Earticle

본고는 식민지 말기 요절한 시인 심연수(沈連洙)의 육필 시고집 『지평선(地平線)』을 대상으로, 그의 초기 시에 투영된 디아스포라적 유랑체험과 실존의식의 형상화 과정을 고찰하는 데 목적이 있다. 심연수는 강릉에서 러시아, 간도, 일본으로 이어지는 근대 이주사의 격변을 온몸으로 겪으며, 이를 문학적 실존의 언 어로 승화시킨 시인이다. 그간의 연구가 그를 ‘민족 시인’이라는 거대 담론이나 이데올로기 안에서 조명해 왔다면, 본고는 시인이 직접 선별하고 배열한 육필 원고의 ‘정신적 연대기’에 주목하여 단독자로서의 실존 미학을 규명하고자 했다. 연구의 전개는 세 단계의 실존적 층위로 구성된다. 첫째, ‘경계의 이동과 유 랑하는 단독자’의 양상으로서 시인은 수동적인 이주를 주체적 결단에 의한 ‘기투적 유랑’으로 변모시킨다. 이 과정에서 화자는 공동체의 안전망에서 분리되어 고립된 ‘단독자’로서의 고유성을 획득한다. 둘째, ‘타향의 현존성과 주체적 자 각’으로서 도쿄라는 제국의 중심부에서 마주한 근대 도시의 화려한 풍경 뒤에 숨겨진 피식민 지식인의 소외와 결핍을 직시하고, 이를 오히려 현실의 허구성을 통찰하는 주체적 각성의 동력으로 치환한다. 셋째, ‘민족 공동체의 근원성과 생 명성’으로서 시인의 유랑체험을 조국의 운명 및 ‘미완의 역사’와 결합하여 새로 운 생명력을 길러낸다. 그럼으로써 파편화된 개인의 삶을 민족 공동체의 역사성 에 편입시키며 실존적 지평으로 확장된다. 이처럼 심연수의 초기 시집 『지평선』은 유랑으로 분절된 자아를 언어로 갱신 하려는 치열한 자기 구원의 시학이라 할 수 있다. 시인은 타향이라는 고립된 현 존 속에서도 모국어를 사수하며 자신의 존재를 역사적 생명력의 차원으로 격상 시켰다. 이에 본고는 심연수 문학을 유고 복원의 차원을 넘어 현대적인 실존 미학의 관점에서 재해석함으로써, 식민지 말기 디아스포라 문학이 도달한 독보적 인 성취를 확인하였다는 점에 의의가 있다.

This study aims to examine the diasporic wandering experience and the formation of existential consciousness in the early poetry of Shim Yeon-su (沈連洙, 1918–1945), specifically focusing on his handwritten poetry collection, Jipyeongseon (The Horizon). Shim was a poet who embodied the turbulence of modern migration—traversing from Gangneung to Russia, Longjing (Kando), and Tokyo—and sublimated these experiences into the language of literary existence. While previous studies have primarily viewed him through the macro-discourse of a “nationalist poet” or ideological frameworks, this paper focuses on the “spiritual chronicle” of his handwritten manuscripts to identify his existential aesthetics as a “solitary individual (the lonely one).” The research unfolds through three existential layers. First, in terms of “Movement of Boundaries and the Wandering Solitary Individual,” the poet transforms passive migration into “existential project-oriented wandering (Entwurf)” through subjective determination. In this process, the speaker attains self-awareness as a “solitary individual,” detached from the protective framework of the community. Second, regarding “The Presence of Foreign Lands and Subjective Realization,” the poet confronts the alienation and deprivation of a colonized intellectual hidden behind the flamboyant landscapes of Tokyo. He converts this experience into a driving force for subjective awakening, thereby exposing the illusion of reality. Third, through “The Rootedness and Vitality of the National Community,” the poet connects his wandering experience with the destiny of the motherland and its “incomplete history,” cultivating a renewed sense of vitality. Thus, he expands his existential horizon by incorporating his fragmented individual life into the historical context of the national community. In conclusion, Shim Yeon-su’s early poetry collection, Jipyeongseon, represents a poetics of intense self-salvation, attempting to renew a self fragmented by wandering through language. Despite the isolated presence in foreign lands, the poet preserved his mother tongue and elevated his existence to a dimension of historical vitality. This study is significant in that it reinterprets Shim Yeon-su’s literature beyond the level of manuscript restoration, repositioning it within the framework of modern existential aesthetics and highlighting the distinctive achievements of diaspora literature in the late colonial period.

본 연구의 목적은 월남 시인 홍윤숙(1925~2015) 시에 나타난 여성성과 디아 스포라적 특성을 변증적 사유에 근거하여 고찰하는 데 있다. 홍윤숙은 평안도 정주에서 출생한 월남 시인으로서 여성이 가진 특이성을 통해 타향에서 이산과 이주 등을 시화한 1세대 디아스포라 여성 시인이다. 홍윤숙의 디아스포라 의식은 만 4살 때 평북 정주에서 서울로 이사하면서 겪 은 이산과 전쟁으로 인한 분리, 불안 등의 홀로서기 경험을 토대로 드러난다. 남한에 거주한 디아스포라인이라는 특성상 소수자이자 주변 인물로서 불일치된 정체성을 형성하게 되었고 이 같은 요소가 그녀의 문학 세계를 관통하는 핵심 특성으로 작용하였다. 기억 속에서 영원히 기억되는 유토피아적 공간으로서의 고향은 자기 내면을 응시하기 위한 매개체로서 기능한다. 그러나 고향에 대한 집념은 존재적 고립감을 남기는 양상으로 발현되기도 하였다. 전쟁과 분단 후에는 디아스포라인으로서의 경계인 의식이 한층 더 강화되었 다. 고향은 더 이상 갈 수 없는 곳이 되었고 이방의식은 실향의식과 결합되어 경계인이 느끼는 혼란함을 배가시켰다. 그러나 타자(이향)를 인정함으로써 경계 인의 한계를 극복하고자 하는 시적 태도를 드러내고, 주체가 고립된 시공간에서 벗어나 새로운 공간과 연대를 형성하려는 모습을 발견할 수 있었다. 또한 홍윤숙에게 디아스포라 의식은 월남 여성 고유의 정체성으로 부과되는 데, 남성 중심 사회에서 여성에 대한 사회적 차별과 어디에도 속하지 못하는 주 변인으로서의 디아스포라적 성격이 불일치된 상태로 심화된다. 그러나 이에 머 물지 않고 젠더적 억압을 이겨내려는 홍윤숙의 시적 성찰은 새로운 유대 속에 서 홀로서기 의지를 내재하는 것으로 나아간다. 이 같은 홍윤숙의 시 세계를 탐색하기 위해, 본 연구는 레비나스의 ‘시간과 타자’의 철학적 사유를 분석 도구로 설정하였다. 여기에 근거하여 홍윤숙 시에 나타난 디아스포라 의식을 이향 디아스포라와 이방의식, 분단 디아스포라와 실향의식, 여성 디아스포라와 젠더의식으로 구분하여 개진하고 변증적 디아스포라로 귀결하였다.

The purpose of this study is to examine the femininity and diasporic characteristics manifested in the poetry of Hong Yun-suk (1925–2015) through a dialectical framework. Hong Yun-suk was born in Jeongju, Pyeongan-do in North Korea and became a poet who defected to South Korea. She is recognized as a first-generation diasporic female poet who depicted displacement and migration in foreign lands through distinctly feminine perspectives. Hong Yun-suk’s diasporic consciousness is revealed through her experiences of standing on her own—including displacement, anxiety, and separation caused by war—which she underwent while moving from Jeongju, North Pyongan Province, to Seoul at the age of four. As a diaspora living in South Korea, she formed a conflicted identity as both a minority and an outsider, and these tensions became central elements permeating her literary world. Her hometown, as a utopian space forever remembered in her memory, functions as a medium through which she reflects on her inner self. However, her obsession with her hometown also manifested as a sense of existential isolation. After the war and national division, her consciousness of being a person on the border as a diaspora was further intensified. Hometowns became places that could no longer be returned to, and the sense of alienation, combined with the sense of displacement, deepened the confusion felt by people on the border. However, by adopting a poetic stance that acknowledges the Other (the homeland), she seeks to transcend the limitations of border existence. Through this process, her poetic subject attempts to break free from isolated time and space and establish solidarity within a new spatial context. Furthermore, for Hong Yun-sook, diaspora consciousness is imposed as a unique identity of women defecting to the South; however, this intensifies the tension between gender discrimination in a male-dominated society and her diasporic nature as an outsider belonging nowhere. Yet, rather than remaining confined within these constraints, her poetry reflects a conscious effort to overcome gender oppression, ultimately expressing a strong will to stand on her own within new bonds. To explore this poetic world of Hong Yun-suk, this study establishes the philosophical thought of Levinas’s “Time and the Other” as an analytical tool. Based on this approach, the study categorizes the diaspora consciousness in her poetry into three dimensions: homeland diaspora and alien consciousness, division diaspora and displacement consciousness, and female diaspora and gender consciousness. It ultimately proposes the concept of dialectical diaspora as a comprehensive analytical conclusion.

본 연구는 조해진의 소설 『로기완을 만났다』(2011)와 김유경의 소설 『청춘연 가』(2012)를 중심으로 작품에 나타난 비인간화(Dehumanization)의 양상 및 ‘비/승인’이 지닌 의미에 대해 분석한 논문이다. 한국 작가인 조해진의 소설이 타자의 시선을 통해 탈북자의 고통을 재현한 서사라면, 탈북 작가인 김유경의 소설은 탈북여성을 초점화자로 내세워 이들이 직접 겪은 탈출과 정착의 고통스 러운 과정을 재현한 서사이다. 그러나 두 소설 모두 무국적의 상태에서 비인간 화된 존재들을 그려내고, 이들에 대한 비승인과 승인의 문제를 전면적으로 다루 고 있다는 점에서 공통점을 지닌다. 『로기완을 만났다』는 탈북자 로기완의 행적을 통해 국경을 가로지는 탈북자 들이 생존을 위해 ‘위장’과 ‘오인’의 과정 속에서 겪는 비인간화와 이방인에 대 한 ‘승인’의 문제를 다루고 있다. 이 소설에서는 벨기에에서 어렵게 난민의 지 위를 획득하지만 불법 체류자인 연인을 따라 다시 무국적자의 삶을 선택하는 로의 행동과 로의 아픔을 공감하는 서술자 ‘나’의 서사를 통해 진정한 승인의 의미를 생각하게 한다. 또한 『청춘연가』에서는 북한 여성이라는 이유로 성적 착취의 대상이 된 탈북여성의 비인간화의 과정과 남한에서의 정착 문제를 그린 다. 이들은 인간 이하의 삶에서 탈출해서 남한에 정착하지만 다시 남한 사람과 닮아지기를 강요당한다. 그러나 이들은 남한 사람을 모방함으로써 남한에 동화 되는 수동적 객체가 아니라 남한 사회 내에 이질적인 북한 문화를 교섭, 전이하 는 능동적 주체로 변화한다는 점에서 의의를 지닌다. 또한 중국에 두고 온 딸과 의 재회를 통해 고통스러운 트라우마와 대면하는 선화의 모습을 통해 진정한 존재의 승인을 위해서는 스스로에 대한 승인 역시 필요함을 살펴 보았다. 두 서 사의 주인공인 로와 선화는 모두 타자와의 상호 인정이라는 사랑을 통해 자신 을 긍정할 수 있었다. 결론적으로, 비인간화된 존재에 대한 승인의 문제를 다룬 이러한 탈북 문학 은 우리 사회를 비추는 하나의 비판적인 거울이 될 수 있으며, 우리 사회를 좀 더 열려 있는 혼종성의 사회로 만들어 갈 수 있는 시각을 제안한다는 점에서 의 의를 지닌다고 할 수 있다.

This study analyzes the aspects of dehumanization and the meanings of recognition and non-recognition represented in Cho Hae-jin’s I Met Lo Kiwan (2011) and Kim Yu-kyung’s Cheongchun Yeonga (A Love Song of Youth, 2012). While Cho Hae-jin, a South Korean author, portrays the suffering of North Korean defectors through the gaze of others, Kim Yu-kyung, herself a defector, reconstructs the painful processes of escape and resettlement by foregrounding a North Korean female defector as the focal narrator. Despite these differences, both novels share a common feature in that they depict dehumanized subjects in stateless conditions and centrally address the issues of recognition and non-recognition. I Met Lo Kiwan explores the dehumanization experienced by defectors crossing national borders, as well as the problem of recognizing the foreign Other, through the trajectory of the North Korean defector Lo Kiwan. The novel illustrates how defectors undergo processes of disguise and misidentification for survival. Although Lo eventually acquires refugee status in Belgium, he chooses to return to a stateless existence by following his undocumented lover. Through Lo’s decision and the first-person narrator’s empathetic engagement with his suffering, the novel invites reflection on the meaning of genuine recognition. Cheongchun Yeonga (A Love Song of Youth) depicts the dehumanization of North Korean female defectors who are subjected to sexual exploitation on account of their identity as North Korean women, as well as the challenges they face in settling in South Korea. Although they escape subhuman conditions and resettle in South Korea, they are pressured to assimilate by becoming similar to South Koreans. However, rather than remaining passive objects of assimilation through imitation, they emerge as active subjects who negotiate and transmit heterogeneous North Korean cultural elements within South Korean society. Furthermore, through Sunhwa’s reunion with the daughter she left behind in China and her confrontation with traumatic memories, the novel suggests that self-recognition is also essential for achieving genuine recognition. Notably, both protagonists, Lo and Sunhwa, come to affirm themselves through love understood as mutual recognition with the Other. In conclusion, North Korean defector literature that addresses the problem of recognizing dehumanized subjects functions as a critical mirror reflecting contemporary society. It is significant in that it offers a perspective for transforming society into a more open and hybrid community.

아시아・아프리카작가회의는 제국주의 이데올로기에 맞서 아시아, 아프리카 민족의 독립과 민중문화 구축을 위해 투신한 제3세계 작가운동 조직이다. 1950 년대 말에 창설되어, 30여 년간 약 60개국 수백 명의 작가가 참여하면서 압도 적인 규모의 반제국주의 문학의 국제 연대를 실현하였다. 이 글에서는 아시아・ 아프리카 작가운동의 전개 과정을 중국, 소련, 일본의 역학과 활약을 중심으로 정리하였다. 소비에트 연방에 소속된 중앙아시아를 근거로 작가회의에 참여한 소련의 영향력, 소련과 대립하며 중국식 사회주의의 확산에 부심했던 중국의 활동과 이탈, 식민지 가해국이었던 과거를 뒤로 하고 반제국주의 운동에 참여한 일본의 활약 그리고 한국의 소외와 그 배경을 살펴보았다. 이를 바탕으로 아시 아・아프리카 작가운동을 역사화하는 과정에서 반복해서 등장하는 ‘정치 과잉’ 이라는 언설의 역설적인 의미를 고찰하였다. 양대 진영으로부터 거리를 두고 새 로운 국제주의를 모색하였으나 미국과 소련의 그늘 아래에서 중국과 소련의 대 립에 휘말린 60년대 중반 아시아・아프리카작가회의의 상황 그리고 작가들의 회합이라고 하기에는 지나치게 정치적이라고 비판받았으나 정작 ‘진정으로 정 치적인 것’은 봉인해버린 아시아・아프리카작가회의 도쿄대회를 바탕으로 정치 과잉의 역설을 분석하였다. 마지막으로 김지하 시인의 로터스상 수상의 의미를 반생산주의와 생명의 문화라는 측면에서 살펴보고 작가운동의 방향성을 모색해 보았다.

The Asian-African Writers’ Association was an organization within the Third World writers’ movement dedicated to opposing imperialist ideology and striving for the independence of Asian and African nations as well as the establishment of popular culture. Founded in the late 1950s and dissolved in the early 1990s, it brought together hundreds of writers from some 60 countries over a period of approximately 30 years, thereby realizing international solidarity in anti-imperialist literature on an unprecedented scale. This paper examines the development of the Asian-African writers’ movement, focusing on several key factors: the influence of the Soviet Union, which participated in the congresses based in Central Asia; the active role of Japan, a former colonial power, in the contemporary anti-imperialist writers’ movement; China’s involvement and subsequent withdrawal as it sought to spread Chinese-style socialism while opposing the Soviet Union; and South Korea’s marginalization and its underlying context. Furthermore, this paper analyzes the paradoxical meaning of the discourse of “political excess”—a term that repeatedly emerges in the process of historicizing the Asian-African writers’ movement—by examining the situation of the mid-1960s, when efforts to seek a new internationalism by distancing oneself from the two major blocs were caught up in the Sino-Soviet split under the influence of both the United States and the Soviet Union, as well as the Tokyo Conference, which, although criticized as being overly political for a writers’ gathering, in fact suppressed what was “truly political.” Finally, this paper examines the significance of poet Kim Ji-ha’s receipt of the Lotus Prize from the perspectives of anti-productivism and ecological humanity and the language of life, and explores the direction of the writers’ movement.

이 논문은 ‘제노사이드 문학’ 개념을 통해서 ‘홀로코스트 문학’을 비교문학적 인 연구의 대상으로 재설정할 것을 주장한다. 홀로코스트 문학이라는 틀은 제노 사이드라는 20세기 역사의 보편적 폭력의 양식을 비가시화하고 유럽의 홀로코스 트를 재현과 인식의 표준으로 세우는 홀로코스트 패러다임을 강화한다. 그로 인 해서 가해자의 권력과 통제가 지속되는 검열과 환경 속에서 창작되어 온 한국문 학과 같은 탈식민·냉전의 제노사이드에 대한 재현 등을 유럽의 담론질서 속에 종 속시킬 수 있는 위험을 내재하고 있다. 이를 극복하기 위해서는 개별의 사건인 홀로코스트를 제노사이드라는 폭력의 구조 속에서 이해하고 분석하는 제노사이 드 문학의 비교문학적 분석을 시도하여 한다. 이 논문에서는 한국 제노사이드 문 학 연구의 이론적 도구와 기억과 재현의 조건을 홀로코스트 문학과 비교함으로 써 비교문학 연구방법론으로서의 제노사이드 문학의 가능성을 검토하고자 한다.

This paper argues for the recontextualization of “Holocaust literature” as a subject of comparative literary study through the conceptual lens of “genocide literature.” The existing framework of Holocaust literature reinforces what may be called the “Holocaust paradigm,” which obscures genocide as a universal form of violence in 20th-century history, thereby establishing the European Holocaust as the absolute standard for representation and cognition. Consequently, this paradigm carries the inherent risk of subordinating the literary representations of postcolonial and Cold War genocides—such as Korean literature, which has been produced in environments of ongoing censorship and perpetrator control— to a European discursive order. To overcome this limitation, this study proposes a comparative literary analysis of genocide literature that comprehends and analyzes the Holocaust, a specific historical event, within the broader structural violence of genocide. By comparing the theoretical tools and the conditions of memory and representation in Korean genocide literature with those found in Holocaust literature, this paper aims to examine the potential of genocide literature as a methodology for comparative literary studies.

한국 희곡사에서 여성 작가의 활동이 최초로 태동한 시기는 1930년대이다. 그러나 본격적으로 두각을 나타낸 것은 1960년대에 이르러서이다. 그 선두에 특히 희곡 분야에는 김자림이 있다. 1959년 등단한 김자림은 여성 문제뿐만 아 니라 다양한 사회·정치적 문제까지 텍스트에 폭넓게 수용하여 작품 세계를 심도 있게 구축하였다. 본고는 1971년 출간된 작품집 『이민선』에 수록된 희곡 8편 전체를 분석 대상으로 삼았다. 우선 텍스트 전반의 주요 모티브인 가족 구성원간의 갈등에 초점을 맞추어 개별 작품을 분석하고, 나아가 작품집 전체를 관통 하는 작가의 문제의식과 인물 유형의 특징을 고찰하였다. 특히 개인의 내적 갈 등은 물론 가족·이웃과의 갈등, 나아가 인물이 속한 사회 및 지배담론과의 대립 양상까지 검토하였다. 그 결과 개인적·경제적·국가적 이데올로기가 각각 개인의 욕망, 근대화·자본화의 논리, 반공 이데올로기와 맞물리며 가족 분열과 해체의 원인으로 작동하고 있음을 확인하였다. 본론 2장에서는 김자림의 텍스트에서 남성 인물보다 상대적으로 다양하게 나타나는 여성 인물을 유형화하고 그 주된 특징과 여성성 구현 양상을 분석하였다. 이어 3장에서는 작품의 배경이 되는 공 간에 주목하여, 불가피한 선택지로서의 국가, 무분별하게 산업화된 도시, 여성 의 유폐를 상징하는 방 등을 중심으로 인물의 욕망 구도가 어떻게 구현되었는 지 살펴보았다. 요컨대 김자림의 『이민선』은 1960년대라는 시대 상황을 사실적이고도 문제 적으로 재현하고 있음을 알 수 있었다. 또한 김자림의 텍스트는 당시의 시공간 속에 실제로 존재했을 법한 다양한 인물의 욕망과 현실 인식, 그리고 당면 과제 들을 구체적으로 형상화하고 있었다. 특히 여성 주체가 맞닥뜨린 현실적 좌절과 한계는 물론, 억압된 욕망을 섬세하고 내밀하게 그려냈다는 점에서 김자림의 1960년대 희곡 텍스트는 독자적인 의의와 선구적 가치, 그리고 주목할 만한 문 학사적 위상을 충분히 지닌다고 평가할 수 있다.

This study analyzes all eight plays in The Emigrant Ship, a collection of plays by Kim Ja-rim published in 1971. First, it examines the individual works with a focus on conflicts among family members, which function as a main motif throughout the entire text, and then explores the writer’s awareness of issues in the entire collection of works as well as the characteristics and types of figures represented in the plays. The study also covers conflicts within families and between neighbors, along with individuals’ internal struggles, and extends its coverage to the ruling discourse with the society to which the characters belong. The work depicts how individual, economic, and national ideologies are intricately intertwined with individuals’ desires, the logic of modernization and capitalization, and anti-communist ideology, all of which eventually contribute to tearing or even ripping families apart. In particular, Chapter 2 in this study classifies the female characters who feature relatively more diverse types of figures compared to male counterparts in Kim Ja-rim into several categories and analyzes their characteristics and expressions of femininity. Chapter 3 focuses on the spatial background of the plays, paying particular attention to the nation as an inevitable choice, the devastation of indiscriminately industrialized cities, and the confined domestic spaces occupied by women, thereby examining the broader structure of the characters’ desires across the works. In conclusion, The Emigrant Ship by Kim Ja-rim demonstrates the vivid picture of the ordinary people’s lives back in the 1960s through unfiltered lens in a realistic and straightforward manner. It also brilliantly portrays the desires and perceptions of reality among various figures who existed back in the days and places along the circumstances of the times through realistic reconstruction and reproduction. In particular, Kim Ja-rim’s plays in the 1960s deserve more than a distinguished recognition in literary history as well as their independent significance and value in that they superbly portray the repressed desires of women, along with their awareness of reality, frustration, and structural limitations.

이 글은 1980년대 무크지 『삶의文學』에 나타난 르포와 공동창작시를 중심으 로 농민 표상과 저자성의 문제를 재검토하는 데 목적이 있다. 기존 연구가 『삶의文學』을 지역문학운동의 한 사례로 평가해 온 것과 달리, 본고는 『삶의文學』 의 형식적 실험이 1980년대 민중문학운동의 특수한 사례였으며, 그 목표가 ‘이상적인 농민 저자성’을 구성하거나 ‘도시 노동자와 농촌 주민의 삶을 분유하는 것’이었음을 주목한다. 삶문동인은 초기에는 수기에 눈길을 두었다. 제5호의 수기 특집의 경우 단순 한 경험 기록이 아니라 사회 현실에 대한 비판의식을 드러내는 텍스트를 강조 함으로써 ‘성찰하는 민중’이라는 표상을 강조했다. 그런데 삶문동인은 수기가 삶의 단면을 나열하는 데 그치며 상업화되어 ‘진정한 삶의 표현’과 비판적 윤리 를 담아내지 못한다고 보았다. 따라서 농민의 삶을 보다 깊이 있게 재현하고 ‘삶의 진실’과 전망을 형상화하기 위해 르포와 공동창작 같은 새로운 문학 형식으로 이행했다. 제6호의 르포 「녹두밭 윗머리 사람들」은 농민의 발화와 서술자의 해석을 병 치하면서 초기에는 농민을 ‘억압된 존재’로 표상하지만, 후반으로 갈수록 농민 의 발화를 따라가는 방식으로 서술태도가 변화한다. 이는 지식인과 민중 사이의 간극을 줄이려는 실천적 시도로 이해된다. 또한 공동창작시 「옹매듭두 풀구유」 를 비롯한 작품들은 농민의 구술과 작가의 형식적 개입이 결합된 대화적 장르로서, 서로 다른 계급의 언어와 의식이 상호작용하는 장을 형성한다. 나아가 이러한 작품들은 농촌 현실의 고발과 함께 농민과 도시 노동자의 연대 가능성을 제시한다. 결론적으로 『삶의文學』은 단순히 창작 주체를 확대한 매체가 아니라, 수기· 르포·공동창작이라는 형식적 실험을 통해 농민의 이상적인 저자성을 구성하고, 작가가 민중을 일방적으로 대변하는 위계적 관계에서 벗어나, 농민의 발화를 수 용·재구성하고 공동창작의 형식을 통해 서로의 언어와 의식을 교환하는 대화적 관계로 전환하려 한 문학운동으로 평가될 수 있다.

This study aims to reexamine the representation of farmers and the issue of authorship in the 1980s mook Life and Literature, focusing on its reportage and collaborative poetry. While previous studies have evaluated Life and Literature primarily as a regional literary movement, this paper argues that its formal experiments should be understood as a distinctive practice within the people’s literature movement of the 1980s. In particular, it highlights that the journal sought to construct an “ideal form of farmer authorship” and to create a space for sharing the lived experiences of urban workers and rural communities. In its early phase, the editorial collective paid close attention to autobiographical writings. In issue no. 5, these texts were not merely records of personal experience but were selectively emphasized to foreground a critical awareness of social reality, thereby shaping the image of “self-reflective people.” However, the editors came to regard such writings as limited, arguing that they often remained at the level of fragmentary descriptions of everyday life and, due to their commercialization, failed to embody the “truth of life” or a critical ethical perspective. As a result, they shifted toward new literary forms such as reportage and collaborative writing in order to represent rural life more profoundly and to articulate both the “truth” and the future prospects of lived experience. The reportage People at the Upper Field of Green Peas (issue no. 6) juxtaposes farmers’ voices with editorial interpretation. While it initially portrays farmers as “repressed subjects,” the narrative stance gradually shifts toward a closer alignment with their voices. This transformation can be understood as a practical attempt to bridge the gap between intellectuals and the people. Meanwhile, collaborative works such as Untying the Knotted Bonds function as dialogic genres in which farmers’ oral expressions and writers’ formal interventions intersect, creating a space where different class-based languages and forms of consciousness interact. These works not only expose the realities of rural life but also suggest the possibility of solidarity between farmers and urban workers. In conclusion, Life and Literature should not be seen merely as a medium that expanded the range of literary subjects. Rather, through formal experiments in autobiographical writing, reportage, and collaborative creation, it sought to construct an ideal form of farmer authorship and to transform the hierarchical relationship in which writers unilaterally represent the people into a dialogic relationship based on the exchange of language and consciousness.

이 글은 최승자 후기시를 노장사상과 심층생태주의의 교차 지점에서 독해함 으로써, 그 시편들에 나타나는 ‘상생’의 사유를 인간중심주의와 동일성의 논리 를 해체하는 비지배적 관계 윤리로 규명하였다. 그간 최승자 연구는 주로 초기 시편의 부정성, 사랑, 여성성, 죽음의식 등에 집중해왔으며 후기 시세계의 사상 적·시학적 전환은 상대적으로 충분히 조명되지 못했다. 이에 본고는 후기 텍스트로 분류되는 『쓸쓸해서 머나먼』, 『물 위에 씌어진』, 『빈 배처럼 텅 비어』를 대상으로 삼아 노장적 사유와 생태적 감수성의 접점을 분석하였다. 최승자의 후기 텍스트는 노자의 무위·자연·허·무의 사유를 통해 시적 자아가 실체적 자아의 강박에서 벗어나 비움과 여백의 존재론으로 나아가는 과정이 드 러나 있으며, 나아가 장자의 제물론과 소요유를 경유하여 자아와 타자, 인간과 비인간을 구획하는 분별의 체계가 해체되면서 상생의 윤리가 형성되는 양상을 보인다. 나아가 최승자의 후기 시작들은 심층생태주의가 제기하는 인간중심주 의 비판, 생명의 상호의존성, 비인간 존재의 내재적 가치라는 문제의식을 담지 하고 있다. 정리해보면 최승자의 후기시는 타자의 내재적 가치를 온전히 승인하는 공존 의 삶을 지향하며 이를 자기 소거와 비움의 실천을 수반하는 ‘상생’의 윤리로 형상화된다. 이때 ‘상생’은 타자를 배제와 대립의 대상으로 간주해 온 분별적 인식을 넘어서는 지점에서 비로소 가능해지는 관계의 윤리이자 최승자 후기시 세계의 핵심적 사유를 구성하는 시적·윤리적 원리라 할 수 있다.

This article examines Choi Seung-ja’s later poetry through the convergence of Lao-Zhuang thought and deep ecology. It argues that the notion of Sangsaeng (Mutual Flourishing) in her later poems articulates a non-dominative relational ethics that dismantles anthropocentrism and the logic of modern identity. While previous scholarship has focused mainly on Choi’s early poetry—especially its themes of negativity, painful love, transgressive femininity, and a consciousness of death—her later works have received relatively little attention. This study therefore analyzes Because I Am Lonely and Far Away, Writing on Water, and Empty like a Hollow Boat, with particular attention to the intersection of Lao-Zhuang philosophy and ecological sensibility. Choi’s later poetry reveals a movement away from the compulsion of a fixed self toward an ontology of emptiness and openness, shaped by Laozi’s concepts of wuwei, ziran, xu, and wu. In these poems, the poetic subject no longer seeks to dominate the world, but instead empties the self in order to enter a more expansive mode of being. At the same time, Zhuangzi’s ideas of Qiwulun and Xiaoyaoyou provide a crucial framework for deconstructing hierarchical distinctions between self and other, and between the human and the nonhuman. In this respect, Choi’s later poetry closely resonates with deep ecology’s critique of anthropocentrism and its affirmation of the interdependence and intrinsic value of all life. Ultimately, Sangsaeng (Mutual Flourishing) emerges as both a poetic principle and an ethical horizon for confronting ecological crisis and existential disconnection.

근대문학연구에서 진화론은 숱하게 등장하지만 ‘과학으로서의 진화론’에 대 한 이해는 깊이 있는 통찰을 결여하고 있다. 이로 인해 진화론을 토대로 자신의 철학을 전개했던 철학자의 사상을 오해하는 경우마저 나타나고 있다. 예컨대 한 국 근대문학연구에서 1920년대 ‘다이쇼 생명주의’ 원천의 하나로 꼽히는 앙리베르그손(Henri Bergson, 1859-1941)의 생명철학에 대한 이해가 여기에 해당 한다고 할 수가 있다. 베르그손의 철학을 ‘낭만주의’로 수렴하는 것이 한국 근 대문학연구의 최근의 흐름이다. 베르그손 철학의 바탕을 이루는 ‘과학’과 ‘진화 론’을 소홀히 다루었던 것이다. 베르그손의 ‘과학’과 ‘진화론’에 대한 인식을 전 제하지 않고는 그의 생명철학의 정수(精髓)를 이해할 수 없을 터다. 이 글은 이 러한 전제 속에서 1920년대 염상섭과 박영희의 진화론에 대한 인식과 사회주의 문학론의 방향성을 비교·분석하고자 한다. 특히 둘의 진화론 수용이 누구를 통 한 것인지, 즉 수용의 경로를 중요하게 다룰 것이며, 거기서 산출되는 사상적 배경이 사회주의를 인식하고 나아가 그들의 문학론에 대한 방향 설정에도 영향 을 끼쳤음을 확인할 것이다. ‘과학적 사회주의(Scientific Socialism)’란 용어에 주목하는 이유도 여기에 있다. 사회주의를 과학으로 만들기 위한 장치로 진화론 을 차용하면서 이 용어가 정착했기 때문이다. 문제는 1920년대 초반 사회주의 문예담론을 논하는 자리에서 ‘과학’으로 ‘진화론’을 상정하는 경우가 많지만 그 성격이 어떠한 것인지, 즉 철학적 유형에 대해서는 별다른 관심을 두지 않았다 는 점에 있다. 본고에서는 진화론의 유형, 그중에서도 에른스트 헥켈(Ernst Haeckel, 1834-1919)로 대표되는 ‘기계적 진화론’과 앙리 베르그손의 ‘창조적 진화론’을 중요한 비교와 분석의 대상으로 삼을 것이다. 논문 표제를 ‘사회주의 문학론의 방향성’이라 한 것은 박영희·염상섭의 사회주의 문학론보다는 그 흐름 의 기본 방향에 초점을 맞추고자 하기 때문이다. 즉 사회주의의 도래를 ‘필연성’ 으로 보는가, 아니면 사회주의의 도래의 ‘당위’는 인정하지만 예정된 수순처럼 다가오는 것이 아닌, 주체들의 ‘의지’에 의해 그 도래가 결정된다고 보느냐, 하는 문제에 주목하고자 하는 것이다. 이것은 진화론에 대한 인식과 결부되어 나타난다.

Ernst Mayr (1904-2005), often referred to as the “Darwin of the 20th century,” applied philosophical ideas such as those of Kant, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzsche, and even Bergson and Whitehead to Darwin’s theory of evolution, thereby clarifying the relationship between evolutionary theory and philosophy. Mayr’s philosophical interpretations also suggest new methodologies in literary research. For example, they enable a reconsideration of the philosophy of life of Henri Bergson (1859-1941), one of the sources of "Daisho vitalism" in the 1920s in the study of modern Korean literature. Under this premise, this article comparatively analyzes the perceptions of Yeom Sang-seop and Park Young-hee on the theory of evolution in the 1920s and the direction of socialist literature. In particular, it examines the sources and pathways through which the two types of evolutionary theory were received, demonstrating that the ideological backgrounds produced from them influenced the recognition of socialism and shaped the direction for their literary theory. This study pays particular attention to the concept of “scientific socialism,” which was established by appropriating evolutionary theory as a means of legitimizing socialism as a science. However, although ‘evolutionary theory’ was often assumed as ‘science’ when discussing socialist literary discourse in the early 1920s, it did not pay much attention to what its character was like, that is, the philosophical type. In this paper, the types of evolutionary theory, especially ‘mechanical evolution’ represented by Ernst Haeckel (1834-1919), and Henri Bergson’s ‘creative evolution’ will be the subjects of important comparison and analysis. The thesis title is called ‘direction of socialist literature theory’ because it intends to focus on the basic direction of the flow rather than Park Young-hee and Yeom Sang-seop’s socialist literature theory. In other words, this study raises the question of whether we view the advent of socialism as ‘necessity’ or whether we recognize the ‘duty’ of the advent of socialism but see that its arrival is determined by the ‘will’ of subjects rather than coming like a scheduled procedure. This problem is closely intertwined with their respective understandings of evolutionary theory.

기후 위기와 코로나19를 경험하는 동안 한국시는 인간이라는 자기의식에 대 한 해체와 전환을 촉구하며 비인간에 대한 상상력을 표출해왔다. 동식물은 물론 자연과 환경으로 간주되었던 비인간 행위자의 등장은 기후 위기 시대 인류의 당면 과제를 환기할 뿐 아니라 생태문학의 전환을 요구하는 현상으로 해석된다. 이와 같은 현상을 전제로 이 논문은 2020년 전후 한국시에 나타난 비인간에 대한 상상력과 재현 전략을 분석하고 이를 토대로 생태시의 전망을 도출하고자 했다. 먼저 시에 나타난 신체성에 주목하여 ‘동물 되기‘ 전략을 분석했다. 인간의 정체성을 넘어서고자 하는 ‘동물 되기’는 끊임없이 유동하고 생성되는 신체 이 미지를 생산함으로써 주체화를 지연시키며 주체를 정체화하지 않도록 만드는 재현 전략이다. 이에 비해 반려종의 실천으로서 ‘함께 되기’는 이질적인 것들과 뒤얽히며 차이와 연결을 중심으로 세계를 재구성해나가기 위한 재현 전략이다. 끝으로 의인화는 인간의 삶에 개입하는 비인간의 행위성을 세계에 대한 참여로 받아들이기 위한 재현 전략이다. 기후 위기 시대에 이른 한국 생태시는 21세기 생태시의 전망을 모색하는 시 점에 이르렀다. 비인간에 대한 시적 상상력과 재현 전략은 다음과 같은 생태시 의 전망을 도출하게 한다. 첫째, 신체성을 매개로 인간의 주체성을 벗어나 다른 존재 되기를 시도하는 시. 둘째, 주체와 연결된 타자성에 관심을 기울이며 분리 불가능한 관계로서 반려종의 관계와 윤리를 탐색하는 시. 셋째, 비인간을 생태 계는 물론 인간의 사회 정치적 현실의 참여자로 인정하고 그들과 함께 민주적 공동체를 창안하고자 하는 시. 이와 같은 생태시의 전망은 지금까지 인간의 관 심 밖에 있던 비인간의 출현으로 야기된 것이지만 그렇다고 비인간이 무엇인가 를 말하거나 그들을 규명하고자 하는 시도만은 아니다. 역설적이게도 기후 위기 에 대응하며 촉발된 비인간에 대한 상상력과 재현 전략은 비인간을 삶의 조건 으로 삼되 비인간과의 관계 속에서 다시 정의되는 인간이 무엇인가를 묻는다. 지금의 생태시는 반려적 존재로서 인간을 재정의하고, 지구생명공동체 안에서 공존의 윤리와 실천의 길을 찾는 과제 앞에 있다.

South Korean poetry around 2020, having experienced the climate crisis and the COVID-19 pandemic, has expanded its imagination toward the non-human, calling for the deconstruction and transformation of human self-consciousness. The emergence of non-human agents— including animals, plants, and elements once relegated to “nature” or “the environment‘—not only highlights the urgent task of integrating nonhuman existence into the conditions of life but also demands a shift in ecocriticism. Against this backdrop, this study analyzes the imagination and representational strategies of the non-human as manifested in Korean poetry around 2020. First, focusing on the materiality of the body, this paper analyzes the strategy of “becoming-animal.” Going beyond human identity, “becoming-animal” is a representational strategy that delays subjectification and prevents the fixation of the subject by producing fluid and generative bodily images. In contrast, “becoming-with” as a practice of companion species is a strategy for reconstructing the world through differences and connectivity by intertwining with heterogeneous beings. Finally, anthropomorphism is examined as a representational strategy that accepts the agency of the non-human as an active participation in the world, integrating them as stakeholders in human life. Having evolved through the critique of industrial civilization and the expansion of life-centered thought, Korean ecopoetry in the era of climate crisis has reached a point at which it explores new prospects for 21st-century ecopoetry. The poetic imagination and representational strategies regarding the non-human lead to the following outlooks: first, poetry that attempts to transcend human subjectivity through embodied experience; second, poetry that explores the continuous relationship of companion species as inseparable entities, focusing on the otherness connected to the subject; and third, poetry that recognizes the non-human as participants in socio-political realities and seeks to envision new forms of community with them. While these prospects are triggered by the emergence of the non-human—previously marginalized by human interests—they do not merely attempt to define what the non-human is. Paradoxically, the imagination and representational strategies emerging from the climate crisis imply an expectation for a redefined notion of the “human” shaped through its relationship with the nonhuman.

이 글은 『혈혼의 전선』에 투영된 재일학도의용군 이활남의 인식을 살펴보면 서 ‘국가’와 ‘국민’이라는 기표를 기반으로 정체성을 구축한 재일학도의용군의 자기서사가 지닌 의미를 살펴보았다. 이활남은 한국전쟁에 대한 집단의 기억 속 에 재일학도의용군의 존재와 활동을 각인시키기 위한 목적으로 『혈혼의 전선』 을 1958년에 발간하였다. 반공 의식을 지속적으로 표출하고 북한과 맞서기 위 해 자원입대하는 수기 속 이활남의 행보는 재일교포가 애국심을 기반으로 국가 가 지향하는 이념을 실천하면서 충실한 국민이 되어가는 과정으로 해석할 수 있다. 한편으로는 조국을 위해 일본을 떠나왔으나 집단생활에 제대로 적응하지 못한 채 일본어와 한국어 사이를 오갈 수밖에 없었던 이활남은 재일교포의 정 체성을 품고 지내야 하는 ‘경계인’의 모습을 드러내기도 했다. 휴전 이후 남한 에 정주하기로 결정한 이활남은 전쟁으로 피폐해진 현실을 극복하고 국가 성장 을 도모하기 위해 국민의 의식 형성이 가장 중요하다고 지속적으로 역설했다. 이렇듯 『혈혼의 전선』은 재일학도의용군 출신의 서술자가 끊임없이 국가의 중 요성을 강조하고 전시와 전후를 아우르는 국민의 역할을 제시했다는 특징을 갖 는다. 요컨대 이활남에게 『혈혼의 전선』의 집필과 발간은 스스로 국민임을 증명 하고 재확인하는 과정으로 자리했다고 볼 수 있다. 하지만 자신이 국민의 일원 이라는 생각으로 남한 사회에 정주한 이활남에 의해 재일학도의용군의 역사가 구성됨으로써 재일학도의용군의 존재보다 국민이 더 강조돼버리는 결과가 발생하기도 했다.

This article examines the significance of the self-narratives of the Korean Student Volunteer Corps from Japan, focusing on how they construct identity through the signifiers of ‘nation’ and ‘people’ by analyzing the perceptions of Lee Hwal-nam as reflected in The Frontline of Bloody Soul. Lee Hwal-nam published The Frontline of Bloody Soul in 1958 with the purpose of imprinting the existence and activities of the Korean Student Volunteer Corps from Japan into the collective memory of the Korean War. Lee Hwal-nam’s actions in the memoir—consistently expressing anti-communist sentiments and voluntarily enlisting to confront North Korea—can be interpreted as a process through which Korean residents in Japan sought to become loyal members of the nation by practicing the ideology pursued by the state based on patriotism. On the other hand, Lee Hwal-nam, who left Japan for the sake of his homeland but struggled to adapt to communal life while switching between Japanese and Korean, also revealed the image of a "person on the boundary" who had to live harboring the identity of a Korean resident in Japan. Lee Hwal-nam, who decided to settle in South Korea after the armistice, consistently emphasized that the formation of national consciousness was of the utmost importance in overcoming the reality devastated by the war and promoting national growth. As such, The Front of Bloody Soul is characterized by the fact that the narrator, as a member of the Korean Student Volunteer Corps from Japan, consistently emphasizes the importance of the nation and presents the role of the people across both wartime and post-war periods. In short, for Lee Hwal-nam, the writing and publication of The Front of Bloody Soul can be seen as a process of proving and reaffirming his identity as a member of the nation. However, as the history of the Korean Student Volunteer Corps from Japan was constructed by Lee Hwal-nam, who had settled in South Korean society with a strong sense of belonging to the nation, the result was that the concept of “the people” was emphasized over the distinct existence of the Korean Student Volunteer Corps from Japan.

본 연구는 한국 근대 문학사의 형성기에 있어 아나키즘 문학론의 논리적 토 대를 구축하고 이를 시적 실천으로 옮기고자 했던 김화산(金華山)의 문학적 궤 적과 그 사상적 지향점을 심도 있게 고찰하는 데 목적이 있다. 김화산은 1920 년대 후반 마르크시즘이 주도하던 프로 문학의 거대한 흐름 속에서 아나키즘 특유의 독자적인 문예관을 견지하며 당대 문단에 강력한 비판적 담론을 형성한 드문 문학인이었다. 해방 이후 한국 문학사가 마르크시즘과 민족주의 양대 진영 중심으로 재편됨에 따라 아나키즘 문학은 비주류로 밀려났다. 아나키즘 문학의 핵심적 위치에 있었던 김화산에 대한 논의 역시 제대로 이루어지지 않았다. 김화산 문학론의 핵심은 마르크시즘 문학 진영과의 치열한 논쟁을 통해 정립 된 ‘예술성’과 ‘계급적 현실 인식’의 조화에 있다. 그는 카프(KAPF) 결성 초기 동맹원으로 참여했으나, 문학을 단순한 정치적 선전의 도구나 당파적 목적의 하 위 개념으로 전락시키는 마르크시즘 문예관에 정면으로 맞섰다. 김화산은 무산 계급의 해방을 목적으로 하는 프롤레타리아 문학이라 할지라도 미적 가치라는 문학 고유의 가치를 저버리는 순간 작품으로서의 존립 기반을 상실한다고 주장 했다. 이러한 그의 태도는 당대 마르크시즘 진영으로부터 초계급론적 예술지상 주의라는 비판을 받았다. 그러나 이것은 김화산이 지향한 아나키즘 문학의 특수 성을 오해한 결과다. 그가 강조한 예술성은 현실과 유리된 미적 가치가 아니었 다. 오히려 그는 문학이 현실을 떠날 수 없다고 생각했다. 그는 사상적 지향 의 지를 내세우더라도 내재적으로 미적 가치를 지녀야 한다고 주장했다. 김화산의 시적 지향은 이러한 이론적 엄격성을 바탕으로 ‘순정 아나키(pure Anarchy)’와 ‘수평적 연대’라는 구체적인 형상으로 전개된다. 본고는 김화산의 대표작인 「우리들의 노래」, 「복순이」, 「출발」 등의 작품을 통해 그가 시도한 아 나키즘적 현실 인식의 양상을 규명하였다. 그의 시 세계에서 ‘우리’라는 주체는 단순히 경제적 빈곤층을 넘어 지배와 강권을 거부하는 보편적 인간의 연대체로 설정된다. 특히 「복순이」와 같은 작품에서 나타나는 지식인 화자와 공장 노동 자 간의 동무적 결속은 마르크시즘 문학이 강조하는 수직적 당파성이나 적대적 계급 타도와 궤를 달리한다. 그는 구체적인 적대상을 상정하여 파괴를 선동하기 보다, 부조리한 현실 그 자체에 대한 저항과 만민평등이라는 아나키즘적 이상향 을 향한 절박한 의지를 형상화했다. 또한 본 연구는 김화산의 문학적 변모 과정에서 나타나는 다다이즘과 아나키 즘의 친연성 및 전이 양상에 주목하였다. 김화산은 한때 「악마도」 등의 작품을 통해 다다이스트로서의 면모를 보이기도 했다. 이후 그는 아나키즘으로의 사상 적 전향을 공식화하였으나, 1930년대 초반까지도 그의 작품에는 도시적 감각과 파편화된 근대 인식이 혼재되어 나타났다. 이는 식민지 근대라는 기형적 환경 속에서 사상적 논리를 완전히 내면화하지 못한 채, 기존 질서로부터 탈피하고자 했던 당대 지식인의 고뇌와 과도기적 한계가 반영된 결과다. 김화산은 강권적 지배를 부정하는 아나키즘을 주창하면서도 식민 통치의 핵 심 기구인 조선총독부 사법부의 관료로 일했다는 점에서 문학적 진정성에 지울 수 없는 오점을 남겼다. 그러나 이러한 생애사적 모순에도 불구하고 김화산 연 구는 한국 근대 문학사 복원의 필수적인 과제다. 그의 문학론과 작품은 주류 담 론에 가려져 있던 한국 아나키즘 문학의 실체를 확인시켜 주는 귀중한 사료이 며, 그를 톺아보는 과정은 유실된 한국 문학사의 공백을 메우고 식민지 지식인 의 복잡다단한 사상적 지형도를 입체적으로 재구성하는 작업이기 때문이다.

This study aims to conduct an in-depth examination of the literary trajectory and ideological orientation of Kim Hwa-san, who established the logical foundation of anarchist literary theory and sought to translate it into poetic practice during the formative period of modern Korean literary history. In the late 1920s, amid the rise of proletarian literature dominated by Marxism, Kim was a rare literary figure who maintained a uniquely anarchist perspective on literature and arts, forming a powerful critical discourse in the contemporary literary scene. As Korean literary history after liberation was restructured around the two major camps of Marxism and Nationalism, anarchist literature was marginalized, and discussions regarding Kim Hwa-san— despite his central position—have remained insufficient. The core of Kim Hwa-san’s literary theory lies in the harmony between “artistry” and “class-based consciousness of reality,” established through intense debates with the Marxist literary camp. Although he initially participated as a member of the KAPF, he directly confronted the Marxist view of literature that relegated art to a mere tool for political propaganda or a subordinate concept of partisan goals. Kim argued that even for proletarian literature aimed at the liberation of the masses, a work loses its foundational basis the moment it abandons its intrinsic aesthetic value. While his stance was criticized by the Marxist camp as “supra-class aestheticism,” this criticism stemmed from a misunderstanding of the specificity of the anarchist literature he pursued. The artistry he emphasized was not an aesthetic value isolated from reality; rather, he insisted that literature cannot be separated from reality and must inherently possess aesthetic value even when expressing ideological intent. Kim’s poetic orientation develops into concrete manifestations of “pure anarchy” and “horizontal solidarity” based on this theoretical rigor. This study examines the aspects of anarchist perceptions of reality through his representative works, such as Our Song, Bok-sunni, and Departure. In his poetic world, the subject “we” emerges as a collective of universal human beings who reject domination and coercion, transcending mere economic poverty. In particular, the fraternal bond between the intellectual narrator and the factory worker in works like Bok-sunni differs from the vertical partisanship or hostile class overthrow emphasized by Marxist literature. Rather than inciting destruction by designating specific enemies, he articulates a profound aspiration toward an anarchist utopia grounded in universal equality and resistance against an absurd reality. Furthermore, this study focuses on the affinity and transitional patterns between Dadaism and anarchism appearing in Kim’s literary evolution. Kim once displayed the characteristics of a Dadaist in works such as The Road of the Devil. Although he later officially declared his ideological conversion to Anarchism, his works until the early 1930s continued to exhibit a mixture of urban sensibilities and fragmented modern perceptions. This reflects the intellectual struggle and transitional limitations of a writer who sought to break away from the existing order without fully internalizing ideological logic within the distorted environment of colonial modernity. While Kim Hwa-san left an indelible stain on his literary integrity by serving as a judicial official for the Government-General of Korea—a core apparatus of colonial rule—while advocating anarchism, the study of his work remains an essential task for restoring modern Korean literary history. His theories and works serve as invaluable historical materials that confirm the reality of Korean anarchist literature, which has been obscured by mainstream discourses. Examining his work is a vital process for filling the gaps in lost literary history and three-dimensionally reconstructing the complex ideological map of colonial intellectuals.

1987년의 민주화는 한국 현대사에 절차적 법치주의를 제도화한 분수령이었 으나, 오늘날의 법은 권력과 자본의 통제 기술로 전락하여 실질적 정의를 담보 하지 못하는 헌정주의의 역설을 노정하고 있다. 이 글은 87년 체제 전후를 배경 으로 한 한국의 문학과 영화가 실정법(droit)과 정의(justice)의 아포리아적 괴 리를 어떻게 서사화하고, 파괴된 공동체의 윤리를 재구성하는지 분석한다. 이를 위해 법의 절대적 공백 속에서 자행된 야만을 그린 영화 〈남산의 부장들〉, 신자 유주의하에서 법과 폭력이 관료적 자동기계로 타락한 세계를 묘사한 소설 『설 계자들』, 기만적 법정 안에서도 형평성을 무기로 내재적 투쟁을 벌이는 영화 〈행복의 나라〉를 교차 독해한다. 세 텍스트는 법의 부재, 도구화, 내재적 고투 라는 층위에서 폭력과 윤리의 연대기를 증언한다. 결론적으로 서사 예술은 합법 성이 배제한 타자의 고통을 감각적으로 복원함으로써, 형식적 법치를 넘어 타자 를 향한 책임과 연대로 결속되는 참된 정의의 공동체를 미학적으로 선취함을 밝힌다.

The democratization of 1987 marked a watershed moment that institutionalized the procedural rule of law in modern Korean history. However, contemporary law has increasingly degenerated into a technology of control for power and capital, exposing the paradox of constitutionalism failing to guarantee substantive justice. This study examines how Korean literature and film since the 1987 regime have narrativized the aporia between positive law (droit) and absolute justice (justice), thereby reconstructing the ethics of a shattered community. To this end, this paper conducts a comparative analysis of three texts: the film The Man Standing Next (2020), which depicts the barbarism committed in the absolute void of law; Kim Un-su’s novel The Plotters (2010), which portrays a neoliberal world where law and violence have deteriorated into a bureaucratic automaton; and the film Land of Happiness (2024), which illustrates an immanent struggle utilizing legal equity as a weapon even within a deceptive courtroom. These texts testify to a chronicle of violence and ethics across the strata of the law’s absence, its instrumentalization, and the immanent struggle within it. Ultimately, this paper demonstrates that narrative arts sensuously restore the pain of the Other excluded by legality, aesthetically prefiguring a community of true justice, bound by absolute responsibility and solidarity toward the Other beyond the formal rule of law.