Earticle

본고에서는 2009 개정 음악 교육과정에 따른 중학교 음악교과서를 대상으로 그 내용을 검토하고 수정·보완할 부분에 대한 향후의 수정 방향을 제시하여 교과서 구현에 도움이 되고자 하였다. 분석대상은 2009 개정 음악 교육과정에 따른 중학교 음악교과서 17종을 대상으로 하였으며, 특히 민속기악곡을 중심으로 하여 살펴보았다. 그 결과 시나위 및 산조, 그리고 춤과 음악의 관계에서 나타난 음악에 대한 내용에서 미흡한 점을 발견할 수 있었다. 시나위에 대해서는 대부분의 교과서에서 시나위가 남도무속에서 유래되었고, 악기의 기본 편성이 삼현육각이라고 설명되어 있다. 그러나 시나위는 남도시나위와 경기시나위의 양 갈래로 나누어져 있으므로 남도 무속만을 언급하는 것은 부정확한 설명이며, 악기의 기본편성 또한 현재의 무대음악으로 발전하면서 기악합주 형태로 변화하였다는 부가설명이 있어야 할 것이다. 한편 중모리, 중중모리, 굿거리 등의 장단표기가 설명 부분과 다르게 수록된 경우가 있는데 중모리는 시나위에서 사용되는 장단이 아니므로 수정이 필요한 것으로 보인다. 산조 부분에서는 서양식 박자표기를 따름으로 인한 혼돈이 다수 나타나고 있으며, 장단과 박자가 서로 통일되지 않게 표기되거나, 산조를 한배에 따른 악곡으로 설명하는 부분의 예시가 정확하지 않은 경우가 있었다. 또한 산조가 모든 악기에서 나타나는 독주곡 형태임에도, 분석대상 교과서 17개 출판사 중 12개 출판사에서 가야금산조가 수록되어 있는데 너무 한 가지 악기로 편중된 점에서 국악의 다양성이 표현되지 못하였다. 한편 춤과 음악의 관계를 파악하며 감상하는 단원에서는, 춤에 대한 설명에서 반주음악에 대한 설명이 너무 간략하게 기재되거나, 혹은 전혀 수록되어 있지 않은 점이 보인다. 춤은 반주 없이 단독으로 연행되는 것이 아니라 반주를 필수적으로 동반하므로 음악에 대한 설명이 부가되어야 그 춤을 온전히 이해하고 감상효과를 높일 수 있을 것이다. 또한 승무와 봉산탈춤 반주 음악이 삼현육각 편성으로 표기된 부분이 보이는데 대풍류 음악의 일부인 염불, 타령, 굿거리가 반주 음악으로 사용된다는 보충설명이 더해진다면 반주음악의 이해도를 높이는 데 도움이 될 것이다.

This study was conducted with an aim to make contribution to the composition of textbook by suggesting the way of revision in the course of surveying the contents of 2009 revised music textbook of middle school. 17 music textbooks for middle school students, in accordance with the 2009 revised curriculum, were selected. In particular, their instrumental folk music was analyzed. The findings suggest that deficiencies exist in 3 areas-Sinawi, Sanjo and the music born between dance and music. As for Sinawi, most textbooks explain that Sinawi originates from Namdo shamanism and that the basic organization for the musical instrument is Samyeongyukgak. However, it is an incorrect explanation if only Namdo shamanism is mentioned since Sinawi is divided into Namdo Sinawi and Gyeongdi Sinawi. The basic instrumental organization requires an additional explanation in the form of the instrumental ensemble since it evolves into stage music. As for rhythm, Jungmori, Jungjungmori and Gutgeori are included but with different explanations needed. However, Jungmori is not used in Sinawi, which thus requires modification. As for Sanjo, confusion occurs due to its signature western style beat; the rhythm and beats are not unified and are expressed differently. In addition, the example used to explain Sanjo which is subject to Hanbae is unclear. Even though Sanjo is portrayed as a solo in all instruments, 11 of 17 textbooks include GayageumSanjo but do not include Ajengsanjo. Thus, more importance is given to one instrument, and thus the diversity of Korean traditional music is not expressed properly. As for the music appreciation section, which is examined through an analysis of the relationship between dance and music, the explanation of accompanying music is too brief in the explanation of dance or is not existent at all. Since dance requires the accompaniment of music, the explanation of this type of music is required in order to enable dance to be understood and to increase the effectiveness of music appreciation. Furthermore, the accompanying music of Seungmu and Bongsantalchum is expressed through the organization of Samhyeongyukgak. If an explanation that a part of Daepungryu music such as Yeombul, Taryeong and Gutgeori, is used to represent accompanying music, this will help increase its understanding.

본 연구는 2007 개정 교육과정과 2009 개정 교육과정에 따른 중학교 음악교과서를 일본 악기의 측면에서 비교하여, 양자의 차이점을 알아보고, 문제점을 파악하여 수정·보완되어야 할 점을 제시하였다. 2009 개정 교과서는 2007 개정 교과서보다 1종 많아졌지만 이와는 반대로 일본 악기를 수록한 교과서는 2종 감소했다. 또한 2009 개정 교과서는 2007 개정 교과서보다 일본 악기의 수, 악기의 종류, 악기 설명의 측면에서 모두 감소했고, 동일 출판사 교과서의 경우, 반 이상이 일본 악기의 비중을 축소시킨 것으로 나타났다. 다양한 문화의 가치를 인식하기 위해서는 다른 나라의 음악, 특히 이웃 나라 음악부터 친근감을 가질 수 있도록 교과서에서는 아시아 음악에 대한 비중을 늘릴 필요가 있다. 2007 개정 교과서에서는 악기의 명칭과 사진이 서로 맞지 않는 것을 수록하거나 악기의 설명에 오류가 있는 경우가 있다. 학생들이 처음 접하는 외국 악기에 대해서 잘못 인식하지 않도록 올바른 내용을 수록해야 할 것이다. 또한 2007 개정 교과서는 1/3 정도가, 2009 개정 교과서는 2/3 정도가 설명 없이 악기 사진만 싣고 있는데 이 경우 설명이 없더라도 시각적으로 악기의 특징을 알 수 있도록 활이나 채 등도 사진에 함께 정확히 나타내야 할 것이다. 유사한 악기를 비교할 경우는 악기의 겉모습뿐 아니라 연주 방법까지 고려하여 비교 대상을 선택하는 것이 좋다. 2007 개정 교과서에서도, 2009 개정 교과서에서도 한국의 해금, 중국의 얼후, 일본의 샤미센을 비교하고 있는데, 세 악기는 모두 목이 긴 류트계 악기라는 점에서는 유사하지만 해금과 얼후는 찰현악기이고 샤미센은 발현악기이므로 연주 방법에서는 차이가 난다. 일본에는 샤미센과 비슷하게 생긴 고큐라는 찰현악기가 있으므로 이를 비교 대상으로 선택하는 것이 적절하다. 일본의 군국주의를 미화하는 인상을 주는 사진을 교과서에 수록하는 것은 바람직하지 않다. 일반 서적도 아닌 교과서라는 점을 염두에 두고, 사진 한 장이라도 서로의 역사와 사회를 이해하면서 신중하게 채택해야 할 것이다.

In this paper, I have made a comparative analysis of the middle school music textbooks developed under the revised national curriculums of 2007 and 2009 regarding the aspects of Japanese composition and musical instruments. In this analysis, I have made suggestions according to what steps need to be considered and undertaken in order to modify and compensate for the defects found while undertaking the study. While the number of the textbooks developed under the revised national curriculum of 2009, is found to have increased in comparison to the number of those of 2007, the number of textbooks, which incorporate Japanese instruments has decreased. In addition, the textbooks under the revised national curriculum of 2009 contain fewer examples of and types of musical instruments along with fewer commentaries and explanations. Therefore, in order to recognize and understand the value of cultural diversity, it is necessary to raise the importance of Asian music so that students can become familiar with the music of their neighboring countries. Also, as a result of this study, it has been found that some musical instruments in the textbooks do not correspond to their photos, while some explanations of the instruments themselves are erroneous. Textbooks should contain only correct information so that students do not form any misunderstandings from their first introduction to foreign musical instruments.

단소의 소리에 관한 기존의 견해는 단소 소리의 성질을 낮은 음(평취)과 높은 음(역취)으로 나누고 있으며, 지도 방법도 낮은 음을 汰→潢→無→林→仲 순(또는 역순)으로 소리내기를 지도한 후, 높은 음을 㳞→淋→潕→㶂→㳲의 순으로 지도하는 것이었다. 이는 단소 소리를 내기 위한 입김의 성질을 고려하지 않은 방법으로 단소 소리의 지도 순서에 알맞지 않게 되어 단소 교육을 어렵게 만든 중요한 요인 중에 하나였다. 단소의 소리를 입김의 성질에 따라 분류하면 ‘가운데 소리’, ‘낮은 소리’, ‘높은 소리’의 셋으로 구분할 수 있다. 가운데 소리는 汰를 불 때와 같은 입김으로 소리 낼 수 있는 다섯 음(無, 潢, 汰, 㳞, 淋)이다. 낮은 소리는 汰를 불 때보다 입김의 세기는 약하게(또는 부드럽게), 입김의 양은 많이, 입김의 속도는 느리게 불어서 소리 내는 두 음(仲, 林)이다. 높은 소리는 汰를 불 때 보다 입김의 세기는 세게(또는 강하게), 입김의 양은 적게, 입김의 속도는 빠르게 불어야 하는 세 음(潕, 㶂, 㳲)이다. 단소 소리의 효과적인 지도 방법을 위해서는 소리를 단계적으로 지도하는 것이 중요하다. 단소 곡을 분석하여 보면 汰와 같은 입김으로 연주할 수 있는 가운데 소리의 비율은 대부분의 곡에서 70~80% 정도이다. 즉 汰 소리를 연주할 수 있으면, 입김을 다르게 하지 않고 운지법만 익히면 연주할 수 있는 가락이 대부분이기 때문에 가운데 소리를 먼저 지도하는 것은 단소의 학습에서 매우 효율적이다. 또한 단소곡에서 출현음의 비중이 가장 높다는 것은 단소곡을 쉽게 익힐 수 있을 뿐만 아니라 단소를 활용한 창작 수업을 이른 시기에 할 수 있다는 장점이 있다. 입김의 성질에 따른 단소 소리의 지도 순서는 ①‘소리 내기(汰)’→②‘가운데 소리 내기 Ⅰ(潢, 無)’→③‘가운데 소리 내기 Ⅱ(㳞, 淋)’→④‘낮은 소리 내기(林, 仲)’→⑤‘높은 소리 내기(潕, 㶂, 㳲)’ 순으로 하는 것이 효과적이다. 㳞과 淋에 비하여 입김의 성질을 달리 하여 소리를 내야 하는 낮은 소리(仲과 林)를 먼저 학습하게 되면 연주할 수 있는 곡의 범위가 매우 좁아질 뿐만 아니라, 학생들에게 㳞과 淋의 소리를 내기가 어렵다는 선입견을 심어 주게 되어 단소 학습을 어렵게 만드는 경우가 많았다. 따라서 단소 학습의 체계성과 효율성을 높이기 위해서는 입김의 성질을 고려하여 그 흐름에 맞게 단계적으로 지도하는 것이 바람직하다.

The existing view about sound of danso divides the characteristics of sound of danso into a low tone(Pyeong chui) and a high tone(Yeok chui). Tutoring method also teaches to sound the low notes in the order of tae→hwang→moo→eem→joong (汰→潢→無→林→仲) (or a reverse order), then teaches to sound the high notes in the order of joong→eem→moo→hwang→tae (㳞→淋→潕→㶂→㳲). This method does not consider the characteristic of breath to make a sound of danso; it was the factor which made danso tutoring difficult because of the unfavorable tutoring order of danso sound. Categorizing the sound of danso according to the characteristics of breath, it can be divided in to three, ‘the middle pitch’, ‘the low pitch’, and ‘the high pitch.’ The middle pitch is the five notes (moo, hwang, tae, joong, eem) (無, 潢, 汰, 㳞, 淋) which can be sounded when blowing tae(汰). The low pitch is the two notes (joong 仲, eem 林) which are sounded by blowing weaklier (or softlier) than when blowing tae(汰), and blowing big amount of breath and slowly. The high pitch is the three notes (moo 潕, hwang 㶂, tae 㳲) which are blown harder (or more strongly) and more quickly with less amount of breath than when blowing tae(汰). For the effective tutoring method of sound of danso, it is important to tutor the sound in phases. Analyzing a danso music, the ratio of the middle pitch, which can be played with the same breath as tae(汰), is 70~80% in the most of danso music. That is, if able to sound tae(汰), one can play almost any music by not varying the breath and learning the fingering. Thus tutoring the middle pitch first is very effective in teaching danso. The high importance of emerged notes in danso music means an advantage which enables not only mastering danso music easily but also practicing creative classes using danso in the earlier period. The effective tutoring order of danso sound according to the characteristics of breath is ①‘making a sound, tae(汰)’→②‘making the middle pitchⅠ(hwang潢, moo無)’→③‘making the middle pitch Ⅱ(joong㳞, eem淋)’→④‘making the low pitch(eem林, joong仲)’→⑤‘making the high pitch(moo潕, hwang㶂, tae㳲).’ If one learns the low pitch (joong仲 and eem林) which should be sounded by differing the characteristics of breath compared to joong㳞 and eem淋, the range of music to play becomes very limited, which gives a prejudice that it is hard to sound joong㳞 and eem淋 to students, making danso leaning difficult. Therefore, in order to increase the effectiveness and systemicity of danso learning, tutoring in phases by considering the characteristics of breath and following the flow is desirable.

음악치료학은 임상과 연구를 근간으로 발전하였으므로 치료효과에 대한 관심과 함께 치료를 유도하는 음악의 특성에 대해 지속적으로 연구되었다. 국내에서도 국악과 음악치료의 연관성에 대한 연구가 진행되어 왔으며 지금은 고유한 민족문화에 기인한 국악에 치료요소 발견이 필요한 시점이다. 그러나 현재 국악과 음악치료의 연관성에 대한 연구에서는 국악을 사용해 음악치료를 실시한 효과 보고가 주를 이루고 있으며, 치료요소를 중심으로 한 고찰은 발견하기 어렵다. 따라서 본 연구에서는 국악을 활용하여 음악치료를 수행한 연구분석을 통해 국악에 담긴 치료요소 가능성을 정리해 보았다. 국악의 치료적 음악 경험, 치료철학에 의한 음악 외적 변화를 통해 치료요소 가능성을 검토하였으며, 그 내용은 다음과 같다. 첫째, 국악의 타악기를 비롯한 사물놀이 연주와 탈춤에는 생의학적 변화를 가져오는 리듬 치료요소 가능성이 있다. 둘째, 한국전통성악곡에는 정서 및 행동의 변화를 유도하는 구조를 통해 인지행동 및 심리 치료요소 가능성이 있다. 셋째, 국악은 음계와 음색에 심리적 안정감과 자연스런 참여를 유도하는 정신역동적 치료요소 가능성을 내포한다. 넷째, 국악은 인본주의 철학 위에 진행하는 시나위 즉흥연주 같은 구성원칙의 치료요소 가능성이 있다. 다섯째, 국악은 한가지의 활동뿐 아니라 호흡․노래․악기연주 및 동작활동을 병행한 통합적 음악 경험형태의 치료요소 가능성이 있다.

Ever since music has been introduced as a tool for therapy, the effect of music as therapy has been validated through much research. The results of domestic music used in therapy have been compared with those of foreign countries. These comparative results were extremely compatible. Also through meta-analysis, domestic research results when Korean music was applied for the purpose of therapy, revealed no great difference. Therefore, this study researches and examines the main concept of music as therapy and has come to understand music as therapy from the point of view of the philosophy of music as therapy. Also while searching out the principle of motion and the therapy of Korean music. I want to suggest the possibility of a music as therapy model which is based on Korean music. First, Korean traditional percussion instruments, Samulnori, and the Mask dance are consistent with the therapeutic rhythm factor, which involves the client's physical, psychiatric and social change leading to improvement. Second, Korean traditional song is consist with cognitive behavior, the psycho- therapeutic factor, which enables the client’s inner world and expression through creativity to be explored. Third, Korean music includes the therapeutic factors of tonal components and timbre which can lead to the clients ease of participation and psychological stability. Fourth, Korean music includes the therapeutic factor of the organizational principle factor based in humanism which increases the client’s psychological stability, an easy horizontal combination. Fifth, a music therapy program incorporating Korean music consists of the integral music experience therapeutic factor: singing, playing and dancing.

본 논문은 우리 민요 교육의 변화를 2009 개정 음악과 교육과정에 따른 중학교 음악교과서에 실린 경기민요 ‘늴리리야’의 지도내용 및 방법을 통해 고찰해 보았다. 현행 총 17종의 교과서에서 9종의 교과서가 이 곡을 다루고 있었고, 교과서별로 학습목표에 따라 이 곡에 대한 다양한 지도 내용과 방법을 제시하고 있었다. 이러한 민요 교수법의 변화는 국악계와 한국음악계의 많은 노력과 연구가 함께 해온 결과이며, 이를 통해 한국음악교육이 좀 더 주체적으로 재정비될 수 있는 계기를 마련했다는 것을 성과로 볼 수 있다. 이와 같이 교육적으로 의미 있고 다양한 국악 개념의 이해 및 활동의 체득을 가능하게 해주는 것은 단지 민요를 배움으로써 일어나는 것이 아니라, 어떻게 배우느냐 즉 민요 교수법의 변화가 가져온 효과로 보인다는 것을 알 수 있었다. 그러나 한편으로 아직도 부족한 점과 헤쳐 나가야 할 난관은 많이 남아있다. 따라서 본 글에서는 앞으로 질적으로 더욱 내실 있는 민요 교육을 위한 발전방안을 다섯 가지로 제시하였다. 첫째, 단 한 곡의 민요를 배우더라도 그것이 한국음악적 논리에 기반하고, 다양한 음악활동이 학생들에게 통합적으로 경험될 수 있도록 해야 할 것이다. 둘째, 서양음악과 국악의 음악적 특징을 동등하게 비교할 수 있어야 한다. 서양음악 제재곡에서 국악 어법을 찾거나 국악 개념을 설명하려 하지 않듯이, 국악 제재곡을 서양음악의 개념이나 특징을 설명하는 데 이용하지 않아야 할 것이다. 셋째, 현행 교육과정과 교과서의 변화에 발맞추어 그것을 교사들이 수업에서 직접 활용할 수 있도록 교사들의 민요 교수법 연수가 더욱 더 강조된다. 넷째, 한국의 음악교사는 이중음악성(bi-musicality)의 자질을 갖출 필요가 있다. 즉, 다양한 시대, 문화권의 음악을 가르쳐야 하는 21세기의 음악적, 문화적 배경과 요구에 부응하는 음악교사의 자질을 함양이 요구된다고 할 수 있다. 다섯째, 국가 교육과정의 내용 변화에 부합하는 민요 교육을 위한 음악교과서의 편찬과 음악교수법의 개발이 요구된다. 이와 같은 한국 민요의 변화 및 발전방안에 대한 논의는 시대적 고난을 공유하고 서로 비슷한 문화적, 교육적 어려움을 가지고 있는 아시아 민요 교육과도 통하는 바가 있으리라 기대한다.

This study chose ‘Nuilniliya’, one of the representative folk songs of the Gyeonggi province, which has been used as the singing repertoire in music textbooks for decades. The objective was to study how to change the approaches of the folk song in relationship to the Korean National Music Curricula and the music textbooks of Korean middle schools. For this study, the musical concepts, contents, and methodologies in relationship to the song from the Revised Music Curriculum of 2009 were selected. This mind map shows that various activities and musical word webs can be learned through just one song from the most basic level to the highest level. This study organized proficient and relevant approaches to teaching the song, ‘Nuilniliya’ in the music textbooks of Korean middle schools as the following; 1) the introduction of ‘Nuilniliya’ one of Gyeonggi folk songs, 2) the change of the musical notation for the score of the song, 3) the concept and application of tori including the mode, scale, sigimsae, or singing style of the song, 4) the appreciation and playing of the song gutgeori jangdan through physical expression activities, 5) the instruction of Korean musical instruments in relationship to the song, and 6) the methodological expansion of creating music from the characteristics of the song. Consequently, this study revealed that from the various approaches, meaningful learning of Korean folk songs could be obtained from the effective and creative methodologies of indigenous Korean music based on the distinct characteristics of Korean music. These changes to the teaching methods of Korean folk songs have resulted from the studies and efforts of the Korean music education world. From these results, the approaches to teaching Korean folk songs are to become more developed as well as independently reorganized.

음악은 특정한 사회 문화적 맥락 속에서 형성된다. 이것은 모든 민족음악학자들이 그들의 첫 학기에 교실에서 배우는 규범에 해당된다. 본 연구자는 다약(the Dayak) 부족이 살고 있는 보르네오섬의 칼리만탄(Kalimantan)으로 가서 연구할 때, 매일 어른들이 일터에서 돌아온 뒤에 라민(Lamin)이라는 긴 집의 베란다에 모여 켄다우(Kendau)라는 서사적 가사를 노래하는 것을 보았다. 그 어른들 사이에 앉아있는 많은 아이들은 그것을 계속 듣다 보면 어느새 그 가사를 저절로 외우게 되어 그들이 켄다우를 부를 수 있게 된다. 이것이 다약 부족이 전통적인 사회문화적 환경 속에서 서사시적인 전통음악을 배우는 과정이다. 오늘날 그 부족의 전통가옥형태인 긴 집은 도시의 가옥 형태로 대체되고 있다. 이에 따라 그 노래를 전통 가옥의 베란다에 모여 자연스레 보고 배우던 기회를 잃어가고 있는 것이다. 아직 이러한 가치 있는 전승을 대체할 만한 방법은 형식적이든 비형식적인 현대의 어느 교육기관에서도 찾을 수 없다. 따라서 현대 인도네시아와 전통사회 사이의 사회문화적 지속성은 단절되고 있다. 한 세대에서 다음 세대로 구전되어 온 역사적 사회적 전통을 현대 교육에서 그 기능을 잃어가고 있다. 다약 부족은 다른 많은 예들 중 하나에 불과한 것으로, 급격한 사회문화적 환경의 변화가 전통적 환경에서 그들을 사회화시켜온 전통음악의 역할에 영향을 주고 있다는 것을 알 수 있다. 결론적으로, 본 논문에서는 인도네시아 사람들이 자국 문화의 뿌리와 정체성을 잃지 않기 위해 현대적 교육환경에서 전통음악을 어떻게 되살릴 수 있는지에 관한 전략과 전망을 찾아야 함을 주장하였다. 또한 인도네시아 국립관현악단(INO)과 도시에서 개최된 세계음악축제 등이 현대 인도네시아에서 전통음악의 교육적 역할을 부분적으로라도 되살릴 수 있는 의미 있는 방법이라 기대하고 있다.

Music is created within a particular social and cultural context. This is a canon that every ethnomusicologist learns in his/her classroom on the first day of his/her college year. When I was doing my fieldwork in the interior of Kalimantan (Borneo) ― where the Dayak tribes live ― I witnessed that every day the Dayak eldersgathered on the veranda of their longhouse (Lamin) after returning from the farm and sang their long epic history in a vocal music form called Kendau. Sitting among these elders were many kids and youngsters repeatedly listening to the singing until one day they had memorized the epics and could sing the Kendau themselves. This is the process of learning traditional music and the epic history of the Dayak tribe in their authentic socio-cultural setting. Today traditional Dayak long houses have been replaced by individual urban housing. Therefore, this natural learning process has alsogone. Yet the replacement of this value transmission cannot be found in other means, either in formal or informal modern educational institution. So the socio-cultural continuity between modern Indonesian national and traditional society has broken down. Traditional music that used to be the core of oral historical and socio-cultural transmission for indigenous people for generations has lost its educational function in the modern setting. The Dayak case is only one among many other cases that points toward the dynamic change in socio-cultural environments that has affected the ability of traditional music to educate its society in its original setting. In conclusion, this paper proposed that the Indonesian people have to find a new strategy and vision on how to revive the educational ability of traditional Indonesian music in a contemporary setting, in order not to lose the roots of our culture and identity as a nation. Additionally, this author expects that new musical means, such as the Indonesian National Orchestra (INO) and world music festivals inan urban context, can offer significant means for thepartialrevival of the educational ability of traditional music in modern day Indonesia.

세계에서 가장 많은 인구를 가진 다민족 국가로 알려진 중국은 5000년의 역사와 거대한 고대 문명을 지니고 있다. 그 후손으로 우리는 조상으로부터 물려받은 풍부한 문화유산에 대해 큰 자부심을 가지고 있다. 중국은 경극, 진나라와 그 음악, 그리고 그림자 연극이나 그림, 서예 등 유네스코에서 지정된 31가지의 세계문화유산을 보유하고 있다. 본 연구자는 공연예술축제조직위원회에서 근무하기 시작하면서 공연예술에 대한 안목을 키울 수 있었다. 본고에서는 먼저, 현대의 정신과 전통예술과의 만남에 관한 프로젝트에 대한 소개를 하였다. 이미 널리 알려진 바와 같이 중국에는 타이완의 안무가 린 화이 밍(Lin Huai ming), 저명한 중국 작곡가 탄둔(TanDun), 그리고 새로운 작품 창작을 위해 오랫동안 중국 고대문화와 전통예술을 연구해 온 중국인 공연 감독 롱 니안젱(Rong Nianzeing) 등과 같은, 예술가들이 있다. 놀랍게도 현대적 요소를 잘 녹여낸 이들의 작품은 중국의 젊은이들의 환영을 받고 있다. 더욱이, 정교하게 고안된 그 작품들은 중국의 젊은 청중들이 중국 전통예술에 대한 관심과 호기심을 갖게 한다. 그러나 그 작품들이 어떻게 중국 전통예술의 범위를 얼마나 넓혀줄 수 있을 것이며, 새 시대에 그것의 교육적 역할은 무엇인지에 대한 고민이 따른다. 그것은 예술가 단체나 어떤 위원회의 노력으로 이뤄질 수 있는 것은 아닐 것이다. 전체적인 교육과 예술의 체계, 그리고 문화 생태학이 훨씬 더 지지받을 수 있게 되어야 할 것이다. 중국은 경제와 금융의 발전이 가장 빠른 국가들 중 하나이다. 사회 전체가 마치 거대한 시장과 같고 삶의 속도도 점점 더 빨라지고 있는 시점에서 우리는 어떻게 사람들이 예술작품이나 수천 년 전의 예술을 감상하게 할 수 있을까? 그리고 전통예술이 사람들의 삶과 관련성을 맺을 수 있는지 확신할 수 있을까? 1980년대 이후에 태어난 젊은 세대들의 안목은 중국 전통예술에 관해 다른 관점을 가진다. 중국전통예술의 관점에서 공공성과 교육적 활용성을 극대화시킬 수 있는 관련된 모든 분야들을 장려하는 문화정책을 어떻게 개정할 수 있을까? 본 연구에서 제시한 여러 사례 연구들은 이러한 도전에 직면한 우리에게 희망과 도움이 될 수 있을 것이라 기대한다.

China, known as the multi-ethnic nation with the largest population in the world, has 5000 years of history along with amazing ancient civilization. As a representative of young generation, we are very much proud of the rich cultural heritage our ancestors left us. There are thirty-one elements from China recognized by UNESCO as Intangible Cultural Heritages, which includes Kunqu Opera, MuqamGu Qin and its music, shadow puppetry, Calligraphy and so on. Since my career started from the performing arts festival organization, the involvement and witness of mine is more related to the performing arts. I will give more detailed introduction to the related projects, where modern minds encounter traditional arts. As you might have noticed, There are a group of Chinese artists like Lin Huaiming, well-known Choreographer in Taiwan; TanDun, celebrated Chinese composer; Rong Nianzeng, and Lin Zhaohua, Chinese theatre directors spare no efforts to study Chinese ancient culture and traditional arts form in order to create new works for long time. Surprisingly, by melting with more modern element, those works have been proved acceptable and well understood by Chinese young people. Even more, the delicate devised presentation successfully arise the curiosity and interests of Chinese traditional arts among young audience. However, how to extend the life span of Chinese traditional arts and play its education role in the new century? It could not be done by group of artists or any single institution. The whole education and arts mechanism and cultural ecology should be improved in order to be more supportive. China is now one of the fastest growing countries in terms of economy and finance development. When the whole society is quite market-driven and the speed of life gets faster and faster, how we encourage people to slow down and appreciate arts, even some arts from thousands years ago. How we could still ensure traditional arts connect to people’s life? In the eye of young generation, who were born after the 1980, we have different perspective of Chinese traditional arts. How to revise cultural policy to encourage all the parties concerned to maximize the improvement of educational ability and public engagement in terms of Chinese traditional arts. Consequently, I hope that some case studies I have made my research on will enlighten us with the encouragement to face the challenges.

본고에서는 글로벌한 배경 속에 살고 있는 아시아인들이 추구하고 펼쳐온 음악을 추적하고 조사해보았다. 그리고 한 나라의 문화, 정체성, 그리고 자부심을 지키는 것의 중요성과 문화의 지역성, 스스로 혹은 외세에 의한 접촉, 동양 대 서양, 그리고 우리가 가지는 용어, 개념, 그리고 목적이 우리 스스로를 이해할 수 있도록 하는지에 대해 언급하였다. 왜 우리의 음악은 서양의 기준과 통하지 않고, 많은 서양의 용어들이 우리의 음악을 설명할 수 없음에도 우리를 이해하기 위해 서구적 기준을 사용하고 따르는가? 우리는 음계, 선법, 전조 혹은 화성 등과 같은 단어를 가지지 않는다. 이에 “아시아 음악교육의 전망 및 방향의 재정립”에 주목하였다. 또한 아시아인들이 이야기하고 있는 우리 음악의 사상, 전문용어, 담론과 방향 등 새로운 패러다임의 추구에 대한 전망을 제안하였다. 우리는 부정할 수 없이 서양사상이나 전통으로부터 도움을 받았으며 또한 그로 인해 우리의 음악과 문화를 서양의 용어로 이해하게 하는 혼란이 초래되기도 하였다. 실제로 많은 국가에서 음악 만들기를 할 때 학문적 성찰이나 연구는 거의 하지 않는다. 서구의 그늘 아래 살면서 그저 서구를 쫓아가고자 한다. 그러는 사이 우리는 정체성이나 자부심, 그리고 통합과 같은 것을 잃어버리고 있다. 본고는 몇몇 영향력 있는 작품들과 우리의 스승이거나 멘토였던 그들의 특별한 특징에 대해 질문을 하며 시작하였다. Chheng Phon (캄보디아의 영혼과 천상예술가), Jose Maceda (새로운 개념, 이론, 그리고 방향에 관해 연구하는 필리핀인), Ravi Shankar (음악미학과 음악창작에 있어 무엇이 좋은 음악인지에 관해 연구하는 인도인), Chou Wen-Chung (동양과 서양의 두 세계를 조정하는 중국인), John Cage (통념에서 벗어난 침묵과 우연성에 관한 미국인) 등의 인물을 통해 그들의 작품에 영향을 미치고 있는 것이 무엇인지 알아보았다. 우리는 정말 마음 속에 있는 음악을 끄집어내어 우리 자신의 미래를 재점검해야 한다. 우리 중 많은 이들은 이미 새로운 방향으로 향하거나, 예를 들면 “flexible diatonic”과 같은 새로운 사상과 개념, 통일성 속의 다양성, 다양성 속의 통일성, 그리고 낯선 아름다움 등에 빠져들고 있다. 우리는 동양을 서양의 잣대로 판단해서는 안 된다. 주지하듯이 아시아는 스스로의 음악체계를 가지고 있다. 음악은 우리 삶에 관한 모든 인간적인 관심에서 비롯되었으며 규칙과 제한에서 벗어나 다른 이들은 이해하지 못할 우리 삶에 관련하여 그것이 활기 있고 의미 있다는 것을 쉽게 알 수 있게 한다. 그런데 왜 우리가 그것을 바꿔야 하는가?우리는 우리의 스승들이 하지 않았던 것을 해야 하는가? 그들이 우리에게 어떤 것을 가르쳤는가? 그들을 실제로 만날 수는 없는가? 나는 그것들에 대한 대답보다 더 많은 질문을 쏟아내고 싶지만, 이러한 질문을 통해 우리 자신이 잠시 멈추어 재점검할 수 있길 바란다. 우리는 벌써 오래 전에 이러한 중요한 문제에 대해 집중해야 했었다. 아시아의 음악교육은 우리가 학생들을 건강한 정신, 정체성, 인류애 등과 같은 높은 가치를 가질 수 있도록 만드는 데 매우 의미 있을 것이다. 따라서 본 논문에서 이러한 관점과 요점을 관련된 몇몇 예를 통해 구체적으로 밝혀내었다.

In this paper, I seek to examine and trace the journey of music education in different, but selected, parts of the world to see where we, Asians, are at, in light of the global backdrop as our music education pursuit and unfold. I alluded to the importance of preservation of national culture, identity, and pride, the regionalization of culture, the inward (The Self) versus the outward (The Others) approach, and the East versus the West (how terms, concepts, and purposes help us understand ourselves). Why do we conform to and use the Western standards to understand ourselves, as, often times, our music does not make sense in terms of Western standards while many Western terms do not make sense in our music? We do not even have words for such terms like scale, mode, modulation, or harmony, and so on, as I look at the “Vision of Music Education in Asia Revisited and Redirected.” I also propose a thesis on perspective in the search for a new paradigm in music of Asia paying special attention to the music ideas, terminologies, discourse, and direction that we, Asians, have been taking. Although we, undeniably, benefit from Western ideas and traditions, they also create confusions for us when trying to understand our own music and culture in their terms. Many instances of the actual national music-making have little to do with the studies and analyses of scholars. By following the West, we tend to live in their shadow (as their shadow) and merely play a catch-up game. At the same time, we also lose a sense of identity, pride, and integrity while doing that. I started by asking questions and examining some influential figures and their extraordinary and exemplary works; many of them are our teachers and mentors, such as Chheng Phon (Cambodian on spiritual and celestial art), Jose Maceda (Philippino on new concept, new theory, and new direction), Ravi Shankar (Indian on musical aesthetics and what is good music in the making), Chou Wen-Chung (Chinese on moderation and two worlds: East and West), John Cage (American on chance, silence, out of the loop, out of the norm) to see the meaningfulness or what drives their works. We must reexamine ourselves in terms of future direction in our venture to move forward with our music that is dear to our heart. Indeed, many of us have already started going in the new direction, pounding upon new ideas and concepts such as new theory of music, “flexible diatonic,” diversity in unity, unity in diversity, and beauty in ugliness. We must not judge the East by the standards of the West. When all is said, Asia is, in her own sense, a musical nation with a musical system of its own. Music enters into almost all the humanistic concerns of our lives, and we find it simple, unbinding to rules and restrictions, relevant, vibrant, and meaningful to our lives that others might not understand. Why should we change that? Why do we do things that our Gurus would not do? Did they teach us anything? Are they out of touch with the reality? Although I might have raised more questions than answering them, I hope these questions will stop us for a moment to reexamine ourselves, now. It has been long overdue for us to pay serious attention to this important matter. Music education in Asia will be meaningful only if we use it as a means to transform our students to become, to be, and to build their strong roots, identity, integrity, and humanity with the highest value, esteem, and dignity. Consequently, I materialized my view and points with relevant and specific examples.

개혁개방 이후 중국사회의 체제개혁과 구조조정이 심화되면서 조선족들은 대련, 청도뿐만 아니라 북경, 상해, 천진 등 대도시로 대거 이동하고 있다. 조선족 사회의 대량적인 인구이동은 이미 연해지역이나 관내도시에 새로운 코리아 타운을 형성해가고 있으며 조선족 집거지 산재지역을 형성하였다. 이런 대도시에 살면 개인이 발전할 수 있는 기회가 많아지고, 삶의 질이 높아지는 것은 당연하나 자녀들이 다닐 수 있는 조선족학교가 부족하다는 단점이 있다. 북경의 경우만 해도 조선족들이 10만 명을 넘어서고 있지만, 조선족학교는 전무하다. 이에 본 연구는 중국 산재지역 조선족 음악교육의 도약적인 발전을 위해 실제 그 집거지역의 학교교육에서 나타난 문제점 고찰하고, 사회단체 군중예술문화의 바람직한 방향에 관하여 아래와 같이 제언하였다. 첫째, 민족문화와 민족의식과 관련한 교육은 교본과정, 종합 실천 활동, 과외활동 등 여러 가지 형태와 형식으로 진행되어야 한다. 이를 위해서는 학교 현직 교사들의 연수기회를 대폭 확대하여 전통문화예술에 대한 재교육을 실시해야 하고, 교사연수 프로그램을 제도화하여 교사들의 자발적인 참여를 유도하는 제도적인 장치를 마련해야 한다. 둘째, 민족예술 교과에서도 민족성격을 띤 내용을 되도록 잘 선정하여 학생들이 민족문화를 더 많이 이해하고 더욱 흥미를 갖고 이어받게 해야 한다. 전통음악을 쉽게 가르칠 수 있도록 교사를 위한 다양한 교육 자료를 제작하여 보급하여야 하며, 마찬가지로 학생들에게도 청소년의 정서와 수준이 고려된 다양한 시청각교재가 개발되어야 한다. 셋째, 음악교육자료의 개발이다. 이를 위하여 먼저 체계적인 전통음악 교육과정이 개발되어야 하고, 교육현장에서 필요한 각종 음악교재가 개발되어야 하며, 학교 교구 설비 기준에 일정 비율의 전통악기 보유가 포함되도록 정책적인 뒷받침이 있어야 한다. 넷째, 산재지역의 조선족교육에 새로운 활기를 부여해야 한다. 현재 청도에는 중국 연해도시에서 유일한 조선족 소학교가 2개 있지만 청도 이외의 다른 지역에서도 우리 조선족 학생들이 기타 소수민족 학생들이 받는 혜택을 향수할 수 있도록 하고, 나아가서 목표교육과 직업교육 등 다양한 형태의 미래교육 토대를 마련해나가야 한다. 빠른 시일 내에 산재지역(청도 조선족학교 등 많은 사립학교들은 공교육행렬에 편입되지 않음)도 전일제 의무교육 행렬에 편입시켜야 할 것이다. 다섯째, 조선족 민족교육은 민족전통문화를 보존, 발전하는 민족생존과 연결된 문제로 민족성원들로 하여금 민족교육 발전에 힘을 기울이도록 하여야 한다. 여섯째, 산재지역 조선족은 정부의 지도하에 민족화합에 힘쓰고 정치활동에 적극 참여하여 지역사회에 공헌하고 문화, 문명민족으로 거듭나야 할 것이다. 이 연구가 중국사회에서 자체 민족의 정체성을 지키는데 도움을 주는 조선족 문화예술교육의 각종 문제점 해결을 위해 어떠한 모델이 가장 적합한지 스스로 자문하는 기회를 부여하고, 향후 중국 조선족 문화예술교육의 새로운 모델을 설정하기 위한 전초작업을 진행하는데 보탬이 되기를 바란다.

After the reformation and the Opendoor policy, the Chinese society experienced serious social changes, and Korean nationals moved toward large cities, such as Dalian, Qingdao as well as Beijing, Shanghai, and Tienjin. This large size population movement formed new Korea towns in many cities and regions. Even though the big cities have more chances for individuals to succeed and to enjoy better life, their children have less opportunity to receive Korean education. For an example of Beijing, there is no Korean school although more than 100,000 Korean-Chinese are living. Therefore, we need to urgently find the ways to reform and to develop our ethnic education, other than any other problems. This research not only points out the problems shown in the school education in the settlement area, but also suggested directions for social group to go forward for the development of Korean-Chinese music education. First, education related to ethnic culture and identity should be processed in various forms, such as curriculum, multi-participatory activities, and extracurricular activities. In order to do this, more training and updating about Korean traditional art and culture should be provided to the teachers who are currently working in the schools. Also, by institutionalizing training programs, the education should be able to provide institutional strategy to teachers and to attract voluntary participation from the teachers. Second, by selecting proper contents with ethnic nature and putting them in textbooks, we need to help student to understand Korea better and to be more interested in Korean culture. We need more supports and production of various forms of class materials that can be used in traditional music education. Class materials for easy teaching should be provided for the teachers, and new audio-visual materials with various themes and genres, well explained in the student level, should be created. Also, scholars should vibrantly do new research on efficient teaching and learning methodology. Third, the sources for music education should be developed. Most of all, systematized traditional music curriculum should be designed; musical materials for the class teaching should be developed; a policy that requires each school to prepare some Korean traditional music instruments is needed. Fourth, Korean nationality education in mainland China excepting Yanbian need refreshment. Ethnic education is a chain that connects and transmits culture. Currently, there are only two Korean elementary schools in Qingdao. These schools assigned a project for new ethnic education. We must lay the foundation of basic education firmly and set an educational system with new standard and scale for Korean nationality schools. In many other places, we must let our students to receive benefits; further, we must prepared basis for future education that shows various forms, such as goal education or job education. In the near future, schools in mainland China excepting Yanbian must be listed on the full-time compulsory education. As stated earlier, many schools, including Qingdao Korean Nationality school, are not officially registered as public education. Fifth, social members in Korean-Chinese community must put efforts in developing ethnic education because it not only preserves tradition and culture, but also let us survive. The sense of duty and responsibility are important factors in developing ethnic education and Korean arts and culture. Sixth, Korean-Chinese people in mainland China excepting Yanbian should turn over to new cultural people and civilized society. They need to strive for the ethnic harmony and to participate actively in political events so that they contribute to the local community. As keeping in mind that the key point of ethnic education is the language and culture, we should never stop searching for the ways to advance. Consequently, this author hopes that this research is a chance to question ourselves about what model is the most appropriate to solve many problems in Korean-Chinese music education, and can help the preliminary work to set a new model of Korean-Chinese music and culture education in the future.