Earticle

본 연구는 동양 문화의 정수라 할 수 있는 서예에 대한 기호 현상학적 시 론이다. 필자가 수 년 전부터 연구해 온 문자 인문학의 연장선상에서 동아 시아 매체 문화사의 핵심적 요소로서 서예를 주목하고 있다. 본고는 서예의 역사와 실증적 사실들을 괄호 속에 넣고 서예의 정신성과 추상적 미에 주 안점을 두었으며 특히 서양 기호학의 이론과 모델로서 포착될 수 없는 서 예의 비기호적 성격들을 언급하고 있다. 또한 본고는 서예의 신체성에 함의 된 고차원의 현상학에 방점을 찍고 있다. 이를테면 서예가의 손은 그의 정 신적 신체적 현존성을 설정하는 지시적 표시소를 작품의 중요한 요인들로 취한다는 점에서 구조 기호학의 개념에서 설명되기 어려운 양상들이 존재 한다. 끝으로 본고는 결론을 대신하여 서예와 다른 시각 예술과 조형예술과 의 상호 매체성을 차후의 연구 과제로 제시하고 있다.

The main purpose of this paper is to present a semio-phenomenological essay on the calligraphy which is an essence of East Asian culture. This study might be integrated in the framework of the humanities of writing which has been conducted several years ago. In particular in this perspective on the cultural history of media the calligraphy is to be considered as a key element. The author underlined the spirituality and abstract beauty of calligraphy in putting the positive elements and the long history of calligraphy into the parenthesis. This paper makes clear that the semiotic models should be problematic to be applied to the corporality of the calligraphic artist. In conclusion the author proposed another important theme of intermediality between the calligraphy and other visual arts in the cultural history of East Asia.

본고는 ‘미래영화(future cinema)’ 혹은 ‘확장영화(expanded cinema)’라 는 개념으로 디지털 미디어가 만들어나갈 영화의 미래를 사유해보고자 하 는 목적에서 쓰였다. 디지털 미디어는 관객이 이미지와 상호작용 (interaction)하여 이미지를 변화시키고, 삼차원의 이미지 속으로 들어가 몰 입감(immersion)과 현존감(presence)을 만끽하도록 한다. 이는 이차원의 영화에서는 가능하지 않았던 ‘새로운 체험’과 ‘지각의 확장’을 관객에게 제 공하게 된다. 따라서 종래의 영화의 개념은 이러한 디지털 미디어의 매체적 특성을 적극 활용하여 그 범위를 확장시키고 더 나아가 근본적으로 변화를 도모해야 하는 지점에 이르렀다. 그러나 디지털 미디어의 매체적 특성에 대한 인식을 공유한다고 해서 그 것이 곧장 영화의 개념 확장을 주장해온 논자들이 동일한 입장을 가진다는 것을 의미하지는 않는다. 디지털 미디어를 사용한 미래의 영화형태가 스토 리텔링을 강화할 것인가 아니면 비내러티브적 지각체험의 생성에 주안점을 둘 것인가, 디지털 미디어로 말미암아 가능해진 새로운 지각체험의 성격은 과연 어떤 것인가 등의 문제에 대해 아직 명확히 합의된 바는 없다. 미래영 화의 형태는 여전히 모호한 채로 논의 중에 있을 뿐이다. 본고에서는 영화의 개념 확장과 변화를 주장해온 대표적인 논자들의 상 반된 입장들을 살펴봄으로써 미래영화의 형태를 둘러싼 쟁점이 무엇인지를 정리하고, 이에 더해 필자가 생각하는 ‘미래영화/확장영화’의 윤곽을 간략히 그려봄으로써 추후의 논의에 실마리를 제공해보고자 한다.

The concept of cinema has been asked to change since the arrival of digital media. Cinema has generally meant images that are projected onto a 2 dimensional screen while spectators sit in a dark theatre watching the screen in silence and enjoying the story as it unfolds. Digital media enables the viewer (user) to interact with the images, to change them, and to immerse themselves into the images so that they feel as if they are there (sense of presence). These characteristics of digital media provide us with a 'new experience' and permit an 'extension of our perception', which have never been possible with 2 dimensional cinema. Therefore, to adapt to the characteristics of digital media, the traditional concept of cinema should expand its boundaries and, furthermore, accept some fundamental changes in its concept. This article has been written to contemplate the future of cinema in a digital environment. With this in mind, I will first examine some arguments proposed by several artists and scholars who have voiced their strong opinions on this issue. Then I will outline my thoughts on the form of 'expanded cinema' or 'future cinema'.

본 논문은 고다르의 최근작이자 유작이 될 수도 있는 작품 <필름 소셜리즘(Film Socialisme)>(2010)에 나타난 고다르의 유럽역사에 대한 정치적 입장을 연구하고 있다. 소나타처럼 3부의 형식으로 구성되어 있는 이 작품은 1부와 3부는 고급유람선 콩코르디 아의 유럽 해안 도시들의 유람의 일정을 다루고 있고, 2부는 프랑스 시골지방의 지방선 거에 나간 개혁론자 루시의 가족을 다루고 있다. 1부와 3부에서 콩코르디아호는 알제리, 이집트, 하이파, 팔레스타인, 오데사, 그리스, 나폴리, 바르셀로나와 같은 지중해 연안 국 가들의 해안 도시들을 여행한다. 이 도시들의 이미지를 다양한 영화아카이브에서 가져와 인용하면서 고다르는 유럽의 해안 도시들의 이미지를 유람선 내부의 장면과 대조적인 형식으로 교차해서 보여준다. 이 유람선에는 많은 승객이 탑승하고 있는데, 그중에는 늙 은 부자들이 많다. 이들이 돈과 금을 차지하기 위해 지중해 연안의 슬픈 역사를 조장했 던 증인들임을 고발하면서 고다르는 지중해 도시들의 슬픈 역사장면들을 열거한다. 요컨 대 고다르는 돈과 권력에 눈이 먼 자본주의자들에 의해 세계의 평등과 평화를 꿈꾸는 많은 사회주의자들의 이상이 무너져버렸음을 한탄하고 있는 것이다. 반면 2부에서 유럽 의 젊은 세대에게서 과거와의 단절을 이루어내고 새로운 유럽을 건설해보려는 기운을 읽어볼 수 있다. 영화에서 콩코르디아는 소비사회 이미지를 상징하고 있고, 그 외 카메 라, 금, 동물들은 진정한 사회주의의 회복을 바라는 고발자이자 견자로서의 이미지를 상 징하고 있다. 고다르는 다양한 장소와 다양한 시간대의 유럽의 모습을 다양한 영화아카 이브 인용, 질 떨어지는 해상도에서 최상급 디지털 이미지까지의 다양한 질의 이미지 나 열, 물질에 현혹된 위정자들을 나타내는 금, 그에 대한 조롱을 나타내는 동물들과 고발 을 보여주는 카메라들을 통해 진정한 사회주의를 염원하고 있다.

This paper aims at analyzing Godard's <Film Socialisme)> (2010) and his political views on European history. This film is divided into three parts like a sonata form. While partsⅠand Ⅲ show the luxury cruise Concordia and its sightseeing tour along coastal cities in the Mediterranean, part Ⅱ talks about Lucy who lives in the French countryside and is a candidate at local elections. In partsⅠand Ⅲ, Concordia sails along the Mediterranean coast of Algeria, Egypt, Haifa, Palestine, Odessa, Greece, Naples and Barcelona. Quoting many films' archive images of these places taken from various movies, Godard contrasts them with the luxurious scenes of a cruise ship. Many passengers on board the cruise ship are well-off senior citizens. They took away money and gold from all over Europe and manipulated the tragic history of the Mediterranean coast to conceal their guilt. Godard accused them by enumerating scenes of corruption, massacre and war. In short, Godard blamed them for degrading the original meaning of socialism : blinded by money and power, their will faded away. On the other hand, in part II, we can see the young generation who made a break from the past of Europe and wanted to build a democratic society under the ideal socialism. In this film Concordia works as a symbol of the consumer society, and the cameras, gold and animals are metaphors for the accusers who wish to recover real socialism. To express this effectively, Godard quotes a significant amount of film archives related to various places over different times in Europe : from analogue images of low quality to digital images with a high resolution, he often resorts to gold images for figuring politicians blinded by money, and he shows animals and cameras for mocking them. Through all these allusions and devices, Godard wishes to re-establish a more genuine socialism.

남한에서 제작된 영화 속에서 북한을 묘사하는 태도나 북한 사람을 묘사 하는 내용상의 맥락에서 변화가 일어나고 있다. 이전까지 적화통일을 목적 으로 하는 타자의 이미지였던 북한 사람에 대해 1990년대 후반부터 휴머니 즘적 접근이 나타나기 시작했고 이후, 희극성과 결합한 영화들이 지속적으 로 제작되고 있다. 1990년대 이후 희극성과 결합한 분단 소재의 영화들은 코미디장르에서 나타나는 일반적인 컨벤션을 그대로 따르지 않는다. 먼저, 웃음생성요인에 있어서 아리스토텔레스의 ‘우월론’이 아닌, 앙리베르그송이 『웃음』에서 언 급한 ‘경직성’에 근거한다. 이는 이념이 다른 북한주민들을 조롱하기 위함이 아니라, 이념에 의해 금지되고 경직된 현실을 조롱하고 있다. 또한 분단소 재의 영화들은 일반적으로 희극에서 나타나는 해피엔딩의 서사구조를 따르 지 않는다. 비극적인 소재인 분단은 일상영역으로 흡수되면서 희극성과 결 합하게 되었기 때문에 희비극적인 결말에서 아이러니를 발생시킨다. 휴전 60년이 지난 지금 일상영역에 들어온 분단소재를 영화로 소비하는 주체는 분단을 실제로 경험한 세대와 그 자식세대가 아닌, 전쟁 비체험세대 가 주를 이루기 때문에 분단의 심각성과 비극성을 체감하는 정도가 다르다. 따라서 분단된 남한에서 태어나고 자란 비체험세대가 ‘분단’을 접근하기 위 해 보다 쉽고 가벼운 희극적인 양식을 통하고 있지만, 가치전복적인 코미디 를 통해 그 본질과 마주했을 때 느끼는 비극성은 아이러니를 일으키며, 일 상영역에 속한 분단상황에 대한 재고를 추동한다.

The Attitude and context used in South Korean films depicting North Korea has changed. Before, the North Koreans were perceived as "the others". However, films about the division of Korea with comedic elements began to be produced since the late 1990s. Such films make the audience laugh based on the "rigidity" explained in Henry Bergson’s Laughter. They generate laughter not by making a mockery of the North Koreans, but by making a mockery of the forbidden, rigid situation caused by the ideological difference. Moreover, instead of the usual happy ending, films about the division have an ironic mixture of comedy and tragedy, taking on a tragic subject matter with humorous depictions of daily life. As 60 years have passed since the Armistice, major consumers of the films about the division are not those who experienced the Korean War, nor their children's generation. The new generation who were born and raised in the divided South Korea takes a lighter approach to the reality. However, the transvaluation in comedy lets the audience encounter the actual message, leading to sadness, creating an irony, and ultimately inspiring the audience to rethink the division which became a part of their daily life.

본 논문은 프랑수아 트뤼포의 영화들 중 ‘앙투안 두아넬 연작’이라 분류 되는 5편의 작품을 중심으로 하여 영화적 분신으로서의 독창적 인물 창조 와 반복적 글쓰기를 통한 자전적 공간의 구축 방식에 대해 고찰하고 있다. <400번의 구타>에서 시작되어 <달아나는 사랑>에 이르기까지 20여 년간 의 시간동안 구축된 5편의 연작은 주인공 앙투안의 일대기를 통해 ‘창작자 로서의 작가’의 내밀한 자전적 기억과 자아의 이미지를 픽션의 구조 안에서 형상화하고 있다. 트뤼포의 작품에서 자전적 측면은 단순히 작가가 살아온 실제 삶과 작품에 담긴 내용의 유사성에서 기인하는 것이 아니라, 각각의 작품들을 관통하며 지속적인 반복과 변주의 글쓰기를 통해 순환되는 내밀 한 기억의 이미지, 그리고 이를 통해 구축된 ‘영화적 자아’의 동질성을 통해 드러나는 것이라는 사실을 알 수 있다. 인물의 연속성, 주제를 드러내는 다양한 모티브들, 대사 및 행위 등은 <미국식 밤>, <여인들을 사랑한 남자> 등 연작 외부의 작품들에서도 끊임 없이 순환·변주되면서 연작 내부의 작품들과 긴밀히 연결된다. 텍스트의 총 체 속에 창출된 가상의 자아를 중심으로 순환하고 재구성되는 기억의 이미 지들은 상호텍스트성과 자기반영성에 기초한 새로운 차원의 자전적 공간을 형성하게 된다.

Avec son premier long métrage, Les Quatre cents coups, François Truffaut a créé, à partir de ses souvenirs d'enfance, un personnage devait continuer à vivre dans son oeuvre. À travers tous les cinq films du cycle Doinel, la dimension autobiographique se crée dans cette identité dynamique du personnage. Cela nous donne à voir la distiction entre l'identité de l’homme-auteur et celle de l'auteur-créateur, selon les concepts chez Bakhtine. Chez Truffaut, le rapport autobiographique entre auteur et personnage s'établit plutôt par un recours fréquent à l'auto-citation, au moyen de noms, de répliques ou de situations semblables qui reviennent au travers des oeuvres, que par une concordance entre la vie privée de l'auteur et l'histoire racontée. De cette manière, les personnages des films hors du cycle reflètent l'image de Doinel. Truffaut crée ainsi un «espace autobiographique» qui implique des interférences entre autobiographie et fiction, à travers une réécriture constante de ses souvenirs qui circulent d'un film à l'autre.

본 논문은 공익광고의 정의와 특징을 살펴보고, 2012년에 방영된 공익 광고를 대상으로 광고언어의 분석을 통해 그러한 특징이 언어적 수단으 로서 어떻게 표현되었는지 알아보고자 하였다. 이를 위해 본 논문은 2012년에 제작된 TV 공익광고 7편의 광고언어를 분석한 결과를 기반 으로 공익광고의 특성과 관련하여 다음과 같은 결론을 도출할 수 있었 다. 1. 공익광고는 행동의 결과가 긍정적으로 나타남을 강조한다. 광고 속 언어사용 방식에 있어서 공익적인 사회문제를 인식하게 하고, 행동변화 를 유발하기 위해 품사적인 측면에서는 주로 명사와 동사의 사용이 지 배적이다. 2. 공익광고는 명령적인 1차원적 메시지가 아닌, 우회적이고 감정에 호 소하는 2차적 메시지를 선호한다. 따라서 전달 방식으로서는 평서문, 의 문문, 청유문이 주로 사용되며, '감성적', '계몽적', '참여적', '사회적'인 의미의 어휘 사용을 통해 공감대 형성 및 사회참여 의식을 고취시키고 자 한다. 3. 공익광고는 상업광고와 다르게 각인을 위한 반복적인 상품명 선전이 나 문구, 과도한 이미지를 만들려고 하기보다 수용자의 감성에 호소하는 메시지 중심의 설득형 광고가 지배적으로 나타난다.

This paper deducted the following conclusions in regard to the characteristics of public campaign advertisement, using analyzed result of the advertisement language on seven television public campaign advertisements made in 2012. 1. The language of public campaign advertisement emphasizes the positive emergence of the consequence of the action. In the usage of the language of advertisement it makes people aware of the social public problems, in order to lead to the change of the action it uses noun and abjective dominantly for the part of speech. 2. The language of public campaign advertisement prefers not one dimensional dictational massage but two dimensional message which appeals the emotional feelings circuitously. Therefore, a declarative sentence, an interrogative sentence and a suggest sentence are used as a transfer method, 'emotional', 'enlightening', 'participatory' and 'social' words are used in order to stir up the social participation attitude and form a social consensus. 3. Unlike commercial advertisement, public campaign advertisement prevailingly uses message centered persuasive communicating manner rather than making excessive image, repeated phrase and propaganda of the name of product for stamping.

본 논문은 아시아문화·예술전문인력양성사업을 통해서 문화·예술교육의 효 과성과 효율성을 극대화시킬 수 있는 방안을 알아보기 위해 연구되었다. 먼 저, 연구목적을 달성하기 위해서 인력양성과정의 관리모델을 바탕으로 요구조 사, 대상자 선발, 교육프로그램 선택 및 진행, 효과평가에 대해서 이론적으로 정리하고 각 과정별로 사례조사를 실시하였다. 사례를 분석한 결과, 요구조사 는 객관적인 자료보다는 주관적인 경험을 이용해 분석되었으며, 대상자 선발 은 서류전형과 개별면접으로 진행되었다. 프로그램 선택 및 진행은 기획운영 자 과정과 시민문화활동가 과정으로 구분하여 진행했으며, 프로그램은 집중강 의와 프로젝트 진행으로 이루어졌다. 또한 효과평가는 커크패트릭의 4단계 평 가모델중 만족도(반응)평가를 진행하였다. 위와 같은 연구결과 외에도 이론을 현실에 적용하는 과정에서 다수의 문제점이 발견되었으며, 이러한 문제를 해 결하기 위해 다양한 추가 연구가 필요하다.

This article is the study for maximizing effectiveness and efficiency of Culture·Art Education system via Asia Culture·Art Professional Human Resource Development. In order to accomplish the purpose of the study, Needs Assessment, Selection, Program selection·progress and evaluation were organized and related Case Study were investigated above all things. The study suggests that Needs Assessment was analyzed with subjective experience rather than objective sources and Selection proceeded with individual interview. Program selection·progress was divided into operative planner course and cultural civic activists course, and this study was progressed with intensive lectures and projects. Effect evaluation proceeded along with satisfactory evaluation, Frist step of Kirkpatrick's 4 level models. There exist more challenges against application of theory. It is necessary to conduct additional studies for resolving problems.

이 연구는 스트리트 아티스트 뱅크시가 제작한 다큐멘터리 <선물가게를 지 나야 출구>를 통해 부조리한 미술계 비판이라는 표면적 주제가 아닌 이 영 화의 중핵을 둘러싸고 있는 뱅크시의 무의식에 관해 논하고자 한다. 수행적 다큐멘터리의 범주에 속해 있는 이 영화는 다큐멘터리로서의 현실 지시적 특징과 수행적 양식이 갖는 제작 주체의 주관적 개입이 맞물리면서 구체적 근거와 더불어 뱅크시의 내면 연구를 가능하게 하는 중요한 아카이브가 된 다. 우선 수행적 양식으로서 발화 주체의 분산과 시점의 이동을 분석하여 이 영화의 구조적 불균형의 원인을 살펴보고, 보이스오버 내레이션과 인터 뷰 형식이 어떻게 그의 욕망이 드러나도록 구성되었는지 분석한다. 이러한 구체적인 논거를 토대로 저항적 아티스트로 알려져 있는 뱅크시가 이 영화 를 통해 무의식적으로 드러내는 갈등의 원인, 즉 외상과 외상적 사건을 분 석함으로써 그가 무엇을 두려워하며 은폐하고자 하는지 살펴볼 것이다. 아 울러 영화상에 등장한 사건들의 역사적 의미들을 함께 보면서 그가 자신의 이상적인 정체성 구축을 위해 어떠한 환상으로 자신의 균열을 봉합하고 있 는지 분석한다. 이러한 정신분석적 접근은 대표적인 체제 비판적인 예술가 로써 뱅크시의 저항이 역사세계에 어떠한 위치에 놓여있으며 어떤 의미를 갖고 있는지에 관해 기존 뱅크시 연구와는 다른 방식으로 고찰할 수 있는 지점이 될 것이다.

The paper discusses about the street artist, Banksy's unconsciousness internalized into the documentary, <Exit Through the Gift Shop> filmed by himself rather than the external subject matter of criticism of contradictory art world. The film included in performative documentary is the substantial archive for this study in terms of two aspects, both the referential footage to the real world and the subjective intervention of a director that performative mode features. Firstly, it studies the reason why the structure of the film is unbalanced analysing the divided subject and then transfer of the point of views, and the way that voice-over narration and interview function to reveal his desire. Based on the empirical result, it investigates what Banksy known as a subversive artist fears and struggles to conceal by probing his trauma and traumatic event that is the cause of his unconscious conflict through the film. In addition to looking into the historical meanings related to his performance and work in the film, this paper studies how his fantasy sutures his own crack to complete his ideal identity. The psychoanalytic approach to find out how his resistance to the system is situated in the historical world is expected to be the meaningful point that is devoted with the different way from the advanced researches about Banksy.