Earticle

본고에서는 2015 개정 음악과 교육과정의 생활화 영역의 체제와 내용을 분석하여, 생활화 영역에 나타난 국악 교수․학습의 특징을 다음의 네 가지로 추출해 보았다. 첫째, 생활화 영역의 국악 교수․학습 내용은 학습자들이 국악 경험을 점진적으로 확장해 나갈 수 있는 방향으로 제시되어 있다. 학년군별로 ‘생활 속의 국악’, ‘국악과 문화유산’, ‘세계 속의 국악’, ‘국악과 계승과 발전’에 대한 내용을 위계적으로 제시하였으며, 국악 학습 경험을 통해 국악의 이해도와 가치화 정도를 높여나갈 수 있도록 하였다. 둘째, ‘음악과 놀이’, ‘음악과 건강’, ‘음악과 산업’, ‘음악과 직업’의 내용 요소를 통해 국악을 활용할 수 있는 다양한 측면을 실천적으로 학습할 수 있도록 하였다. 국악 교수․학습 상황에서는 ‘국악과 놀이’, ‘국악과 건강’, ‘국악과 산업’, ‘국악과 직업’으로 내용 요소를 변환하여 구성할 수 있을 것이다. 이와 관련된 교수․학습 내용 및 방법 개발을 통해 생활 속에서 국악을 활용하고, 즐길 수 있는 학습자를 양성하는 데 목표를 둘 필요가 있다. 셋째, 행사와 연계한 음악 활동을 전개함으로써 국악 체험의 장을 마련할 수 있게 하였다. 이러한 교육과정의 내용을 구현하기 위해서는 지역사회와 연계하여 국악 관련 행사를 폭넓게 접하고, 지역 문화예술기관의 교육 프로그램을 공유하는 토대를 구축할 필요가 있다. 이를 통해 학습자들이 국악을 체험할 수 있는 기회가 확대되고, 지역 음악문화의 가치를 생활 속에서 인식할 수 있도록 해야 할 것이다. 넷째, 생활화 영역의 성취기준이 구체화됨에 따라 인지적․정의적․행동적 영역의 교수․학습 평가가 실행될 수 있는 기반이 마련된 것으로 보인다. 앞으로 생활화 영역의 평가는 국악에 대해 알아야 할 것, 국악에 대해 지녀야 할 태도, 국악 활동의 실천적 측면이 통합적으로 이루어질 필요가 있다. 이러한 통합적 평가는 궁극적으로 생활화 영역의 국악 교수․학습을 개선하는 데 영향을 미칠 것으로 본다.

The current study analyzes the contents and system of the domain of “music in everyday life” in the Revised National Music Curriculum of 2015 and then mainly extracts four features of teaching-learning of Korean Music as follows. First, the contents of teaching-learning of Korean music in the domain of “music in everyday life” is presented in a direction in which learners can gradually expand their music experience. By each grade group, the contents concerning ‘Korean music in everyday life’, ‘Korean music and cultural heritage’, ‘Korean music in the World’, and ‘succession and development of Korean music’ are presented in a hierarchical manner. Secondly, through the content elements of ‘music and play’, ‘music and health’, ‘music and industry’ and ‘music and work’, it allows students to practically learn various dimensions of utilizing Korean music. In the case of teaching-learning of Korean music, the aforementioned elements can be changed into ‘Korean music and play’, ‘Korean music and health’, ‘Korean music and industry’ and ‘Korean music and work’. It is needed to aim at fostering learners who can utilize and enjoy Korean music in everyday life, by developing contents and methods of teaching-learning of Korean music associated with this. Thirdly, it makes it possible to set up a place for hands-on experience of Korean music by conducting music activities in connection with events. In order to realize such education and affective contents, it is essential to widely experience Korean music-related events linked with local communities and lay a foundation for sharing the educational programs of local arts-cultural organizations. These attempts should increase opportunities for learners to experience Korean music and help them recognize values of local musical culture in everyday life. Fourthly, as the standard of achievement in the domain of “music in everyday life” takes concrete shape, groundwork, on which evaluation of teaching-learning in cognitive, affective, and behavioral domains is implemented, will be established. This integrated evaluation is believed to ultimately have an implication on the improvement of teaching-learning of Korean music in the domain of “music in everyday life”.

사회예술교육은 사회 모든 구성원들에게 예술적 경험의 기회와 참여를 고루 제공하는 활동으로 그 중요성이 나날이 증대되고 있다. 본 연구는 사회문화예술교육의 틀 안에서 진행되는 국악교육의 전개를 고찰하면서 사회문화예술교육으로서 국악교육의 과제를 모색하였다. 사회문화예술교육의 개념과 정책, 기관 수립 후 진행된 다양한 교육 사업들을 하나의 연속적 사건으로 이해하면서 학교예술교육사업과 사회문화예술교육의 국악교육관련 사업들을 고찰하였다. 2006년부터 초․중․고등학교에서 정규 교육과정 외로 운영이 시작된 학교문화예술교육과 예술강사지원사업으로 <방과 후 학교>, 특기적성교육, <국악 강사풀제>가 운영되었다. 사업 목적은 초기의 국악 전공 청년 실업자 구제 이외에도 서양음악 위주의 교육 탈피, 청소년 국악 관심 제고, 국악교육 내실화, 국악인구 저변 확대, 학생국악교육 생활화로 문화적 감성계발 및 예술소양 증대, 문화예술교육을 통한 청소년의 문화적 감수성 및 창의력 향상 등으로 확대되었다. 학교 예술교육은 이어 사회문화예술교육, 지역문화예술교육과 접점을 찾아 진행되는데 <예술꽃 씨앗학교>와 <학생 오케스트라> 사업으로 이어졌다. 관 주도 사회문화예술교육의 국악교육은 초기 사회취약계층인 아동, 노인, 장애인, 저소득 계층과 특수계층인 교정시설과 군 중심으로 진행되었다. 2010년 교육의 대상자가 전 국민으로 확대되면서 예술교육의 영역은 학교 밖의 지역과 사회로 확대되었다. 문화예술교육사가 법적 근거를 가진 제도로 정착하여 국악교육사 과정이 현재 진행 중이며 <한국전통형 엘 시스테마 특성화 사업>이 진행된 바 있다. 민간 주도 사회문화예술교육의 국악교육은 주로 기업 후원형으로 메세나의 진화형태로 전개되고 있으며 각종 지자체 혹은 민과 관의 여러 기관과 연계하여 진행하고 있다. <세로토닌 드럼 클럽>과 <아트 드림 프로젝트>는 민간의 기업과 기관, 시설이 협력하여 진행하는 국악교육의 예를 보여주고 있다. 사회예술교육으로의 국악교육은 전통의 보존과 전승이라는 기존 국악교육의 개념과 내용의 확장을 요구한다. 세계 문화의 다양성 속에서 한국인의 정체성 확립과 민족의 공동체성 회복, 사회성 습득과 정서, 인성, 사회통합, 치유, 갈등해소 등 넒은 의미와 목표를 포괄하는 사회예술교육으로서의 국악교육은 무엇을 담을 것인지에 대한 논의는 국악교육의 주요한 과제가 될 것이다.

The importance of arts education in sociocultural context has become highlighted and increased as it can provide a fair opportunity of experiencing arts and culture to any member in a society and attract their participation to social activities. This research examined the brief history of sociocultural arts education in Korea, specifically dealing with Korean traditional music (gugak) education. By exploring the concepts, policies, institutions, and programs related to gugak-based sociocultural education, the research tried to find its future direction. After school class, special ability program, and gugak instructor-pool system have been run since elementary, secondary, and high schools began to provide extra curriculum courses in 2006. The purpose of opening gugak extra curriculum programs in the earlier times was aimed to create jobs for gugak musicians. However, it later moved to more expansive areas to firmly build gugak education and to widen its beneficiary, and to raise artistic knowledge, cultural sensibility, and creativity among the Korean students. The school provides more diversified programs, for example “Art-flower seed school” and “Student orchestra.” The government-led sociocultural education with gugak in the beginning was focusing on children, seniors, disabled, and low income bracket, and for people in special cases, such as correction facility and military. Since 2010, however, the targeted educational recipients expanded to all Korean citizen, and the programs were designed not only in the schools but also outside the schools especially on the community-basis. Consequently, Culture and arts education instructor system became settled as a legally protected policy and many government-affiliated institutions provide programs to raise gugak instructors. A Korean-specified el sistema project with traditional culture and themes was provided. The private sociocultural art education with gugak is most of the time developed and sponsored by companies. Local or governmental affiliated institutions also closely related to it in the form of Mecenat. Serotonin drum club or “Art dream project” is an example of gugak related sociocultural art education. Gugak education as sociocultural art education requires an expansion in terms of its conceptional boundary and contents, above the issue of preservation and transmission of tradition. In the contemporary society full of cultural diversity, gugak education as sociocultural education should closely connect to recovery of ethnic identity and national spirit, acquiring social and human sensibility, social unification, sentimental healing, and social conflicts between classes. In this regard, what and how to deal with gugak education in sociocultural art education that can comprehensively embrace such social issues brings out significant point of discussion.

핵심역량을 기반으로 한 음악 교육과정의 개정 배경과 취지에 따라 바르게 적용하고 실현하기 위해서는 교수․학습과 평가라는 실제적인 학습과정에서 역량을 바탕으로 한 구체적인 실천 방안이 마련되어야 할 것이다. 먼저, 2015 개정 교육과정의 문서체계를 핵심역량을 중심으로 고찰하고, 음악과의 교육과정이 핵심역량을 어떻게 반영하고 있는지를 살펴보았다. 또 교실 수준에서 핵심역량이 발현될 수 있도록 이를 평가할 수 있는 음악과의 평가 방법으로 과정 중심 평가를 제안하였다. 과정 중심 평가는 평가를 수업이 진행되는 과정의 일부로 인식하여 교수․학습의 개선을 위한 수단으로 활용할 수 있는 평가이다. 이를 위해서는 수업의 설계에서부터 교수․학습과정과 평가가 연계 되도록 설계해야 하는데, 핵심역량, 교과 역량, 영역, 핵심개념, 성취기준, 내용 요소, 기능, 학습목표, 학습내용, 학습방법 등을 핵심역량을 기반으로 재구성할 수 있어야 하며 전체적인 학습과 평가가 일관성 있게 이루어지도록 계획해야 할 것이다. 본 연구에서 고찰한 핵심역량을 기반으로 한 음악과 교과 역량에 따른 내용 체계를 바탕으로 과정 중심 평가 도구에 대한 논의는 후속 연구를 통해 계속 보완되고 수정되어야 할 것이다.

To correctly apply and fulfil for purposes and background of the revised music curriculum based on the Key-Competencies, a specific action plan must be prepared based on the learning in real-life such as teaching, learning and evaluation. First, we studied the documentation system of the 2015 revised curriculum revolved around the Key-Competencies and examined how the music curriculum reflects these Key-Competencies. We have also proposed a process-focused evaluation in a music assessment method which could manifest the Key-Competencies in classrooms. The process-focused evaluation sees evaluation as part of the lesson and can be utilized as a method to improve teaching and learning. In order to do this, a plan to connect teaching and learning with evaluation must be designed from the lesson planning stage. Therefore we must be able to restructure Key-Competencies, subject-competencies, core-concepts, achievement standards, content elements, skills, learning goals, learning content and learning method based on Key-Competencies and plan so that the overall learning and evaluation can be consistent. The discussion of process-focused evaluation tools based on the system of contents on subject-competencies of music that are centered on core competencies as studied in this research must be revised and edited through further research on this topic.

마을은 같은 생활영역에서 동고동락하는 가장 작은 단위의 집합체로 지역색(地域色)이 드러나는 공간이다. 특히, 섬 지역은 대륙(大陸)과의 단절로 그들만의 독특한 문화가 잘 형성되어 있는 곳이다. 섬 지역의 대표적인 문화로는 마을 주민이 함께 참여하는 위도띠뱃놀이(중요무형문화재 제82-3호)를 들 수 있다. 위도는 해양사고가 잦은 지역으로 주민들은 항상 바다에 대한 두려움과 공포를 가지고 있다. 하지만 비관보다는 대동(大同)을 통한 띠뱃놀이로 아픔을 이겨내며 살아가는 위도주민들의 모습은 오늘날 비인간화와 개인주의로 팽배된 현대사회에 많은 시사점을 준다. 따라서 본 연구에서는 지역 주민들의 염원을 띠뱃놀이로 승화하는 과정을 제시하며 음악이 가지는 화합과 공존의 역할을 이해할 수 있도록 하고자 하였다. 더불어 지형․역사․산업․문화적 특징 등 다양한 방법의 고찰을 통하여 새로 고시된 2015 개정 음악과 교육과정에서 요구하는 창의․융합형 교육역량 강화와 다른 예술영역 및 교과와의 연계한 지도에 부응하고자 한다. 본고의 연구목적은 지역의 음악문화를 생활화하는 지역주민들의 삶을 살펴보며 음악의 역할과 가치를 도출해보는 것이라 할 수 있다. 지역의 정서를 담고 있는 민속 문화의 가치에 대한 인식이 확대되어 앞으로도 교육적으로 활용 가능한 연구가 지속되길 기대한다.

A village is the smallest unit of collectives, in which the villagers share the pleasure and pain of life together, revealing its own unique local character. Especially, the island area is a place in which its unique culture is well formed due to the geographical isolation from the lands. It is considered that the representative culture of the island area is Wido-Ttibaennori(designated as Important Intangible Cultural Heritage 82-3), at which the villagers actively participate together. Since Wido is a marine accidents-prone area, the local residents always have the fright and fear of the sea. However, the way how the residents of Wido overcome fear through Ttibaennori, which reinforces the power of solidarity instead of frustration, gives a great deal of implications to the modern society, which is overflowing with individualism and dehumanization these days. In this regard, this study aims to present the process in which the Wido residents sublimate their wishes through Ttibaennori and to help understand that music plays a role of harmony and coexistence. In addition, it is designed to meet the requirements of the Revised National Music Curriculum of 2015, which is to strengthen creative and converging educational competency and to guide in alignment with other art fields and subjects by investigating a variety of approaches such as territorial, historical, industrial, cultural characteristics, and others. The objective of this study is to derive the role and value of music from examining the lives of the village residents who have made regional music culture as part of their lives. We expect further research, which is educationally applicable, to be conducted through broadened recognition of the value of folk culture containing a regional mentality.

전통예술과 첨단기술의 만남은 항상 어려운 과제다. 우리 고유의 전통을 살리는 것도 중요하지만, 현대 기술을 활용하여 그 전통을 기술 속에 스며들게 하고 보전하고 발전시키는 것이 우리들의 과제다. 전통음악인 국악을 보전하고 활용하는 방법이 여러 가지가 있겠지만, 음악적으로 더 발전시키고 그 발전된 기술을 교육으로 접목시키는 방법이야 말로 가장 이상적인 전통과 현대의 만남이라고 생각한다. 국악을 공부하고 자료를 만들고 새로운 창작물을 만드는 국악교육의 미래는 얼마나 많은 자료와 창작물이 만들어졌느냐에 달려있다고 생각한다. 그러한 요구의 한 가지 제안이 바로 국악을 이용한 가상악기 제작이다. 국악 가상악기의 제작은 단순한 제작이 아닌 국악의 역사를 이해하고 국악기를 파악하며 국악의 선율과 장단을 이해하고 있어야 가능하다고 생각한다. 만일 그것을 이해하고 있지 않더라도 국악 가상악기 제작을 통해 그것을 다시 돌아보는 계기가 되리라 생각한다. 본문에서는 가상악기의 분류와 국악 가상악기를 개발, 제작하면서 얻을 수 있는 교육적 효과와 가치에 대한 생각을 논의하였다. 대학에서 시작된 국악 가상악기의 제작이 중등교육과 초등교육에 미칠 수 있는 영향을 기대해 본다. 가까운 미래에 국악을 통해서 컴퓨터 음악과 미디를 익혔다고 말하는 학생이 나오기를 바란다.

It is a challenging task to mix traditional art with advanced technology. It is important to preserve our own tradition, but by using modern technology it is our task to instill the tradition into technology, thus preserving and developing it on a different level. There are several ways to preserve and utilize traditional music, but it is believed that the most idealistic interchange between tradition and modern times is to musically develop more and then to graft the developed skills onto education. I think the future of Korean music education, which is to study Korean music and produce materials and new creations, depends on how many materials and creations are made. Responding to this demand, one possible answer is to make virtual Korean musical instruments by using Korean music. The process of making virtual Korean music instrument is not simple manufacture. It is only possible when one fully understands the history of Korean music and instruments as well as the melodies and rhythms of Korean music. If one does not entirely understand them, one will have a great opportunity to reflect on them through the production of virtual music instruments. The current study explores educational effectiveness and value that can be obtained by developing and producing virtual Korean musical instruments and classifying virtual instruments. The production of virtual instruments, which started at music colleges, is expected to have potential impact on secondary and elementary education. In the near future, I wish some student confesses that he, or she, learns computer music and MIDI through Korean music.

단소는 사람들이 처음 접하는 국악기이자 국악의 첫인상이다. 교육과정에서의 단소는 휴대성이 좋으며, 소리가 정서적으로 편안하고 길게 내뱉는 복식호흡을 사용하여 스스로를 조절하는 능력을 키울 수 있다는 장점이 있다. 최근 소리 내기가 어렵고 연습 과정에서 인내심이 필요한 부분에 있어서 상대적으로 쉬운 소금(小芩)으로 대체되는 경향이 있지만, 여전히 단소는 국악의 입문으로서 중요한 역할을 한다. 그러나 학교 교육에서 단소를 교육하면서 단소 연주가 가능하게 된 양적 인구는 늘어나게 되었지만, 정작 단소 연주 능력 향상에 관한 질적 발전으로의 연결은 재고의 여지가 있다. 이는 여러 이유가 있겠으나 그 중 교재의 중요성을 꼽을 수 있겠다. 학교 환경에서의 단소 교육 경험이 생활에서 이어지려면 교재의 접근성 및 각 수준에 맞는 단계별 교재 개발이 필연적이다. 본 연구는 먼저 해방 이후 단행본으로 출판된 단소 악보 및 단소 교재 중 44종을 이론과 악곡 분류 및 분석으로 나누어 살펴보도록 하였다. 다음으로 민요의 비율이 높은 단행본을 선정하여 음악적, 맥락적 관점에서 비교해 본 결과 이론적인 부분에서는 연주법 영역의 운지, 연주자세, 소리 내는 법, 입술모양은 대체적으로 잘 기술되어 있으나 호흡법에 관한 내용이 부실하였다. 학습방법에 있어서 대부분 악곡의 난이도를 통해 단계별 학습 방법을 제안하였으며, 교육과정 및 교과서 연계 부분에 있어서 7차 교육과정 이후 전래동요의 비중이 높아진 것으로 보인다. 악곡 분류 및 분석에 있어서 곡의 난이도에 따라 초, 중, 고급으로 나눌 수 있다. 이 중 민요 부분에 관해 고찰한 결과 경기민요가 많은 비중을 차지하여 다른 지역 민요의 비율이 불균형적이다. 이 결과를 토대로 단계별 단소 교재 개발의 필요성을 확인했으며, 아울러 민요의 구성 악곡이 지역별 골고루 배치, 합주의 활용, 평조단소와 개량단소의 교재 개발을 제안한다.

The danso (short bamboo flute) is the very first Korean traditional instrument that people encounter and thus the first impression of Korean traditional music. When used in the curriculum, danso has many great advantages. It is very portable, has a tranquil tone, and helps one practice one’s self-control exercise through abdominal breathing, a deep, long breathing skill. Although it is being replaced with the sogeum because it is relatively difficult to make sounds and requires great patience during practice, danso still plays an important role as an introduction to the Korean traditional music. The number of people who can play danso has increased since danso education became part of the school curriculum. However, there is room for reconsideration of whether there has been improvements in quality of danso performance. There are many reasons for this, but one of the main reasons is the importance of the textbook. For danso learning experience in a school environment to carry on into everyday life, the improvement of textbook approachability and development of textbooks for different performance levels are inevitable. This research first examines 44 textbooks out of the various danso music scores and textbooks published after the liberation of Korea, by dividing them into theory, music classification and analysis. Then textbooks with a high ratio of folk songs were selected and compared in a musical, contextual setting. The findings indicated that the section of performing techniques such as fingering, body positioning and how to make sounds and lip shape was generally well described, but there was an insufficient amount of contents as regards with breathing method. As for learning method, learning through different levels of difficulty was proposed, and as for curriculum and textbook connection, it was observed that there was a higher ratio of traditional children’s songs since the 7th Revised National Music Ceducational Curriculum. As for music classification and analysis, levels can be classified into beginner, intermediate and advanced, depending on the level of difficulty of music. What is noteworthy is that Kyonggi folk songs took up a high percentage, and, as a result, there is an imbalance in the weight put on various folk songs. Based on these observations, it is verified that developing danso textbooks for different levels is necessary. Moreover, we propose placing equal amounts of music from various geographic regions, utilizing ensembles and developing separate textbooks for pyeongjol danso and improved danso.

학교 예술강사 지원사업은 예술현장과 공교육의 연계를 통한 학교 문화예술교육을 위해 추진되었으며 학생들의 문화적 감수성 및 창의성 향상을 위해 국악, 연극, 영화, 무용, 만화․애니메이션, 공예, 사진, 디자인 등 총 8개 분야의 예술강사들이 학교에 파견되어 문화예술교육을 진행하고 있다. 특히, 국악분야 예술강사 지원사업은 2000년에 시작하여 15년이 넘는 세월동안 학교 교육현장에 많은 수의 예술강사를 선발․파견하였다. 한국문화예술교육진흥원이 펴내는 보고서에 보면, 예술강사 지원사업의 연도별 현황에 대해 개괄적인 수치가 나와 있는데 최근 사업 시행의 효과분석의 중요성이 강조되어 2013년, 2014년에 걸쳐 “예술강사 지원사업 효과 분석 연구”가 이루어졌다. 이를 통해 예술강사 지원사업의 전반적인 효과를 확인할 수는 있었으나 특정지역을 세분화하여 그 성과를 면밀히 검토하는 연구는 아직 미흡하다 하겠다. 모든 분야에 있어서 빅데이터의 중요성이 부각되고 있는 현실에, 예술강사 지원사업의 가장 커다란 축으로 성장하고 있는 서울시 국악분야 예술강사 지원사업에 대한 면밀한 데이터 분석은 향후 지원사업의 방향을 결정하는데 있어서 매우 중요한 연구라 여겨진다. 따라서 본고에서는 2013년부터 2015년까지 지난 3년간 이루어져 왔던 서울시 국악분야 학교 예술강사 지원사업의 각종 내용을 분석하여 좀 더 세분화시킨 데이터를 제시하고 이를 통해 성장성과 방향성을 가늠해 보고자 하였다. 먼저 서울시 국악분야 예술강사 지원학교 고찰을 통하여 각 25개구별 지원 편차와 지속성에 대하여 분석하였으며 앞으로의 지원사업 방향에 참고할 만한 데이터를 제시하였다. 그리고 신규 예술강사 모집인원 감소와 배정시수의 축소 등의 변화와 문제점에 대하여 지적하였다. 또한 예술강사 교육역량 강화를 위해 운영단체인 단국대학교 국악분야 예술강사 지원 운영사업단이 독자적으로 추진한 여러 운영방법 즉, 예술강사 연구 모임, 예술강사 관현악단 순회공연 등은 교육적인 측면에서 긍정적인 결과를 이끌어 내었음을 확인하였고 이는 향후에도 운영 단체의 변화에 상관없이 지속적으로 추진해야 할 좋은 모델이라고 여겨진다. 다만, 연수 프로그램에서 4~5일 동안의 단기 연수로는 교육 현장에 즉시 적용 가능한 범위가 한정되기에 예술강사를 위한 교육 컨텐츠 사이트 구축이 필요함을 지적하였다. 교육 현장에 바로 적용 가능한 교재, 교구, 교육 컨텐츠의 지속적인 연구 및 축적을 통하여 예술강사 개인적 교육 편차를 줄이는 것이 필요하며 이는 기존 예술강사들의 재교육과 적시교육 측면에서 매우 유용할 것이라 여겨진다.

The Support Project for Artist in School Programs was developed to promote culture and art education in schools through the linkage of art fields and public education. It basically makes artists in art fields—such as gugak (Korean music), theater, film, dance, cartoon/animation, crafts, photography, and design-engage in culture and art education and help students improve their cultural sensitivity and creativity. In particular, for more than 15 years, the Project has been selecting and dispatching a great number of artist in the Korean music field as art instructor to school programs since 2000. The Korea Arts & Culture Education Service has reported on the current state of the project by year, showing figures and statistics, and further published “The Analysis on the Effect of the Support Project for Artist in School Program” in 2013 and 2014 highlighting the importance of the effect analysis on the recent project. This analysis was able to determine the overall effectiveness of the Support Project, but not able to closely examine the results by subdividing a specific region. Considering the reality in which the importance of big data emerges in every field, the close data analysis on the support project for gugak artist in school program that is growing as the greatest axis appears to be critical in determining the direction of future support project. Therefore, this study aims to present more subdivided data by analyzing various contents of the support project for gugak artists in school program (2013-2015) and to estimate growth and direction through it. First, it analyzes deviation and persistence in supports of 25 districts through examining schools operating gugak artists in school programs and suggests data that can be referred to for the future direction of the support program. It also points out changes and problems related to the reductions of recruitment of new art instructors and assigned class hours. It confirms that various operating methods that Dankook University R&DB Foundation had run in order to strengthen art instructor’s education capacity until 2015 - including art instructors’ study meetings and art instructors’ orchestra tour- lead to a positive result in educational terms, and they can be considered a good model that needs to be constantly promoted regardless of the operating organization in the future. However, since the short-term (4 to 5 days) training programs are limited in making art instructor immediately teach in the field of education, it points out the need to build training content site for art instructors. It is necessary to reduce the deviation of art instructor’s individual education through researching and developing textbooks, teaching aids, and educational contents that can be directly applied to the field of education, which can be taken into consideration in terms of the retraining and timely education of existing arts instructors.

자립의 힘을 거의 상실한 향토민요의 현실에서 우리가 소중한 문화유산을 지키기 위해 할 수 있는 일은 무엇일까. 과연 향토민요는 오늘날 삶의 현실에 존재할 수 없는가. 라는 의문에서 출발하여 경기도 향토민요를 중심으로 복원을 위한 선행의 제문제를 검토하고 실제 복원 사례 및 대표적 결과물이라 할 만한 무형문화재의 현황 등을 살펴보았다. 향토민요가 예술작품으로 표현되는 것이 옳은가, 복원의 지점과 형태는 무엇이어야 하는가에 대한 문제의식과 더불어 더 이상 국가 문화재가 아닌 세계의 문화유산으로서의 개념과 가치를 바탕으로 좀 더 근본적인 방향에서 문제를 해결해야 한다는 사실을 확인하였다. 경기도 향토민요의 경우, 국가지정 무형문화재보다 시도지정 무형문화재를 통해 지역소리의 정체성을 확보하고 인정받을 수 있었다. 2000년 이후 지금까지는 경기도 지역 향토민요는 문화재 지정에서 증가세를 보였으나, 향후에는 지속적인 증가세를 단정하기 어렵다. 그렇다면 이 시점에서 할 수 있는 일이 무엇인가에 대한 답으로, 학술연구를 강조한 점, 현재 확보된 문화재의 지정 후 관리의 체계성 정립, 개인 연구물과 단체 사업간의 연계성 확보, 지역전문 인력 보강, 그리고 현 성과물을 토대로 한 2차 연구 성과물의 소개, 마지막으로 복원사업을 전개하고 있는 <전통공연예술진흥재단>의 사업에 주목하였다. 한편 ‘인간성 회복 구현의 기능’, ‘미래지향적 가치관’, ‘창의성 교육의 의의’, ‘사회통합의 기능’, 그리고 ‘무형문화유산으로서의 향토민요’로써 교육적 의의를 도출하고, ‘교과서 제재곡으로 비중의 균형감’, ‘사회 통합의 역할’, ‘문화예술교육의 차원에서 사회일반 교육적으로 접근’, ‘무형문화유산의 활용방안’, ‘열린 교육의 특성화를 지향. 노동과 연희 향토민요의 가창방식’, ‘영재교육에 활용방안’ 등을 활용방안으로 제안하였다. 이번 논의는 전통의 음악문화가 오늘에 존재하고 있음에도 불구하고 과연 존재할 수 있는가 라는 전통음악의 힘을 확인하는 기회였다. 그러나 희망적인 기대를 할 수 있기 위해서는 여러 가지 준비와 대책이 필요하다는 사실이 중요하겠다.

I started this study from the questions what we can do to keep our valuable cultural assets considering local folk songs have lost its independence, whether local folk songs can exist in our contemporary lives. And I reviewed all precedent issues of the restoration of Gyenog-gi folk songs and intangible cultural assets which are actual examples and representative result of the restoration. I could identify that more fundamental approaches are needed to see whether the local folk songs are presented in the form of artwork, what should be the form and where should be the timeline of restoration because concepts and values of the world cultural assets not only national cultural assets are deferred. Gyenog-gi folk songs could secure its identity through being nominated as municipal and provincial intangible cultural assets rather than national intangible cultural assets. We could have seen increase in designation of Gyenog-gi folk songs as cultural assets but it is not clear this increase will continue in the future. Emphasis on academic research, establishment of cultural asset management after designation, securing linkage between individual research and authority businesses, securing local experts, introduction of secondary research outputs based on current outputs, businesses of <Traditional Performing Arts Foundation> who are leading the restoration projects are the answers to the question what we can do now. In addition, development plan, educational meaning and usage are proposed in the main body. This study enabled to identify the power of traditional music although it exists today however various preparation and solutions are needed for positive expectation.

현행 정악가야금의 기보방법은 ‘율자보’․‘구음보’․‘율자에 구음병기’ 등으로 표기하고 있는데, 악보마다 음고와 구음에서 차이를 보이고 있다. 율자보는 제1현을 배탁황종(㣴)과 탁황종(僙)으로 한 옥타브가 차이 나게 표기하고 있으며, 구음보는 채보자의 주관적인 기준에 따라 조금씩 다르게 전승되고 있다. 이와 같은 현상은 스승에게 전수를 받아 답습하는 전문 연주자들에게는 큰 문제가 되지는 않을 것이다. 그러나 통일되지 않은 악보는 학급별 수업으로 진행되는 학교 음악교육에서는 악곡을 이해하고 습득하는데 여러 가지 문제점이 수반될 것이다. 이러한 점에서 정악가야금과 양금의 율자체계를 살펴 본 결과 20세기까지는 두 악기가 동일한 율자체계를 사용하고 있었다. 즉『우의산수』(20세기 초)는 동시대의 『양금 여민락보』․『조선음률보』․『방산한씨금보』 등의 양금보와 같이 제1현의 기준음을 중성황종(黃)으로 표기를 사용하고 있었다. 그러나 『아악부율자보』(1930년대)에 이르러서는 양금은 탁황종(僙)을 기준으로, 가야금 악보는 배탁황종(㣴)을 기준으로 표기하고 있다. 현재의 정악가야금은 『아악부가야금보』 율자체계를 따른 제1현의 배탁황종(㣴) 악보와 『아악부양금보』와 동일한 제1현을 탁황종(僙)으로 기보한 악보로 나뉘어져 있다. 이에 적절한 율자표기를 위해서는 다른 악기, 즉 동일 음역을 가진 양금과 단소․소금 등의 관악기 음고와 율자표기에 맞도록 제1현을 탁황종(僙)으로 표기해야 한다는 결론을 얻었다. 또한 고악보 『동대가야금보』에서는 각 줄과 음고․조성에 따라 구분되는 구음을 사용하고 있었으나, 현행의 구음보는 연주자 또는 채보자에 따라 조금씩 변형하면서 각각 다르게 전승되고 있다. 그러나 나현숙의 『영산회상』은 비교적 고악보의 구음을 따르고 있는데, 제6현의 ‘仲․姑’와 제9현의 ‘南․無’를 구분하지 않고 있다. 또한 연주법으로 사용된 구음에서는 부호 없이는 연주 방법을 구분할 수 없는 단점도 보였다. 따라서 『동대가야금보』와 그 외의 고악보에 나타난 음고와 악조․연주법을 나타낸 구음법을 적용 보완하여 구음만으로도 독립된 악보의 역할을 할 수 있는 표준안을 구안해야 한다는 결론을 얻었다.

The current musical notation of jeongakgayaguem uses ‘yuljabo’, ‘gueumbo’, and ‘yulja with gueum’ Among these systems, there are discernible differences in pitch and gueum(oral sound). Yuljabo marks the first string as baetakhwangong(㣴) and takhwangong(僙), which results in an octave difference. Guembo has been inherited differently, depending on score collectors who listened and translated into a musical note by their own subjective standard. This situation can not be a big problem for professional players who directly learn from a master . However, ununified musical notes will generate various problems at music classes of school, particularly in understanding and acquiring music. In this regard, we compared the frame of music notes, yulja system of jenogakgayaguem and that of yangguem. Until early twenty centuries, they used the same notes. 『Woouisansu』 『寓意山水』(Music score), the music note of gayaguem used the same frame of music score 『yanggum yeominlakbo』 『楊琴 與民樂譜』(Music score) and 『pansanhanssigumbo』 『芳山韓氏琴譜』(Music score). That is, based on joongseonghwang(黃), the first string was marked. However, in 『aakbuyuljabo』 『雅樂部律字譜』(Music score) of 1930s, yangguem was written by takhwangong(僙) base and musical notes of gayaguem by baetakhwangong(㣴) base respectively. Current jenogakgayaguem has two kinds of music score. One follows yulja system of 『aakbugayaguembo』 『雅樂部伽倻琴譜』(Music score) and the other uses the same notation of 『aakbuyanguembo』 『雅樂部洋琴譜』(Music score), which marks the first string as takhwanggong(僙). Based on the comparison, we concluded that the first string should be marked as takhwangong(僙) in order to set up the proper yulja notation and effective education, that matches the pitch and yulja notation of same range instruments such as yangguem and wind instruments (danso, sogeum.and the like). Moreover, in zncient score 『Tongdaegayaguembo』 『東大伽倻琴譜』, different gueum was used, according to each string, pitch, or key. And the current Guembos have been respectively transformed and passed down differently, depending on an player or score collector. However, 『yeongsanhoesang』 『靈山會上』(Music score) of Nah, Hyun-Sook follows gueum of old music score, so it does not differentiate gung(仲) and go(姑) of the sixth string and nam(南) and mu(無) of the ninth string. In addition, it contains a shortage in notation of performing method, for it is difficult to differentiate the meaning of gueum without mark. Therefore, we concluded that it is needed to devise the standard method, which represents an independent music score of gueum exclusively and complements the gueum rule that is used pitch and toneㆍperforming method in 『Tongdaegayaguembo (東大伽倻琴譜: Music score)』 and other old music scores.

21세기에 들어와서 수세기 동안 완전히 반대 차원에 있었던 “동양-서양”은 변화하게 되었다. 기술의 급격한 발달은 민족들의 지난 역사와 문화유산에 대한 관심을 불러일으키고 있다. 따라서 지난 25년간 음악과학의 분야에서는 음악 민족학이 우위에 있었다. 민족 전통음악에 대한 연구는 동양지역의 많은 전통의 공존뿐 아니라 동양과 서양 음악의 발달 속에서 사람들의 역할에 대해 더 많이 이해할 수 있도록 해주었다. 우리가 중앙아시아 지역의 음악 전통이 서로 닮아갈 것을 강요할 수 있을까? 세계화 시대에 예상되는 것은 무엇일까? 우즈베키스탄은 지정학적 그리고 지리학적 위치와 130개국 이상의 사람들이 모여 사는 것으로 인해 다른 전통과의 교류가 끊임없이 이루어진다. 우즈벡 타지크인, 우즈벡 인도인, 우즈벡, 카자흐 족 음악이 역사적으로 연결되어 온 사실을 아무도 부정할 수 없으며, 다양한 연령과 국적의 뛰어난 연구전문 과학자들도 많이 있다. 연구 수행에 있어 염려되는 것은 관심이 부족하기 때문에 다른 민족의 음악 축제, ‘문화의 날’이 필요하다고 본다. 정보화시대는 그 법에 따르게 한다. 인터넷, 디지털 음원 등은 가능한 빨리 필요한 정보를 얻을 수 있게 해주지만, 우리는 실제 체험의 기회를 많이 빼앗긴 채 전통음악에 대한 올바른 분별이 필요하게 되었다. 종족음악학자들은 현대 음악 전통의 존재를 연구하는 동안 최신 연구 성과 등을 체계화할 수 있다. 우리의 목표는 그 결과를 보존할 뿐만 아니라 미래의 연구 방향을 계획하는 것이다. 즉, 세계화 시대는 사람들에게 음악적 전통에 관한 정체성을 잃게 하는 것이 아니라, 반대로 그것을 더 강하게 하고 보존하게 해준다는 것이다. 우즈베키스탄에서는 이러한 노력이 다양하게 이루어지고 있다. 그 예로 2년마다 열리는 음악 축제 “샤르퀴 taronalari(동양의 선율)”, 그리고 중국과 한국의 ‘우즈베키스탄 문화의 날’ 등이 있다. 그러나 아주 소수의 투르크 언어를 사용하는 사람들만이 참여한다. 이 축제는 학생, 대학생, 연구자들 그리고 음악학교의 교사들의 교류를 필요로 한다. 이러한 상황으로 다음과 같은 준비가 요구된다. 그 지역의 음악적 유산의 현재 상태, 즉 세계화 영향이 있는지 그리고 통합과정에 대한 경계와 범위는 어떻게 정의되는지를 결정해야 할 뿐만 아니라, 그 지역에 첩첩이 쌓인 전통음악에 대한 관심을 불러일으킬 수 있도록 모든 노력을 다해야 한다. 민속음악과 구전전문창작음악의 전승 문제는 아주 심각하다. 대회나 축제를 개최하면 글로벌 사회로 통합하는 정도와 전체적인 장르, 양식, 연주의 존재에서 현대 문명의 영향 정도가 드러난다. 2008년에 유네스코는 샤쉬마콤을 세계문화유산으로 선정했으며, 2009년에는 Katta ashula를 선정했다. 그러한 결정은 지난 20년간 외국 연구자들의 도움으로 민족지학적 연구의 수행 덕분이었다. 그것은 유네스코 주도로 개최되었던 것으로, Baysun Surkhandarya (2004-2005)와 “Shashmaqom”(2005-2006)의 연구 탐방으로 불리기도 한다. 또한 이 외에도 우즈벡에서는 “Boysun bahori” (“Spring of Boysun”), “Asrlar sadosi (“Melodies of centuries”)”와 같은 축제뿐만 아니라, shairs, akyns, manaschy와 같이 중앙아시아 지역의 서사시 공연 대회들이 선보였다. 이러한 국제적인 행사들은 전통음악에 대한 관심과 공동체 문화에 대한 정체성을 발달시키는데 기여했다. 본 논문은 급속도로 발전하고 있는 이 시대에 컴퓨터 기술의 도움으로 전통음악 연구에 대해 더 많이 조사하고 계획하고, 실행할 때 나타날 수 있는 일반적인 문제점들을 지적하였다. 수세기 동안 경험으로 얻은 인류의 자원과 전통이 더 활용될 수 있길 바라며 젊은 세대를 올바른 방향으로 이끌어서 20년 후에는 전통을 보전하면서도 새 시대의 한계를 다시 넓혀갈 수 있길 바란다.

In the 21th century, changes occur in the diametrically opposite dimensions “East-West”, which existed for centuries. The rapid development of technology revives interest in the historical past of the peoples and their cultural heritage. Thus, in the last 25 years a priority in the direction of musical science takes musical ethnography. The study of traditional music of peoples contributes to better understanding of the role of people in the development of the music of East and West, as well as co-existence of many traditions in the area of the Orient. Could we claim to continue the assimilation of musical traditions of Central Asian region? What are the forecasts in the era of globalization? Firstly, in Uzbekistan, there are more than 130 nationalities. The geopolitical and geographical position of the country contributes to the continuous “dialogue” with different traditions. Uzbek-Tajik, Uzbek-Indian, Uzbek, Kazakh musical connections -Historical established and no one denied the postulates, we have significant research scientists from different generations and nationalities. What worries the most is the lack of interest in pursuing research. This ensures the need for music festivals of different countries, or Days of Culture. The information era dictates its own laws. Internet and digital recording allow people to get the necessary information promptly. However, we are deprived of live communication, which is necessary for the correct perception of the traditional music. Secondly, ethnomusicology makes it possible to systematize the results of the latest research, as they study the existence of modern music traditions. Our goal is not only to preserve the achievements and plan future research directions. The era of globalization does not give people the right to lose the identity of musical traditions, but on the contrary to strengthen and preserve them. In Uzbekistan, efforts are being made at various levels: “Music Festival “Sharqi taronalari”(“Melodies of the Orient”) (every 2 years), the international scientific conference, Days of Uzbekistan Culture- in China, South Korea. However, very few joint musical projects of Turkic-speaking peoples is held. This requires an exchange of students, undergraduates, researchers and teachers of the leading music schools. The current states of these processes are encouraged to hold the following provisions. Finally, all of the efforts will determine not only the current state of the musical heritage of the region, as it is influenced by changes in the global scale, to define the boundaries and horizons of integration processes, but also stimulate interest in the traditional music of the region layers. The problem of existence of traditional music genres like folklore, and orally-professional creativity is very serious. Conduction of competitions and festivals reveals the level of influence of modern innovations in the existence of genres, styles, performance in general, and the degree of integration into the global community. Uzbekistan regularly conducted ethnographic expeditions, and much effort and support are provided by UNESCO. Thus, in 2003, this organization has announced Shashmaqom as a cultural heritage and in 2014 the genre of Katta ashula. Thanks to their initiative, in the last twenty years, ethnographic expeditions with the assistance of foreign researchers were carried out. The big event can be called expeditions of study Baysun Surkhandarya, 2004-2004) and “Shashmaqom” (2005-2006), which were held by the initiative of UNESCO. Besides these, several show-contest of epic executors of Central Asian region as shairs, akyns, manaschy, as well festivals “Boysun bahori” (“Spring of Boysun”), “Asrlar sadosi” (“Melodies of centuries”) were conducted in Uzbekistan. These international events just contribute to the development of interest in traditional music, identity and a common culture. In this paper, I voiced the common problems that arise in our rapidly developing time, when more measured, planned, and implemented creations are made with the help of computer technology. I wish that the human factor, which for centuries adapted the experience and traditions prevail to a greater extent and guide the younger generation in the right direction, and then in 20 years we will again contemplate on the preservation of tradition and expand the horizons on the new time.

무감(Mugham)은 구전(口傳) 전문 음악의 한 장르로, 아제르바이잔의 국가적 유산이다. 아제르바이잔의 음악문화 전체에 지대한 영향력을 미치는 무감의 주된 예술 및 구조상 특징을 본고에서 간단히 정리하였다. 오랜 기간동안 형성된 무감은 다양한 정신적 가치와 아제르바이잔이 창출한 모든 종족문화적인 풍유로움을 흡수했다. 아제르바이잔 문화와 예술뿐 아니라, 철학, 종교 신화적 의견, 심리학, 윤리, 미학에서 무감의 농축된 표현을 찾을 수 있다. 어떤 점에서, 무감은 아제르바이잔인의 삶과 역사에 대한 예술적, 음악적, 또는 시적인 비유라 할 수 있다. 정적인 상태, 명상, 심사숙고가 무감 음악의 핵심을 구현하듯이, 사색과 내면의 깊은 곳에 집중하는 성향이 짙은 아제르바이잔의 국민 사고방식에 이 예술이 미치는 영향력은 크다. 아제르바이잔 문화의 근본적인 민족적 관례를 담고 있는 무감의 보전에 관한 문제는 늘 아제르바이잔의 진보 지식층에게 걱정거리였다. 1920년대 강제 소비에트 사회주의 시기에, 무감은 “생명”의 위협을 경험했다. 아제르바이잔의 이런 결정적인 순간에, Uzeyir Hajibeyli (1885~1948)은 유일하게 올바른 입장을 취했다. 작곡자, 과학자, 그리고 교육자로서, 그는 그의 작품과 활동을 통해 국민들의 정신적 유산에 주의깊은 관심의 필요성을 증명했다. 그가 작곡한 작품과 “아제르바이잔 민속 음악의 원칙”과 음악교육에 관한 그의 연구는 현대 아제르바이잔 문화의 전반적 성장의 토대가 되었다. 첫 번째 오페라 “Leyli and Mejnun”의 발상에 기반을 두고, 아제르바이잔의 작곡가들은 더 나아가 교향악 무감(Fikret Amirov)과 재즈-무감(Vagif Mustafazadeh)을 창작할 수 있게 되었다. 아제르바이잔의 독립과 더불어, 전통유산에 관한 주목은 아제르바이잔 문화 정치의 우선 사항이 되었다. 무감의 보존, 개발, 선전을 담당했던 Heydar Aliyev 재단의 역할은 본고에 나와 있다. 무감 기록을 현대식 저장 방식으로 변형, “아제르바이잔인의 무감 백과사전”의 발행, 무감 센터의 건축, maqam문화 분야의 뛰어난 음악가와 전문가가 참가한 큰 규모의 국제 축제 “Space of Mugham”의 조직, National Conservatoi의 설립 등은 그 재단이 진행했던 프로젝트이다. TV Mugham Contests(텔레비전 무감 경연)은 나라의 전 지역에서 온 젊은 연주가의 재능을 발굴하고, 깨우친 무감 감상자를 형성한 점에서 매우 중요하다고 할 수 있다. 그러나 대략 70년 동안 소비에트 예술 패러다임의 지배와 강화된 세계화 추세는 무감의 본질적 속성을 상실하게 하였고, 단순 연주 장르로 변질시켰다. 현재, 아제르바이잔의 음악과학과 음악교육분야에서는 무감을 국가적 문화 전체의 개념적인 중심축으로 회복시키기 위한 노력을 하고 있다. 무감은 위대한 지혜, 미덕, 사랑, 그리고 아름다움을 담고 있기 때문에, 숨겨진 에너지의 원천으로서 무감이 갖고 있는 치유적인 힘은 교육 시스템의 모든 단계에서 보다 적극적으로 활용되어야 할 것이다.

Mugham is a genre of professional music of oral tradition and national heritage of Azerbaijan. The main artistic and structural features of mugham, possessing an immense effect on the whole musical culture of Azerbaijan, are briefly highlighted in the article. Forming in a long period of time, mugham absorbed the diversity of spiritual values and all the ethnocultural richness created by Azerbaijani nation. Mugham is expressed and concentrated in not only Azerbaijani culture and art, but also philosophy, religious and mystical opinions, psychology, ethics and aesthetics of the people. In a certain sense, mugham is a peculiar artistic, musical-poetic metaphor of Azerbaijani life and history. The influence of this art on the national mentality with its inclination to contemplativeness, concentration on the internal and deep, is huge, as statics, meditativeness and deliberateness represent the essence of the mugham music. The matter of preservation of mugham, which carries the fundamental national codes of Azerbaijani culture, always disturbed the advanced intellectuals of Azerbaijan. In the 1920s, (the period of forced sovietization), a real threat to the “life” of mugham emerged. In this fateful moment of the history, Uzeyir Hajibeyli (1885-1948) took the only correct position. With his work and activities as a composer, scientist and pedagogue, he proved the necessity of a careful attitude to the spiritual treasure of the people. His composer oeuvre, the research “Principles of Azerbaijan Folk Music” and the concept of the musical education became the basis, on which the whole modern Azerbaijani culture grew. Building on the idea of the first opera “Leyli and Majnun”, the composers of Azerbaijan traced their way to creation of the symphonic mugham (Fikret Amirov) and jazz-mugham (Vagif Mustafazadeh). With restoration of the independency of Azerbaijan, paying attention to the traditional heritage became one of the priorities of the cultural politics of Azerbaijan. The role of the Heydar Aliyev Foundation, directing the agendas on the preservation, development and propaganda of mugham, is mentioned in this work. Among the projects of the Foundation are the transfer of the mugham records in modern storage devices, publication of the “Encyclopedia of Azerbaijani Mugham”, construction of the Mugham Centre, organization of the large-scale international festival “Space of Mugham” with participation of the leading musicians, experts in the field of maqam culture and the establishment of the National Conservatoire. The importance of the role of TV Mugham Contests in revealing talents of young performers from all over the country and forming an enlightened mugham listener is stressed. However, almost 70 years of the reign of the Soviet art paradigm, as well as enhanced global trends have led to the loss of the core properties of mugham, thus transforming it into a concert genre. Currently, the musical science and education of Azerbaijan solve a task to restore mugham as a conceptual pivot of the whole national culture. The healing force of mugham with its hidden energetic resources should be more actively used in the system of education, at all levels, as mugham contains a great wisdom, virtue, love and beauty.