Earticle

디지털 글쓰기를 비롯해 인공지능의 파상적 도래와 더불어 제작되는 글쓰기 기계들과 문자 로봇들은 문자 기호 생산의 행동 주체성(agency)의 문제를 야기한다. 기존의 문자 이론에서 쓰기의 주체는 당연히 인간이라는 점이 가정되었다는 점에서 디지털 문자 생태계는 완전히 새로운 양상들을 촉발하고 있는 것이다. 특히, 프랑스 단어 ‘에크리튀르’(écriture)의 다의성 자크 데리다, 『그라마톨로지』, 김성도 옮김, 민음사, 2010. 에서 목격할 수 있듯이, 디지털 혁명과 더불어 문자의 외연은 놀라운 속도로 팽창되어가고 있다. 여기에서 강조할 사실은 디지털 매체 혁명은 무엇보다 문자 혁명과 글쓰기 혁명과 직결되어 있다는 점이다. 특히 인공지능의 발전과 더불어 등장한 글쓰기 기계는 문자의 본질과 글쓰기의 실천들과 관련된 복잡한 문제들을 제기하고 있다. 요컨대, 문자는 근본적으로 하나의 테크닉이며, 물질적 차원과 더불어 상징적, 즉 문화적 차원을 겸비하고 있다. 이 같은 관점에서 본다면, 컴퓨터는 문자 언어의 외연에 대해 엄청난 영향력을 행사하는 다원적이면서도 복잡한 기계라고 정의될 수 있다.

The aim of this article is to discuss the question of agency in writing in considering the importance of writing machines and robots produced as artificial intelligence develops, including digital writing. The ecology of digital writing is triggering entirely new aspects in modifying the common assumption that only humans have been assumed to be the writer in the conventional writing theory. In particular, as shown by the polysemy of the French word “écriture,” the extension of the writing is rapidly expanding with the digital revolution. One should insist that the digital media revolution is directly related to the writing revolution. In particular, writing machines that have emerged with the development of artificial intelligence pose complex problems associated with the nature and the practices of writing. In short, to understand the nature of today's digital technologies, it is necessary to explore the properties and functions of writing. From this perspective, computers can be defined as multidisciplinary machines having a tremendous impact on the extension of a written language.

본 글은 한국 사회뿐만 아니라 전 지구적으로 논의되고 있는 ‘4차 산업혁명’(4IR로 약칭함) 현상에 관한 인문학적 성찰의 한 시도이다. 이른바 ‘4차 산업혁명’이란 용어는 2016년 초 스위스 다보스 포럼에서 언급됨과 동시에 전 세계적으로 빠르게 확산하고 있다. 4IR은 과학 산업 기술 분야 뿐만 아니라 사회의 주요 핵심 분야(노동⦁생명⦁인지⦁교육 등)에 근본적인 변화를 몰고 올 전망이다. 디지털 기술을 기반으로 하는 과학기술혁명의 핵심은 물리적인 세계-디지털 세계-생물적 세계가 초연결됨으로서 인간을 둘러싼 환경이 빠르게 변화하는 현상이고, 다른 한편 NBIC(Nanotech- Biogénétique-informatique-Cognitivisme)으로 명명되는 신기술들이 융합함으로써 인간의 본질을 근본적으로 바꾸는 사태를 말한다. 과학기술의 발전으로부터 시작된 사회전반의 심층적인 변화는 인간과 삶, 휴머니티(l’humanité)의 형이상학적⦁윤리적⦁미학적 국면에 대한 인문학적 성찰을 요구하고 있다.

Our study will be focused upon what is happening in a revolutionary way over the technological and industrial areas. By the early 2016, Davos International Forum took place with the subject matter ‘Fourth Industrial Revolution’ from which Klauss Schwab borrowed the title of his internationally well-known work. Although this naming has been largely controversial among many experts and scholars, we can’t easily deny what is deeply under way over almost all social areas: this profound change is believed to be driven by the rapidly growing digital technology capabilities. The goal of these radical technological changes is to intergrate the physical and the human into the digital world being realized due to hyper-connected network. In 2002, American Scientific Foundation issued the highly meaningful work heralding the converging of NBIC technologies(Nano technology, Bio-genetic engineering, Information technology, Cognitivism) enabling the humanity itself to undergo a profound transformation by enhancement and augmentation in human capabilities.

이 글은 요나스 메카스 필름 다이어리의 대표작인 「월든」을 중심으로, 그의 영상 이미지가 띠는 질료적 실재성과 그것을 바탕으로 한 몽환성의 생성과 작동방식을 고찰한다. 「월든 (일기, 노트, 스케치)」(1968-69)는 일상을 촬영한 영상 이미지로 이루어진 3시간짜리 필름 다이어리 영화이다. 일상의 기록인 이 작품이 독특한 몽환성을 자아내며 특별한 정서적 반향을 이끌어내는 것은 무엇 때문일까? 영상 이미지의 편린인 짤막한 동영상이 일상적으로 만들어지고 공유되며 영상-기억을 만드는 기록영상의 시대인 2010년대에, 일찍이 1960년대부터 필름 다이어리 작업을 하며 영화 매체성을 개척한 영상작가 메카스의 작업은 새롭게 고찰될 필요성을 지닌다. 메카스의 필름 다이어리는 즉물성을 띤, ‘볼 수 있는’ 주관성을 전시한다. 빛나는 행복의 순간, ‘아름다움의 섬광’들을 메카스는 정서의 표현을 극대화할 수 있는 방식으로 필름에 담았다. 그리고 그를 통해 질료적 매체성의 한가운데에서 정신적 몽환성을 만들어낸다. 리투아니아 출신의 망명자인 요나스 메카스는 영상작업을 통해 낯선 이주의 장소인 뉴욕에서 새로운 고향을 찾아내려 하였다. 요나스 메카스의 작품들은 실재와 몽상을 동시에 표현하며 그 두 가지가 완전히 하나로 어우러져 있는 양상을 나타낸다. 2010년대 관객들은 메카스의 영상에서 일상적 필름 다이어리의 가능성을 발견하고 매체적 정서를 공유하는 것으로 여겨진다.

In this essay, I investigate the aesthetics and thematics of Jonas Mekas’s film diaries with a focus on Walden (Diaries, Notes, and Sketches) (1968-69). Mekas was displaced from his home Lithuania, underwent the time in a refugee camp in Germany, and came to New York in 1949. Since 1950’s he filmed his everyday life in New York with a 16mm film Bolex camera. Mekas filmed in a unique and unconventional style for inscribing the lively and present affect into moving images. It notably relates to the film-mediality as material reality. As a refugee, Mekas sought to find a new home in a strange place. He wanted to regain Lithuania in New York and his act of filming was the endeavor. Such a motivation, with the filmic material reality, invites a dreamy tone to his images. Walden presents lots of real but dreamy images taken from Mekas’s life in New York in 1960’s; landscapes, situations, friends, and places. The presence of moving images with affect “from the Life of a Happy Man” became a new home to him as both locus and medium. Walden, a possible paradise in the filmic reality, is the name cited from Henry David Thoreau’s work. How do the images of Mekas’s film diary create an emotional resonance to the spectators in the era of digital imaging? The material reality and dreaminess in Walden give an answer to this question.

최근 현대 도시는 생활 주체인 인간, 주거 환경인 도시가 함께 어우러져야 함에도 불구하고, 획일적인 서구의 자본주의적 공간으로 설계되는 문제점을 내포하고 있다. 본 연구의 목적은 서구의 유토피아를 모방하는 인천 송도 신도시를 중심으로 인간학적인 관점에서 살펴본다. 미셸 푸코의 ‘헤테로토피아’ 이론을 적용하여 송도 도시의 공간적 특징을 조명하고자 하였다. 근대 산업화 이후 송도 도시 공간은 서구의 유토피아를 모방 하였지만 실제로 존재하는 유토피아일 수 없다. 뉴욕 센트럴 파크를 모방한 송도 중앙공원 주변 에는 고급 브랜드 아파트가 단지를 이루고 있으며 자본권력과 상징권력이 작동되어 서민들에게는 진입장벽이 높아 이웃 주민들 간의 소통이 어려운 ‘단절의 헤테로토피아’를 띄고 있다. 인천 구도심은 지역의 양극화와 경제적 빈곤이 증가하면서 가난하고 고독한 죽음의 지역으로 내몰리고 있다. 이러한 논지를 바탕으로 문명사적으로 중요한 근대 도시 사상가들의 상상력을 통한 유토피아 상상력을 기술한다. 또한, 송도 도시 탄생의 배경을 소개하고 도시 개발의 이면성을 파악한다. 이러한 논의를 통해 송도 도시의 기능성, 효율성 중심의 한계를 넘어서 권력의 긴장관계를 주목한다.

The modern city has recently posed a problem that is designed as a uniform Western capitalist space, even though the city has to be harmonized with the humans and a pleasant residential environment. The purpose of this study is to explore the ergonomic perspective of the new city of Incheon Songdo City, which mimics Western Utopia. It applied Michel Foucault's " Heterotopia " theory to illuminate the spatial characteristics of the city of Songdo. After modern industrialization, the city's space mimics Western Utopia, but it dose not exist. High-end luxury brand apartments surround Songdo Central Park, making it difficult for low-income people to communicate with neighboring residents because of the high barriers to entry. As the regional polarization of the Incheon increase, it is being driven into a region of poverty and desolate deaths. Based on these arguments, we describe utopian imagination through the discourse of the modern city, who are of great historical significance. It also introduces the background to the creation of Songdo City and identifies the other side of urban development. Through these discussions, we notice the strained relations of the power that goes beyond the limits of the city's functional and efficiency.

본 논문은 대표적인 영상편집 소프트웨어인 애플의 파이널컷프로X를 기호로 분석하여 시각 정체성을 도출한다. 이를 위해 경쟁사 어도비의 제품인 프리미어프로CC와 이항대립하여 계열체의 체계와 통합체적 과정을 분석한다. 프리미어프로CC는 첫 출시 이래로 분리, 선형, 복잡, 수동, 전문의 특성을 지닌 기존 테이프기반 선형편집시스템을 재현한 인터페이스를 유지한다면 파이널컷프로X는 그러한 기존 인터페이스와 단절하고 통합, 비선형, 단순, 자동, 대중의 디지털 특성을 선택한다. 이로써 파이널컷프로X의 시각 정체성은 표현 면에서 하나의 스토리라인으로 통합된 편집과정과 단순하고 직관적인 작업공간이고 내용 면에서 자동화 기능으로 쉽게 스토리 창작을 즐길 수 있는 시민의 영상편집기라 할 수 있다. 파이널컷프로X는 단순히 마케팅 전략으로서 프리미어프로CC와 차별화한 것이 아니라 편집시스템 역사에서 불연속적 혁신을 확립하는 서사 정체성을 드러낸다. 이 서사 정체성은 기존에 불변하는 성격과 단절하고 변하는 자기성으로 스스로를 보존한 것으로 주체가 일생에 걸쳐 일관되게 추구한 스토리 안에서 이해될 수 있다. 1984년 최초의 개인용 컴퓨터 매킨토시 출시에 포함된 가상세계 속 개인의 자기실현이라는 스토리가 1999년 파이널컷프로로 이어져 누구나 전문가적 영상편집을 할 수 있는 가능성을 열었다. 2011년 파이널컷프로X는 기존의 테이프기반 선형편집시스템의 인터페이스와 단절하고 개인이 전문가의 도움 없이 스스로 스토리를 창작할 수 있는 환경을 제공함으로써 그 스토리를 이어간다. 이는 연극을 재현하였던 초창기 영화가 고전적 편집을 완성하면서 자기 정체성을 확립한 것처럼 테이프기반 영상편집시스템을 재현한 초창기 영상편집 소프트웨어가 디지털 인터페이스를 완성하면서 자기 정체성을 보존하는 것이다.

This paper is designed to produce visual identity by analyzing the Final Cut Pro X, a representative digital video editing software. For this purpose, it sets Final Cut Pro X and the rival product Premier Pro CC as a binary opposition and analyzes the paradigmatic system and the syntagmatic process of the Final Cut Pro X. If Premiere Pro CC maintains an interface that represents the existing tape-based linear editing system with separation, linearity, complexity, manual and professional characteristics since its first release, Final Cut Pro X disconnects that existing interface and selects the digital properties such as integration, non-linearity, simplicity, automatic and public characteristics. The visual identity of Final Cut Pro X is a simple and intuitive workspace and editing process with an integrated storyline in the plane of expression and a citizen's tool for story creation in the plane of content. Final Cut Pro X is not just differentiated from Premiere Pro CC by its marketing strategy, it reveals the narrative identity that establishes discontinuous innovation in the digital editing system history. This narrative identity can be understood in the story which the subject has consistently pursued throughout his / her life since it has disconnected the unchanging character, idem and preserved oneself with the changing character, ipseity. The story of individuals’ self-realization in the virtual world included in the 1984 release of the first personal computer Macintosh linked to Final Cut Pro in 1999, opening the possibility for anyone to do professional video editing. In 2011, Final Cut Pro X continues its story by providing an environment where individuals can create their own stories without the help of experts, disconnected from the difficult and complicated existing professional interfaces. Just as the early film that had represented the theater play established its own identity when completing classical editing, the earliest video editing software that had represented the tape-based video editing system preserved its identity when completing the digital interface.

근대미술의 길목에서 가장 논쟁적인 영향력을 끼쳐온 다다는 당대 기술력의 결집이었던 ‘영화’에도 동일한 관심을 보였다. 그들이 바라본 영화라는 매체의 특성은 당대 신기술과 밀접한 관계를 맺어온 것으로서 과학기술(technology)이 예술적 실험과 융합될 가능성이 다분한 것이었다. 이때 그들이 천착한 주제는 영화 속에 신체를 포착하는 일이었다. 다다이스트들이 포착한 신체를 보다 명확히 구분하기 위해서는 당대 활발하게 제작되었던 중국영화 속 신체와의 비교 작업이 필요하다. 왜냐하면 다다이스트들에게 신체는 머리 잘린 사마귀와 같은 놀라운 방식으로 기계를 모방하는 몸이라면 중국 영화에서 신체는 자아 상실 또는 주관성의 침하로 명명할 수 있는 비정형의 몸이라 할 수 있기 때문이다. 다시 말해 다다이스트들의 신체는 사회의 ‘이데올로기적인’ 표상을 거부하는 주체가 되어야 하는 것이고 중국 영화의 경우 신체는 ‘규율-훈육’이라 명명되는 특유한 기술에 종속되어야 하는 것이었기 때문이다. 이것은 신체적 특성 중에서 ‘전염성’을 차용한다. 이러한 특성은 지금까지 이어져오고 있는데, 다다이스트들의 신체는 외부로부터의 전염성에 저항하는 신체를 재현하고 동아시아 특히 중국 영화의 신체는 이데올로기 메시지에 전염된 신체로서 그 의미를 분류해 볼 수 있다.

Dada has shown the controversial interest in cinematography, which was a gathering of contemporary technology. The Cinematography as the new technology has been not only closely related with the new technology at that time and also is likely to fuse with artistic experimentation. Dada’s idea was to put the body in the film. The fragmented body of Dada films needs to be compared with East Asian, especially 1920’s Chinese films. In short, the bodies of the Dada films were the subject rejecting the "propagation of ideology" of society. But the body of Chinese film became the subject which accepted the "propagation of ideology". These bodies emphasize the boundary between the outside and the inside. At this time, the meaning of “contagion” appears. It is some kind of social phenomenon that occurs in all social areas. It is an important example of how film and human bodies maintain relationships with society.

한국사회는 하나의 민족사회 내에서 다양한 형태의 디아스포라가 존재하는 사회이다. 단일민족으로 취급되는 국가인 한국은 디아스포라로 인하여 많은 층의 갈등과 사회적 격동이 발생하고 있다. 이 논문은 영화 두만강 (2011)과 무산일기 (2010) 속의 다양한 내레이션의 의미, 상징, 카메라 등을 분석하여 한국사회의 디아스포라 형태 중 탈북민들과 조선족들의 아이덴티티의 부재와 어디에도 나아가지 못하는 침체되어 있는 현실의 모습을 살펴본다. 따라서 두 영화 모두 디아스포라 민족으로서 겪는 삶의 힘듦을 보여주는 것에서 더 나아가서 그 현실 속에서 생성될 기회도 없어져버린 아이덴티티와 고여 있는 모습으로만 존재하게 되어버린 디아스포라에 관하여 두 영화가 그려내고 있음을 이 논문에서 다루고 있다.

Korea could be categorized as a diasporic nation since there are various modes of statelessness in one ethnic group. As one of the ethnocentric country, Korea's diaspora has layers of conflicts and social turbulence. This research explored Korean diaspora by analyzing two films featuring North Korean (t'albukchas) defectors and Korean-Chinese (Chosŏnjoks). The Journals of Musan and Dooman River are read closely in terms of semantic narratives, symbols, and spacial camera movements. This study will be looking at the narrative and aesthetics of these two films and how it purports the notion of lost identity and the almost stagnant reality (not able to transform or move into a new reality or culture) of diasporic population.