 이유로 미학에 제일 철학의 지위를 부여하고, 직서주의를 본질적으로 멀리하는 예술에 실재를 탐구할 수 있는 역할을 부여한다. 그는 예술의 비직서적 객체가 실재를 은유적으로 접촉할 수 있게 함으로써 실재를 지식 없이 인식하는 기능을 갖는다고 말한다. 이는 예술과 실재의 관계에 대한 오랜 미학적 문제에 중대한 시사를 준다. 한편, 그의 존재론적 은유론은 객체의 기본 구조로서 객체의 네 극 간 의 긴장 관계 중 특히 매혹 혹은 아름다움이라 불리는 실재 객체와 감각 성질 간의 미적 긴장이 예술에서 어떻게 은유를 통해 작동하는지를 구체 적으로 분석한다. 그의 은유론은 예술의 핵심 기제를 은유로 설명함으로 써 예술의 본질을 알려줌과 동시에 구체적으로 개별 예술작품의 미적 기 제를 분석할 수 있는 유용한 도구를 제공한다. 특히 본 연구에서는 하먼 의 은유론이 시각예술 분석에 어떻게 적용될 수 있는지 구체적으로 예증 한다.

This paper critically examines Graham Harman's theory of art within the context of his philosophical framework(Object-Oriented Ontology, OOO) and from an aesthetic perspective. It seeks to elucidate the essence of theory of art through the concept of ‘aesthetic tension’ and the ontological mechanisms of metaphor, exploring its potential artistic applications. Despite being derived from his philosophical system, Harman's art theory holds significant artistic implications in various aspects. Grounded in the non-literal nature of objects in his philosophy, he accords aesthetics the foremost position in philosophy, endowing it with the role of exploring reality in art, inherently distancing itself from object-oriented philosophies. Harman argues that the non-literal objects in art possess the capability to metaphorically touch upon reality, allowing for the cognition of reality without knowledge. This assertion holds profound implications for longstanding aesthetic questions concerning art and reality. On another note, his ontological theory of metaphor delves into the fundamental structure of objects, specifically analyzing the aesthetic tension between real objects and sensory qualities, often referred to as ‘allure’ or ‘beauty’. Harman's theory of metaphor provides a concrete analysis of how aesthetic tension operates in art through metaphor. By explaining the core mechanism of art through metaphor, it not only reveals the essence of art but also offers a valuable tool for the analysis of the aesthetic foundations of individual artworks. This paper, particularly using visual arts as examples, provides concrete instances illustrating how Harman's metaphor theory can be applied in the analysis of artworks.

본 연구는 인류세 위기를 통과하며 지구/자연과 인간의 복합적 관계를 드러낼 영화의 미학적 방법을 탐구하려는 목적을 가진다. 이를 위해 첫째, 에코시네마의 ‘비인간적 선회’가 강조하는 탈인간중심주의적 관심에 동조 하면서, 차크라바르티가 주장했던 ‘행성적 사유’와 ‘깊은 시간에 대한 인 식’, ‘종에 대한 사고’하기를 인류세 인식의 전제로서 가져온다. 이를 미학 적 방법을 탐구하는 전제로 두는 이유는 이 강령들이 존재론적 질문을 던 짐과 동시에 인류세의 복합성을 횡단하는 인식의 실천 또한 담고 있기 때 문이다. 둘째, 탈인간중심주의적 경험과 공명하는 이미지 체계로서 서사 의 연속성에 얽매이지 않는 파편화된 이미지 연결 방식을 검토한다. 크라 카우어가 주장한 영화 매체의 특성에서 ‘외계화(being extraterrestrial)’의 정향을 파악하고, 그 방법으로서 브레송의 ‘파편화 몽타주’를 살펴 인류세 의 행성적 위기를 가시화하는 대안적 영화 방법의 가능성을 찾는다. ‘물과 얼음’의 자연 풍경을 전면에 제시하는 비서사 다큐멘터리 <아쿠아렐라 Aquarela>(2018)를 이에 대한 가능태로서 분석한다. 이로부터 영화가 외 계화 전략을 통해 결국 관객의 감각 경험과 감응/정동을 추동하여, 대변 화의 시대 행성과 인간-비인간 사이의 존재론적 형식에 대한 새로운 방향 성을 제시할 수 있음을 고찰한다.

This study explores the aesthetic methods of film that will reveal the complex relationships between Earth/nature and humans through the Anthropocene. To this end, first, while sympathizing with eco-cinema’s primary interest, ‘inhuman turn’, the essay pursues 'planetary thinking', 'awareness of deep time', and 'thinking about species' as a premise for recognizing the Anthropocene, that is advocated by Chakrabarti. The reason why this is set as a premise for exploring aesthetic methods is because these theses ask ontological questions and at the same time contain the practice of recognition that traverses the complexity of the Anthropocene. Second, as an image system that resonates with postanthropocentric experience, it examines a montage method that is not tied to the continuity of narrative. Through Krakauer’s ‘being extraterrestrial’ and Bresson’s ‘fragmentation montage’ the study attempts to find a possibility of an alternative film method that visualizes the planetary crisis of the Anthropocene. To do so, it analyzes the non-narrative documentary Aquarela (2018), which presents the natural landscape of ‘water and ice’. From this, the essay seeks that the film can ultimately drive the audience's sensory experience and affect, suggesting a new direction for the ontological form between humans and non-humans and the planet in the era of the Anthropocene.

본 연구는 2010년대 중반 페미니즘 논의와 함께 2016년 이후 한국 장 편영화 경향이 페미니즘 영화와 여성서사의 물결을 형성하고 있음에 주목 한다. 다음으로 분석 텍스트를 관통하는 요소로 여성캐릭터의 사회적 지 위가 어떻게 표현되는지 살펴본다. 여기서 주요 연구 배경은 2016년의 시 대, 영화 제작 방식, 담론 형성이다. 2016년 이후 페미니즘 영화에 대한 활발한 논의는 그들의 사회적 배경, 주로 저예산 독립영화의 제작 방식, 국내외적 평가와 관련이 있다. 2016년 이후 여성주의영화 혹은 여성서사 는 몇 가지 특징들을 드러낸다. 고용불안이라는 현실, 가부장제의 붕괴, 모녀 관계 등이다. 그리고 이러한 특징들은 다음의 요소로 연결되면서 여 성주의영화의 새로운 여성서사를 견인해낸다. 그 요소라는 것은 바로 여 성의 사회적 지위이다. 본 연구의 텍스트는 2016년 이후의 영화 중 여성의 사회적 지위를 통 해 여성주의영화 혹은 여성서사에 대한 담론을 이끌어내는 영화들을 삼고 자한다. <소공녀>(2017), <벌새>(2018), <82년생 김지영>(2019), <윤희 에게>(2019)를 분석의 텍스트로 논의하고자 한다. 분석 텍스트들에서 주요하게 보이는 특징들 중 하나는 전통적인 여성상 으로서의 표상인 가정주부와 집 밖에서 활동하는 직업인으로서의 갈등과 균열을 보여준다는 점이다. 또한 이 영화들은 가사노동의 사회적 함의와 평가를 역설적으로 드러내고 있다. <82년생 김지영>과 <윤희에게>는 직 접적으로 그 갈등과 균열을 드러내고 있으며, <소공녀>는 주인공 미소가 가사도우미를 직업으로 택하는 모습을 보여줌으로써, <벌새>는 은희가 바 라보는 엄마와 학원 선생님 영지를 통하여 전통적인 여성상과 변화하는 여성상의 갈등과 균열을 간접적으로 표출하고 있다. 일찍이 미국의 페미니스트이자 사회심리학자인 베티 프리단은 사회가 여성을 신화적으로 어떻게 구성했으며, 그 신화가 여성이 욕망하는 부분 과 괴리되어 있으며, 사회가 이를 억압하고 있다고 이야기한다. 2016년 이후 한국장편영화의 여성캐릭터의 사회적 지위인 엄마, 가사 도우미, 조 리사 등은 가부장제의 테두리에 안에 있는 여성캐릭터로 나타나지만, 이 어서 그에 대한 성찰, 변주, 패러디 그리고 역설을 통하여 지금 현재 한 국사회의 성역할에 대한 비판과 변화를 보여준다.

This study focuses on the trend of Korean feature films forming a wave of feminist films and female narratives since 2016, along with the discussion of feminism in the mid-2010s. The social status of a female character is the common element that goes through the texts analyzed in this study. The main research background here is the era of 2016, the film production process, and discourse formation. Active discussion on feminist films since 2016 is associated with the social background of the films, the production process of mostly low-budget independent films, and domestic and foreign valuation. Feminist films and female narratives since 2016 show characteristics like the reality of employment instability, the fall of patriarchy, and the mother-daughter relationship. These characteristics connect to the element of women's social status, deriving new female narratives out of feminist films. The study looks through films released after 2016 that lead to a discourse on feminist films or female narratives in relation to the social status of women. This paper analyzes and discusses the texts from Microhabitat (2017), House of Hummingbird (2018), Kim Ji-young: Born 1982 (2019), and Moonlit Winter (2019). One of the main features of the texts is that they show the conflict and cracks that exist between the traditional female representation as a housewife and a professional career woman. In addition, these films paradoxically reveal the social implications and assessments of domestic labor. Kim Ji-young: Born 1982 and Moonlit Winter directly reveal the conflicts and cracks, and Microhabitat shows the main character Miso choosing a housekeeper as a job, and House of Hummingbird expresses the traditional female image and changing female conflicts and cracks through Eun-hee's mother and academy teacher's territory. Betty Friedan, an American feminist and social psychologist, earlier explained how society mythically constructs women, how the myth diverges from what women desire, and how society oppresses those desires. The social status of female characters in Korean feature films since 2016 has been represented as mothers, housekeepers, cafeteria cooks, etc., who appear to be women within the borders of patriarchy. However, through introspection, variations, parodies, and paradoxes, they criticize and show changes in the gender roles of Korean society today.

프랑스 철학자 시몬 베유는 실제의 악은 우울하고 단조로우며 척박하고 지루하지만 상상의 악은 다채롭고 낭만적일 수 있다고 말했다. 소설과 드 라마에서 악과 저주라는 소재가 부흥하고 있는 최근의 현상은 현실에서 더욱 거대해지고 인과성이 불명확한 악에 대응하기 위해서는 더욱 다양한 상상력이 필요한 시대임을 역설하는 듯하다. 본고는 이런 현상을 마술적 리얼리즘과 토속적 미래학이라는 두 개의 문화 용어를 사용해 분석하고자 한다. 특히 악과 저주에 대한 서사를 다루고 있는 여러 작품 중 정보라의 소설 ｢저주토끼｣와 김은희의 오컬트 드라마 <악귀>를 집중적으로 탐구한다. 두 작품 모두 현대인들을 엄습해오는 점점 실체를 알기 어려워진 악 의 존재에 대한 대응으로서 ‘초현실’이라는 문을 두드리며 서사를 다채롭 게 전개해나가는 공통점을 갖고 있기 때문이다. 현실이 아니라 초현실을 불러온다는 점에서는 미래적이고 마법적인 속성을 갖고 있지만, 그 소재 는 토속에서 가져온다는 점에서 비서구적, 대안적 면모도 갖추고 있다. 이런 특징은 오랫동안 존재해왔던 문화 용어인 ‘마술적 리얼리즘’으로 설 명될 수 있다. 마술적 리얼리즘은 그 용어 자체의 뜻에서 이미 토속적 면 모를 갖추고 있다. 이 용어를 정의한 사모라에 따르면 마술적 리얼리즘은 포스트모더니즘과 연관되며 비서구를 묘사하기 위해 고안됐다. 이 점에서 볼 때 토속적 미래학과 마술적 리얼리즘은 상호 참조적인 속성을 갖고 있 다. 정보라의 ｢저주토끼｣는 근대 이전의 과거에서 세대를 거듭해 현재까 지 저주를 걸고 있는 샤먼 가문을 주인공으로 설정하고 있으며, 김은희의 <악귀>는 조선시대부터 자주 행해진 염매의 풍습이 일어난 1958년 장진 리 사건을 소재로 삼아 악귀에 실린 저주가 후대 귀신을 보는 민속학자들에 의해 풀리는 이야기를 다루고 있다. 두 서사 모두 자본주의적 탐욕을 만들어낸 거대 악이 원격 작용인 샤먼이나 마술에 의해 해결되는 권선징 악적 구조를 띠고 있다. 이런 설정은 현대의 악은 더 이상 사법체제로만 해결되기 어려운 구조를 갖고 있음을 암시적으로 드러낸다. 이런 점에서 본고는 마술적 리얼리즘이란 용어로 현대가 마주한 실재를 철학적으로 다 시 설명해보고자 하는 21세기 사변적 실재론자 티모시 모튼의 『실재론적 마술』을 경유해, 이와 같은 실재론적 마술과 토속적 소재가 현실 세계의 어떤 면모를 부각시키고자 하는 것인지를 탐색해보고자 한다. 상상 속의 선은 지루하지만 실제의 선은 언제나 새롭고 놀라우면서 매혹적이다. 상 상을 통해 새로운 인과성을 확인한 악은 실제의 선을 창조하는 효과를 거 둘 수 있다. 본고는 새로운 인과성에 대한 시론을 통해 마술적 실재를 상 상하는 미래학이 어떤 서사적 효용성을 가질 수 있는지를 탐구해보고자 한다.

French philosopher Simone Weil said that real evil is gloomy, monotonous, barren, and boring, but imaginary evil can be romantic and varied. The recent phenomenon of the revival of the subject matter of evil and curse in korean novels and dramas seems to declare that we are in the era where a more diverse imagination is needed to respond to the unspecified evil that is becoming more massive in reality. This paper seeks to analyze this phenomenon using two cultural terms: Magical Realism and Indigenous Futurism. In particular, among the many works that deal with narratives about evil and curses, we will especially focus on Jung Bo-ra's novel Cursed Bunny and Kim Eun-hee's occult drama ‘Revenant’. Both works have in common that they have developed narratives in a variety of ways by knocking on the door of ‘surrealism’ as a response to the existence of evil that is increasingly different from the existing one in terms of the reality and causality. It has futuristic and magical properties in that it is surreal rather than reality, but it also has a non-Western and alternative aspect in that the material of narratives is taken from the indigenous tradition. These characteristics can be explained by ‘magical realism,’ a cultural term that has existed for a long time. Magical realism already has a folk aspect in the meaning of the term itself. Magical realism is related to postmodernism and a term to describe the non-West tendency. In this respect, Indigenous Futurism and Magical Realism have mutual referential properties. Cursed Bunny sets as the main character a family that has placed a curse on generations from the pre-modern past to the present, and ‘Revenant’ follows the event took place at Jangjin-ri in 1958, when the custom of Yeommae(厭魅), which has been frequently practiced since the Joseon Dynasty. Using the incident as its subject matter, it tells the story of a curse placed on an evil spirit being resolved by folklorists and the brave young woman who sees the ghost. Both narratives have the structure in which the great evil that created capitalist greed is punished through some kind of remote action by shaman magic. Here, evil implicitly reveals a structure that can no longer be solved solely through the modern judicial system. In this respect, this paper explores the new causality of reality through Realistic Magic by Timothy Morton who a 21st century dominant speculative realist. I explored whether futurism, which imagines magical reality, can provide another logic and causality that finds the alternative narrative that explains our vague and uncertain reality.

영화에서 기본이 되는 쇼트의 화면구성은 인물의 배치와 동선 및 공간의 깊이로 의미와 서사의 흐름을 창출할 수 있다. 편집을 하지 않고 제한 된 화면영역 안에서 의미를 압축적으로 담아내기 위해서는 소품을 이용해 공간의 확장을 시도하거나 화면 안의 배치를 통해 마치 몽타주처럼 여러 장면이 연결되는 효과를 내기도 한다. 영화 <헤어질 결심>은 형사와 용의 자라는 위치에서 만난 두 주인공이 각자의 욕망을 감추고 틈틈이 노출하 는 내적 갈등 속에서 외부 세계의 규범과도 부딪히는 이중적 갈등을 다룬 다. 그들 사이 심리적 상황이 서사의 중심을 이루는 이 영화는 대사만으 로 그 내용을 풀어내지 않고, 시각적인 장면으로 압축시켜 구체화한다. 본 논문은 <헤어질 결심>에서 주요 인물들의 내면성 표출을 위해 활용된 장면 연출의 전략 중 두 가지에 주목했다. 거울 이미지의 의미와 내적 몽 타주 기법이다. 거울 이미지는 거울의 반영적 특성과 라캉의 거울 단계 이론을 바탕으로 주체와 자아의 분열과 타자와의 상상적 관계로 이해해 보고, 내적 몽타주 장치는 하나의 장면 안에서 관계의 긴장감과 공간적 거리를 보여주는 역할에 주목한다.

The composition of a short, which is fundamental to cinema, can create meaning and narrative flow through the placement and movement of characters and the depth of space. In order to compress the meaning within a limited screen area without editing, the director tries to expand the space by using props or create the effect of connecting multiple scenes like a montage through the placement on the screen. <Decision to Leave> is a film about the dual conflicts of two protagonists who meet in the position of detective and suspect, each hiding their desires and exposing them at intervals, while clashing with the rules of the outside world. The psychological situation between them is at the centre of the narrative, and the film does not resolve its content through dialogue alone, but compresses it into visual scenes. This paper focuses on two of the strategies in the film that are used to show the interiority of the main characters: the meaning of mirror image and the technique of inner montage. Based on the reflective nature of mirrors and Lacan's theory of the mirror stage, the mirror image is understood as the split between the subject and the self and the imagined relationship with the other, while the inner montage device is used to show the tension and spatial distance of relationships within a single scene.

본 논문은 장리석의 회화와 제주도 관광 안내서에 실린 해녀 이미지를 비교․분석하고 1950년대부터 1980년대까지 형성된 제주도의 관광 시선을 분석하여 근현대 제주도라는 물리적 장소가 수행성을 지닌 장소로 인식되 는 과정을 살펴보는 것이다. 제주도는 20세기 들어 인식적 공간이 급변한 곳이라 할 수 있는데, 제 주도의 경제 사회와 더불어 제주도를 표상하는 이미지가 급격하게 변화하 게 된 원인 중 대표적인 것이 바로 관광이라고 할 수 있다. 이러한 점에 서 일제강점기에 형성된 식민주의의 관광 시선으로 형성된 조선 향토색을 살펴보고 그 도상의 형식적 관성이 어떻게 남았는지 살펴볼 것이다. 그 대표적인 사례로 한국의 대표적인 근현대 서양화가였던 장리석(1916~ 2019)의 작품에 나타난 해녀 이미지를 분석하여 개인의 훈련으로 형성된 도상이 제주도라는 장소를 어떻게 개념화하는지를 살펴볼 것이다. 그리고 1950년 후반부터 제작된 제주도 관광 안내서에서 해녀 이미지가 제주도 관광에 어떻게 소비되었는지 보고자 한다. 두 가지 매체가 동일한 소재를 어떻게 표현하였는지 분석함으로써 근현 대 한국에서 관성적으로 남아 있는 타자화된 식민주의적 관광 시선이 ‘이 국적인 풍경’으로 만들어야 했던 제주도에 어떠한 영향을 미쳤는지 살펴 보고, 이러한 시선이 작동한 제주도가 어떤 인식적 지리로 변해갔는지를 논하는 것이 본 논문의 목적이라고 할 수 있다.

This study aims to examine how Jeju Island has been perceived as a place with performativity from merely a physical place in the modern times, by comparative analysis of Chang Ree-souk’s paintings and Haenyeo images from Jeju tourist guidebooks and analyzing the tourist gaze on Jeju Island between the 1950s and the 1980s. It is said that Jeju Island is one of the areas whose cognitive space rapidly changed in the Korean of the 20th century, further resulting in great change in its symbolic images. One of the typical causes for such a rapid change would be tourism in addition to the economy of Jeju Island. In this light, this study examines the Joseon local color created by the tourist gaze of colonialism formed during the period of Japanese occupation, and looks into how much of the formal inertia of the icons remains in Jeju Island at present. As one typical case, this study analyzes Haenyeo images from the painting of Chang Ree-souk (1916- 2019), a Korean representative modern and contemporary artist of Western painting, and examines how this icon, which is usually formed through individual training, has conceptualized Jeju Island. Then, this study intends to look into how Haenyeo images, designed for Jeju Island tourist guidebooks since the late 1950s, are consumed by the tourists to Jeju Island. While analyzing how these two media have expressed the same materials, this study finds how the otherized colonial tourist gaze, which remains in Korea in modern times, has affected Jeju Island that needed to create and own its exotic scenery. At this point, the main purpose of this study is to discuss the kind of cognitive place Jeju Island has become under the influence of such a gaze.

이 연구는 매체전환과 각색을 이해하는 새로운 접근법을 제시하는 것을 목표로 했다. 그 방안으로 웹툰 기반 영화의 변곡점을 캐릭터 중심으로 살펴봤다. 이러한 관점은 플롯 및 사건 중심의 분석과 비교해 매체전환 작품의 스토리텔링 전략을 보다 예각적으로 드러낼 수 있다. 본 연구는 기존의 플롯 중심의 매체전환 및 각색 연구에서 미진했던 영역에 관해 상 보적인 역할을 할 수 있으리라 기대했다. 이는 캐릭터의 특정한 요소가 스토리밸류에 큰 영향을 미칠 수 있다는 가정을 전제한다. 이를 확인하기 위해 본고는 최초의 웹툰 기반 영화 <아파트>와 원작 웹툰 <아파트>에서 변화된 주인공의 특성을 탐색했다. 연구 방법에 있어 서는 스타니슬랍스키의 캐릭터 구성 및 캐릭터 구현에 관한 이론을 전유 했다. 이에 따라 이야기의 명제를 반영하는 주인공의 ‘초목표’를 탐구하 고, 캐릭터의 ‘주어진 상황’ 및 동기 형성에 관한 내용을 재정리했다. 이러한 관점으로 매체전환 과정에서 캐릭터의 변화가 내러티브에 어떤 영향력을 끼치는지 분석했다. 그 결과 영화 <아파트>에서 주인공의 ‘주어 진 상황’ 변화는 동기 및 ‘초목표’ 형상화 과정에 깊이 연관되었던 것으로 나타났다. 또한 내러티브의 기대지평 형성에도 유의미한 영향을 끼쳤다. 이에 따라 매체전환 작품이 서사적 추동력을 얻기 위해서는 담화 과정에 서 캐릭터와 플롯의 전환이 필연적으로 상동해야 함을 확인했다. 향후에도 캐릭터를 중심으로 연구 방법론을 세공해 가면서 스토리콘텐 츠의 스토리텔링 전략을 탐색해 나가겠다.

This study aims to present a new approach to understanding media transformation and adaptation by examining the inflection points of Films based on webtoons from a character-driven perspective. Compared to plot- and event-centred analyses, such a perspective can better reveal the storytelling strategies of Adaptation works. This study is expected to play a complementary role in areas that have been neglected in existing plot-centred studies of media transformation and adaptation. It is based on the assumption that certain character elements can have a significant impact on story value. To confirm this, this paper examines the characteristics of the protagonist in the first Films based on webtoons ‘Apartment’ and the original webtoon ‘Apartment’. In terms of research methods, we used Stanislavski's theories on character construction and character realisation. Accordingly, we explored the protagonist's ‘Super-objective’, which reflects the story's proposition, and reorganised the character's ‘given circumstance’ and motivation formation. From this perspective, we analysed how the character's changes affect the narrative in the process of Adaptation. The results showed that the change in the protagonist's ‘given circumstance’ in the film ‘Apartment’ affected his motivation and ‘Super-objective’, and significantly influenced the reader's acceptance of the plot and the formation of his expectation horizon. Accordingly, we found that the transitions of character and plot must necessarily be homologous in order for a cross-media work to gain narrative momentum. In the future, we will continue to explore the narrative strategies of story content while refining the character-driven research methodology.

이사야마 하지메(諫山創, 1986~ ) 원작의 <진격의 거인>은 인간과 거 인의 대결이라는 단순한 플롯 구조 안에서 ‘폭력 미학’의 정수를 보여준 다. 방벽 안에 거주하는 인류를 위협하는 거인의 무자비한 심리적·물리적 억압은 작품에 긴장감을 더하는데, 특히 극의 초반부는 의식과 무의식의 이분적 대립으로 발생하는 ‘공포’의 장치들을 통해서 작품의 세계관을 확 고히 설정한다. 작품의 극단적인 공포와 폭력성은 혐오의 원인이면서 ‘자 유를 갈망하는 인간’을 투사하고 있다는 점에서 특별한 숭고함의 원천이 될 수도 있다. 하지만 <진격의 거인>의 세계관은 무엇보다도 의식과 무의 식의 복잡한 투쟁사에 의존하고 있다. 이 투쟁사는 ‘인간 안의 괴물성’과 ‘괴물 안의 인간성’이 복잡하게 뒤섞인 정신분석학적 민감성 안에서 언캐 니를 증폭하면서 현실과 의식 세계의 몰락이라는 근원적 공포를 선사한 다. 본 연구는 프로이트 정신분석학의 도움을 주요하게 빌려 작품을 이끄 는 ‘공포’의 키워드를 ‘피포위(被包圍) 의식’, ‘거인’, ‘인육섭식(人肉攝食)’ 으로 분류한다. 그리고 이로부터 발생한 폐소공포, 언캐니, 오이디푸스 콤 플렉스, 거세공포 등을 고찰함으로써 <진격의 거인>이 보여주는 악취미 (bad taste)의 본질에 다가가고자 한다. 따라서 본 연구는 <진격의 거인> 의 작품 분석인 동시에, 공포와 폭력의 미학적 자질에 대한, 나아가 영원 한 존재론적 갈등 속에 사는 인간 현실에 대한 정신분석학적 접근이라는 점에서 그 확장된 의의가 있을 것이다.

Hajime Isayama's <Attack on Titan> shows the essence of “aesthetics of violence” within a simple plot structure of human-giant confrontation. The ruthless psychological and physical oppression of a giant that threatens humanity living in the barrier adds tension to the work, and the beginning of the play especially firmly establishes the world view of the work through the devices of “fear” arising from the dichotomous confrontation between consciousness and unconsciousness. The extreme fear and violence of the work can also be a source of unique sublime in that it is a cause of disgust and projects a “human who yearns for freedom”. However, the worldview of <Attack on Titan> relies, above all, on the complex struggle history of consciousness and unconsciousness. This struggle history amplifies the uncanny in the psychoanalytic sensitivity of the complex mixture of ‘monstrosity in humans’ and ‘humanity in monsters’, giving the fundamental fear of the fall of the world of reality and consciousness. This study classifies the keywords of “fear” that lead the work with the help of Freud psychoanalysis as “siege mentality”, “giant”, and “cannibalism” In addition, by examining the claustrophobia, uncanny, Oedipus complex, and castration fear arising from this, we want to approach the nature of the ‘bad taste’ shown by <Attack on Titan>. Therefore, this study will be of extended significance in that it is an analysis of the work of <Attack on Titan>, as well as a psychoanalytic approach to the aesthetic qualities of fear and violence, and to the human reality living in eternal ontological conflicts.

브루노 라투르는 그의 저서 『우리는 근대인인 적이 없었다』(We Have Never Been Modern)에서 근대 세계가 이제까지 존재한 적이 없으며 근 대성은 아직 시작조차 하지 않았음을 주장하였다. 라투르는 우리가 거쳐 왔다고 믿어온 근대는 주체와 대상, 자연과 사회, 문명과 야만 등을 엄격 하게 구분하였으나, 사실상 인간은 문제 해결을 위해 과학과 기술을 활용 하여 인간과 자연의 하이브리드를 수없이 증식해 오기도 했다면서 이 두 종류의 실천에 모순이 존재한다고 진단했다. 그는 자연과 문화, 과학과 사회 사이에는 명확한 경계가 존재하지 않으므로, 인간과 비인간의 복잡 하고 얽힌 관계를 ‘대칭적’(symmetrical)으로 설명하고 이해해야만 현재 인 류에 닥친 위기에 더 잘 대처할 수 있다고 강조했다. 본 연구는 근대적인 사고를 기반으로 하여 18세기에 탄생한 근대적 장소인 뮤지엄을 브루노 라투르의 ‘대칭적 인류학’(symmetrical anthropology)을 가장 잘 설명하고 연습할 수 있는 장소로 보고, 행위자-네트워크 이론 (Actor-Network Theory)의 관점으로 뮤지엄을 관찰하고자 한다. 본 연구는 국립중앙박물관의 <사유의 방>을 연구대상으로 하여, 우리가 인간과 비인간의 하이브리드를 이해하고 그동안의 비대칭성을 재조정 혹은 교정 할 수 있는 최적 장소로서의 뮤지엄을 재조명할 것이다.

In his book We Have Never Been Modern, Bruno Latour argues that the modern world has never existed and that modernity has yet to begin. Latour critiques the perceived modern era's strict distinctions between subject and object, nature and society, and civilization and barbarism. He points out the inherent contradiction in these practices, noting that humans have continually created hybrids of nature and technology to solve problems. Latour emphasizes that since there are no clear boundaries between nature and culture, or science and society, understanding the complex and intertwined relationships between human and non-human actors in a symmetrical way is crucial for better addressing the crises facing humanity. This study views museums, modern institution born in the 18th century based on modernist mindset, as ideal sites to explain and practice Latour's ‘symmetrical anthropology’ and observes them through the lens of Actor-Network Theory (ANT). Focusing on the “Room of Quiet Contemplation” at the National Museum of Korea, this research reevaluates the museum as an optimal site for understanding the human-nonhuman hybrid and for readjusting or correcting the long-standing asymmetries.

본 연구에서는 탄압, 학살, 전쟁, 자연재해, 전염병, 인재사고 등과 같 이 한국 사회에서 발생한 비극을 기념하는 박물관을 의미하는 ‘다크뮤지 엄’을 운영하기 위해 일반 박물관의 전시소재 특성과 다른 다크뮤지엄의 전시소재를 유형화한 후 각 특성에 따른 활용방안에 대해 논의한다. 이를 위해 일반 박물관에서 규정하는 전시물의 분류방식인 의미와 실태를 중심 으로 의미 분류에서는 내용과 가치가 어떻게 전시물로 규정될 수 있는지, 또 실태 분류에서는 형식, 형상, 성질, 상태 등이 어떻게 전시물로 규정되 는지 실제 국내를 대표하는 다크뮤지엄에서의 전시소재를 대상으로 분석 하였다. 연구결과 국내 다크뮤지엄은 대부분 비극을 환기시키고 비극이 발생한 원인과 과정, 결과를 알리고자 ‘이야기재’를 적극적으로 활용하고 있었다. 또 가치적으로는 ‘사건성’이 강조되고 ‘상대성’, ‘희소성’, ‘특수성’ 이 나타났다. 그런데 ‘이야기재’ 중에서 국내 다크뮤지엄마다 구술(증언)을 전시소재로 활용하는 점에 있어선 정도의 차이를 보였다. 국내다크뮤지엄 이 비극의 실체를 드러내는 것을 넘어 진실에 접근하기 위해서는 비극 당 시의 분위기와 정서를 환기시키는데 중요한 역할을 하는 구술(증언)의 전 시소재 적용 방안에 대해 깊이 연구할 필요가 있다. 또 소수의 다크뮤지 엄에서 시도되는 예술작품을 전시구성에 활용하는 방식은 방문객에게 새 로운 시각과 함께 비극의 본질적 의미에 접근할 수 있는 정서를 제공한다 는 점에서 앞으로 주목해야 할 전시소재이다.

In order to operate a ‘Dark Museum’, which means a museum that commemorates tragedies that have occurred in Korean society, such as repression, genocide, war, natural disasters, epidemics, and human accidents, this study categorizes the characteristics of exhibit materials in general museums and the exhibit materials in dark museums, and discusses how to utilize each characteristic. For this purpose, we analyzed the exhibit materials in dark museums representing Korea by focusing on the meaning and actuality, which are the classification methods of exhibits in general museums, and how the content and value can be defined as exhibits in the meaning classification, and how the form, shape, nature, and condition can be defined as exhibits in the actuality classification. The results showed that most of the domestic dark museums actively utilized ‘narrative materials’ to remind people of the tragedy and to inform them of the causes, processes, and consequences of the tragedy. In terms of values, ‘eventuality’ was emphasized, and ‘relativity’, ‘scarcity’, and ‘specificity’ appeared. However, among the ‘narrative materials’, there were differences in the extent to which domestic dark museums utilized oral testimonies as exhibition materials. In order for domestic dark museums to approach the truth beyond revealing the substance of the tragedy, it is necessary to study in-depth how to apply oral testimonies, which play an important role in evoking the atmosphere and emotions of the tragedy, as exhibition materials. In addition, the method of utilizing artworks in the exhibition composition, which has been tried in a few dark museums, is an exhibition material that should be paid attention to in the future because it provides visitors with a new perspective and an emotion that allows them to access the essential meaning of the tragedy.