Earticle

본 연구는 학생 국악오케스트라 사업의 성과를 발달성과와 만족도의 두 가지 측면에서 분석하는 데 목적을 두었다. 지금까지 대부분의 선행연구에서 현황 및 효과성 분석에 머물렀다면 본 연구에서는 발달성과와 만족도에 영향을 미치는 요인을 분석하고자 하였다. 이를 위해 다중회귀분석 방법을 활용하였으며, 그 결과를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 국악오케스트라 운영 변수가 통제되기 전 읍면지역 학생들의 발달성과는 대도시에 비해 떨어지는 것으로 나타났지만 국악오케스트라 운영 변수들이 통제되면서 그 차이는 사라지게 되었다. 이는 읍면 지역이라도 국악오케스트라 사업이 운영만 된다면 소기의 성과를 내고 있음을 입증한다. 둘째, 전담조직은 학생들의 발달성과와 만족도를 높이는 데 유의미한 변수로 작용하는 것으로 나타났다. 셋째, 교구 및 시설은 발달성과와 만족도 차이를 설명하는 핵심이라는 점이 파악되었다. 넷째, 학생들의 참여 연수가 1년 늘어날 때마다 발달성과가 0.0906점 높아지는 것으로 분석되었다. 다섯째, 교사의 사업 운영 경력이 1년씩 늘어날수록 학생들의 발달성과가 0.0634점 늘어난 것으로 나타났다. 본 연구를 통해 학생 국악오케스트라 사업은 학생들의 발달성과와 만족도를 높이는 데 유익한 사업임을 파악할 수 있었다. 더불어 학생들의 발달성과와 만족도를 높이는 핵심 요인을 파악함으로써 학생 국악오케스트라 운영의 개선점을 추출하였다는 데 본 연구의 의미가 있다.

The objective of this study is to analyze the performance of the student Gugak orchestra project in terms of developmental outcomes and satisfaction. Most of the previous studies have analyzed the status and effectiveness of the project, but this study aims to analyze factors affecting developmental performance and satisfaction. To do this, multiple regression analysis was used. The findings of the study are as follows. Firstly, the developmental performance of the students in small towns and villages was inferior to that of the students in major cities when the management variables of the Gugak orchestra were not controlled. However, this difference disappeared as the management variables were controlled. This demonstrates that if the Gugak orchestra project is operated, desired outcomes can be achieved, even in rural areas. Secondly, the study showed that the dedicated organization had a significant effect on improving the developmental outcomes and satisfaction of the students. Thirdly, it was verified that teaching aids and facilities were the keys to explaining the differences of developmental outcomes and satisfaction. Fourthly, according to the analysis, the developmental outcomes increased by 0.0906 as the number of the student’s participation years increased. Lastly, the developmental outcomes of the students increased by 0.0634 as the number of the teachers’ business management years increased. Through this study, it is found that the student Gugak orchestra project is beneficial for improving the developmental outcomes and satisfaction of students. Also, it was meaningful in that the study identifies the areas of improvement for operating the student Gugak orchestra project through understanding the key factors that enhance the developmental outcomes and satisfaction of the students.

본고에서는 국악과 인도 음악의 비교 교수․학습 방안을 모색하였고, 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 2009 개정 음악과 교육과정에 따른 초․중등학교 음악교과서에 수록된 인도 음악 내용을 분석하여 지도내용과 서술의 적합성을 검토하였다. 제재곡에는 ‘달아 달아’와 ‘디왈리 노래’가 있었으며, 이 곡들은 사회․문화적 맥락 없이 서양식 어법으로 기보하여 인도 음악의 특징을 파악할 수 없었다. 둘째, 국악과 인도 음악의 비교학습을 위한 주제 및 지도 단계를 선정한 다음 주제에 맞는 인도 음악과 국악 제재곡 및 지도 내용을 알아보았다. 선정된 주제는 일과 음악, 문화유산과 음악이고, 비교학습을 위한 단계는 ‘감(感)-느끼기, 흥(興)-표현하기, 통(通)-비교하기’이다. 인도 음악의 제재곡은 ‘사리간(sari-gan)’과 ‘푸룰리아 차우(Purulia Chhau)’를 선정하였고, 이와 관련하여 우리 음악의 제재곡은 ‘거문도 뱃노래’와 ‘봉산탈춤’으로 정하였고, 두 제재곡 간의 특징을 비교하였다. 셋째, 2015 개정 음악과 교육과정에서 관련 내용을 추출하고 학교군별로 교수․학습 방안을 제시하였다. 초등학교군에서는 일과 음악이라는 주제에 의해 사리간(sari-gan)과 거문도 뱃노래를 단계에 따라 교수․학습을 전개하였다. 중학교군에서는 문화유산과 음악이라는 주제에 따라 푸룰리아 차우(Purulia Chhau)와 봉산탈춤을 단계에 맞춰 교수․학습을 제시하였다. 본고는 아시아 음악 문화를 이해하기 위한 방안 중 하나로 인도 음악의 교수․학습 방안이자 우리 음악 문화를 이해하는 방법이다. 이를 일반화하고 더 나아가 초․중학교에서 아시아 음악에 대한 다양한 음악적 경험을 제공할 수 있는 많은 연구가 계속 되길 바란다.

This paper aims to examine a comparative teaching and learning of Korean music and Indian music. The findings of the study are as follows. Firstly, the contents of Indian music included in the music textbooks of elementary and middle schools, in accordance with the 2009 revised music curriculum, are analyzed to evaluate the suitability of instructional content and its descriptions. There are music pieces titled ‘Dal-a Dal-a’ and ‘Diwali Song’. These songs are notated in the grammar of Western music without taking a socio-cultural context, so it is difficult to understand the characteristics of Indian music. Secondly, themes and instructional stages which enable connecting Korean music with Indian music are selected. Afterwards, music pieces of Indian and Korean music and instructional contents suitable for the themes are examined. The selected themes are work and music, and cultural heritage and music. The instructional stages for comparative education with Korean music are ‘gam(感)’-to feel, ‘heung(興)’-to express, and ‘tong(通)’-to compare. As instructional materials, sari-gan and Purulia Chhau are selected for Indian music while Geomundo Baennorae and Bongsantalchum are correspondingly selected for Korean music. The characteristics of the two pieces are compared. Thirdly, the contents of Indian music under the 2015 revised music curriculum are extracted, and a teaching-learning method for Indian music through comparative education with Korean music is presented for each school category. For elementary school level, the instruction of sari-gan and Geomundo Baennorae is presented on the theme of work and music depending on instructional stages for comparative education. For middle school level, the instruction of Purulia Chhau and Bongsantalchum is presented on the theme of cultural heritage and music depending on instructional stages. This paper provides a teaching-learning method for Indian music and one of ways to understand Korean music and culture. It is expected that a great deal of research is consistently carried out to generalize this and further provides diverse musical experiences of Asian music at elementary and middle schools.

저 출산 가정의 증가로 외동 세상에서 살아가는 현대 아이들의 정서적․심리적 안정감을 되찾고 사랑과 공감, 생명존중, 인성 함양에도 영향을 미치는 동물 소재는 교육적 가치와 의미가 높다. 그런 측면에서 우리나라의 여러 가지 동물 모방춤 가운데 학무는 학 의상과 가면을 쓰고 추는 향악정재로서 교육적 가치가 매우 높다. 그러나 이를 교육함에 있어서 분절적 단편 지식중심의 학습 방법에서 탈피하고 2015 개정 교육과정의 중점인 창의 융합형 인재 양성 교육에 발맞추어 교과 내․교과 간 학습 내용이 연계되는 교과 통합형 교수․학습 방법의 연구가 무엇보다 요구된다. 이에 본 연구는 학무를 제재로 단순한 감상교육에서 벗어나 학무와 연계 가능한 타 교과와의 교수․학습 활동으로 재구성하여 통합적이고 총체적인 감상 지도 방안을 모색․적용하는 데에 그 목적을 두었다. 향악정재 학무에는 춤과 음악만이 존재하는 것이 아니라 그 이면에 내재된 학의 상징성, 학무의 역사, 반주음악과 복식의 변천, 연희 양상 등 총체적인 문화적 관점에서 바라볼 때 진정한 학무의 의미와 가치를 이해하게 된다. 이러한 맥락에서 먼저 교과별 학무 관련 지도 내용을 과학, 미술, 체육, 음악 교과에서 추출하고 각 교과별 교과서 분석을 통해 교과 통합형 수업을 계획․실행하였다. 과학 교과에서는 천연기념물인 학의 생김새와 생태를 알아보고 학의 긴 부리 모양과 먹이와의 관계성을 조사․탐구하면서 동물의 환경적응과 생김새와의 관계를 이해하도록 하였고 미술 교과에서는 학의 특징을 살릴 수 있는 재료와 만드는 방법을 토의하고 모둠별로 협력해서 청학과 백학의 의상과 가면을 직접 제작해보도록 하였다. 체육 교과에서는 학의 움직임을 동영상 자료로 관찰하고 짝 또는 모둠별로 학의 다양한 움직임을 몸으로 표현하도록 하였으며 음악교과에서는 학무를 감상하고 기본적인 춤사위를 간단히 익힌 후 스토리텔링을 활용하여 새로운 가족 학무를 창작․발표하도록 하였다. 총 8차시에 걸쳐 교과 통합을 활용한 학무 감상수업은 학생들로 하여금 춤과 음악과의 관계 이해를 넘어서 우리 문화 속에 내재된 춤, 음악, 미술, 사상 등 총체적이고 포괄적인 이해를 가능하게 할 뿐만 아니라 창의․융합적인 사고역량을 함양하는 데에도 효과적으로 작용하였다. 또한, 한 쌍의 학무를 가족학무로 새롭게 재창조하는 에너지와 학무를 통해 국악과 문화에 대한 이해의 폭을 넓히는 데에 적합한 교수․학습 방법임을 재확인하였다.

Animals are great material that has high educational values and implications in regaining affective and psychological stability and cultivating love and empathy, respect for life, and personality for modern children who are living in the world of an only child due to the increase in low birthrates. In this respect, among many different animal imitation dances of Korea, hakmu (鶴舞: a dance imitating the movements of a crane), among many different animal imitation dances of Korea, possesses high educational values as one of the hyangakjeongjae(court dances originated in Korea), in which people dance wearing costumes and masks. In order to teach this dance, it is necessary to break from a fragmentary knowledge-oriented learning method and do research on instructional methods for curricular integration which places a focus on the linkage of the intra-disciplinary and inter-disciplinary content, in accordance with the 2015 revised curriculum, which centers on fostering talents with creativity and convergence. This study aims to depart from simple appreciation education and examine and attempt an integrated and comprehensive teaching method for appreciation lessons by recreating interdisciplinary learning activities linkable to hakmu. One will truly understand the meanings and values of the hakmu of hyangakjeongjae when viewing it from a holistic cultural perspective such as the symbolism of a crane embedded in the dance, history of hakmu, changes of accompaniment music and costumes, theatrical aspects, and the like, not simply identifying the presence of dance movements and music. In this context, the current study first extracts instructional content related to hakmu from science, art, physical education, and music and plan and implement lessons designed for integrated curricula through analyzing the textbook of each subject. In science, students are instructed to study the appearance and ecology of a crane as a natural monument and understand a relationship between animals’ environmental adaptation and their appearance by investigating a relationship between a crane’s long beak and its food. In art, students are guided to discuss materials that can highlight a crane’s characteristics and how to make a crane and later create the costumes and masks of a blue crane and a white crane by themselves in small groups. In physical education, students are instructed to observe a crane’s movements through audio-visual materials and express its various movements using their body working either in pairs or in small groups. In music, students are guided to present their own family hakmu using a storytelling technique after they appreciate hakmu and learn basic dance movements. The appreciation lessons of hakmu, using the integrated curricula completed by 8 times revision, enables students to move beyond simply understanding the relationship between music and dance, have a complete and comprehensive understanding of it including dance, music, arts, and philosophies embedded in Korean culture, and foster the creative, convergent thinking competency. It is also reaffirmed to be an appropriate teaching method for expanding the understanding of Korean music and culture by the energy that newly recreates a dance for a pair of cranes into a dance for a family of cranes.

이 논문에서는 20세기 초 민요에 대한 인식을 살펴보고 당대의 인식이 초기 민요 가창 교육에 어떠한 영향을 미쳤으며 초기에 정립된 민요 교육의 방향에 대한 교육적 쟁점은 무엇인지를 살펴보았다. 이를 위해 20세기 초 조선의 지식인들이 잡지에 기고한 글을 통해 당대 조선 사람들이 민요에 대해 갖고 있던 인식을 살펴보았으며, 1920년대 이후 본격적으로 향토예술로서 민요의 가치를 식민정책과 민족문화의 양 측면에서 모두 중요하게 여겼던 현상과 그 배경에 주목하였다. 일제 강점기에 학교의 음악교육이 창가 중심으로 행해지고 민요에 대해서는 노랫말에 대한 문학적인 연구가 주로 이루어지고 있던 상황에서 이화전문학교에서 처음으로 조선 민요의 가치에 주목하여 학생들에게 민요 가창 교육을 시작하였다. 그러나 당시의 민요 교육은 서양식 화성에 기반하여 선율 악기로 반주를 하고 합창곡으로 편곡한 제재곡을 통해 이루어졌다는 점에서 당시 음악인들 사이에 쟁점이 되었다. 또한 20세기 초 식민지 시기의 조선에서는 지식인들 사이에서 민요의 가치에 대한 논의가 있었고, 식민 정책의 일환으로 민요가 수집되고 문학 전공자들에 의해 민요가 연구되기도 하였으나 조선에서 ‘노래’인 민요의 본질을 접어두고 ‘노랫말’에 수집과 연구의 초점을 두었다는 것은 이미 민요가 살아있는 문화로 존재하지 못했다는 사실을 반증한다. 본고의 고찰 결과 20세기 초 조선에서는 일상의 삶 속에서 희로애락의 감정을 담아 불리는 살아 있는 가창문화로서 민요의 가치가 논의되고 연구되거나 교육되지 못하였으며 민요의 문학적 가치만이 강조되었다. 또한 민요 가창 교육의 경우에도 시김새와 장단 등 민요의 본질적 특징을 반영하지 못하고 서양음악화(Westernized Music)된 민요를 가르쳤으며 이에 대해 상반된 의견이 있었음에도 이와 같은 가창 교육의 방향은 한동안 유지되었다. 이와 같은 민요 가창 교육에 대한 인식 차이는 전통문화와 서구문화의 충돌의 결과이며, 일제 강점의 영향으로 사회문화적 맥락에서 고유의 언어와 음악어법, 그리고 전통문화의 원천인 민요의 중요성이 제대로 논의되지 못한 채 ‘민요’의 개념과 함께 조선으로 수입된 ‘민요의 가치’가 피상적으로 추구되고 논의된 결과라고 할 수 있다.

Since the beginning of the 20th century, “Folk Songs” have been commonly recognized as “songs that naturally include the emotions that we feel in our daily lives.” In this paper, I have sought to examine how the perception of folk songs in Korea has influenced early folk singing education and educational issues with regard to the aims of folk song education in the early 1920s and 1930s. In this thesis, I examined the perceptions of people living in the Joseon era to folk songs through examining the writings of intellectuals in the early 20th century. Also, I focused on the background and context that influenced colonial policies and national culture and the values that associated with folk songs that were considered as a form of provincial arts in the 1920s. In addition, I undertook a study focusing on the collection of folk songs and lyrics, revolving around the literature specialists of the Keijo Imperial University. During the Japanese colonial period, when musical education in schools centered around Changga, Ewha College was the first to pay attention to the values of folk songs and started educating students about folk singing. However, the type of folk song edcation at this time caused controversy among the musicians of those days, in that it was sang in chorus and was accompanied by musical instruments, such as the piano, with a western style harmony. The controversy that took place at this time, regarding folk singing education can be viewed as a result of the clash between traditional culture and western culture. Also, westernized folk songs became the source of controversy and confusion with respect to educational values and goals because these types of folk songs were taught until the second half of the 20th century. In the colonial period of the early 20th century, there was a debate about the values of folk songs among intellectuals. Folk songs were collected as a part of colonial policy and were studied by literature majors. However, ever since NHK started collecting and broadcasting popular folk songs of Japan in the 1930s, the perceptions that held way in Joseon became very different from perceptions in Japan – in Japan the values of folk songs were recognized as “music”. In other words, Joseon focused on collecting and studying the “lyrics” of folk songs rather than the “music” itself, and this proves that there was no genuine folk song culture. As a result of the investigation carried out in this paper, it is suggested that the values of folk songs, a form of song culture that captures the feelings of joy, anger, sorrow and pleasure in the daily lives of people were neither discussed nor studied in this manner by the people who lived in Joseon in the early 20th century, only the literary values of folk songs were emphasized. This study can be seen as the result of the concept and value of “folksongs”, which focused on the sociopolitical background in which folk song arose, and this study was carried in a brief and cursory manner without discussing the characteristics of folk songs or related musical expressions, due to the influence of Japanese colonial rule.

이 논문의 목적은 2015 개정 음악과 교육과정과 그에 따른 시ㆍ도 교육과정 편성ㆍ운영 지침의 지역화 현황을 분석하여 개선 방향을 모색하는 것이다. 분석 결과 다음과 같은 개선 방향을 제시하였다. 첫째, 모든 교육청에서 학교급별로 시ㆍ도 교육과정 편성․운영 지침을 개발하며, 교과별 지침을 반드시 개발하도록 강제할 필요가 있다. 둘째, 시ㆍ도 교육과정 편성․운영 지침이 음악과 교육과정 내용을 제대로 반영하고, 시ㆍ도 교육과정 편성․운영 지침에 반드시 담겨야 되는 지역화 내용을 제시할 수 있도록 국가 차원에서의 가이드라인을 제시하여야 한다. 셋째, 음악과 교육과정에 제시된 ‘생활 속에서 음악의 활용’, ‘지역의 음악 문화유산의 탐색’, ‘지역에 대한 애호심과 국악에 대한 올바른 가치관 형성’ 등의 지역화 내용이 음악과 교육과정에서 지속적이고 좀 더 구체적으로 제시될 수 있도록 실행 연구가 뒷받침되어야 한다.

The purpose of this study is to analyze the localization status of curriculum organization and management guidelines at the municipal and provincial level, according to the 2015 Revised Music Curriculum and to seek directions for improvement. Based on the analysis results, the study presents the following directions for improvement. Firstly, there is a need for every office of education to compulsorily develop a set of the municipal and provincial curriculum organization and management guidelines by school levels and to develop guidelines for each subject. Secondly, guidelines should be presented at the national level to ensure that the curriculum organization and management guidelines at the municipal and provincial level properly reflect the content of the music curriculum and propose the content of localization without fail. Finally, action research should be conducted to present that the content of localization including ‘utilization of music in life,’ ‘inquiry into local music cultural heritage,’ and ‘formation of local spirit and the right value of Korean music’ in a more sustainable and specific manner in the music curriculum.

본고는 음악도상자료를 활용하여 융합적 사고 함양을 위한 국악교육 방안을 모색하고자 하였다. 융합적 사고 함양을 위한 국악교육에는 다양한 방법과 자료들이 활용될 수 있으나 하나의 방안으로 음악도상자료를 사용하였다. 이를 위해 초등학교 5~6학년을 대상으로 하였으며 음악도상자료 중 무용총, 평양감사환영도, 신라 범종을 집중적으로 다루었다. 우선 융합교육과 융합적 사고의 의미를 알아보고 융합적 사고 함양을 위한 수업 단계를 설정 하였다. 수업 설계에 있어서는 교육부와 한국과학창의재단에서 융합인재교육 학습준거로 제시한 ‘상황제시’ ‘창의적 설계’ ‘감성적 체험’을 수업단계로 활용하였다. 각 단계에서는 다양한 교수기법을 활용하여 교수학습 전략을 제시하였다. 상황제시 단계에서는 브레인라이팅 교수기법을 주로 활용하였고, 창의적 설계 단계에서는 알고리즘 활동, 비주얼씽킹, 육색사고모자 등 한국교육과정평가원에서 제시한 창의성 신장을 위한 사고 촉진기법을 적극 활용하였다. 감성적 체험 단계에서는 국악과 더불어 새로운 도전을 하고 학습자가 성공을 경험할 수 있도록 다양한 체험 활동을 제시하였다. 이러한 수업 단계 및 교육 기법의 적용이 기존에 단순 교과통합에서 벗어나 국악을 이해하고, 그것을 창의적으로 활용하는 미래 지향적인 창의융합형 인재를 양성하는 데 활용될 수 있도록 지속적으로 연구되어야 할 것이다. 이 논문에서 다루지 못한 많은 음악도상자료 뿐 아니라 융합적 사고 함양을 위한 국악교육 연구에 필요한 다양한 활동은 후일의 연구 과제로 남겨 두고자 한다.

This paper aims to examine a method of Korean music education to nurture convergent thinking by using music related-iconographic materials. While many methods and materials can be used for fostering convergent thinking in teaching Korean music, music iconographic materials were chosen as an example in this study. The target subject is fifth and sixth graders in elementary schools. Among many other iconographic materials, the current study focuses on Muyongchong, Welcoming Ceremonies for the Governors of Pyeongyang, and Buddhist Temple Bell of Silla. First of all, the meanings of convergence education and convergent thinking were explored and instructional stages for fostering convergent thinking were set. As for class design, ‘presentation of situations’, ‘creative design’ and ‘emotional experience,’ proposed as criteria for convergence education by the Ministry of Education and KOFAC were utilized for creating instructional stages. At each stage, teaching and learning strategies were suggested by using various teaching techniques. In the stage of presentation of situations, brainwriting technique was mainly used. In the stage of creative design, thinking-promoting techniques for fostering creativity proposed by KICE, such as algorithm activities, visual thinking, and the six colors thinking hats method, were actively utilized. In the stage of emotional experience, various hands-on activities were proposed so that learners can make new challenges with Korean music and experience a sense of success. Such application of the instructional stages and teaching techniques should be continuously studied so that they can be used to raise future-oriented creative and convergent talents who understand Korean music and utilize it creatively, breaking from the conventional simple curriculum integration. What is not covered in this paper, namely various activities of Korean music education for fostering convergent thinking and other music iconographic materials, is to be studied further in the future.

이 글에서는 일본 관동지방에 거주하고 있는 재일코리안 예술인 13명을 대담 조사하여 그들이 행하고 있는 교육 활동의 면면에 대해서 살펴보았다. 주일한국대사관 한국문화원의 한국전통문화 강좌는 2004년 국립국악원의 협력을 받아 단기과정으로 시작했고, 2012년부터 세종학당 주최로 재일코리안 강사들이 장기과정을 담당하는 형태로 변했다. 수강생은 전체 80여명이며, 일본인이 75% 이상이다. 재일본한국YMCA의 한국전통악기․무용교실은 1980년 초부터 현재까지 재일코리안 강사들이 담당하고 있다. 초기에는 수강생이 교포 중심이었다면 현재는 약 70%가 일본인이고, 10-15년 이상 학습하여 전문가 수준에 도달한 이들도 있다. 도쿄한국학교 초등부는 특기․적성교육으로 한국전통예술부를 운영하고 있다. 현재 한국무용부는 45명, 가야금부는 12명으로 구성되는데, 교포보다는 일시적으로 체류하고 있는 주재원 자녀들이 많다. 담당교사는 모두 재일코리안이다. 주일한국문화원 한국문화 강좌와 한국YMCA의 한국악기․무용교실이 지속적으로 진행되어 오고 있는 데에는 뛰어난 실력과 오랜 경력, 능숙한 일본어로 수강생을 지도하고 있는 재일코리안 강사들의 역할이 크게 작용한 것으로 평가된다. 또한 도쿄 유일의 한국학교에서 학생들이 모국의 전통예술을 바르게 배울 수 있는 것은 학생들과 적극적으로 소통하는 재일코리안 교사의 노력이 바탕이 된 것으로 이해된다. 재일코리안 예술인들은 교육 시 중시하는 점으로 대부분 ‘기본’을 꼽고 있다. 고충 사항으로는 경제적인 문제, 일본 내 한국문화의 관심 저하, 이에 따른 공연과 교습 기회 감소가 지적되었고, 희망 사항은 재일코리안 예술인 지원 확대, 한일관계 개선과 한일교류 확대, 한국․조선무용의 합동공연 활성화 등으로 나타났다. 일본에서 한국전통예술을 배우는 일본인이 증가한 요인에는 한류의 영향도 있지만 이러한 수요에 충분히 대응할 수 있는 재일코리안 예술인들의 존재도 간과할 수 없다. 앞으로 재일코리안 예술인에게 많은 관심과 지원이 이루어진다면 이들이 한국과 일본을 잇는 가교로서 또 한국전통예술의 전파자로서 자부심을 갖고 일본 내 한국전통예술 확산에 더욱 기여할 수 있을 것이라 확신한다.

This paper examines the aspects of educational activities of 13 Korean artists residing in the Kanto region of Japan through interviewing with them. In 2004, the Korean Cultural Center of the Embassy of the Republic of Korea in Japan offered a Korean traditional culture course as a short program in cooperation with the National Gugak Center. Since 2012, it changed into an extended course led by Korean resident in Japan instructors under the auspices of the King Sejong Institute. There are about 80 students in total and more than 75% of Japanese. The Korean traditional instruments and dance classes by the Korean YMCA in Japan have been run by Korean instructors residing in Japan from early 1980 to present. In the beginning, students were mainly Korean residents, but about 70% of students are now Japanese. Some have reached the professional level by studying for 10-15 years. The elementary school division of Tokyo Korean school is running a department of Korean traditional arts as an extracurricular activity. Currently, with 20 students for Korean dance group and 12 students for Gayageum group, the students are mostly the sons and daughters of Korean expatriates temporarily residing in Japan rather than Korean residents in Japan. The teachers are all Korean residents in Japan. The fact that the Korean Culture Center’s course and YMCA’s classes have been continuing has been largely attributed to the role of Korean resident teachers in Japan, who have excellent talents, a long career, and proficient Japanese skills. In addition, it is understood that the fact that Korean heritage students can learn their traditional arts in the only Korean school in Tokyo is based on the efforts of Korean resident teachers in Japan who actively communicate with the students. Most of the Korean resident artists in Japan put emphasis on ‘basics’ when teaching. They point out difficulties such as financial predicament, low interest in Korean culture within Japan, and a decrease of the performance and training opportunities, while expecting for support escalation for the Korean resident artists, improvement of diplomatic relations and expansion of Korea-Japan exchange, and invigoration of joint performances of Korean dance and Joseon Dance. Although Hallyu is one of the increase factors of the Japanese students learning the traditional Korean arts in Japan, the importance of the Korean resident artists in Japan who can promptly meet the needs of times cannot be understated. They will definitely contribute to the diffusion of the Korean culture in Japan as the spreaders of the traditional Korean art as well as the mediators between Korea and Japan if the Korean resident artists in Japan are paid of more attention and support in the future.

메이지유신 이후 일본에서는 근대식 교육제도가 확립되어 나갔지만, 이 과정에서 여성을 대상으로 한 음악 교육은 남성을 대상으로 한 것과는 여러 면에서 다르게 진행되었다. 특히, 오늘날의 중･고등학교 과정이라 볼 수 있는 중등교육 과정에 있어서는 여성에 대한 음악 교육은 남성과는 다르게 창가 외에도 일본의 전통 악기 연주를 포함하는 경향 역시 찾아볼 수 있었다. 이는 메이지기 이상적인 여성이 갖추어야 할 덕목으로 일본의 고토나 샤미센 등의 연주를 꼽았던 전통이 이어졌기 때문이라고 볼 수 있다. 그리고 서양으로부터 들어와서 일본에서 자리 잡게 된 “가정음악”이라는 개념 역시 메이지기에 여성이 갖추어야 할 교양 중 하나로서 “음악”을 강조하는 데에 영향을 주었다. 메이지기 이후 서양에서 유입된 이상적인 가정의 형태에서 여성이 음악을 연주하고 있는 모습을 묘사하는 경우가 많았다. 이 때 연주하는 음악을 당시 일본에서 현실적으로 서양의 피아노나 바이올린 등이 어려운 경우 전통악기인 고토(箏) 등으로 대체했던 것으로 보인다. 이렇게 전통적으로 내려온 이상적인 여성상과 서구에서 도입한 이상적인 여성상에 “음악”을 교양으로서 갖추어야 한다는 개념이 당시 일치했던 것이다. 이와 같은 메이지기 이후의 사회적 관념은 당시 교육제도에서는 물론이고 일반 가정에서도 여성의 음악 교육에 적극성을 띠게 해 준 것으로 보인다. 그리고 이는 메이지기 이후 여성들에 대한 전통음악 교육으로 이어지고, 이후 여성들이 절대적인 지지층으로서 일본 전통음악의 전승과 보존에 긍정적인 영향을 미치게 되었다.

Since the Meiji Restoration, a modern education system has been established in Japan. However, in this process, the music education for women has been different in many ways from that for men. Especially, in the secondary curriculum, which is considered as middle and high school curriculum of today, it is found that there was a tendency to include traditional Japanese musical instruments in the music education for women besides the Changga(唱歌) education, unlike the music education for men. This can be attributed to the tradition of playing koto(箏) and shamisen(三味線) as a virtue to be an ideal woman during the Meiji era. The concept of “home music”, which came from the West and settled in Japan, also influenced the emphasis on "music" as one of the cultures that women should possess in the Meiji era. After the Meiji period, the images of ideal families from the West often depicted that women were performing music. It appears that the instruments played at that time were replaced with a traditional instrument, such as the Koto or shamisen, when realistic problems with the Western piano or the violin were experienced. The notion that “music” had to be possessed as a virtue for both the traditional ideal female image and the Western ideal female image coincided at that time. Such social ideas after the Meiji era seemed to make women's music education more active not only in the education system but also in the ordinary households. It is believed that this led to active traditional music education for the women after the Meiji period, and women, as an absolute support group, later had a positive influence on the transmission and conservation of Japanese traditional music.

음악은 인류 문화의 중요한 산물로서 다양한 시대와 역사 속에서 전개, 발전하여 온 인문학의 중요한 부분이다. 이러한 맥락에서 음악 교과는 역사․문화적 배경 속에서의 학습을 강조하고 있는데, 구체적인 학습 방법으로 인물학습을 적용해 볼 수 있다. 인물학습은 인물의 생애나 가치관 등을 학습하고, 나아가 인물이 살던 역사․사회적 배경과 관련하여 인물을 고찰할 수 있기 때문이다. 음악 교과에서의 인물학습은 제재곡과 관계된 인물의 삶을 통하여 그가 제재곡을 통해 말하고자 했던 정신적 가치를 발견하고 내면화하는 활동으로 구체화되어야 한다. 이에 본 연구에서는 중학교 학생을 대상으로 국악에서 역사․문화적 가치 이해를 위해 인물학습을 구현하는 방안을 모색해 보았다. 먼저, 음악 교과에서 강조하고 있는 인물학습의 내용 및 방법을 밝히고자 2015 개정 음악과 교육과정을 고찰하였다. 음악과에서 인물학습은 악곡을 중심으로 음악의 역할과 가치에 대한 안목을 키우도록 강조하고 있으며, 악곡의 배경을 파악하여 이해하고 비평하는 활동이 필요함을 알 수 있었다. 이에 음악과의 각 영역에서 인물을 중심으로 음악적 지식을 심화시켜, 악곡에 대한 흥미를 불러일으킬 수 있는 학습경험이 중심이 되는 학습모형을 조직하였다. 이러한 모형에 따라 문묘제례악으로 대표되는 아악의 정비가 우리나라 음악의 형성에 미친 영향과 관련하여 조선 전기 박연의 음악 업적을 학습하도록 적용하였다. 이를 바탕으로 박연이 우리나라의 음악 형성에 미친 영향과 가치를 내면화할 수 있도록 학습 내용을 선정하고 학습 방법을 제시하였다. 본 연구는 음악에 담긴 가치를 내면화하기 위한 방법으로 인물학습을 활용해보고자 하는 고민의 시작이다. 본질적인 음악과의 인물학습 방법에 관한 구체적인 논의는 이후 계속되어야 할 것이다.

Music is an important product of human culture and it is an important part of the humanities that have evolved and developed in various periods and histories. In this context, the music subject emphasizes learning in a historical and cultural context. Figure learning can be applied as a concrete learning method. Because Figure learning can learn the life and the value of the character, and can be considered in relation to the history and social background of the character. In the music subject, Figure learning should be embodied in the activity of discovering and internalizing the spiritual value that he wanted to say through the life of the character related to the music. In this study, I tried to find out how to implement the Figure learning for understanding the historical and cultural values in Korean music for middle school students. First, I tried to clarify the content and method of Figure learning which is emphasized in music subjects, I reviewed the Revised Curriculum of 2015. In the music subjects, Figure learning emphasizes raising to discernment of the role and value of the music, I understood that need to understand and criticize the background of music. Therefore, I made a learning model, that focuses on the learning experience that can intensify the musical knowledge centered on the character and bring about interest in the music. From this model, I applied to learn that encouraged to study the musical achievements of Park-Yeon of the early Chosun Dynasty in relation to the refinement of the Aak represented by Munmyo Jereak on the formation of Korean music. Based on this, I selected learning contents and organized learning method to internalization the influence and value of Korean music formation of Park-Yeon. This study is the beginning of a series of studies aimed at using Figure learning as a way to interiorize the value of music. The specific discussion on how to Figure learning of the music subject should continue to follow.

20세기 초 이후 한국에서 시작된 오선보 표기를 쓰게 되면서 국악 연주자들이 음악을 가르치고 작곡하고 연주하는 방식에 많은 영향이 있었다. 기보법에 대한 음악교육은 악보가 기록되는 방식뿐 아니라 작곡가와 연주자의 음악 인지 방식에도 영향을 주게 된다. 현대 거의 모든 작곡에는 오선보가 사용되고 있다. 때로는 한국음악에 맞게 변형된 방식으로 쓰이거나 혹은 서양의 예술음악 표기에 통용되는 방식으로 쓰이기도 해서 그 세부적인 방식은 다양하다. 오선보에 기반한 작품이 점차 많아지고 제도적으로 오선보에 기반한 훈련을 받은 국악 연주자들이 많아지면서 오선보를 사용한 작품과 연주를 통한 음악문화가 만들어져 왔다. 그러나 오선보를 일반적으로 사용해 온 것은 오선보를 대체할 수 없는 새로운 기보법이 고안되지 않았기 때문이라고 볼 수 있으며, 한국음악의 역사적인 기보법을 토대로 한 표기로 대체해야 할 필요성에 대한 논의가 있기도 하다. 이 논문에서는 국악 연주자들을 위해 현대에 작곡된 예술 음악에서 사용하고 있는 기보법을 고찰하였으며, 오선보에 기반하여 작곡된 작품, 그리고 오선보 기보를 대신해서 다른 방식으로 기보하려는 시도를 한 작품 등을 분석하였다. 작곡가의 작품과 작곡가가 선택한 기보법은 그 작곡가가 어떤 교육을 받았는지를 보여준다고 할 수 있으며, 또한 기보법은 연주자가 공연을 할 때 음악을 어떻게 해석하는지에 영향을 미친다. 여러 세대의 동서양 작곡가의 작품에 쓰인 기보법 분석을 통해 이 논문에서는 전통적인 국악 기보법 체계가 현대음악 작곡 기보에 반영된 다양한 예를 비교하고 분석하고자 하였다. 본고의 분석을 통해 역사적인 국악 기보법의 요소를 현대에 창작되는 작품에 적용할 때 오선보의 제한점을 극복할 수 있는 대안이 무엇일지 적극적으로 모색되어야 할 것이며, 그렇게 될 때 음악적으로도 보다 표현이 풍부히 이루어지는 경지에 이를 수 있으리라고 주장하고자 한다. 이를 위해서는 국내외 작곡가, 그리고 국악 연주자들 모두에게 전통적인 국악기보법에 대한 교육이 이루어져야 할 것이며, 이러한 교육 환경의 변화가 이루어질 때 국악 연주자들과 작곡가, 그리고 국악에 관심이 있는 외국 작곡가들 모두에게 궁극적인 영향을 미칠 수 있으리라고 생각한다.

The 20th century shift to Western five-line staff (oseonbo) notation enormously impacted the way music for gugak players is taught, composed, disseminated, and performed. The education of music notation affects not only the way a score is written, or whether a score is written, but the very mode of musical cognition for composers and performers alike. Virtually all contemporary compositions make use of the Western 5-line staff, whether relatively unmodified, or varied according to conventions of cosmopolitan art music or gugak transcription methods. The shift to oseonbo-based archives and institutionally-based training created a musical culture in which most gugak musicians began to function with oseonbo as their musical mother tongue. The near absence of contemporary art music scores which either develop new notational methods or base their innovations on historical Korean practices is symptomatic of a general preference toward oseonbo notation that has increasingly replaced the need for familiarity with historical notation techniques. This study explores notational strategies currently employed in modern art music for gugak musicians. It focuses first on oseonbo-based music, and finally on music which attempts to avoid or otherwise mitigate oseonbo notation. I begin my discussion is with a piece by Hwang Byung-ki which reveals a radical disconnect in the notational education of 20th century gugak musicians. After this, I explore daegum works by several composers, and point out ways in which education affects composition, and notation affects performance psychology. The touchstone in this section is the daegum sanjo composed by Seo Yong-seok, and differences in musical training and notational specificity are analyzed closely. By way of several types of Korean “melodic line score” (garakseon akbo) and an obscure late-19th century gagok notation (supahyeong akbo), I finally discuss two theatrical experimental compositions: one by Kang Sukhi and a recent work of my own. These pieces aim at a greater degree of performer freedom than usually allowed in oseonbo, and exist at the intersection of oral and literate transmission methods. Throughout the whole, I touch on traditional Korean music notation systems as a point of comparison and an explanation for certain creative phenomena. With these examples I hope to suggest that a rich and virtually unexplored territory can be reached through adapting elements of historical Korean notation to contemporary creative works, and actively seeking alternatives to various restrictions of the oseonbo staff. But neither composers nor performers can adequately explore what they are ignorant of, and so music education must be adapted if more widespread awareness and interest in historical Korean notation is desired. Steps may be most convincingly taken by a change in the educational environment of both gugak musicians, and Korean or foreign composers interested in gugak music.