Earticle

본 연구는 독일 이민 2세 작가 마르틴 현과 러시아계 독일 작가 블라디미르 카미너의 공동 저작 『이웃 사용설명서』를 중심으로, 두 작가의 트랜스내셔널 정체성과 이웃 관계를 통해 문화적 경계가 접촉과 공존의 공간으로 전환되는 양상을 분석한다. 텍스트 중심의 서사 분석을 기본으로 트랜스내셔널 정체성과 상호문화성의 관점을 보조적으로 활용하고, 호미 바바의 “제3의 공간(Third Space)” 개념을 통해 베를린이라는 다문화적 ‘사이-공간’(Zwischen-Raum)에서 문화적 차이와 경계가 협상되고 재구성되는 과정을 고찰하였다. 또한 서로 다른 이주 경험과 시학이 공동 서사로 형성되는 방식과 이 작품이 이민문학과 대중문학의 경계를 확장하는 과정에 주목하였다. 연구 결과, 『이웃 사용설명서』는 정체성, 고향, 소속이라는 전통적인 이민문학의 주제를 이웃과 일상적 공존이라는 보편적 문제로 확장하고, 문화적 차이와 갈등을 유머와 일상적 에피소드를 통해 대중적으로 서사화한다. 이를 통해 이 작품은 문화와 문화의 ‘사이’에서 접촉과 공존의 서사를 형성하는 동시에, 이민문학과 대중문학의 ‘사이’를 가로지르는 ‘사이-문학’(Zwischen-Literatur)의 가능성과 현대 독일 문학장 내 이민문학의 새로운 위치를 보여준다.

This study examines ‘Gebrauchsanweisung für Nachbarn’, co-authored by Martin Hyun, a second-generation immigrant writer in Germany, and Wladimir Kaminer, a Russian-German writer, focusing on how cultural boundaries are transformed into spaces of contact and coexistence through the authors’ transnational identities and representations of neighborly relations. Based primarily on text-centered narrative analysis, the study draws on the perspectives of transnational identity and interculturality, while employing Homi K. Bhabha’s concept of the “Third Space” to examine how cultural differences and boundaries are negotiated and reconfigured within Berlin as a multicultural “in-between space” (Zwischen-Raum). It also explores how the authors’ different migration experiences and poetics converge to form a collaborative narrative and how the work crosses the boundaries between immigrant literature and popular literature. The analysis shows that ‘Gebrauchsanweisung für Nachbarn’ expands the traditional concerns of immigrant literature—identity, homeland, and belonging—toward more universal concerns of neighborly relations and everyday coexistence, while making cultural differences and conflicts accessible through humor and episodes drawn from everyday life. In this respect, the work constructs a narrative of contact and coexistence within the cultural “in-between” while simultaneously crossing the boundary between immigrant literature and popular literature. It thus demonstrates the potential of “in-between literature” (Zwischen-Literatur) and suggests a new position for immigrant literature within the contemporary German literary field.

본고는 1920년대 아동문예잡지 『어린이』와 『신소년』의 ‘독자문단(讀者文壇)’을 대상으로, 독자층이 운문의 하위 갈래를 구별하고 그 규범에 비추어 자신의 글쓰기를 자리매김해 간 ‘장르 의식’의 실제를 실증적으로 규명한다. 기존 연구가 독자 투고란을 기성문단으로 나아가는 통로로 보아 다수의 투고자를 몇몇 문인의 전사(前史)로 환원해 온 것과 달리, 본고는 투고 행위 자체를 하나의 장르 선택 행위로 파악하고, 독자문단을 독자가 갈래 체계를 학습하고 운용하는 제도적 훈련장으로 규정한다. 이를 위해 투고작에 부여된 갈래 표제나 모집 규정의 표기 요구와 같은 명시적 층위와, 율격의 준수와 이탈이나 모범작(模範作)의 통사 구조 차용과 같은 암묵적 층위를 교차 분석하였다. 단, 그 대상은 두 잡지의 창간호부터 1929년 말까지 수록된 운문과 그에 결부된 모집 규정 및 선평(選評)으로 한정하였다. 두 잡지는 모집 규정으로 갈래의 이름을, 선후감(選後感)으로 그 규범의 내용을 공급하였다. 『신소년』 창간기 규정이 요구한 재래와 창작의 구별은 독자에게 부과된 최초의 명시적 장르 판정이었으며, 대중적 규모의 독자층이 동요 규범의 빠른 정착을 뒷받침하였다. 특히 『어린이』가 ‘동시’보다 ‘동요’에 집중했던 것에 비해 『신소년』은 1926년 ‘소년시’란을 신설하여 갈래의 분화 자체를 독자의 몫으로 열어 놓았다. 이는 독자층의 장르 의식이 개인의 문학적 성숙이 아니라 매체가 열어 놓은 갈래의 수에 일차적으로 규정되는, 제도 상관적 의식임을 보여준다. 요컨대 그것은 규범의 수동적 내면화도 규범으로부터의 해방도 아닌, 제도가 열어 놓은 갈래를 자원 삼아 그 안에서 선택하고 변주하며 옮겨 심은 실천으로서의 ‘앎’이었다. 이로써 본고는 아동문학사에서 장르 분화가 발생하는 근대 초기의 국면을 수용자가 아니라 생산자의 자리에서 새롭게 조명한다.

This study offers an empirical inquiry into the “genre consciousness” by which the readership of the 1920s children’s magazines Eorini and Sinsonyeon distinguished the subgenres of verse and situated its own writing in relation to each genre’s norms. Whereas previous scholarship, treating the readers’ submission columns as a passage toward the established literary world, has reduced the many contributors to the prehistory of a handful of canonical writers, this study grasps the act of submission itself as an act of genre selection, and defines the readers’ forum as an institutional training ground in which readers learned and operated the genre system. To this end, it analyzes two levels in tandem: the explicit level, such as the genre labels attached to submissions and the labeling required by the guidelines, and the implicit level, such as adherence to or deviation from meter and the borrowing of the syntactic structures of model works. Its objects are limited to the verse published from the inaugural issues through the end of 1929, together with the attendant submission guidelines and selectors’ commentary. The two magazines supplied the names of genres through their guidelines and the content of norms through their post-selection commentary. In particular, whereas Eorini concentrated on dongyo (children’s song) rather than dongsi (children’s verse), Sinsonyeon established a sonyeonsi (verse for older children) column in 1926, thereby opening the very differentiation of genres as the readers’ own province. This demonstrates that the readership’s genre consciousness was not a matter of individual maturation but an institution-correlated consciousness, governed first of all by the number of genres the medium made available. It was thus neither a passive internalization of norms nor a liberation from them, but a knowing-as-practice that selected, varied, and transplanted the genres the institution had opened up - viewed from the position of the producer rather than the recipient.

이 연구는 1920년대 후반 시 전문지 조선시단을 중심으로, 투고와 현상문예 제도를 통해 비문인 독자가 창작 주체로 전환되어 간 역동적 궤적과 그 재생산의 구조를 고찰하려는 기획이다. 이 연구는 문인, 준문인, 비문인이 수평적으로 참여하는 조선시단의 매체 특성, 특히 발행인 황석우가 고수한 ‘원고 도착 순서에 따른 평등한 편집 원칙’이 저자와 독자의 경계를 허물고, 예비 문인에게 공적 발언권을 부여한 기폭제였음에 주목하였다. 조선시단의 성과는 다층적이다. 통계상 3편 이상 발표한 비문인 필자가 24명에 이르며, 그중 다섯 편 이상을 발표한 도진호, 서태석, 이해월, 권휴정, 이복녀 등은 이 매체가 신인을 길러내는 ‘문학적 실험실’로 기능하였음을 보여주는 실례이다. 시론과 평론에서는 시가 단순한 미적 유희를 넘어 식민지 현실을 증언하는 ‘피의 기록’이자 변혁의 도구로 고양되고 있었으며, 예비 문인들의 창작시는 인습적 미학의 안이함을 탈피해 확고한 생산자로 거듭나는 성장의 과정을 보여주었다. 황석우의 ‘자연시’를 비롯해 김억, 김동환의 민요조 서정, 김해강, 이찬의 저항적 주제의식, 이병기의 시조 형식 등 문인 필자들이 제시한 다층적 미학적 전범은 예비 문인들에게 수동적 모방을 넘어선 창조적 변용의 계기로 작동하고 있었다. 이 가운데 황석우의 ‘태양’ 표상이 송완순의 민요조 노래를 거쳐 김해강의 저항적 에너지로 변주되어 간 흐름은 그 경로의 역동성을 보여주는 사례였다. 조선시단은 전문 문인과 대중독자가 위계를 허물고 시대의 고뇌와 생의 의지를 교감한 공론장이었다. 이는 근대시가 소수 엘리트의 전유물에서 탈피해 대중의 보편적 예술 형식으로 정착하는 도정에 결정적인 추동력을 제공했다는 점에서, 1920년대 문학사의 지형도를 재구성하는 역동적인 한 장면으로 주목할 가치가 있다.

This study examines modern poetic subject formation and literary reproduction in late 1920s colonial Korea, focusing on the poetry journal Joseon Sidan. It classifies contributors into three tiers — established, semi-professional, and non-professional writers — and shows that Hwang Seok-woo’s editorial principle of equal, arrival-order publication dismantled intellectual literary authority and granted aspiring poets a public voice as the self-proclaimed ‘protagonists of the new Joseon poetic scene.’ Key findings are as follows. First, non-professional writers comprising 83% of contributors showed sustained participation; a survey of the magazine’s full text index identified 24 writers who published three or more works, five of whom (Do Jin-ho, Seo Tae-seok, Lee Hae-wol, Kwon Hyu-jeong, and Lee Bok-nyeo) published five or more, confirming the magazine’s function as an incubation center. Second, poetics and criticism in the journal reveal that poetry was elevated beyond aesthetic play into a ‘record of blood’ witnessing colonial suffering and an instrument of change. Third, close readings of works by Kwon Hyu-jeong, Do Jin-ho, Lee Hae-wol, and Lee Bok-nyeo confirm non-professional writers’ growth into firm producers beyond conventional aesthetics. Fourth, established writers’ multi-layered aesthetic models — Hwang Seok-woo’s ‘nature poetry’, the folk-song lyricism of Kim Eok and Kim Dong-hwan, the resistant themes of Kim Hae-gang and Yi Chan, and Yi Byeong-gi’s sijo form — spurred aspiring poets toward creative variation beyond imitation, as shown concretely in the ‘sun’ symbol’s genealogy from Hwang Seok-woo through Song Wan-sun to Kim Hae-gang. Ultimately, Joseon Sidan was a dynamic public sphere where professional and amateur writers communicated beyond literary hierarchies, proving decisive in establishing modern poetry as a universal art form.

이 논문은 탄광시 논의 확장을 위한 기초 연구로서 『한국탄광시전집』의 현황과 지역표지를 양적으로 분석한 논문이다. 『한국탄광시전집』에 수록된 탄광시는 대체로 1989년 석탄산업합리화 이후에 창작되었다. 이때 강원도 태백 지역을 거점으로 『탄전문학』과 같은 지역문예지가 탄광시 관련 담론에 크게 기여하였음을 확인하였다. 이러한 지표를 볼 때 탄광시는 석탄산업합리화 이후 변화하는 현실과 연동되고 있음을 추론할 수 있었다. 여기서 살펴본 지역문학장의 즉각적이고 트랜스로컬리티 차원의 대응은 후속 연구를 통해 집중적으로 조명될 필요가 있다. 다음으로는 『한국탄광시전집』에 수록된 탄광시의 지역표지를 추출하고 그것을 시기, 권역, 관계 유형 차원에서 분석하였다. 쇠퇴기 지역표지 출현 작품은 동 시기 탄광시의 절반 이상에서 발견되었다. 가장 많이 등장한 지역은 강원권과 태백이었다. 이는 일차적으로 석탄산업의 규모와 분포를 반영한다. 다만, 탄광시 지역표지는 단일한 행정구역으로 수렴되지 않고 다층적이고 복합적인 지역 구성 양상을 보인다. 탄광시 지역표지가 생활세계에 기반하고 있으며, 지역연결망이 형성되고 있음을 추론할 수 있었다. 탄광시의 트랜스로컬리티를 규명함에 있어 탄광시에서 형상화되는 지역 간 관계 및 이동성은 중요하게 검토될 필요가 있다. 시 텍스트의 구체적이고 풍부한 의미를 논의하기 어렵다는 양적 분석의 필연적 한계는 후속 연구를 통해 보완되어야 한다. 그럼에도 『한국탄광시전집』에 수록된 탄광시의 지역 표지를 여러 층위에서 분석하여 확인한 지역문학장의 대응력, 지역 간 연결 및 이동성, 매체적 경향과 지역 문화운동의 연계 등의 경향과 특성을 발견했다는 의의가 있다. (지역)매체, 문화운동, 트랜스로컬리티 등의 차원에서 지역문학으로서 탄광시 연구가 촉발되는 계기가 되길 기대한다.

This study quantitatively analyzes the overall composition of the Anthology of Korean Coal Mine Poemsand the place markers appearing in the poems as a foundational inquiry intended to broaden the scope of research on coal mine poetry. The coal mine poems included in the anthology were produced predominantly after the introduction of the Coal Industry Rationalization Policy in 1989. During this period, regional literary journals centered on Taebaek, Gangwon Province, particularly Tanjeon Munhak(Coalfield Literature), made a significant contribution to discourse on coal mine poetry. These quantitative indicators suggest that coal mine poetry developed in close relation to the changing social and regional realities following the Coal Industry Rationalization Policy. The prompt and translocal responses of the regional literary field identified here warrant more focused examination in subsequent research. The study then extracts place markers from the coal mine poems included in the anthology and analyzes them by period, region, and type of relation. During the decline phase, place markers were found in more than half of the coal mine poems produced in that period. At the broad regional level, Gangwon was the most frequently represented area, while Taebaek was the most frequently represented locality. This distribution primarily reflects the scale and geographical distribution of Korea’s coal industry. However, the place markers in coal mine poetry cannot be reduced to a single administrative unit; rather, they reveal multilayered and complex configurations of locality. The analysis further suggests that these place markers are grounded in the lifeworld and form networks across localities. Accordingly, relations among localities and patterns of mobility represented in coal mine poetry require particular attention in examining its translocality. Quantitative analysis inevitably has limitations in addressing the specific and richly textured meanings of individual poetic texts, and these limitations should be addressed through subsequent research. Nevertheless, by analyzing the place markers in the Anthology of Korean Coal Mine Poems at multiple levels, this study identifies several significant tendencies and characteristics, including the responsiveness of the regional literary field, connections and mobility across localities, and linkages between patterns of publication media and regional cultural movements. The findings are expected to provide a basis for further research on coal mine poetry as regional literature, particularly in relation to literary and regional media, cultural movements, and translocality.

본고는 김기림의 ｢조선문학에의 반성―현대 조선문학의 한 과제｣와 정지용의 ｢조선시의 반성｣을 중심으로, 식민지 말기와 해방기에 제출된 반성 담론의 성격을 비교하였다. 두 사람은 모두 1930년대 조선시의 현대적 전환을 이끈 모더니스트였지만, 역사적 전환기를 통과하며 모더니즘의 성취를 반복하기보다 문학의 위치와 시인 주체의 책임을 다시 물었다. 김기림의 반성론은 조선 신문학 30년의 근대 수용 과정을 결산하는 문학사적 성격을 지닌다. 그는 조선의 근대가 생산적 토대 위에 충분히 정착하지 못한 채 소비와 도시적 자극의 표면에 머물렀다고 보았다. 그러나 그의 논의는 단순한 후진성론이 아니라, 근대의 파국과 동아협동체론이 교차하던 식민지 말기 담론장 속에서 조선문학이 근대의 유산을 어떻게 선별하고 자기화할 것인가를 묻는 것이었다. 반면 정지용의 ｢조선시의 반성｣은 해방 이후 조선시와 시인 주체의 재구성을 요청한 글이다. 그는 일제 말기 비정치성의 예술파가 조선어와 시적정서를 보존한 사실을 인정하면서도, 그것이 해방 이후 조선시의 기준이 되어서는 안 된다고 보았다. 나아가 본고는 김기림의 ｢새나라頌｣과 정지용의 ｢曲馬團｣을 함께 검토함으로써, 두 반성론이 해방기 시적 실천 속에서 각각 건설의 상상력과 불안한 주체의 형식으로 접속되거나 굴절되는 양상을 밝혔다.

This article compares the discourse of “reflection” articulated in Kim Ki-rim’s “Reflection on Chosŏn Literature: A Task for Modern Chosŏn Literature” and Jeong Ji-yong’s “Reflection on Chosŏn Poetry.” Although both writers were central modernist poets who led the transformation of Chosŏn poetry in the 1930s, they did not simply repeat their earlier modernist achievements during the historical transition from the late colonial period to liberation. Rather, they reexamined the position of literature and the responsibility of the poetic subject under changing historical conditions. Kim Ki-rim’s reflection has the character of a literary-historical reckoning with the thirty-year process through which Chosŏn new literature had received modernity. He argued that modernity in Chosŏn had not been firmly grounded in a productive social foundation, but had remained on the surface of consumption and urban stimulation. His argument, however, does not merely reproduce a discourse of backwardness. Instead, within the late colonial discursive field where the crisis of modernity and the logic of the East Asian Community intersected, Kim asked how Chosŏn literature could select, appropriate, and transform the legacy of modernity. By contrast, Jeong Ji-yong’s “Reflection on Chosŏn Poetry” calls for the reconstruction of Chosŏn poetry and the poetic subject after liberation. While acknowledging that the nonpolitical art-oriented poets of the late colonial period preserved the Korean language and poetic sentiment, Jeong argued that this could not become the standard for post-liberation poetry. This article further examines Kim’s “Ode to a New Nation” and Jeong’s “The Circus Troupe,” showing that their reflective discourses are related to poetic practice not as a linear development, but as different modes of connection and refraction: an imagination of construction in Kim’s case and a form of anxious subjectivity in Jeong’s.

본고는 백석의 후기 시편에 나타나는 현실 수용 양상의 변화 과정을 살피는것을 목적으로 한다. 이를 위해 ｢北方에서｣, ｢힌 바람벽이 있어｣, ｢南新義州柳 洞朴時逢方｣을 중심으로, 시적 화자가 현재의 현실을 이해하기 위해 과거를 재구성하고 삶의 원인을 정립하는 방식을 분석하였다. 세 작품은 모두 상실과 고독, 가난과 슬픔으로 점철된 현실을 배경으로 하며, 화자가 자신의 삶을 되돌아보면서 현실의 의미를 새롭게 구성한다는 공통점을 지닌다. 그러나 현실의 원인을 설정하는 방식과 그에 따른 수용 태도에서는 뚜렷한 차이를 보인다. 본고는이러한 차이를 현재의 관점에서 과거의 의미를 소급적으로 정립하는 ‘마침표’의 과정으로 파악하고, 각 작품에서 현실과 과거의 인과관계가 어떻게 형성되고 변형되는지를 검토하였다. ｢北方에서｣의 화자는 현실의 ‘없음’을 과거의 ‘배반’과 ‘속임’, ‘부끄러움’이초래한 결과로 받아들이며 삶을 스스로 초래한 비극으로 이해한다. 반면 ｢힌 바람벽이 있어｣에서는 가난하고 외로운 삶을 “하눌”이 귀하고 사랑하는 존재에게부여한 운명으로 의미화함으로써, 현실을 시인으로서 감당해야 할 귀한 조건으로 전환한다. ｢南新義州柳洞朴時逢方｣에서는 이러한 운명론적 인식마저 흔들리며, 현실의 원인을 과거의 잘못이나 초월적 존재의 의도로 온전히 설명할 수없다는 인식이 나타난다. 이때 출현하는 “굳고 정한 갈매나무”는 현실의 인과를해명하는 상징이 아니라, 불가해한 현실 속에서 어떻게 살아갈 것인가라는 새로운 질문을 가능하게 하는 윤리적·인식론적 표상이다. 이를 통해 본고는 세 작품이 현재의 현실을 이해하기 위한 소급적 재구성의 구조를 공유하면서도, 현실의원인을 각각 자기 자신, 초월적 존재, 그리고 원인 귀속의 불가능성이라는 서로다른 지점에 놓고 있음을 밝히고자 하였으며, 그 차이를 살피는 것에 초점을 맞추고자 하였다.

This study examines the changing modes of accepting reality in Baek Seok’s later poems. Focusing on From the North, There Is a White Wall, and In the Room of Park Si-bong in Yudong, South Sinuiju, it analyzes how the poetic speaker reconstructs the past and identifies the causes of his present circumstances in order to comprehend the reality he faces. All three poems are set against circumstances marked by loss, solitude, poverty, and sorrow, and they share the feature that the speaker retrospectively reflects on his life and thereby reconstructs the meaning of reality. They differ markedly, however, in the ways they locate the causes of reality and in the attitudes through which that reality is accepted. This study understands these differences as a process of retrospectively establishing a “point of conclusion” in relation to the past from the standpoint of the present, and examines how causal relations between past and present are formed and transformed in each poem. In From the North, the speaker interprets the present condition of “absence” as the result of his past “betrayal,” “deception,” and “shame,” thereby understanding his life as a tragedy of his own making. By contrast, in There Is a White Wall, poverty and solitude are reinterpreted as a destiny bestowed by “Heaven” upon those whom it holds dear, thereby transforming the speaker’s reality into a precious condition that he must endure as a poet. In In the Room of Park Si-bong in Yudong, South Sinuiju, however, even this fatalistic understanding begins to falter, as the speaker recognizes that the causes of reality cannot be fully explained either by past wrongdoing or by the intention of a transcendent being. The “steadfast and resolute buckthorn tree” that emerges at this point does not function as a symbol that explains the causal structure of reality; rather, it serves as an ethical and epistemological figure that opens up a new question of how one should live within an incomprehensible reality. This study thus argues that, while the three poems share a common structure of retrospectively reconstructing the past in order to understand present reality, they differ in where they locate the cause of that reality: respectively, in the self, in a transcendent being, and in the impossibility of assigning a determinate cause. The study ultimately elucidates these differences as distinct modes of understanding and accepting reality.