Earticle

본 연구는 2022 개정 통합교과 교육과정의 ‘놀이 중심’ 기조 하에서 국악 관련 놀이가 활동 명칭이나 흥미 요소로 머무르지 않고, 국악의 교육적 의미를 드러내면서도 놀이성이 발현 ㆍ지속되도록 설계ㆍ구현하기 위한 개념적ㆍ방법론적 토대를 마련하는 데 목적이 있다. 이를 위해 놀이성(학습자 소유권 중심)을 바탕으로 국악 놀이의 조작적 정의와 분석 준거(A축: 놀이성 수준, B축: 음악적 행위 양식, C축: 전승–변용–창안)를 설정하고, 1~2학년 통합교과 교과서ㆍ지도서의 국악 제재 내용을 문서 기반으로 분석하였다. 분석 결과, 전승 맥락이 활동 수행의 핵심 원리로 조직되지 않아 전승 요소가 소재화ㆍ탈맥락화될 가능성이 나타났고, 활 동은 기능ㆍ이해 과제 또는 구조화된 게임에 편중되어 ‘안내된 놀이’ 설계가 제한적이었다. 또한 가창 중심 편중으로 악기ㆍ창작ㆍ감상 기반 놀이 경험이 협소하였다. 이에 전승 맥락의 최소 단서를 수행 요소에 내장하는 재맥락화 원리, 학습자 소유권을 구조적으로 확대하는 설계, 변용 활동의 ‘왜ㆍ무엇ㆍ어떻게’를 명시하는 정당화 기준과 지도서 서술 템플릿을 개선 방안으로 제안하였다.

This study aims to establish a conceptual and methodological foundation for the design and implementation of gugak-related play activities that, within the play-centered orientation of the 2022 revised integrated curriculum, move beyond serving merely as activity labels or motivational elements and instead reveal the educational value of gugak while allowing playfulness to emerge and be sustained. To this end, drawing on a conception of playfulness centered on learner ownership, the study developed an operational definition of gugak play and an analytical framework consisting of three axes: level of playfulness (Axis A), musical modes of action (Axis B), and patterns of transmission, transformation, and creation (Axis C). Using this framework, a document-based analysis was conducted on gugak-related content presented in Grades 1–2 integrated curriculum textbooks and teacher’s guides. The findings indicate that transmission contexts were not organized as core principles guiding activity performance, which increased the likelihood that elements of transmission would be reduced to mere materials and become decontextualized. In addition, activities were largely concentrated on functional or comprehension-oriented tasks or structured games, which limited the design of guided play. Furthermore, an overemphasis on singing-centered activities narrowed opportunities for gugak play experiences based on instrumental performance, creation, and listening. In response, this study proposes improvement measures including principles of recontextualization that embed minimal cues of transmission contexts within performance elements, design strategies that structurally expand learner ownership, and justification criteria and teacher’s guide description templates that explicitly articulate the “why, what, and how” of transformative activities.

‘가곡식 조명칭’인 우조, 평조, 계면조는 판소리 전반에 걸쳐 쓰이는 비중이 큰 주요 악조 인데, 이중 계면조의 음악적 특징에 대해서는 이견이 없는 데 반해서 우조와 평조의 음악적 특징에 대해서는 학자마다 혹은 개론서마다 각기 다른 기준과 내용으로 설명되어 있어서 여 전히 쟁점이 남아 있다. 가곡식 조명칭인 평조는 1960년대 말부터 문헌에 보였지만, 전통사 회에서부터 이러한 대목은 ‘시조목’으로 인식되면서 우조인 호령조나 계면조인 애원성 대목 과 구분되어 왔다. 본고에서는 판소리 평조에 대한 이론을 가장 먼저 발표한 백대웅의 연구를 통해 그가 주장 한 ‘평조길(레음계)’의 정의가 무엇이며 창법적 개념을 제외한 선법 중심 평조 이론의 한계는 무엇인지를 살펴보았다. 이어서 판소리가 왜 ‘시조목’으로 인식되어 왔는지 평조 선율로 구성 된 단가 및 판소리 대목을 중심으로 판소리 평조의 구성음과 시김새, 그리고 선율 진행을 시조창과 비교하여 살펴보았다. 그 결과 판소리 평조는 음계의 제1음과 제3음 사이의 4도 진행과 제3음과 제4음 사이의 2도 진행이 주가 되는 선율 진행의 특징을 보이며, 제5음은 반음 가량의 차이가 나는 유동성 음의 특성을 가지고 있으며, 이는 시조창과 공통적인 특징임을 밝혀내었다. 또한 판소리 평 조는 제4음에서 제3음으로 진행할 때 퇴성하고 제1음과 제4음을 요성하는데, 이는 시조창을 부를 때 林鍾에서 仲呂로 진행할 때 퇴성하고 黃鍾과 林鍾을 퇴성하는 것과 통하는 음악적 특징임을 알았다.

Ujo, Pyeongjo, and Gyemyeonjo—mode names derived from the gagok tradition—are major musical modes that occupy a significant place of the overall repertory of pansori. Among them, the musical characteristics of Ujo and Pyeongjo are explained according to differing criteria across scholars or introductory texts, and thus remain subjects of ongoing debate. Although Pyeongjo as a gagok-style modal designation began to appear in literature from the late 1960s, such passages had long been recognized in traditional society as “sijomok” distinguished from Ujo passages such as Horyeongjo and from Gyemyeonjo passages characterized by lamenting expression. This study first examines the research of Baek Dae-woong, who was the first to present a theory of Pyeongjo in pansori, in order to clarify his definition of “Pyeongjo-gil (Re scale)” and to identify the limitations of a mode-centered theory of Pyeongjo that excludes vocal stylistic concepts. It then explores why pansori passages have been recognized as “sijomok” by comparing the constituent tones, sigimsae (ornamentation), and melodic progression of Pyeongjo melodies in danga and pansori passages with those of sijo singing. The findings reveal that pansori Pyeongjo is characterized by melodic motion primarily consisting of a perfect fourth between the first and third scale degrees and a whole-step progression between the third and fourth degrees. The fifth degree functions as a flexible tone, exhibiting a pitch variance of approximately a semitone a feature shared with with sijo singing. Furthermore, in pansori Pyeongjo, toeseong (退聲; a descending ornament) occurs when moving from the fourth to the third degree, and yoseong (搖聲; vibrato) is applied to the first and fourth degrees. This corresponds to the musical practice in sijo singing, where a descending ornament is used when progressing from Imjong (林鍾) to Jungnyeo (仲呂), and vibrato is applied to Hwangjong (黃鍾) and Imjong (林鍾), demonstrating a shared musical characteristic between the two singing traditions.

본 연구는 초등 저학년을 대상으로 그림책 기반 음악극 놀이 중심 통합적 국악수업을 설계하고 적용하는 데 목적이 있다. 이를 위해 경기도에 소재한 초등 2학년을 대상으로 총 8차시 수업을 적용하였고, 이에 따른 적용 효과를 살펴보기 위하여 수업 만족도 설문지와 질적 자 료를 수집하여 분석하였다. 본 연구에 실행된 수업은 기초적인 국악 요소와 다른 예술적 요 소 그리고 학습 영역이 서로 결합하여 학습자 중심의 국악 경험이 통합하는 것을 개발 원칙 으로 하고, 음악극 놀이 중심의 통합적 국악수업이 되도록 설계하였다. 수업의 주제는 ‘그림 책을 활용한 음악극 놀이 표현하기’이며, 수업의 단계는 이해하기, 탐색하기, 체험하기, 창작 하기, 발표 및 성찰하기로 진행하였다. 수업을 적용한 결과, 국악에 대한 흥미, 장단 이해 및 표현, 이야기 장면 이해, 음악극 활동 참여, 협력 및 사회정서 역량, 자신감 영역에서 전반 적으로 높은 만족도가 나타났고, 특히 ‘국악에 대한 흥미’와 ‘장단 이해 및 표현’ 영역에서 높은 변화가 확인되었다. 또한, 질적 자료 분석 결과, 학생들은 그림책을 통한 새로운 국악적 경험, 통합적 체험을 통한 국악 표현의 확장, 협력을 통한 성장, 책임감 및 자신감 향상 등의 교육적 경험과 효과를 확인할 수 있었다. 이와 같은 결과로 볼 때 본 연구에서 적용한 음악극 놀이 활동은 저학년 학생들에게 국악을 이해하고 표현하는 새로운 관점을 제공하여 주었고, 예술 중심의 통합적 체험은 국악에 대한 긍정적 정서를 강화하는 데 도움을 주었다.

This study aims to design and implement a picture book-based integrated Korean Music Classes centered on music drama activities, targeting lower elementary school students. To this end, a total of eight lessons were conducted with second-grade students at an elementary school in Gyeonggi Province. The effects of the implementation were examined through a survey on class satisfaction and the collection and analysis of qualitative data. The lessons carried out in this study were designed based on the principle of combining fundamental elements of Korean Music with other artistic elements and learning domains, thereby creating a learner-centered experience of Korean Music. The curriculum was structured to emphasize music drama activities as the central component of the integrated program. The theme of the lessons was “Enjoying Music Drama Play Using Picture Books,” and the instructional stages proceeded as: understanding, exploring, experiencing, creating, presenting, and reflecting. As a result of the implementation, high levels of satisfaction were observed in areas such as Interest in Korean Music, Understanding and Expression of Rhythmic Cycles (jangdan), Understanding of Story Scenes, Participation in Music Drama Activities, Collaboration and Socio-Emotional Competence, and Confidence. In particular, significant improvements were confirmed in the domains of ‘Interest in Korean Music’ and ‘Understanding and Expression of Rhythmic Cycles’. Furthermore, the analysis of qualitative data revealed that students gained new Korean Music Experiences through picture books, expanded their expression of Korean Music through integrated experience, and demonstrated growth in collaboration, responsibility, and confidence. These findings suggest that the music drama activities applied in this study provided lower elementary students with new perspectives on for understanding and expressing Korean music, and that art-centered integrated experiences contributed to strengthening positive attitudes toward Korean music.

본고에서는 1951년 이후, 1960년대까지 학습지도요령에 제시된 음악과 교육 목표 및 교육 내용과 와라베우타의 관련성을 살피고 초등 교육과정 음악과의 교재(教材)로 와라베우타가 활용의 근거가 되는 음악학적인 논의를 고찰했다. 1951년 문부성에서 시안으로 발표한 학습지도요령에서의 음악과 교육목표에는 음악이 인 간의 사회생활과 깊게 관련되어 있다는 점이 반영된다. 그리고 아동의 생활과 밀접한 관련이 있으며, 주로 놀이에 수반되는 와라베우타가 언급된다. 여기에는 시모오사 칸이치(下総皖一) 의 와라베우타 음계 연구의 영향을 고려해 볼 수 있다. 이후 법적 구속력을 지니게 된 1958 년의 학습지도요령에서는 계통적 학습을 강조하며 오히려 와라베우타가 배제되었다. 이에 반 발한 교사 및 음악 전문가들은 일본어의 리듬, 강세의 독자성이 반영된 와라베우타의 활용을 아동 음악교육의 대안으로 제시하게 된다. 1960년대에 이르러서는 와라베우타를 출발점으로 하는 음악 교육의 구상 및 실천이 보다 본격적으로 진행되는데, 여기에는 와라베우타의 교육적 활용을 주장한 대표적인 음악학자인 고이즈미 후미오(小泉文夫)의 테트라코드 음계 이론의 영향이 지배적이다. 그러나 고이즈미 는 시모오사와 마찬가지로 와라베우타에 5음음계가 나타나는 것을 인지하고 있었다. 그럼에 도 불구하고 그리스, 아라비아, 인도 등의 음악에서도 확인되는 테트라코드 음계를 부각시켜 와라베우타로부터 출발하는 음악 교육이 세계의 음악 교육으로 이어지도록 했다. 또한 1960 년대에 들어서며 와라베우타의 교육적 활용이 더욱 발전적으로 논의된 것은 전통적인 아이 들의 노래를 단계적으로 활용해서 음악의 기초를 교육한다는 코다이의 음악교수법이라는 커 다란 틀이 일본에 유입되었기에 가능했다.

This study examines how warabeuta (Japanese traditional children’s songs) were positioned within the framework of systematic music education in Japan from 1951 through the 1960s, focusing on the musicological rationale for their adoption as elementary school teaching materials. The 1951 draft Course of Study emphasized the close relationship between music and children’s social lives and explicitly referred to warabeuta, reflecting earlier efforts to collect these songs and Shimōsa Kan’ichi’s research on their modal structure. However, the legally binding 1958 Course of Study prioritized systematic music education and largely excluded warabeuta. In response, educators and music specialists proposed their use as an alternative approach that more effectively embodied the rhythmic and accentual characteristics of the Japanese language. By the 1960s, more structured pedagogical models centered on warabeuta had emerged, significantly influenced by Koizumi Fumio’s advocacy. While recognizing pentatonic features in warabeuta, Koizumi emphasized tetrachordal organization and envisioned warabeuta-based instruction as a foundational stage for broader musical understanding. The increasing acceptance of warabeuta in Japanese music education was further supported by the influence of the Kodály Method, which promoted the systematic teaching of musical fundamentals through traditional children’s songs familiar in everyday life.

본 연구는 초ㆍ중등학교 음악교육에서 국악기 연주교육이 지향해야 할 방향을 탐색하고, 이에 기초하여 국악기 연주 학습 경험의 구조를 설정하는 데 목적을 두었다. 이를 위해 음악 과 교육과정의 악기 연주 관련 내용과 국악기 연주교육 관련 선행연구를 분석하여, 국악기 연주교육이 어떠한 관점에서 논의되어 왔는지를 검토하였다. 분석 결과, 기존 논의는 개별 악기의 지도 내용이나 연주 기능의 습득을 중심으로 전개된 경향이 강하며, 국악기 연주 학 습이 어떠한 경험의 흐름과 관계 구조 속에서 형성되어야 하는지에 대한 종합적 논의는 상대 적으로 미흡한 것으로 나타났다. 이러한 문제의식을 바탕으로 본 연구는 초ㆍ중등 국악기 연주교육의 방향을 ‘신체-악기- 소리’의 조응 관계 형성, 국악 고유의 표현 어법 체득 및 구현, 국악의 연행 맥락 경험의 세 측면에서 제시하였다. 또한 각 방향에 이르기 위해 요구되는 연주 학습 경험을 도출하고, 이 들 경험이 연주 학습 과정 속에서 어떠한 맥락에서 요구되며 서로 어떤 관계를 맺는지를 분 석하였다. 이러한 분석과 방향 설정에 근거하여, ‘소리의 생성 조건을 탐색하는 연주 학습’, ‘신체 감각을 통해 소리를 조절하는 연주 학습’, ‘국악의 표현 어법을 기준으로 소리를 다루는 연주 학습’, ‘연행 맥락의 문화적 의미와 연주를 연결하는 연주 학습’으로 구성된 국악기 연주 학습 경험의 구조를 제안하였다. 본 연구에서 제안한 연주 학습 경험의 구조는 개별 악기 연주교육에 대한 교수ㆍ학습 논의를 검토하고 확장하는 데 하나의 틀로 기능할 수 있을 것으로 본다.

This study aims to explore the directions that Gugak instrument performance education should pursue in elementary and secondary school music education and, on that basis, to establish a structure of Gugak instrument performance learning experiences. To this end, the study analyzed curriculum content related to instrumental performance and prior studies on Gugak instrument performance education, examining the perspectives through which this field has been discussed. The analysis revealed that existing discussions have tended to focus on instructional content for individual instruments or on the acquisition of performance skills, while offering relatively limited attention to how performance learning experiences should be structured as an integrated whole. In light of these findings, the study proposes three directions for Gugak instrument performance education in elementary and secondary school contexts: (1) forming a responsive body-instrument-sound relationship; (2) acquiring and realizing Gugak-specific modes of expression; and (3) experiencing Gugak performance contexts. In addition, the study identifies the performance learning experiences required for each direction and analyzes the contexts in which these experiences are called for during the performance learning process, as well as the relationships among them. Based on the analysis and the proposed directions, the study presents a structural framework of Gugak instrument performance learning experiences consisting of exploring conditions of sound production, regulating sound through bodily sensation, working with sound based on Gugak-specific modes of expression, and connecting performance with the cultural meanings embedded in performance contexts. The proposed structure can serve as a framework for reviewing and extending discussions on teaching and learning in individual Gugak instrument performance education.

본고는 예비초등교사들의 단소 실기 수업에서 활용할 수 있는 AI 기반 자기성찰 도구를 설계 및 개발하고, 실제 활용 가능성을 탐색하는 데에 목적이 있다. 본 연구는 Richey & Klein(2014)이 제안한 설계ㆍ개발 연구 방법 중 산출물 도구 연구 방법을 토대로 진행되었으 며, 연구 절차는 연구 설계를 위한 이론적 고찰, 도구의 설계 및 개발, 전문가 사용성 평가, 도구의 사용 및 현장 평가의 단계로 구성하였다. 도구는 바이브 코딩 기반 서비스인 래플릿 (Replit)을 활용하여 프로토타입으로 개발하였으며, ChatGPT 5.0 API를 연동하여 AI가 학습 자의 성찰 내용을 분석하고 피드백을 생성할 수 있도록 설계하였다. 이후 음악ㆍ국악실기 및 음악ㆍ국악교육을 전공한 전문가 8인을 대상으로 두 차례의 전문가 사용성 평가를 실시하여 도구 구성, 편리성, 사용 용이성, 교육적 효과, 디자인을 검토하였다. 현장 평가에서는 최종 개발된 도구를 수업 및 개인 연습에서 2주 동안 최소 4회 이상 활용하도록 하였다. 연구 결 과, 본 도구의 편리성과 사용 용이성 측면에서 긍정적인 평가를 받았으며, 교육적 활용 가능 성에 대한 높은 잠재력을 확인하였다. 향후에는 AI 피드백의 정교화나 예비초등교사의 실기 능력과 관련된 다양한 도구 개발이 필요함을 제언하였다.

This study aims to develop an AI-based self-reflection tool for pre-service elementary teachers in the context of Danso performance instruction and to explore its practical applicability. The study employed the product-oriented tool research method within the design and development research framework proposed by Richey and Klein (2014). The research procedure consisted of four phases: a theoretical review for research design, tool design and development, expert usability evaluation, and implementation and field evaluation. The tool was developed as a prototype using Replit, a cloud-based coding platform for Vibe Coding, and was designed to integrate the ChatGPT 5.0 API so that the AI system could analyze learners’ reflective responses and generate feedback. To examine the tool’s structure, convenience, ease of use, educational effectiveness, and design, two rounds of expert usability evaluation were conducted with eight specialists in Korean traditional music performance and music education. For the field evaluation, the final version of the tool was used at least four times over a two-week period during classes and individual practice sessions. The results indicated that the tool received positive evaluations in terms of convenience and usability, and it demonstrated strong potential for educational application. The findings suggest the need for further refinement of AI-generated feedback and the development of additional tools to support performance competencies of pre-service elementary teachers.

본 연구는 한국음악사 교육의 핵심 대상인 고구려 음악사가 어떠한 서술 구조 속에서 다루어져 왔는지를 검토하고, 축적된 연구 성과를 통사적으로 재조직할 필요성을 제기하는 데 목적이 있다. 고구려 음악사는 『삼국사기』, 고분벽화, 중국 및 일본에 전승된 기록을 통해 외래 요소를 능동적으로 수용ㆍ변용한 음악문화로 이해되어 왔으나, 기존 한국음악사 단행본 의 서술은 왕산악의 거문고 창제 설화와 고분벽화 도상 중심의 구조를 반복하는 경향을 보인 다. 그 결과 최근의 도상 비판, 악기 계통 재구성, 교류사적 분석, 멸망 이후 전승 연구 등의 성과가 통사 서술에 충분히 반영되지 못하는 한계가 나타난다. 이에 본고는 한국음악사 단행본의 고구려 음악 서술 유형을 분석하고, 악기 체계ㆍ연행 맥락ㆍ동아시아 교류ㆍ멸망 이후 전승이라는 주제별 연구 흐름을 재분류하여 학계 논의의 전개와 쟁점을 정리하였다. 이를 바탕으로 고구려 음악을 형성–변용–체계화–확산–전승의 단 계 구조 속에서 재구성하는 통사적 서술 틀을 제안하고, 단계별 자료 교차 검토와 분석 단위 설정 등 구체적 적용 원칙을 제시하였다. 결론적으로 고구려 음악사는 단일 기원이나 특정 악기 중심의 서술을 넘어, 동아시아 문화 네트워크 속에서 형성ㆍ재편ㆍ기억된 복합적 문화 현상으로 재위치될 필요가 있다. 이러한 통 사적 재구성은 대학 수준의 한국음악사 교육에서 활용 가능한 체계적 교재 구성의 기반이 될 것이며, 학술 연구와 교육 현장을 연결하는 새로운 서술 모델을 마련하는 데 기여할 것이다.

This study aims to examine how the history of Goguryeo music—one of the core subjects in Korean music history education—has been structured within existing narrative frameworks and to argue for the need to reorganize accumulated research findings within a diachronic perspective. The history of Goguryeo music has been understood, on the basis of sources such as the Samguk Sagi, tomb murals, and historical records transmitted in China and Japan, as a musical culture that actively adopted and transformed foreign elements. However, existing monographs on Korean music history tend to repeat a narrative structure centered on the geomungo origin myth of Wang San-ak and iconographic interpretations of tomb murals. As a result, recent scholarly achievements - including iconographic critiques, reconstructions of instrumental lineages, analyses of intercultural exchange, and studies on post-collapse transmission - have not been sufficiently integrated into diachronic narratives. To address this issue, the present study analyzes patterns of Goguryeo music narratives in monographs on Korean music history and reorganizes previous scholarship into thematic strands focusing on instrumental systems, performance contexts, East Asian exchange, and post-collapse transmission. Through this reclassification, it clarifies the development and key issues of scholarly debate. Based on this analysis, the study proposes a diachronic narrative framework that reconstructs Goguryeo music through stages of formation, transformation, systematization, diffusion, and transmission. It further presents concrete principles for application, including cross-examination of sources at each stage and the establishment of analytical units. In conclusion, the history of Goguryeo music should move beyond narratives centered on a single origin or a specific instrument and be repositioned as a complex cultural phenomenon formed, reorganized, and remembered within the broader network of East Asian cultural exchange. Such a diachronic reconstruction would provide a foundation for the systematic development of teaching materials for university-level Korean music history education and contribute to establishing a new narrative model that bridges academic research and educational practice.

본 연구는 2022 개정 중ㆍ고등학교 교과서에 수록된 소리북 교수ㆍ학습 내용을 심층적으 로 분석하고, 이를 토대로 수정 보완이 필요한 사항에 대한 구체적인 개선 방안을 제시하는 데 목적을 두었다. 분석 결과, 학습 활동 지시문의 모호성, 체계적인 교수ㆍ학습 내용 구조화의 미비, 시각 자료의 오류와 소리북 타점 자리 명칭의 불일치, 연주 자세 및 연주법 설명의 부족 및 비구체 성과 같은 문제가 확인되었다. 또한, 장단보의 부호와 구음 체계 역시 통일성이 부족한 것으 로 나타났다. 무엇보다 판소리 사설의 붙임새를 고려하지 않은 장단보가 수록된 점은 학습자 가 실질적인 소리북 반주를 익히는 데 한계로 작용하였다. 이러한 문제점을 개선하기 위해 본 연구는 다음과 같은 개선 방안을 제시하였다. 먼저 ‘교 육과정에 근거한 소리북 교수ㆍ학습 내용의 구성 방향’의 측면에서 2022 개정 음악과 교육과 정 연주 영역의 성취기준과 함께 ‘장단의 세’, ‘여러 가지 장단의 장단꼴’, ‘말붙임새’, ‘여러 가지 음색’, ‘한배의 변화’와 같은 음악 요소를 포괄하는 학습 내용을 체계적으로 구조화할 필요성을 강조하였다. 다음으로 ‘개선된 소리북 교수ㆍ학습 내용 및 자료’ 측면에서는 ‘소리 북의 기원과 변천에 관한 내용 보완’, ‘타점 명칭의 통일과 시각 자료의 정확성 제고’, ‘연주 자세 및 주법 설명의 구체화’, ‘장단보 표기 체계의 표준화와 실전 반주 장단 제시’에 관해 구체적으로 논의하였다. 본 연구에서 제안한 소리북 교수ㆍ학습 내용은 학교 현장에서의 실질적인 활용 가능성을 염두에 두고 마련한 것으로 향후 교과서 개발 및 판소리 교육 전반의 질적 수준을 제고하는 데 기여할 것으로 기대한다.

This study aims to conduct an in-depth analysis of the sori-buk teaching and learning content presented in the 2022 Revised Middle and High School Music Textbooks and to propose specific improvement measures based on the findings. The analysis identified several issues, including ambiguous activity instructions, insufficient structural organization of instructional content, inaccuracies in visual materials, inconsistencies in the terminology used for sori-buk striking positions, and a lack of clarity and specificity in explanations of performance posture and playing techniques. In addition, the notation system for rhythmic patterns—particularly the symbols and gu-eum (mnemonic vocal syllables) system—was found to lack consistency across textbooks. Notably, some rhythmic scores did not adequately reflect the prosodic alignment(malbutimsae) of pansori lyrics, limiting students’ ability to develop practical accompaniment skills. To address these issues, this study proposes several improvement strategies. First, from the perspective of curriculum-based instructional design, it emphasizes the systematic structuring of sori-buk learning content in alignment with the performance domain achievement standards of the 2022 Revised Music Curriculum. This includes integrating key musical elements such as rhythmic accent (jangdan-ui se), rhythmic pattern structures, prosodic alignment, timbral variation, and tempo change (hanbae change). Second, from the perspective of revised instructional content and materials, the study presents a detailed discussion of four areas: supplementation of content concerning the origin and historical development of the sori-buk; standardization of striking-position terminology and improvement of visual accuracy; elaboration of explanations regarding performance posture and playing technique; and standardization of the jangdanbo notation system alongside the presentation of practical accompaniment patterns. The proposed instructional framework prioritizes practical applicability in school settings and is expected to contribute to future textbook development and to the overall qualitative advancement of pansori education.

본 연구는 휘모리잡가 <육칠월흐린날>을 중심으로 고등학교 음악 수업에 적용할 수 있는 교수ㆍ학습 내용을 구성하는 데 목적을 두었다. 먼저, 제7차 교육과정부터 현행 2022 개정 교육과정에 따른 중ㆍ고등학교 음악 교과서에 서 <육칠월흐린날>의 수록 양상을 살폈다. 그 결과, 수록된 교과서는 총 5종이었으며 교과서 별로 악보 표기, 장단 설명, 악곡 해설, 학습활동 구성에 차이가 있으며, 일부 교과서에서는 말붙임새에 따른 장단 변화와 악곡 구조가 충분히 반영되지 못하고, 학습활동이 노래 부르기 에 국한되는 한계를 보였다. 이러한 결과를 바탕으로 ‘갈래 및 악곡 이해하기’, ‘노랫말 이해하기’, ‘가락 익히기’, ‘장단 익혀 연주하기’의 교수ㆍ학습 요소를 설정하고, 2022 개정 음악과 교육과정의 내용 체계 및 성취기준과 연계하여 교수ㆍ학습 내용을 선정하였다. 이 중 ‘노랫말 이해하기’와 ‘장단 익혀 연주하기’를 예시로 하여 노랫말과 사설시조 비교 활동과 말붙임새 분석을 통한 장단 연주 활동을 포함하여 학습자가 악곡의 음악적 구성과 표현 방식을 분석하고 실제로 연주할 수 있도록 상세한 교수ㆍ학습 내용을 구성하였다. 본 연구에서 구안한 교수ㆍ학습 내용을 실제 수업으로 이어져 향후 구체적인 수업 사례 연구와 학습자 반응 분석 등에 관한 연구가 지속되기 기대한다.

This study aims to develop teaching and learning content applicable to high school music classes, focusing on the hwimori japga Yukchilwol Heurin Nal. First, the study examined how Yukchilwol Heurin Nal has been presented in middle and high school music textbooks from the 7th National Curriculum to the current 2022 Revised National Curriculum. As a result, five different textbooks were found to include the piece. Differences were found among the textbooks in musical notation, explanations of rhythmic patterns (jangdan), commentary on the work, and the organization of learning activities. In some textbooks, the rhythmic changes according to the prosodic alignment(malbuchimsae) and the musical structure of the piece were not sufficiently reflected, and learning activities were largely limited to singing. Based on these findings, four teaching and learning components were established: “Understanding the Genre and the Musical Work,” “Understanding the Lyrics,” “Learning the Melody,” and “Learning and Performing the Rhythmic Patterns.” These components were aligned with the content framework and achievement standards of the 2022 Revised Music Curriculum. Among them, “Understanding the Lyrics” and “Learning and Performing the Rhythmic Patterns” were developed in detail as examples. The instructional content included activities such as comparing the song text with saseol sijo and performing rhythmic patterns through the analysis of prosodic alignment, thereby enabling learners to analyze the musical structure and expressive methods of the work and to perform it in practice. It is expected that the instructional content developed in this study will be implemented in actual classroom settings and that further research will continue, including case studies of specific lessons and analyses of learners’ responses.