Earticle

이 글은 김규동의 시론을 중심으로 전후 시단에서 가장 논쟁적 주제였던 ‘현 대성’ 문제를 살폈다. 김규동은 한국의 대표적 모더니스트인 김기림의 영향을 받아 시 창작을 시작한 이래 창작과 비평 모두에서 ‘현대성’ 문제를 깊이 고민 한 대표적인 전후 시인이다. 해방 이후 등단한 전후 시인들은 한국전쟁이 끝난 이후 자신들이 대면하고 있는 현실이 과거, 특히 19세기와 근본적으로 달라졌 다는 사실을 자각했다. 이러한 현실 인식에 근거하여 그들은 자신들의 시가 과 거와 달라야 한다는 자의식을 갖고 있었고, ‘현대성’이라는 개념은 이러한 그들 의 시적 방향성을 나타내는 일종의 기호였다. 하지만 그 추상적인 기호의 내용, 즉 ‘현대성’의 내용과 형식을 창안(創案)하는 것은 전적으로 시인들 각자에게 맡겨진 소임이었다. 김규동은 문예사조를 중심으로 시의 변화 과정을 인식함으로써 비평과 이론 의 층위에서 시의 ‘현대성’ 문제를 살폈고, 이러한 문제의식 하에서 전후 시가 과거의 서정시를 답습하거나 반복하지 않아야 한다는 점을 강조했다. 그에게 예 술가는 동시대성을 분명하게 인식한 상태에서 행위하는 존재였고, 이런 맥락에 서 그에게 ‘현대성’은 예술과 현실의 긴장 관계를 가장 분명하게 보여주는 것이 었다. 하지만 그는 사조(思潮)를 중심으로 19세기 이후의 유럽 시사(詩史)를 이 해했고, 프랑스 시사(詩史)를 인류 예술사의 보편적 과정인 것처럼 인식함으로 써 예술에 내재한 비(非)동시성의 함의를 포착하지는 못했다.

This study examines the concept of ‘modernity,’ one of the most debated issues in the post-war poetry scene, focusing on Kim Gyu-dong’s poetic theory. Deeply influenced by Kim Ki-rim, a leading figure in Korean modernism, Kim Gyu-dong emerged as a representative post-war poet who deeply contemplated the notion of ‘modernity’ in both poetry creation and criticism. Poets who began their careers after Korea’s liberation recognized that the post-Korean War reality was fundamentally different from that of the past, especially the 19th century. With this awareness, they developed a sense of poetic self-consciousness, believing that their poetry should differ from the past, and the concept of ‘modernity’ was a kind of symbol representing their poetic direction. However, it was left entirely up to each individual poet to define and shape the content and form of this abstract symbol —modernity. Kim Gyu-dong examined the issue of ‘modernity’ in poetry from the levels of criticism and theory by recognizing the changes in poetry centered on literary movements. Under this awareness, he emphasized that post-war poetry should avoid imitating or repeating the lyrical poetry of the past. For him, an artist was an entity that acted with a clear recognition of contemporaneity, and in this context, ‘modernity’ was what most clearly demonstrated the tension between art and reality. However, he understood the history of European poetry since the 19th century through the lens of ideological trends and perceived the history of French poetry as a universal process in the history of human art. As a result, he failed to capture the implications of non-simultaneity inherent in art.

본고는 김규동 시의 실존 의식을 디아스포라적 관점을 통해 재해석할 필요가 있다는 문제의식에서 논의되었다. 김규동을 모더니즘과 리얼리즘 경향의 시인 으로 평가하는데, 이에 앞서 그의 심층에는 이산이라는 낭만적 사조가 무의식적 으로 침잠해 있다는 것에서 출발한다. 이에 그의 시적 세계관을 추상이나 관념적인 것이 아닌 실존적 인식에서 직 관이나 감각을 통한 서정적 디아스포라적인 측면에서 규명했다. 김규동의 디아 스포라적 삶은 거주지와 고향 그리고 삶의 터전을 벗어난 상태에서 분산과 이주 그리고 정착과 혼종성을 겪기 마련이다. 이로써 분단 디아스포라가 가지는 주체의 고유성은 아이러니하게도 그 자체가 정체성의 모호성이라는 실존적인 한계 상황에 노출되어 있다. 이는 시적 주체로서 불가능한 세계를 이해하는 방 법으로서 아이러니하게도 실험적이고 전위적인 모더니즘적인 도약을 시도한다. 그의 디아스포라적 시 의식에서 발견되는 불안정한 주체는 있어야 할 것이 없는 시공간 속에서 시적 자아를 통해 서정성을 출현시키고 있다. 이는 이산을 경험한 월남인으로서 주체의 분열을 의미하는 것이며 부유하는 삶을 시적으로 투사시키는 작업이기도 하다. 이를 기록하는 그의 분단 디아스포라 문학은 직간 접적으로 이를 체득하는 가운데 정서적 미학으로 승화하는 데 발생한다. 또한 디아스포라적 문학에서 현시되는 서정적 주체는 부유하는 세계 속에서 모호한 정체성을 지닌다는 특징이 있다. 이런 서정적 디아스포라 문학은 전쟁을 경험하 고 이산이라는 불행한 고통 속에서 발현된다는 점에서 세계적으로 새로운 문예 사조를 형성하는 K-디아스포라 미학의 출현이 아닐 수 없다. 연구 방법으로 김규동 시편에서 ‘실존 의식’이 편철된 ‘서정적 디아스포라’적 인 시를 탐구했다. 선행적으로 2장에서는 시인의 정체성과 디아스포라 성격을 통해 서정적 디아스포라적 미학을 확보했으며, 3장에서는 그의 시를 주기별로 나누고 피난민으로, 실향민으로, 정착민으로 구획했다. 다만 김규동 시편의 분 단 디아스포라 의식이 시대별로 전개되는 양식이 확연하게 구분되는 1950년대 에서 1980년대에 이르기까지, 첫 시집 󰡔나비와 광장󰡕부터 네 번째 시집 󰡔깨끗 한 희망󰡕까지를 연구 범위로 한다. 이에서 그가 체험했던 시대적 상황을 디아스 포라 현실로 삼투시키면서 그 속에 내재 된 서정성을 표층적, 심층적, 다층적 등으로 분류해 각 절에서 각각 3편의 시를 통해 분석했다.

This study focuses on the necessity of reinterpreting the existential consciousness in Kim Gyu-dong’s poetry through a diasporic perspective. Although Kim Gyu-dong has often been evaluated within the frameworks of modernism and realism, this study begins with the premise that, at a deeper level, his poetic consciousness is unconsciously immersed in a romantic longing for an idealized past of exile and displacement. Accordingly, this research examines Kim Gyu-dong’s poetic worldview not through abstraction or ideology but through an existential recognition that manifests as a lyrical diaspora rooted in intuition and sensory perception. Kim’s diasporic life, marked by separation from his homeland and constant dislocation, inevitably involves dispersion, migration, settlement, and hybridity. Ironically, the unique subjectivity of the divided diaspora exposes itself to an existential predicament—one of ambiguous identity. As a poetic subject, Kim Gyu-dong attempts an avant-garde, experimental modernist leap to understand an impossible world. His diasporic poetic consciousness reveals an unstable subjectivity, bringing lyricism through the poetic self within a temporal and spatial void. This represents the fragmentation of identity experienced by those who underwent separation, such as Southward refugees during the Korean War, and also serves as a poetic projection of a drifting life. His partition diaspora literature, which records these experiences, emerges as an emotional aesthetic sublimation of directly and indirectly internalized realities. Furthermore, the lyrical subject that appears in diasporic literature often possesses an ambiguous identity in a world of transience. Given that lyrical diaspora literature arises from the suffering of war and displacement, it signifies the emergence of a new global literary aesthetic—what can be termed the K-Diaspora Aesthetic. The research methodology of this study investigates Kim Gyu-dong’s poems, focusing on how existential consciousness is embedded in his lyrical diaspora poetry. Chapter 2 first establishes the lyrical diasporic aesthetics by examining the poet’s identity and diasporic nature. Chapter 3 categorizes his poems chronologically, identifying his poetic persona as a refugee, a displaced person, and a settler. The study analyzes the evolution of his partition diaspora consciousness from the 1950s to the 1980s, covering his poetic journey from his first collection Butterfly and the Square to his fourth collection Pure Hope. By assimilating his lived historical realities into the diasporic experience, the study classifies the embedded lyricism in three layers —surface, deep, and multi-layered—analyzing three representative poems in each section.

본고는 김규동 시세계를 초기(1950-1959), 중기(1970-1989), 후기(1990년 이후)로 구분하여 그의 시에 드러난 분단생태와 시대성을 분석하였다. 함경북도 종성에서 출생한 김규동은 1948년 김일성 종합대학 조선어문학과 재학 중 서울 로 내려와, 같은 해 『예술조선』지에 시 ｢강｣을 발표면서 문단 활동을 시작하였다. 한국전쟁과 분단을 경험한 김규동은 휴전이 되어 고향에 돌아가지 못한 채 월남 시인이 되었다. 이는 그의 시세계 전반에 전쟁과 분단으로 인한 상흔으로 남게 된다. 초기시는 한국전쟁 직후에 발표된 시집 『나비와 광장』(1955), 『현대의 신화』(1958)에 수록된 작품을 대상으로 분석하였다. 이 시기의 시편에는 전쟁과 분단 에서 촉발된 동족상잔이라는 미증유의 비극이 담겨 있다. 김규동의 경험을 토대 로 하여 진정성이 내재된 전후시는 인간의 이기와 문명의 허상을 고발하면서 가족과 단절된 데서 기인한 우울이 드러난다. 중기시는 산업화와 민주화 투쟁이 진행되는 시기에 발간된 시집 『죽음 속의 영웅』(1977), 『깨끗한 희망』(1985), 『하나의 세상』(1987), 『오늘밤 기러기떼는』(1989)에 실린 작품으로 탐색하였다. 이 시기의 시적 특성이 나타난 대표적인 작품 세 편을 통해, 분단 현실을 극복하려는 의지와 통일에 대한 염원이 표출된 다는 것을 확인하였다. 또 분단 시대를 사는 시기에 시인으로서의 역할을 정립 하려는 김규동의 노력을 자유와 정의를 추구하는 저항적 태도를 통해 엿볼 수 있었다. 후기시는 『생명의 노래』(1991), 『길은 멀어도』(2001), 『느릎나무에게』(2005) 세 권의 시집을 대상으로 선정하였다. 사실상, 분단체제가 고착화된 시기로, 이 때 발표된 시편에는 지속되는 분단에 대한 안타까움과 자본주의 사회에 대한 현실 비판, 실향민으로서 깊어진 그리움이 녹아있다. 또한 남한에 정착한 생활 인으로서 담담히 노래한 일상시도 다수 수록되었다. 전쟁과 분단, 분단체제의 지속은 김규동의 시세계를 관통하는 메커니즘으로 작용하며, 본고에서는 이를 분단생태라 명명하여 이로 인해 발생 된 시적 발현 추이를 살펴보았다. 김규동은 한국 사회가 직면한 다양한 문제의 근원에 분단이 놓여있다고 보았으며 희망을 놓지 않으려는 성찰과 진실한 목소리를 보여주고 자 하였다. 이와 같은 김규동의 분단 체험과 시대적 시 의식은 문학사적으로 중 요한 의의를 지닌다.

This paper divides Kim Gyu-dong’s poetry into three periods: early (1950-1959), middle (1970-1989), and late (after 1990), and analyzes the division ecology and contemporary nature revealed in his poetry. Born in Jongseong, North Hamgyong Province, Kim Gyu-dong moved to Seoul in 1948 while attending the Department of Korean Language and Literature at Kim Il-sung University. That same year, he made his literary debut with the poem River in the magazine Art Chosun. Having experienced the Korean War and the subsequent division of the Korean Peninsula, Kim Gyu-dong became a poet who went to South Korea because he could not return to his hometown after the armistice. This left scars of war and division throughout his poetry. The early-period poems were analyzed on the basis of the works in the poetry collections Butterfly and Square (1955) and Modern Myth (1958), which were published immediately after the Korean War. The poems of this period contain the unprecedented tragedy of fratricide triggered by war and division. Based on Kim Gyu-dong’s experiences, his postwar poems, which contain sincerity, denounce human selfishness and the illusion of civilization, and reveal the depression caused by being cut off from his family. The middle-period poetry was explored with the works in the poetry collections Hero in Death (1977), Clean Hope (1985), One World (1987), and A Flock of Geese Tonight (1989), which were published during the period of industrialization and the struggle for democratization. Through three representative works that exhibit the poetic characteristics of this period, Kim’s poetry expressed a strong will to overcome the reality of division and a deep longing for reunification. In addition, Kim Gyu-dong’s efforts to establish his role as a poet in the era of division could be glimpsed through his resistant attitude in pursuit of freedom and justice. The late-period poems were selected from three collections of poetry: Song of Life (1991), Even if the Road is Long (2001), and To the Kneeling Tree (2005). In fact, it was a time when the division system was firmly established, and the poems published at that time are filled with regret over the ongoing division, criticism of the reality of capitalist society, and deepened longing as a displaced person. In addition, many of the poems in this period reflect the daily life of a person settled in South Korea, sung in a calm manner. War, division, and the continuation of the division system function as mechanisms that run through Kim Gyu-dong’s poetic world, and this paper names this as the division ecology and examines the poetic expression trends that resulted from this. Kim Gyu-dong believes that division lies at the root of various problems facing Korean society, and he uses his poetry to reflect on these issues and express a sincere voice of hope. Kim Gyu-dong’s experience of division and the historical consciousness embedded in his writing hold significant value in the context of modern Korean literature.

이 글은 김규동의 시를 ‘피부감각’을 중심으로 검토하였다. 실향민으로서 평 생을 헤어진 가족과 친지를 그리워하며 전쟁의 고통을 절감했던 그의 생애사적 특성은 시에서도 선명하게 드러나는데, 이는 멀리 떨어진 애정 대상들을 자신의 가까운 곳으로 불러와 그들을 어루만지려는 시적 자아의 태도에서 살펴볼 수 있다. 이 글에서는 디디에 앙지외의 ‘피부감각’ 논의를 중심으로, 김규동 시의 시적 자아가 ‘심리적 싸개’를 통해 억압적인 외부 세계에 대항하며 애정 대상을 매만지고자 하는 태도에 주목하였다. 또한 심리적/육체적 분출 작용인 ‘호흡’과 ‘혈관’에 주목해 그의 시의 시적 자아가 핏줄을 통한 미래에 대한 상상을 형상 화하는 것을 검토하였다. 김규동 시의 시적 자아는 거대한 사회적 압력(전쟁, 분단) 등에 대응하는 연약한 개인들의 행위에 주목하며, 부재하는 애정 대상(가 족, 친지 등)의 몸의 언어를 지속적으로 현재화한다. 이러한 현재적 회상의 의 지는 지금-여기의 현실을 의미화하며 호흡하고 온기를 전달하며 미래 세대의 삶을 상상하는 모습을 보여준다. 이 논의는 그의 시 세계를 피부감각을 중심으로 검토함으로써 그의 시를 관 통하는 상상력의 확장 과정을 다루었다는 점에서 의의가 있다. 다만 피부감각과 통합된 감각들을 충분히 다루지 못했다는 점은 한계로 남는데, 이는 후속 연구 로 보완코자 한다.

This study examines the poetry of Kim Gyu-dong through the lens of “skin sensation.” As a displaced person who lived with the pain of war and a deep longing for separated family and friends, Kim’s biographical characteristics are vividly reflected in his poetry. This is evident in the attitude of the poetic self, which seeks to bring distant loved ones closer. Drawing on Didier Anzieu’s discussion of “skin sensation,” this paper focuses on how the poetic self in Kim’s poetry resists an oppressive external world through a “psychological envelope” and expresses a desire to touch objects of affection. Additionally, this study explores how the poetic self imagines a future connected by blood ties through the psychological and physical expressions of “breath” and “blood vessels.” The poetic self in Kim’s poetry highlights the actions of fragile individuals confronting immense societal pressures (war, national division) and continually brings the bodily language of absent objects of affection (family, friends, etc.) into the present. This will to recall in the present imbues the reality of the here-and-now with meaning, conveying warmth through breath and imagining the lives of future generations. This discussion is significant in that it traces the expansion of imaginative processes in Kim’s poetic world by focusing on skin sensation. However, a limitation remains in the insufficient exploration of senses integrated with skin sensation, which is expected to be addressed in future research.

1948년 월남한 김규동은 전후 문단에서 ‘후반기’ 동인으로 활동했던 시인이다. 그러나 1970년대 이후에는 민족·민중 문학을 지향하며 리얼리스트로서의 면모를 보였고, 분단 현실을 비판하고 통일을 염원하는 시세계를 전개해 나갔 다. 이 논문은 모더니스트에서 리얼리스트로 전환했다고 평가되는 시인 김규동 이 고향을 그리워하며 남과 북 어디에도 온전히 속하지 못하는 이산자로서 경 계인의 위치성을 지닌 주체였다는 점에 주목하여 그의 1970~80년대 시를 살펴 보았다. 김규동은 현실 참여적 태도를 보이며 민족·민중문학 진영에 동참하면서 도 일의적 민족이나 민중 이념에 함몰되지 않는 시세계를 보여주었다. 현실 참여와 예술의 자율성 사이에서 균형 감각을 유지할 수 있었던 것은 그가 월남의 주체이자 경계인이었다는 사실과 무관하지 않다. 실제로 1977년 출간된 『죽음 속의 영웅』에는 리얼리즘과 모더니즘 두 시적 방법론이 혼재해 있는데, 이는 특 정한 이념이나 방법론에 갇히지 않으려는 김규동의 균형적 감각을 말해준다. 또 이 시집에서 주목해야 할 점은 ‘민족’과 ‘어머니’에 대한 시적 형상들이다. 현실 에서 부재하는 민족과 어머니는 그 부재로 인해 시적 화자와 영원히 결속되고 시인의 내면에서 새로운 존재로 거듭나는 역설적 의미를 획득한다. 김규동의 시 에서 민족과 어머니는 자기동일성을 강요하는 민족주의적 기표의 차원을 벗어 난다. 특히 어머니는 주체의 내면에서 그를 응시하는 타자로서 시인으로 하여금 타자의 눈으로 자신을 응시하게 만드는 존재로 남게 된다. 김규동은 어머니에 대한 애도를 완수하지 못하고 지속함으로써 타자의 명령에 귀를 기울이는 윤리 적 태도를 확보하게 된 것이다. 1980년대에 출간한 세 권의 시집에서 역력히 나타난 것은 어머니에 대한 그 리움과 통일에 대한 열망이다. 김규동은 온건한 어조로 역사적 현실의 어둠을 이야기하는 한편 그 어둠을 극복할 희망의 사건으로써 통일을 염원했다. 그의 시에 나타나는 통일은 아기의 얼굴로 형상화되곤 하는데, 이는 시인이 상상하는 통일이 무구한 생명의 미래를 여는 일이자 힘없고 가여운 존재의 삶을 옹호하 는 것이었음을 말해준다. 이념적 경계를 비롯한 또 다른 경계들에 의해 배제되 거나 억압당하며 타자화된 이들을 응시하는 그의 시선은 통일에 대한 염원이 윤리적 차원의 실천임을 확인하게 한다. 그에게 통일이란 타자를 끌어안고 이질 성(타자성)을 수용하는 사랑의 실현이었으며 타자와 더불어 모든 생명을 옹호할 수 있는 평화로운 공존의 상태에 다다르는 것이었다. 민족·민중 시인으로 평가 되었던 김규동의 1970~80년대 시세계가 현재적 의의를 확보할 수 있는 지점은 이념의 경계를 넘어서고자 한 그가 민족·민중의 동일성을 극복하고 윤리적 차원 에서 통일에 대한 시적 상상력을 전개했다는 데 있다.

After fleeing to the South in 1948, Kim Gyu-dong emerged as a modernist member of the HuhBangi literary circle, a notable presence in the post-war history of Korean poetry. Since the 1970s, he has been recognized as a realist poet who focused on national literature, and as a pioneer of unification-themed poetry. This paper examines Kim Gyu-dong’s poetic world of the 1970s to 1980s, focusing on how he was a diasporic or exiled figure —someone who, despite his longing for his hometown, could not fully belong to either North or South Korea. Hero in Death published in 1977 is often regarded as a poetry collection where the poet, previously identified as a modernist, reveals his realist traits. However, this collection actually interweaves both realism and modernism as poetic methodologies. This blend reflects Kim Gyu-dong’s distinctive tendency to avoid being confined to a specific ideology or methodology. What stands out in this collection is the poetic imagery related to the nation and the mother, which emerges at the point of sublimating an ideological attitude towards death. Although both the nation and the mother are absent entities, through this absence, they attain a paradoxical meaning by being eternally bonded with the poetic speaker, thereby being reborn as new existences. In Kim Gyu-dong’s poetry, the nation and the mother exist as the Other, gazing at the self from within the subject. This presence compels the poet to view himself through the eyes of the Other. His embrace of the Other within the subject without erasing its otherness stems from the ethics of mourning, rooted in the impossibility of mourning the mother. In the 1980s, Kim Gyu-dong’s poetry focused on expressing a longing for his mother alongside a yearning for reunification. While he narrated the darkness of historical reality in a moderate tone, he fervently hoped for reunification as a hopeful event that could overcome this darkness. In his poetry, the image of reunification is often symbolized by the face of a baby. This representation suggests that, for Kim Gyu-dong, reunification is about opening a future for innocent life and advocating for the lives of the powerless and the vulnerable. For Kim Gyu-dong, embracing those excluded or oppressed by ideological boundaries was a practical means of realizing reunification. To him, reunification meant embracing the Other and realizing a form of love that accepts otherness. It was about reaching a state of peaceful coexistence where all lives could be defended alongside the Other. This is why Kim Gyu-dong’s poems from the 1970s to 1980s continues to hold contemporary significance.

김규동은 전쟁과 분단으로 이어지는 한국 현대사를 누구보다 섬세하고 예리 하게 노래한 대표적인 시인이다. 이점은 그가 1948년 단신 월남한 이래 전쟁의 공포와 이산가족의 비극을 직접 겪어야 했던 삶의 내력과 연관된다. 특히 이 논 문에서 집중적으로 다루고 있는 『나비와 광장』(1955), 『현대의 신화』(1958), 시론집 『새로운 시론』(1959) 등을 중심으로 하는 그의 초기 시 세계와 시론은 전쟁 의 폭력성 앞에 노출된 혼란, 위기, 불안의 실존을 “나비” 등의 시적 이미지를 통해 미적 주관성의 모더니즘적 감각으로 날카롭게 묘파하고 있어서 주목된다. <후반기> 동인의 모더니즘 시학의 이론과 실제를 주도하면서 출발한 그의 시 세계는 전쟁의 사정권 속에서 선형적 질서가 와해된 비이성적 혼란과 무의식적인 환상의 감성과 감각을 실험적 기법으로 전개하고 있다. 그의 이러한 시 창작 방 법론은 관습적 시학과 기성 가치관의 혁신을 통해 근대 기술 문명의 폐단이 집약 된 전쟁에 대한 적실한 시적 대응력의 모색 속에서 추구된 것으로 파악된다. 한편, 그의 초기 시 세계는 이러한 모더니티의 반미학적 실험의식과 더불어 현실 세계에 대한 전통적인 정감의 미의식이 전면화되기도 한다. 이것은 혼란한 전쟁의 틈새로 직시되는 분단의 고착화와 실향민으로서 느끼는 어머니에 대한 그리움이 절실해지면서 “과학적 시학 체계의 모색” 이전의 생래적인 차원의 정서가 표출된 것으로 보인다. 그의 이러한 고향과 육친에 대한 그리움은 점차 분 단체제 극복과 민족 통일에의 열망으로 이어지면서 사회·역사적 실천의 의미와 가치를 획득해 나간다.

Kim Gyu-dong is a representative poet who has sung the modern history of Korea, which is marked by war and national division, with exceptional delicacy and sharp insight. This is closely related to his personal life, particularly his experience of fleeing to South Korea alone in 1948 and living through the horrors of war and the tragedy of separated families. This paper focuses on his early world of poetry and theories of poetry, especially Butterfly and Square (1955), Modern Myth (1958), and the poetry collection New Poetry Theory (1959). These works are noteworthy for sharply describing the existence of confusion, crisis, and anxiety under the violence of war through poetic images such as “butterfly” with a modernist sensibility of aesthetic subjectivity. Beginning as a leader in the theory and practice of modernist poetics of the <Second Half> group, his world of poetry experimentally develops the irrational confusion and the sensibilities and sensations of unconscious fantasy caused by the collapse of linear order in the midst of war. His method of creating poetry reflects a search for an appropriate poetic response to war, which was a concentration of the evils of modern technological civilization, through the innovation of conventional poetics and established values. On the other hand, his early poetic world is a full-fledged aesthetic consciousness of traditional sentiment toward the real world along with this anti-aesthetic experimental consciousness of modernity. This seems to have been an expression of an innate level of emotion before the “search for a scientific poetic system” as the solidification of division and the longing for mother felt as a displaced person became more urgent, facing the chaotic gap of war. His longing for his hometown and relatives gradually led to a desire to overcome the division system and achieve national unification, acquiring the meaning and value of social and historical practice.

본 연구는 베트남전쟁을 다룬 한국 소설인 안정효의 『하얀 전쟁』과 베트남 소설인 바오 닌의 『전쟁의 슬픔』에 나타난 수치심의 양상을 비교, 분석함으로써 베트남전쟁을 둘러싼 양국의 복합적이며 이질적인 감정을 고찰하고자 하였다. 두 소설은 모두 베트남전쟁에 참전했던 인물들의 현재와 전쟁 당시의 과거를 교차 서술하고 있으며, 인물들이 겪고 있는 전쟁의 후유증을 통해 전쟁의 폭력 성과 비극성을 잘 보여주고 있다는 공통점이 있다. 『하얀 전쟁』과 『전쟁의 슬 픔』은 현재의 입장에서 전쟁 당시의 비극적 경험을 재현함으로써 전쟁에 대한 혐오와 공포를 사실적으로 묘사하고 있다. 두 소설의 인물들은 전쟁터에서 죽음 을 목격하며 겪는 과정에서 혐오감과 공포감을 느끼는데, 이는 수치심으로 이어 지게 되며, 이러한 수치심은 전쟁이 끝난 현재까지도 존재 가치 부정, 부적응 등으로 이어지게 된다. 『하얀 전쟁』의 경우, 미국의 반공 논리와 경제적 이득을 위해 베트남전에 참전한 한국의 입장에서 체험한 베트남전쟁의 실체를 비판적 으로 그린다. 한기주는 잔인한 전쟁 체험을 통해 정의로운 전쟁이라 여겼던 전 쟁이 생명을 죽이는 무자비한 폭력임을 깨닫게 되는 것이다. 『전쟁의 슬픔』에 서는 국가의 완전한 독립을 방해하는 외세의 개입에 대한 국가적 수치심 때문 에 자발적으로 참전하게 되는 베트남 군인들의 입장을 보여준다. 주인공 끼엔은 민족해방투쟁이라는 정의감에 전쟁에 자원하지만, 전쟁을 겪으며 애국적 수치 심은 사라지고, 전쟁의 비도덕성으로 인한 수치심을 느끼게 된다. 두 소설은 전쟁의 참전 양상에서는 차이점을 보이지만, 모두 폭력적 전쟁에 서 느낀 수치심을 통해 전쟁의 상처와 슬픔을 그리고 있다는 공통점을 보인다. 특히, 전쟁에서 귀환한 주인공들이 느끼는 수치심은 전쟁의 폭력성과 무의미함 을 고발하는 동시에 현재에도 계속되는 폭력을 비판적으로 직시해야 함을 보여 준다고 할 수 있다.

This research compares manifestations of shame in Ahn Jung-Hyo’s White Badge and Bao Ninh’s The Sorrow of War, examining the complicated emotional landscapes surrounding the Vietnam War from both Korean and Vietnamese perspectives. Both novels use a narrative technique that interchange between the veterans’ present lives and their wartime experiences, and narrate war’s violence through trauma. Characters experience disgust and terrified witnessing battleground deaths, which turns into shame that affects to the present, manifesting as self-negation and maladjustment. White Badge critically depicts South Korea’s participation in the Vietnam War, which was driven by American anti-communist ideology and economic incentives. Through his violent war experiences, the main character Han Ki-Ju comes to realize that the war he once believed to be just was nothing more than senseless violence. In contrast, The Sorrow of War depicts Vietnamese soldiers who voluntarily enlisted due to national shame over foreign intrusion impeding complete independence. The main character, Kien, originally volunteers for war out of patriotic justice, but as he experiences the conflict, the protagonist’s patriotic enthusiasm turns into moral shame. Despite different participation contexts, both novels use the shame to depict war’s pains and sorrows. Particularly, the shame experienced by the protagonist upon returning from war not only shows the violence and meaninglessness of war but also suggests that we should critically encounter the ongoing violence in current society.

본 연구는 김소월 시의 영혼 표상을 중심으로 그의 생태의식을 탐구하는 것 을 목표로 한다. 기존 연구에서는 김소월 시가 자연과 동물에 대한 미적 태도 와 샤머니즘적 세계관을 기반으로 해석되었다는 사실을 참조하는 한편, 본 연 구는 생태적 연구에서 비교적 소홀히 논의되어온 김소월의 자아의식에 초점을 맞춘다. 김소월의 시 세계는 님에 대한 애도와 현실 부정을 주요 정서로 삼지만, 이 러한 태도는 자연과 동물로부터 위안을 얻는 계기로 작용한다. 그는 개인의 주 체성을 강조하기보다 타자에게 감응하는 방식으로 ‘靈’을 발견하고, 이를 통해 헤테로적 자아의식을 형성한다. 특히 ‘心靈’ 개념을 통해 만물을 영혼이 깃든 존재로 대하고, 자신의 육체를 자연과의 매개로 인식하는 태도를 드러낸다. 또 한 동물과의 교감을 반복적으로 묘사하면서 인간과 자연 사이의 수평적 관계를 강조한다. 그러나 김소월은 생태적 주체가 인간 사회와 단절된 채로 성립할 수밖에 없 다는 점을 인식하고 있다. 그의 시에서는 삶의 부정과 죽음충동이 자주 나타나 며, 인간적 삶과 자연의 순리를 따르는 삶 사이에서 고뇌하는 모습을 보인다. ‘人情’과 ‘心靈’이라는 개념이 교차하는 지점에서, 그는 인간으로서의 삶을 지 속하는 것과 자연의 질서를 수용하는 것 사이에서 가능한 실천을 모색한다. 김소월의 시를 생태주의적 관점에서 재독하는 것은 인간과 자연의 관계를 성 찰하는 계기를 제공한다. 그의 시는 단순한 자연 예찬을 넘어, 인간 존재의 조 건과 생태적 실천의 가능성을 탐색하는 과정이며, 오늘날의 생태위기 시대에도 유효한 문제의식을 제시하고 있다.

This study aims to explore Kim So-wol’s ecological consciousness, focusing on his representation of the soul. While previous research has interpreted Kim So-wol’s poetry through an aesthetic attitude toward nature and animals and a shamanistic worldview, this study emphasizes his self-awareness and its inherent ecological significance. Kim So-wol’s poetic world is characterized by mourning for an absent beloved and a rejection of reality, but these emotions also serve as a catalyst for seeking solace in nature and animals. Rather than emphasizing individual subjectivity, he discovers ‘靈’(spirit) through responsiveness to the Other, thereby forming a heterological self-awareness. In particular, through the concept of ‘心靈’(mind-spirit), he perceives all living beings as possessing souls and regards his physical body as a medium through which he connects with nature. Additionally, his repeated depictions of communication with animals highlight a horizontal relationship between humans and nature. At the same time, Kim So-wol recognizes that an ecological subject cannot exist without being separated from human society. His poetry frequently expresses pessimism toward life and confessions of a death drive, revealing an internal conflict between the ethical view of all things as part of an endless cycle and the human will to persist in life. At the intersection of ‘人情’(human sentiment) and ‘心靈’(mind-spirit), he contemplates the practical choices between continuing human life and accepting the natural order with detachment. Reinterpreting Kim So-wol’s poetry from an ecological perspective provides an opportunity to reflect on the relationship between humans and nature. His poetry goes beyond mere admiration for nature, instead exploring the conditions of human existence and the possibilities for ecological practice. This reflection remains relevant today, offering critical insights into our contemporary ecological crisis.

그동안 정지용 시 세계의 변모 과정은 모더니즘 시, 종교시, 산수시 등으로 한정해서 고찰되어왔다. 특히 해방기 정지용의 시의 고찰은 그 양적 빈곤과 질 적 퇴보라는 관점으로 취급되어 주요 논제가 되기에는 역부족이었다. 후기 정 지용 시가 언급되더라도, 해방 직후와 보도연맹 시기의 시편들의 특징을 두고 4·4조의 형식이나 ‘소시민적 일상시’라는 관점에서 시의 퇴보를 논하고 있는 경 우가 대다수였다. 그러나 ‘인민성’을 중심으로 한 민족문학의 관점에서는 4·4조 의 형식은 대중화를 위한 형식적 모험이라 평가할 수 있다. 그러므로 이 시기의 시는 퇴보가 아니라 ‘인민성’을 기반으로 한 정치적 확산의 기획이었다고 격상 해서 판단할 만하다. 아울러 정지용은 해방기 자기 주체를 “소시민 문학인”, “무력한 인테리 소시민층”이라고 명명해왔으며, 이런 주체관을 통해 현실과 새 로운 대결 의식을 마련하려는 의지를 표명했다고 전망해 볼 수 있겠다. 이는 당 대 유치환의 회고를 고려해보면, ｢四四-五首｣의 형식적 모험 역시 삽화시의 한 양식으로 판명된다. 즉 해방기 정지용은 주어진 현실에서 분류되지 않는 새 로운 문학적 이상향을 위해 자기 갱신을 담보로 전진해나간 시인이라 평가할 수 있다.

This study examines Jeong Ji-Yong’s poetry during the Liberation Period, which has often been marginalized in Korean literary discourse due to its perceived quantitative scarcity and qualitative decline. Previous research has largely characterized this phase as a regression, focusing on his use of the 4.4 metrical form in Korean classical poetry and themes of petit-bourgeois everyday life. However, from the perspective of national literature and people’s identity, these elements can be understood as a conscious strategy of popularization rather than artistic deterioration. Jeong’s self-identification as a “petit-bourgeois man of letters” and a member of the “powerless intellectual petit bourgeois class” demonstrates his deliberate engagement with contemporary realities and his effort to cultivate a new literary consciousness. Furthermore, the formal experimentation evident in Sasajo O-su (Five Poems in the 4.4 metrical form in Korean classical poetry), when considered alongside contemporary reflections such as those of Yu Chi-Hwan, can be interpreted as a variation of illustration poetry. Ultimately, Jeong Ji-Yong’s work during this period should be reevaluated as a project of political and aesthetic expansion, grounded in people’s identity and directed toward the pursuit of literary renewal.

스테프 차의 소설 『너의 집이 대가를 치를 것이다』는 인종적 트라우마, 세대 간 갈등, 그리고 가족 유대를 심도 있게 탐구하는 작품이다. 이 소설은 다문화 적 관점에서 1992년 로스앤젤레스 폭동을 조망하며, 가족이라는 미시적 서사를 통해 ‘인종 갈등과 평화’라는 거시적 주제를 성찰한다. 작품은 한국 이민자 가 정 출신의 딸 박그레이스와 아프리카계 미국인 숀 매튜스의 시각을 교차적으로 제시하는 서술 방식을 활용하여, 주류 역사 서술과 개인적 트라우마 기억 간의 간극을 재현하며, 이를 통해 20세기 말 로스앤젤레스에서 촉발된 인종 갈등의 트라우마가 21세기까지 두 세대의 삶에 지속적으로 영향을 미친 양상에 대해 조명한다. 본 논문은 소설 속 가족 관계, 인종 정체성, 그리고 트라우마 서사를 중심으로 논의를 전개한다. 특히, 문화적·가족적·심리적 트라우마의 의미와 본 질을 분석하며, 트라우마를 경험한 인물들의 내면 깊숙한 곳에 품고 있는 두려 움, 고통, 그리고 충격적 감정들이 피해자의 삶에 미치는 부정적인 영향을 탐구 한다. 나아가 인종 폭력이 남기는 장기적인 흔적을 밝히고, 그러한 흔적이 문학 속에서 어떻게 형상화되는지를 고찰하고자 한다.

Steph Cha’s novel Your House Will Pay explores themes of racial trauma, intergenerational conflict, and family bonds. Through a cross-cultural perspective, the novel reflects on the Los Angeles riots, examining the grand theme of racial conflict and the pursuit of peace through a micro-level, family-centered lens. The narrative follows two intertwined storylines, adopting the perspectives of Grace Park, the daughter of a Korean immigrant family, and Shawn Matthews, an African American man. This dual perspective serves as a literary strategy to contrast mainstream historical narratives with individual traumatic memories. The novel investigates the enduring trauma stemming from racial conflicts in Los Angeles during the 1990s and its lasting impact on two generations in the 21st century. This paper examines the novel’s portrayal of family relationships, racial identity, and trauma narratives, analyzing the cultural, familial, and psychological dimensions of trauma. Additionally, it explores how fear, pain, and emotional distress shape the lives of those affected, and how the long-term consequences of racial violence are represented and embodied in contemporary literature.

본 연구는 중국조선족 작가 박옥남과 류정남의 소설을 비교하여, 두 작가가 자신의 디아스포라적 상황의 차이에 따라 ‘타자’로 형상화된 한족 이미지를 어 떻게 구성하고 있는지를 밝히는 것을 목적으로 한다. 중국조선족은 본질적으로 디아스포라 민족으로, 중국국민으로서의 국민성과 한민족으로서의 민족성을 동시에 지닌다. 이들은 중국에서 생활하며 자신의 민족성을 유지하기 위해 한족과 구별되는 언어, 문화, 풍습을 고수하며, 주로 조선족만 거주하는 집거지에서 생 활해왔다. 한편, 일부 조선족은 기존의 집거지를 떠나 한족이 거주하는 지역으 로 이주하는 경우도 있다. 그 결과, 디아스포라적 상황의 차이에 따라 한족에 대한 인식이 다양하게 형성되었다. 한편, 개혁개방 이후, 특히 한중 수교 이후 많은 조선족들이 돈을 벌기 위해 한국으로 이주하면서, 기존의 조선족 마을에 유입된 한족에 대한 태도 역시 다양하게 나타난다. 본 연구는 비교문학 형상학 의 논리를 바탕으로 두 작가의 작품 속에서 다르게 형상화된 한족 이미지를 분 석하고자 한다. 이를 통해 조선족이 디아스포라적 상황 속에서 한족을 타자화하 는 과정을 문학적으로 어떻게 반영하고 있는지 탐구하며, 이러한 반영이 지닌 사회적·문화적 의의를 고찰하고자 한다.

This study aims to compare the novels of Chinese Korean writers Piao YuNan and Liu ZhengNan to reveal how the two authors construct images of Han Chinese as “the Other,” based on differences in their diasporic circumstances. Chinese Koreans are inherently a diasporic ethnic group, possessing both a national identity as Chinese citizens and an ethnic identity as part of the Korean nation. While living in China, they have maintained their ethnic identity by preserving their language, culture, and customs distinct from those of the Han Chinese, often residing in ethnically homogenous Korean enclaves. Meanwhile, some Chinese Koreans have migrated from these enclaves to multi-ethnic communities, resulting in diverse perceptions of Han Chinese and varying attitudes toward relationships with them. Since the era of reform and opening-up, and particularly after the normalization of China-Korea relations, many Chinese Koreans have migrated to South Korea or major cities in China, leading to a range of attitudes toward Han Chinese who moved into traditional Korean enclaves. Using the framework of comparative literary phenomenology, this study analyzes how each author represents Han Chinese in their works and seeks to explore how the process of othering Han Chinese within diasporic contexts is reflected in literature and to examine the social and cultural significance of these literary representations.