Earticle

2019년 출간 70주년을 맞이하는 조지 오웰의 소설 『1984』의 영향력은 여 전히 현재진행형이다. 작품 속 독재자 ‘빅브라더’는 오늘날 도처에서 우리를 감시하는 국가독점매스미디어의 표상으로 받아들여지고 있으며, 원작 소설은 그간 영화, 라디오극, 연극, 발레, 비디오 쇼 등 수많은 장르를 넘나들며 재창작되어 왔다. 오웰은 인류의 삶에 포진한 전체주의의 위협을 직시하였다. 그리고 전체주 의란 인간이 존재하는 곳이라면 어디든 잠재해 있다. 소설 속 가상의 국가 오세아니아는 지난 체제의 실상을 부정적으로 날조한다. 현 체제의 흠결은 말소하고, 무결점 체제임을 피지배계층에게 주입하는 한편, 정당성 유지를 위해 만든 규율로 당원들을 철저하게 감시한다. 죄인을 처벌하는 것 보다 감시하는 것이 권력의 경제학 측면에서 더 효과적이고 수익성이 높다는 푸코의 견해는 외부 당원을 끊임없이 감시하고, 교화하려는 오브라이언의 행동을 떠올리게 한다. 하지만 당의 권력은 소유물이 아니라 무수한 조직의 관계망 속에 서 행사될 뿐이다. 빅브라더는 텔레스크린을 통해 그 이미지가 드러날 뿐 실체는 어디서도 찾을 수 없는 권력관계의 표상이다. 그러므로 이들에게 당의 권력은 억 압적이 아니다. 그들은 그저 톱니바퀴처럼 당의 강령에 따라 권력 생산의 부속품 이 된다. 여기에서는 푸코의 이론에 근거하여 『1984』의 가장 큰 특성이 감시와 처벌 메커니즘의 재현이라고 보고 그 대표적인 양태를 ‘감시와 처벌 대상으로서의 신 체’, ‘순종과 규율의 판옵티콘’, ‘경찰-감옥-범죄의 메커니즘’의 세 유형으로 나 누어 분석하였다. 우리의 현실은 소름끼치리만큼 『1984』와 흡사하며, 거기에 『감시와 처벌』이 겹쳐질 때 그 상호텍스트성이 유발하는 울림은 더욱 크고 분 명해진다. 결국 판옵티콘의 실체는 권력 관계이다. 권력의 목적은 권력 그 자체 이며, 권력의 대상은 인간이다. 우리는 이미 타자성의 멍에를 지고 있다. 그럼에도 불구하고 타자성의 실체를 올바르게 인식하고 주체로서의 자신을 회복하려 고 노력한다면 적어도 휴머니티의 밝은 미래를 꿈꿀 수 있는 해방된 영역에 한 걸음 더 다가갈 수 있을 것이다.

George Orwell's novel "1984," which marks the 70th anniversary of its publication in 2019, is still influential. Big Brother, the dictator in the work, is now accepted as a national monopoly media image that surveils us everywhere, and the original novel has been re-created in movies, radio plays, plays, ballet and video shows, and etc. Orwell faced the threat of totalitarianism that was rampant in human life. And totalitarianism is latent wherever humans exist. The fictional country in the novel, Oceania, negatively fabricates the reality of the past system. It eliminates the flaws in the current regime and keeps a close watch on its members with rules made to maintain legitimacy. Foucault's view that surveilling is more effective and profitable than punishing criminals in terms of the economics of power reminds us of O'Brien's continuous surveillance and correction of external parties. Party power, however, is not a property. It's only exercised within the network of numerous organizations. Big Brother is a sign of power relations that only shows its image through telescreens but cannot be found anywhere. Therefore, party power is not oppressive for them. They become a component of power production just like a cog. On the basis of Foucault's theory, this paper believes that the biggest characteristic of "1984" is the reproduction of the surveillance and punishment mechanism. The typical patterns were analyzed by dividing the three categories: 'body as a subject of surveillance and punishment', 'Panopticon of obedience and discipline', and 'police-prison-crime mechanism'. Our reality is horribly similar to "1984". And when "surveillance and punishment" overlaps, the resonances that are caused by the intertextuality become greater and clearer. After all, the true nature of the Panopticon is power relations. The purpose of power is power itself, and the object of power is man. We are already under a yoke of being the others. Nevertheless, if we perceive the true nature of it and try to restore ourselves as a subject, we could at least take one step closer to the liberated area where we can dream of a bright future for humanity.

이 글은 드라마 <굿 닥터>와 <이상한 변호사 우영우>를 비교 분석하여 자폐 스펙트럼 장애 재현의 변화 양상을 살핀 논문이다. 주인공인 자폐인을 중심으로 하여 두 작품을 다각적으로 비교 분석한 결과는 다음과 같다. 먼저 자폐인은 특별한 능력이 있는 것으로 설정되는데, 그 극적 기능에는 차 이가 있다. <굿 닥터>에서의 특별한 능력은 사건 해결에 결정적인 역할을 하기때문에 히어로물과 같은 재미를 주지만 자폐인을 대상화한다는 문제가 발견된 다. 반면 <이상한 변호사 우영우>에서의 특별한 능력은 사건 해결에 직접적으 로 기여하는 대신 잊고 있던 본질을 상기시키는 성찰적 기제로 존재한다. 다음으로 자폐인에 대한 주변 인물들의 인식은 공적 측면과 사적 측면으로 구분된다. 공적 측면에서는 자폐인의 업무 수행 능력을 부정적으로 바라보는 경 향이 크게 드러나지 않지만, 사적 측면에서는 자폐인에 대한 부정적 인식이 여 전하고 그것이 다양한 방향으로 파생되고 있음이 확인된다. <굿 닥터>에서는 자폐인을 도움이 필요한 약자로 보는 시혜적 관점이, <이상한 변호사 우영우> 에서는 자폐인에 대한 불안, 불만, 공격 심리가 두드러진다. 이를 통해 두 작품은 공통점과 차이점이 있는 장애 담론을 각각 만들어낸다. <굿 닥터>에서는 모두가 똑같은 사람이기 때문에 장애인을 포용해야 한다는 논 리가 생성되는데, 이는 이상적이기는 하지만 기본적인 인권과 휴머니즘을 상기 한다는 점에서 의의가 있다. <이상한 변호사 우영우>에서는 사람은 모두 다르 기 때문에 각자의 차이가 존중되어야 한다는 논리가 생성되는데, 이는 이분법적 논리가 강화되는 현실을 성찰한다는 점에서 의의가 있다. 결론적으로 두 작품은 당대 한국사회의 장애 인식을 반영함과 동시에 나아가 야할 방향을 보여준 작품이라고 평가할 수 있다.

This paper aims to examine the changing patterns of reproducing autism spectrum disorder by comparing and analyzing two dramas, The Good Doctor and Extraordinary Attorney Woo. The study compared and analyzed the two works from multiple angles focusing on their main characters with autism. The two dramas set autistic people with special talents, but there is a difference in the dramatic function. In The Good Doctor, a special talent shown by a character with autism plays a decisive role in solving a case and thus adds fun to the drama like a hero movie, but there is a problem with the objectification of people with autism. In Extraordinary Attorney Woo, a special talent is a reflective mechanism to remind people of the forgotten essence rather than making a direct contribution to the solution of a case. The perceptions of surrounding people about people with autism can be divided into the public and private aspects. In the public aspect, there is no prominent tendency to see the performance ability of people with autism negatively. In the private sector, however, negative perceptions of people with autism still linger and derive in various directions. While in The Good Doctor, the charity-like viewpoint of people with autism as those who need assistance is prominent, Extraordinary Attorney Woo highlights anxiety, complaints, and aggressive psychology toward people with autism. In these ways, the two dramas create disability discourses with common and different features. The Good Doctor builds the logic that all people are the same and should embrace the disabled. This is ideal and holds significance in that it reminds viewers of basic human rights and humanism. Extraordinary Attorney Woo creates the logic that all people are different and their differences should be respected. This is significant in that it has a reflection on the reality where dichotomous logic is reinforced. In short, the two dramas reflect the current perceptions of disabilities in South Korean society and, at the same time, propose a desirable future direction.

이 연구는 김혜순의 최근 시에 등장한 ‘새’ 이미지에 주목하였다. 새는 그간 김혜순이 다루어 온 여성, 타자 등의 문제의식을 반영할 뿐 아니라, 인간과 비 인간을 나누어 폭력을 가했던 사회문화에 대한 시선과도 연결되기 때문이다. 발 터 벤야민은 부정성을 통과하여 새로운 시적 사유를 유도한 이미지를 사유이미 지로 설명하는데, 이 연구는 김혜순 시에 등장한 ‘새’를 사유이미지로 보고 새 의 이미지 변환과 시쓰기 의식을 검토하였다. 2장에서는 새를 사회역사적으로 죽음을 맞이한 존재이자 여성/타자의 재현으로 해석하였다. 이들은 죽음을 맞이해야만 무대라는 사회에 진입할 수 있는 데, 이 무대의 폭력성과 무의미함을 시적 주체는 질문과 패러디라는 전유적인 어법을 통해 노출한다. 3장에서는 새가 유령이라는 이미지와 결합한 것에 주목하였다. 시적 주체는 자신의 가족이 유령이 된 것으로 그려낸다. 감정적 거리가 가까워졌으며 시적 주체에게 일종의 책임감이 주어진 것이다. 시적 주체는 새-유령이 전하는 말을 듣고자 기다리는 시쓰기를 제시하고 있다. 이미지의 연쇄를 검토했다는 점을 이 연구의 의의로 삼을 수 있으며, 이후 연구에서는 시적 주체의 상실과 애도를 좀 더 구체적으로 다루고자 한다.

This study focuses on the image of ‘bird’ that appeared in Kim Hye-soon’s recent poems. In her poetry, birds not only reflect the problem consciousness of women and otherness which Kim Hye-soon has dealt with, but are also connected to the perspective of social culture that has been violent by dividing humans and non-humans. Walter Benjamin explains the image that induced new poetic thinking through negativity as an image of thought, and this study reviews the image transformation and poetry consciousness of birds by viewing the “bird” in her poetry as an image of thought. In Chapter 2, birds are interpreted as the historical death. Kim Hye-soon dealt women as a representation of otherness. In her poems, birds are denied entry into a particular society. The poetic subject exposes the violence through the appropriation of question and parody. In Chapter 3, this article reveals the link of birds and the image of ghost and what they mean. Birds and ghosts come when the poetic subject is isolated, and they are their family(mom, dad, sisters) who are the lost dead being. The emotional distance has become closer and a kind of responsibility has been given to the poetic subject. Therefore, the poetic subject presents a poetry writing that waits to hear the words of birds and ghosts. The significance of this study can be taken as a significance of the review of the chain of images, and future studies will deal with the loss and condolences of poetic subjects in more detail.

이 논문은 이영훈의 『반일 종족주의』의 한국 민족주의 비판과 관련하여, 이 시각이 앙드레 슈미드의 저술 『제국 그 사이의 한국 1895-1919』에 나타나는 ‘근대주의’ 민족 이해를 그대로 가져온 것임을 드러내면서, 이를 앤서니 스미스의 민족 이론의 제 유형에 관한 논리에 근거하여 비판하고자 한 것이다. 앤서니 스미스는 민족에 관한 여러 견해를, 원초주의, 영속주의, 근대주의, 종족 상징주의 등으로 나누면서 특히 어네스트 겔너, 베네딕트 앤더슨, 에릭 홉스봄 등으로 대표되는 근대주의적 견해를 비판적으로 조명하고자 했다. 필자는 이 논문에서 그의 견해를 적극적으로 참조하면서 한국의 경우 이 민족적 수준의 공동체, 집합체의 역사가 이른바 ‘식민지적 근대화’ 이전에 형성, 전개되었을 가능성이 높을 수 있음을 논의하고자 했다. 특히 이 논문은 이영훈이나 앙드레 슈미드에 의해 비판을 받는 신채호의 역사 연구가 역사 텍스트 해석 방법이나 비판 방법 등을 갖춘 것이었을 뿐 아니라 구체적인 문헌 연구에 기반을 둔 논증 논리에 입각해 있음을 드러내고자 했다. 이것은 『반일 종족주의』나 『제국 그 사이의 한국 1895-1919』에는 충분히 갖추어져 있지 못한 것이었다. 한국에서의 ‘민족’의 개념이나 그 형성 과정에 대한 논의는 앞으로도 더 구체적인 탐구를 필요로 하는 것이고, 이것 없이 어떤 일방적인 담론적 견해를 한국사에 연역적으로 적용하는 태도는 지양되어야 한다.

This paper begins with critically illuminating the logic of Lee Young-hoon’s “anti-Japanese tribalism”. His view was taken directly from Andre Schmidt’s understanding of the "modernist" nation concept found in “Korea between Empires 1895-1919”. Anthony Smith attempted to critically illuminate the modernist views represented by Ernest Gelner, Benedict Anderson, Eric Hobbsbom, while dividing various views of the nation into primordialism, perennialism, modernism, and ethnic symbolism. In this paper, I actively refer to Anthony Smith’s view and discuss that in the case of Korea, it is likely that the history of this national level community and collective was formed and developed before the so-called “colonial modernization” period. In particular, this paper attempted to reveal that Shin Chaeho's historical studies, criticized by Lee Young-hoon and Andre Schmidt, were not only equipped with method of interpretation or criticism of historical narrative texts, but also based on specific literature studies. This was not sufficient in “Anti-Japanese Tribalism” or “Korea between Empires 1895-1919”. Discussion of the concept of “nation” and its formation in Korea will require further exploration in the future, and without this, the deductive application of any unilateral discourse to Korean history should be avoided.

인공지능 기술의 발달과 함께 그동안 SF에서 꿈꾸던 여러 과학기술의 모습 이 현실화되면서, SF가 ‘공상(空想)’이 아니라 현실과 밀접한 장르처럼 여겨지 고 있다. 본 연구에서는 최근 각광받고 있는 한국의 김초엽과 중국의 하오징팡 의 SF에 나타난 포스트 휴머니즘의 양상을 통해 한·중 양국의 SF를 고찰하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 로지 브라이도티의 비판적 포스트휴머니즘을 중 심으로, 김초엽의 『우리가 빛의 속도로 갈 수 없다면』(2019), 『방금 떠나온 세계』(2021)와 『지구 끝의 온실』(2021), 하오징팡의 『고독 깊은 곳』(2018), 『인간 의 피안』(2020)을 비교 · 분석하였다. 김초엽과 하오징팡의 작품들은 디지털 기 술이 고도로 발달한 근미래(近未來)에 인간의 오만이나 편협한 인식 때문에 빚 어진 비극을 담고 있다. 그들은 서로 다른 소재로 불안한 미래에 대해 묘사하고 있으나, 두 작가의 작품 모두 생태 위기, 유토피아, 생명자본이라는 공통적인 주제를 담고 있다. 김초엽은 미래 사회에서도 여전히 소외되고 있는 장애인, 성 소수자, 여성 등 취약계층에 대한 관심을 주로 드러내고 있다면, 하오징팡은 생 명을 위계화하는 자본의 문제 및 개인의 욕망과 생각을 억압하고 착취하는 권 력의 문제에 더욱 중점을 두고 있다. 이러한 공통점과 차이점은 이들 작가가 처 한 사회 환경 및 문화와 밀접한 관련이 있다고 할 수 있다. 두 작가의 작품을 통 해 양국 SF의 차이뿐 아니라 기술에 대한 태도, 그리고 나아가 양국의 사회 현 실 문제를 조망해 볼 수 있었다.

purpose of this study is to examine the science fiction of Korea and China through the aspects of posthumanism that appeared in the science fiction of Korea’s Kim Cho-yeop and China’s Hao Jing-fang, who have recently been in the spotlight. To this end, focusing on Rosi Braidotti’s critical posthumanism, Kim Cho-yeop’s novels, If We Can’t Go at the speed of light (2019), The World We Just Left (2021), Greenhouse at the End of the Earth (2021) and Hao Jing-fang’s short stories, Deep in Solitude (2018), Human Pian (2020) were compared and analyzed. The works of Kim Cho-yeop and Hao Jing-fang contain tragedies caused by human’s arrogance or narrow perception in the near future, where digital technology is highly developed. Both writers’ works contain common themes of ecological crisis, utopia, and life capital. But they also have a lot of differences in the subject matter. Through their works, we were able to examine not only the differences in science fiction between the two countries, but also the social reality issues of both countries.

본고는 허수경의 첫 번째 시집 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』에서 슬픔이 나타난 양상을 ‘개인’, ‘역사’, ‘공동체’로 나누어 분석하고, 그 의미를 상고해 보고자 하였다. 허수경시의 개인적인 슬픔의 사건들은 멜랑콜리나 슬픔의 정조보다는 ‘슬픔’을 거름 삼아 ‘꽃을 피우는’ 혹은 ‘능동적인 사랑’을 하는 시적 자아를 출현시킨다는 특장이 있다. 여기서 ‘슬픈 개인사의 대상들은 대상을 포용한다는 특장이 있다. ‘저항’으로 나타나는 역사적인 슬픔을 발화할 때는 멜랑콜리적인 특징이 발화되는데, 이는 벤야민이 생각하는 역사의 흘러간 지난 시간으로 추론해 볼 수 있다. ‘지금 이때 Jetztzeit의 시간관’을 직시하면서 허수경은 과거의 시간을 반추한 지금 현실의 시대정신을 상기한다. 과거의 사건들은 지금 여기와 만나, 새로운 사건으로 조명되고 섬광처럼 빛나기를 소망한다고 추론해 볼 수 있다. 허수경 시의 하위주체들은 이중구속의 슬픔을 예리하게 인식하고 이를 발화함으로써 탈식민화하고자하는 의지를 보인다. 또한 허수경시의 ‘슬픔’은 ‘우리’라는 공동체적인 삶의 궤적을 추구하는 내용을 포함한다. 이는 잃어버린 대상을 잊지 못해 애도하거나 그것이 병적으로 나타난 멜랑콜리적 징후가 아니라, 무밭을 함께 일구는 공동체적인 삶의 가능성을 제시한다. 허수경 시에 나타난 공동체는 가족 공동체와 마을 공동체로 나눌 수 있다. 가족 공동체를 통해 역사의 비운을 보여주는 반면에 마을 공동체를 통해선 창조적인 공생으로 나아가고자 하는 의지를 보인다는 특징이 있다. 허수경 시를 독일 이민 전과 독일 유학 이후로 나누기도 하는데, 그의 첫 시집은 주관적인 진술과 주체의 발화가 많이 나타나는 특징이 있기도 하지만, 좀 더 멜랑콜리한 특성이 많이 발화된 제 2시집 『혼자 가는 먼 집』 보다 다양한 주제를 다루고 있다는 점에서 독보적이다. 『혼자 가는 먼 집』이 개인의 슬픔에 상당부분 지면을 할애하고 있는데 반해 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』에서는 원폭 폭탄과 조선식 회상 같은 역사적인 아픔에 천착하고 있다는 특징이 두드러진다. 독일 유학 이후에 발간한 『내 영혼은 오래 되었으나』에는 과거의 시간들을 추억하며 그리워하는 상당 부분의 시들이 있다. 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』에서 보여주는 역사적인 관점의 슬픔이 『내 영혼은 오래 되었으나』에서 역시 현현되고 있으나 격정적이고 적극적인 화자가 등장하기 보다는 체념적이고 관조적이고 사색적인 화자가 등장한다는 특징이 있다. 이 논문에서는 주석을 통하여 독일 거주 이후 허수경이 천착하고 있는 세계 즉, 전쟁의 문제와 소외된 사람들과 소통하고자 하는 허수경의 디아스포라 포용 방식에 대하여 소략하나마 언급했다. 이 논문에서는 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』가 디아스포라 관점에 대한 발화지점으로써의 진주지역 공동체와 역사문제, 개인적인 서정의 포용에 대하여 소략하나마 언급했다. 허수경이 독일 거주 이후, 기차역에서 만난 거지에게 한 캔의 맥주와 빵을 나누어 줌으로써, 혹은 쉐어 하우스에서 다민족의 사람들과 시간을 부딪기며 살아가는 모습들에서 디아스포라 관점의 공동체를 꿈꾸었다고 볼 수 있다. 따라서 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』를 면밀히 분석해 보는 일은 그가 걸어온 발자취를 이해하는데 충분한 가치가 있다고 판단했다. 이 논문에서는 『슬픔만한 거름이 어디 있으랴』의 첫 시집으로서의 의의를 그가 걸어가고자 하는 길에서의 ‘슬픔’의 의미를 지난한 삶에서 거름이 되고, 그 슬픔은 주체들의 저항이며, 또한 수난으로 굴곡진 삶에 대한 포용을 내포한다는 것에 의미를 두었고, 그러한 염원이 이루어지지 않는다하더라도 세계를 포용하려는 의지의 소망이라고 해석하였다. 가야트리 스피박은 ‘서벌턴은 말할 수 있는가’에서 하위주체들은 말할 수 없지만 그럼에도 불구하고 발화해야 한다고 주장하는데, 허수경은 진주지역의 농촌 하위주체들인 여성들의 생활과 전쟁이 남긴 폭력의 고통을 겪는 여인들의 삶을 구체적이고 생생하게 재현함으로써, 시를 읽는 사람들과 슬픔을 공유한다. 이는 연대의식을 나눈다고 볼 수 있는데, 과거의 시간을 호명하여 ‘지금 여기’의 시간을 향유하고 ‘우리’라는 공동체의 공감을 이끌어냄으로써 정치성을 확보한다. 그 슬픔이 비록 비루하고 치욕적인 내용의 것이라 할지라도 그 ‘슬픔’을 거름 삼아 미래로 나아가야 됨을 이 시집은 역설한다.

This paper tried to analyze the aspect of sorrow in 'Human Kyung's first poem,' Where is the sadness of manure? ', Divided into' individual ',' history ', and' community ', and to consider its meaning. Sorrow's personal sorrow incidents are characterized by the emergence of the poetic self, who “blooms” or “active loves” by filtering “sorrows” rather than the melancholy or sad tone. Here, 'There is a special feature that the subjects of sad personal history embrace the subject. Melancholy traits are uttered when narrating historical sorrow, which is expressed as “resistance,” which can be inferred from the past time of Benjamin's history. Looking directly at the time of Jetztzeit at this time, Hur recalls the spirit of the times of the present, reflecting on the past. We can infer that past events meet here now and wish to be illuminated by new events and shine like flashes. Subordinate subjects of the poet, Suh Kyung-kyung, are keenly aware of the sadness of double restraint and express their willingness to decolonize. In addition, 'Sorrow' in Hur's poems includes the pursuit of the trajectory of community life called 'us'. This is not a melancholy manifestation of mourning or a pathological loss of a lost object, but the possibility of a communal life working together in a field. The community shown in the poetship can be divided into a family community and a village community. While it shows the clearing of history through the family community, it shows the willingness to move toward creative symbiosis through the village community. He shares his poems before German immigration and after studying in Germany. His first collection of poems is characterized by many subjective statements and subjects' utterances. It is unique in that it covers a wider variety of topics. While Far Away Home Alone devotes a lot of space to individual sorrows, Where is the Sorrowful Manure? After my study in Germany, “My Soul Is Old” contains a great deal of poetry that reminds me of the past. The sorrow of the historical point of view in "Where is there sadness of manure?" Is also manifested in "My soul is old," but it is characterized by a meditation, contemplative and speculative speaker rather than a passionate and active speaker. In this paper, I commented on the world that Imagine has been struggling since I lived in Germany, that is, the problem of war and how I embraced Diaspora in trying to communicate with the alienated people. In this paper, "Sorrowful Manure" outlines the pearl community, the history issue, and the inclusion of personal lyricism as a point of ignition for the Diaspora perspective. Since he lived in Germany, he dreamed of a diaspora perspective by distributing a can of beer and bread to beggars he met at a train station, or by sharing time with multi-ethnic people at a share house. Thus, a careful analysis of Where Sorrowful Manure is, was judged to be worth understanding his footsteps. In this thesis, the meaning of 'sorrow' in the way he wants to walk is the man's first poetry of Where the Sorrowful Manure is, and the sorrow becomes the man's resistance and the suffering of the subject. It meant the inclusion of an inflexible life and interpreted it as the desire to embrace the world even if such aspirations were not fulfilled. Gayatri Spibak says that Subordinates can't speak but never should ignite in `` Suverton Can Speak, '' but Suh Kyung-kyung is a woman who suffers the violence of the lives and wars of women, the rural sub-subjects of Jinju. Share sadness with those who read poetry by recreating their lives concretely and vividly. This can be said to share a sense of solidarity, which secures politics by calling on the past and enjoying the time here and bringing the sympathy of our community. Even though the sorrow is sullen and disgraceful, this poetry paradoxes that we must move forward with the sorrow.

이 글은 죽음이 지배적 담론을 형성하는 김혜순의 죽음 3부작 중 『날개 환상통』에 나타난 ‘죽음 의식’을 규명하고, 그것이 주요 시어인 ‘새’, ‘새하다’, ‘환상통’과 어떻게 연동하며 품사적 변용을 일으키는지 분석하였다. 김혜순 시의 죽음 의식은 매번 다양한 변주를 통해 유연하게 재구축되며 주요 시어들의 의미 형성에 기여한다. 이때 품사적 용법 또한 급진적 변화를 겪으므로 김혜순의 시는 ‘대상의 정체’에 주목하기보다 시인의 시적 공간에서 ‘대상이 작동하는 방식’에 집중해야 한다. 2장에서는 ‘부재’의 존재 방식을 현시하는 죽음 의식과 문제 시어 ‘새’를 관련지어 살펴보았다. 그리하여 ‘새’가 형태상 명사나 관형사의 모습을 띠지만 실 제로는 끝없이 반복되는 움직임(파동)이나 멈추지 않는 리듬의 형식으로 출몰하 는 동사적 용법으로 작동함을 밝혀냈다. 3장에서는 형태상 ‘새’와 결합한 ‘하다’가 ‘새’의 수행성을 나타내는 대신 존 재를 탈각시키는 것에 주목하였다. 그래서 ‘새하다’가 명사나 대명사 같은 주체 를 없애고 부사적 세계만 남게 만든다는 사실을 ‘무화’의 죽음 방식과 연결해 분석하였다. 4장에서는 ‘환상통’이 분열적, 분자적 형태 변화를 일으키며 ‘해체’라는 죽음 의 작동방식으로 발현되는 것에 집중했다. 그럼으로써 쉼 없이 감각되는 순수생 성의 형식을 취하는 환상통이 ‘소리’의 감각과 관련되며, 시적 공간에서 동사적 으로 발휘된다는 것을 규명해냈다. 이 연구에서는 『날개 환상통』에 나타나는 다양한 ‘죽음 의식’을 변용되는 품 사적 용법과 관련지어 살핌으로써 난해하고 모호한 시어들이 김혜순의 시적 공 간에서 작동되는 방식을 일정한 사유체계 내에서 명확하게 확인하였다. 이후 연 구에서는 죽음의 3부작 중 나머지 시집에 대한 연구를 진행하고자 한다.

This article examines the ‘death consciousness’ shown in Wing Phantom Pain, one of Kim Hye-sun’s death trilogy in which death forms the dominant discourse, and analyzes how it is related to the main poetic words ’bird’, ‘bird-hada’ and ‘phantom pain’, causing part-of-speech changes. The death consciousness in Kim Hye-soon’s poetry is flexibly reconstructed through various variations each time and contributes to the formation of the meaning of major poetic words. At this time, the usage of parts of speech also undergoes a radical change, so Kim Hye-sun’s poetry should focus on the way the object operates in the poet’s poetic space rather than focusing on the identity of the object. In Chapter 2, we examine the relationship between death consciousness, which reveals the way of existence of ‘absence’, and the problematic poetic word ‘bird’. Thus, it is revealed that although ‘bird’ is a form of noun or adjective, it operates as a verb usage that appears in the form of endlessly repeating movement (waves) or unstoppable rhythm. In Chapter 3, we focus on how ‘hada’ combined with ‘bird’ in form strips away the existence of ‘bird’ instead of indicating its performativity. Therefore, the fact that ‘bird-hada’ eliminates subjects such as nouns and pronouns and leaves only the adverbial world is analyzed in connection with the method of death of ‘Muhwa’. Chapter 4 focuses on how ‘phantom pain’ causes divisive and molecular changes and is expressed as a method of death called ‘disintegration’. By doing so, it is established that phantom pain, which takes the form of pure creation that is sensed without rest, is related to the sense of ‘sound’ and is expressed verbally in poetic space. In this study, by examining the various ‘death rituals’ that appear in Wing Phantom Pain in relation to the transformed usage of parts of speech, the way in which difficult and ambiguous poetic words operate in Kim Hye-sun’s poetic space is clearly confirmed within a certain system of thought. In future research, we plan to conduct research on the rest of the poetry collections in the Death Trilogy.

에코 페미니즘은 에코(생태학)과 페미니즘(여성학)을 결합한 개념이며 자연 과 여성의 밀접한 관계를 강조한다. 에코 페미니즘을 다룬 소설 중 한국에서는 한강의 소설이 가장 대표적이며, 베트남에서는 응웬옥뜨의 소설이 그 예라고 할 수 있다. 두 작가는 현재 각국의 문단에서 중요한 역할을 하며 국제적으로도 큰 성과를 이루고 있다. 본 연구에서는 에코 페미니즘 시각으로 본 양국의 대표적 인 여성 작가의 소설을 공통점과 차이점을 중심으로 비교 분석하고자 한다. 이를 위해 로즈마리 통, 마리아 미스와 반다나 시바의 에코 페미니즘 그리고 들뢰 즈와 가타리의 ‘되기’ 개념을 중심으로, 한강의 『채식주의자』(2007)와 ｢철길을 흐르는 강｣(1996), 응웬옥뜨의 ｢끝없는 벌판｣(2005)과 ｢홀수의 바람｣1)(2010)을 비교·분석하였다. 두 작가의 작품은 공통적으로 가부장제 사회 하에서 여성과 아이들이 겪는 상처와 외로움으로 인해 ‘타자 되기’ 의식을 내재화하는 모습을 보여준다. 그러나 소설의 배경과 ‘타자 되기’의 대상에 있어서는 차이점을 보인 다. 한강의 소설은 도시를 배경으로 하며 여성이 가부장적 억압을 극복하기 위 해 ‘식물 되기’를 통해 생명력 회복을 모색한다. 한편, 응웬옥뜨 소설에서는 도 시화된 시골을 배경으로 하여 여성이 가부장제의 폭력에 시달리는 모습과, ‘동 물 되기’ 의식을 통한 생명력을 회복을 모색한다. 따라서 이러한 비교를 통해서 한국과 베트남(특히 메콩 델타 지역)의 도시화 과정에서 드러나는 양국의 문화 와 사람에 대한 상호 이해 증진에 기여하길 기대한다.

Ecofeminism is a concept that combines ecology and feminism, emphasizing the close relationship between nature and women. Among the novels addressing ecofeminism, Han Kang’s novels are the most representative example in Korea, while Nguyen Ngoc Tu’s novels are the most representative example in Vietnam. This study aims to compare and analyze the novels of the two prominent female writers from an ecofeminist perspective, focusing on their similarities and differences. To this end, focusing on Rosemary Tong, Maria Mies, Vandana Shiva’s ecofeminism and Deleuze’s concept of ‘becoming’, Han Kang’s The Vegetarian (2007) and River Running on a Railroad (1996), and Nguyen Ngoc Tu’s Endless Field (2005) and Odd Wind (2010) are compared and analyzed. The novels of the two authors have in common the internalization of ‘becoming the other’ due to the wounds and loneliness experienced by women and children in a patriarchal society. However, there are differences in the background of the novels and the object of ‘becoming the other.’ In Han Kang’s novels set in the city, a woman seeks to restore vitality through ‘becoming a plant’ to overcome patriarchal oppression. In Nguyen Ngoc Tu’s novels set in an urbanized countryside, in contrast, women suffer from the violence of patriarchy and seek to recover their vitality through ‘becoming an animal.’ We hope that these comparisons will contribute to the mutual understanding of culture and people between the two countries revealed in the urbanization process of Korea and Vietnam (especially in the Mekong Delta region).

이 연구는 아이러니적 체계와 사유가 김혜진의 소설 『딸에 대하여』에서 어떤 방식으로 주제를 형성하고 작가의 의식을 반영하고 있는지 살펴보았다. 소설은 여성 서사를 바탕으로 늙음의 무기력함과 이들에 대한 돌봄의 문제, 성소수자들 에 대한 사회적 인식과 갈등, 현대사회에서 가족의 의미와 새로운 가족 공동체 의 가능성을 고찰하고 있다. 이 작품이 취하고 있는 아이러니적 방식과 사유는 작가가 추구하고자 했던 ‘불가능한 가능성’으로써의 ‘이해’에 관한 인식의 소산이라 할 수 있다. 소설은 기호와 존재의 아이러니를 통해 정체성의 문제를 지속 적으로 제기한다. 또 작품은 ‘돌봄’의 의미와 가능성에 대해 질문하며, 개인적 돌봄 행위뿐만 아니라 사회적 돌봄으로의 확장 가능성을 탐색한다. 특히 이들의 돌봄이 ‘의식하지 못함’ 혹은 ‘망각’에 기초하고 있다는 점에서 아이러니를 부각 시킨다. 또한, 60대 엄마와 30대 딸의 ‘가족’에 대한 상이한 인식과 그 차이에 대한 이해의 노력이 아이러니적 세계관과 맞닿아 있음을 확인할 수 있었다.

This study examines how irony and reasoning function in the thematic formation and conflict development in Kim Hye-jin’s novel Concerning My Daughter. Through a female-centered narrative, the novel reevaluates the meaning of family and explores new possibilities for family communities in modern society. It addresses the helplessness of aging, the absence of care, and societal conflicts surrounding sexual minorities, while also investigating the challenges and possibilities of mutual understanding among individuals. While acknowledging previous research, this study focuses on the thematic formation process and the author's consciousness. The novel’s use of irony is closely tied to the pursuit of understanding, highlighting identity through symbolic representation and existential irony. Characters reject conventional titles and seek new identities through self-chosen names. The novel also questions the meaning and potential of care, both as a personal responsibility and as a practice extended to the social sphere. The irony is underscored by the fact that caregiving often stems from unawareness or forgetfulness. The conflicts between a mother in her sixties and her daughter in her thirties over family perceptions reflect a clash between traditional values and modern perspectives. This tension ultimately prompts reflection on the possibilities of reimagining family and forming new communal bonds.

본 연구는 베트남전쟁을 다룬 한국 소설인 안정효의 『하얀 전쟁』과 베트남 소설인 바오 닌의 『전쟁의 슬픔』에 나타난 수치심의 양상을 비교, 분석함으로써 베트남전쟁을 둘러싼 양국의 복합적이며 이질적인 감정을 고찰하고자 하였다. 두 소설은 모두 베트남전쟁에 참전했던 인물들의 현재와 전쟁 당시의 과거를 교차 서술하고 있으며, 인물들이 겪고 있는 전쟁의 후유증을 통해 전쟁의 폭력 성과 비극성을 잘 보여주고 있다는 공통점이 있다. 『하얀 전쟁』과 『전쟁의 슬 픔』은 현재의 입장에서 전쟁 당시의 비극적 경험을 재현함으로써 전쟁에 대한 혐오와 공포를 사실적으로 묘사하고 있다. 두 소설의 인물들은 전쟁터에서 죽음 을 목격하며 겪는 과정에서 혐오감과 공포감을 느끼는데, 이는 수치심으로 이어 지게 되며, 이러한 수치심은 전쟁이 끝난 현재까지도 존재 가치 부정, 부적응 등으로 이어지게 된다. 『하얀 전쟁』의 경우, 미국의 반공 논리와 경제적 이득을 위해 베트남전에 참전한 한국의 입장에서 체험한 베트남전쟁의 실체를 비판적 으로 그린다. 한기주는 잔인한 전쟁 체험을 통해 정의로운 전쟁이라 여겼던 전 쟁이 생명을 죽이는 무자비한 폭력임을 깨닫게 되는 것이다. 『전쟁의 슬픔』에 서는 국가의 완전한 독립을 방해하는 외세의 개입에 대한 국가적 수치심 때문 에 자발적으로 참전하게 되는 베트남 군인들의 입장을 보여준다. 주인공 끼엔은 민족해방투쟁이라는 정의감에 전쟁에 자원하지만, 전쟁을 겪으며 애국적 수치 심은 사라지고, 전쟁의 비도덕성으로 인한 수치심을 느끼게 된다. 두 소설은 전쟁의 참전 양상에서는 차이점을 보이지만, 모두 폭력적 전쟁에 서 느낀 수치심을 통해 전쟁의 상처와 슬픔을 그리고 있다는 공통점을 보인다. 특히, 전쟁에서 귀환한 주인공들이 느끼는 수치심은 전쟁의 폭력성과 무의미함 을 고발하는 동시에 현재에도 계속되는 폭력을 비판적으로 직시해야 함을 보여 준다고 할 수 있다.

This research compares manifestations of shame in Ahn Jung-Hyo’s White Badge and Bao Ninh’s The Sorrow of War, examining the complicated emotional landscapes surrounding the Vietnam War from both Korean and Vietnamese perspectives. Both novels use a narrative technique that interchange between the veterans’ present lives and their wartime experiences, and narrate war’s violence through trauma. Characters experience disgust and terrified witnessing battleground deaths, which turns into shame that affects to the present, manifesting as self-negation and maladjustment. White Badge critically depicts South Korea’s participation in the Vietnam War, which was driven by American anti-communist ideology and economic incentives. Through his violent war experiences, the main character Han Ki-Ju comes to realize that the war he once believed to be just was nothing more than senseless violence. In contrast, The Sorrow of War depicts Vietnamese soldiers who voluntarily enlisted due to national shame over foreign intrusion impeding complete independence. The main character, Kien, originally volunteers for war out of patriotic justice, but as he experiences the conflict, the protagonist’s patriotic enthusiasm turns into moral shame. Despite different participation contexts, both novels use the shame to depict war’s pains and sorrows. Particularly, the shame experienced by the protagonist upon returning from war not only shows the violence and meaninglessness of war but also suggests that we should critically encounter the ongoing violence in current society.