Earticle

본 연구는 한국 근대무용의 핵심인 ‘신무용’을 현대 무형유산 담론의 관점에서 재조명하고, 그 문화유산적 가치와 위상 제고를 위한 실천적 과제를 도출하는 데 목적이 있다. 이를 위해 근대예술에 대한 문화유산의 패러다임 변화를 고찰하였고, 근대예술로서 신무용의 역사적 전승 계보와 작품의 실체성을 문헌 연구 및 사례 분석을 통해 실증하였다. 분석 결과, 신무용은 전통의 현대적 변용을 주도한 주체적 미학의 산물이며, 공고한인적 계보와 작품 단위를 통해 ‘살아있는 유산’으로서의 요건을 충분히 갖추고 있음을 확인하였다. 결론적으로 신무용의 위상 회복을 위해서는 무용계 내부의 인식 성찰과 더불어, 국가 무형유산 체계 내의 포용적 수용, 교육과정의 공적 자산화 및 디지털 아카이브 구축이 선행되어야 한다. 본 연구는 신무용을 ‘현재진행형의 유산’으로 규정함으로써 한국 무용 유산의 지평을 확장했다는 점에서 의의를 지닌다.

This study examines sinmuyong, a core asset of Korean modern dance, from the perspective of contemporary intangible heritage discourse and derives practical tasks for enhancing its cultural heritage value and status. To this end, the study reviews the paradigm shift in cultural heritage concerning modern arts and and substantiates the historical transmission lineage and the tangible existence of works in sinmuyong through literature research and case analysis. The findings confirm that sinmuyong is the product of the an autonomous aesthetics that led to the modern change of tradition and that it sufficiently meets the requirements of “living heritage” through an established transmission lineage and identifiable repertoire.. This study is significant in broadening the horizon of Korean dance heritage by defining sinmuyong as an ongoing, living heritage.

본 연구는 한국 전통춤 개념이 UNESCO 무형문화유산 보호협약(ICH Convention)의 개념과 불일치하는 지점을 분석하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구는 문헌연구와 담론분석을 방법으로 삼아, 한국 문화재 법령과 정책 문서를 검토하고, ICH 협약의 형성 과정에 반영된 민속학, 인류학, 퍼포먼스 연구의 이론적 전환을 비판적으로 고찰하였다. 연구 결과, 한국 문화재 제도는 전통춤을 형식화된 전문 예인의 공연예술로 이해하며 역사성·예술성·우수성에 기반한 결과물 중심 패러다임을 전제하는 반면, ICH 협약은 공동체의 실천, 전승, 연행으로서의 과정 중심 개념을 강조한다. 이로 인해 동일한 춤현상에 대해 형식과 계보를 중시하는 관점과 경험과 유동적 실천을 중시하는 관점 사이의 구조적 괴리가 발생한다. 본 연구는 이러한 차이를 ‘보존 중심’과 ‘과정 중심’이라는 두 패러다임의 대립으로 개념화하고, 춤 문화유산의 무형성과 유형성이라는 이중적 존재론을 재정식화할 필요성을 제안한다.

This study examines how and why traditional dance in Korea is conceptualized in a way that diverges from the Intangible Cultural Heritage (ICH) Convention of UNESCO. Using literature review and discourse analysis, it analyzes Korean cultural heritage laws and policy documents while critically engaging with theoretical shifts in folklore studies, anthropology, and performance studies that informed the ICH framework. The findings show that the Korean system conceptualizes traditional dance as a formalized performing art of professional practitioners, grounded in a product-oriented paradigm emphasizing historic value, artistry, and superiority. In contrast, the ICH Convention foregrounds a process-oriented paradigm, understanding heritage as community-based practice, transmission, and performance. This divergence produces a structural gap between form-centered and process-centered perspectives of the same dance practices. This study conceptualizes this difference as a tension between “preservation-oriented” and “process-oriented” paradigms, and proposes the necessity of reformulating the dual ontology of the intangibility and tangibility of dance cultural heritage.

본 연구는 질 들뢰즈(Gilles Deleuze)의 ‘기관 없는 신체(Corps sans Organes)’ 개념을 중심으로 알렉산더 에크만(Alexander Ekman)의 Play 를 분석하여 컨템포러리발레에 나타나는 신체이미지의 미학적 특성을 고찰하는 데 목적을 둔다. 연구 방법으로 들뢰즈의 신체 개념과 예술론에 관한 문헌 연구를 수행하고, 분절·생성·다양체·변용·잠재의 개념을 토대로 탈구성, 확장성, 탈중심성, 신체변이, 신체추상화의 다섯 가지 신체이미지 특성을 도출하였다. 이를 분석 틀로 적용한 결과, Play 는 전통적 발레 테크닉을 기반으로 하면서도 신체의 분절과 재구성, 중심축의 이동, 공간 및 오브제와의 결합을 통해 앞서 도출한 신체이미지 특성을 구현하는 것으로 나타났다. 이와 같이 본 연구는 Play를 통해 동시대 발레의 신체이미지를 들뢰즈의 철학적 관점에서 해석함으로써, 컨템포러리발레의 정체성을 논의할 수 있는 이론적 토대를 제시한다는 점에서 의의를 지닌다.

This study aims to examine the aesthetic characteristics of body imagery in contemporary ballet through an analysis of Alexander Ekman’s “Play,” focusing on Gilles Deleuze’s concept of the Body without Organs (BwO). Through a literature review of Deleuze’s concept of the body and theory of art, five characteristics of body imagery were derived: disarticulation, expansion, decentering, body transformation, and body abstraction. These categories were grounded in Deleuze’s concepts of articulation, becoming, multiplicity, affect, and the virtual. Applying this analytical framework, the study found that, while grounded in traditional ballet technique, “Play” embodies these characteristics through the segmentation and reconstruction of the body, the displacement of the bodily center, and the body’s integration with space and objects. This study is significant in offering a theoretical basis for discussing the identity of contemporary ballet by interpreting body image in Ekman's Play from Deleuze's philosophical perspective.

본 연구는 수도권 및 중부권 시·도 지정 춤 무형유산의 전승지형을 입체적으로 재구현하고, 지속 가능한 전승 패러다임을 모색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 권역 내 무형유산지정 현황을 전수 조사하고, 대표 종목인 살풀이춤과 승무의 계보별 미학적 특성을 비교 분석하였다. 분석 결과, 서울, 경기 등 서부 평야 지역은 종목이 집중된 반면, 강원, 충북 등 동부 산간 지역은 복합 종목 내 흡수로 인한 전승 지형의 불균형이 확인되었다. 그러나 동일 종목일지라도 사승 관계와 지역 정서에 따라 고전미, 제의성, 심미적 유연성 등으로 분화되어 독자적 예술성을 확보하고 있었다. 이에 본 연구는 파편화된 향토 춤 자산의 입체적 아카이빙과 미디어 기술을 제한적 보완재로 융합한 현대적 소통전략을 실천적 대안으로 도출하였다. 본 고는 지역 무형유산이 한국 춤의 다양성을 담보하는 독립적 가치 체계임을 규명하고 다변화된 전승 패러다임의 당위성을 밝혔다는 점에서 학술적 의의가 있다.

This study aims to provide a multidimentional reconstruction of the transmission landscape of city- and provincial-designated intangible heritage dance arts of the Seoul metropolitan and central regions, and to explore a sustainable transmission paradigm. To this end, a comprehensive survey of intangible heritage designations within the region was conducted, and a comparative analysis of the aesthetic characteristics of salpuri chum and seungmu was performed according to their respective lineages. The analysis revealed a severe geographical imbalance; dance genres are heavily concentrated in western plain areas such as Seoul and Gyeonggi, whereas eastern mountainous areas like Gangwon and Jungbuk show uneven transmission due to the absorption of dance elements into composite ritual genres. Nevertheless, even within the same genre, distinctive artistic identities have differentiated into classical beauty, ritual character, and aesthetic flexibility depending on master-disciple lineages and regional sensibilities. Accordingly, this study proposes practical alternatives combining multidimensional archiving of fragmented local dance assets with a communication strategy that employs media technology as a limited supplement. This study is significant in demonstrating that regional intangible heritage constitutes an independent value system that sustains the diversity of Korean dance, and in establishing the necessity of a diversified transmission paradigm.

본 연구는 AI 기반 수행 재현이 왜 ‘진짜처럼’ 느껴지지 않는지에 대한 인지 정서 메커니즘을 규명하고, 관객의 진정성 인식 구조를 분석하였다. 오드리 헵번이 재현된 AI 기반 수행 재현 영상을 자극으로 활용하였으며, 특정 전통무용 양식의 정통성 평가가 아닌 시각적 인공성이 진정성 저하와 정서적 거리감에 미치는 영향을 분석하는 데 초점을 두었다. 연구모형은 Uncanny Valley 이론, 지각적 사실성, 진정성 이론, 벤야민의 아우라 개념을 바탕으로 구성하였다. 국내 1,124명을 대상으로 PLS-SEM 분석을 수행한 결과, 눈빛·표정의 부자연스러움, 물리 법칙 및 세부 디테일 오류, 과도하게 매끄러운 피부 표현은 모두 진정성 저하와 정서적 거리감에 유의한 영향을 미쳤다. 진정성 저하는 정서적 거리감에 유의한 영향을 미쳤으며, 시각적 인공성과 정서적 거리감 간 관계를 부분적으로 매개하는 것으로 나타났다. 본 연구는 디지털 수행예술에서 진정성이 관객 경험 형성에 중요함을 시사한다.

This study aims to identify the cognitive emotional mechanisms underlying why AI-based performance reproduction does not fully feel “authentic” to audiences, and to analyze the structure of audience authenticity perception. An AI-based performance reproduction video featuring Audrey Hepburn was used as a stimulus. The study does not seek to evaluate the authenticity of a specific traditional dance form, but focuses on how perceived visual artificiality influences authenticity loss and emotional distance. The research model draws on uncanny valley theory, perceptual realism, authenticity theory, and Walter Benjamin’s concept of aura. PLS-SEM analysis of 1,124 respondents revealed that unnatural gaze and facial expressions, violations of physical laws and detail errors, and excessively smooth skin representation all had significant effects on authenticity loss and emotional distance. Authenticity loss significantly affected emotional distance and partially mediated the relationship between visual artificiality and emotional distance. The findings suggest that audience experience in digital performing arts may be shaped more strongly by the perceived naturalness and authenticity of performance than by the level of visual reproduction itself.

본 연구는 지역축제 내 스트릿댄스 프로그램 활용 증가에 주목하여, 전문가들의 경험과 인식을 중심으로 활성화 배경, 활용 효과, 발전 방향을 도출하였다. 연구는 기획·심사·공연 참여 전문가 11인을 대상으로 반구조화 심층 인터뷰를 실시하고, 개방·축·선택 코딩으로 분석하였다. 연구결과, 스트릿댄스 활성화는 미디어 노출 확대와 지역 커뮤니티 기반전문가 집단 성장에 기인하며, 지역 활성화, 관객 확대, 문화 저변 확장 및 보상 구조형성으로 이어졌다. 그러나 열악한 공연 환경, 축제 운영 방식과 장르 전문성 간 괴리는 지속성을 저해하는 구조적 한계로 나타났다. 본 연구는 스트릿댄스가 단순한 공연 콘텐츠를 넘어서 지역축제의 참여형 문화자원으로 기능하고 있음을 보여주며, 안정적 예산지원, 전문 인력 협력 체계, 중장기 운영 전략 마련의 필요성을 제시하였다는 점에서 의의를 지닌다.

This study focuses on the increasing use of street dance programs in local festivals and aims to identify the background of their growth, utilization effects, and future directions based on the experiences and perceptions of street dance professionals. Semi-structured in-depth interviews were conducted with eleven experts involved in festival planning, judging, and performance, and the data were analyzed through open, axial, and selective coding. The findings indicate that the growth of street dance in local festivals was driven by increased media exposure and the developmentof community-based professional networks. These factors contributed to regional revitalization, audience expansion, broadening the cultural base of street dance, and the formation of compensation structures However, structural limitations were also identified, including poor performance environments and gaps between festival operation systems and genre-specific expertise, which hinder sustainability. This study demonstrates that street dance functions not merely as performance content but as a participatory cultural resource within local festivals. Furthermore, it highlights the need for stable financial support, collaborative systems with specialized personnel, and long-term operational strategies.

본 연구는 경기도당굿에 바탕을 둔 진쇠춤이 무대예술로 수용, 변용되는 양상과 그 미학적 가치를 규명하는 데 목적이 있다. 나아가 진쇠춤의 예술적 외연 확장 가능성을 증명하여 급변하는 현대 예술 환경 속에서 전통춤이 나아가야 할 지속 가능한 전승방법론을 모색하고자 하였다. 이를 위해 문헌 연구와 공연 실황 분석을 통해 이동안류와 조흥동류의 전승 과정을 추적하고, 국립무용단 향연 에 나타난 진쇠춤의 무대화 양상을 집중 고찰하였다. 연구 결과, 진쇠춤은 무속적 신성성을 견지하면서도 현대적 극장 양식과 결합해 ‘창조적 전통’으로 재정립되었음을 확인하였다. 이는 한국 전통춤이 동시대적 미적 감각을 확보한 ‘심미적 근대성’을 성취해가는 과정을 보여주며 정형화된 원형을 넘어 전통의 외연을 확장하는 가치 지향점을 제시한다.

This study aims to investigate how Jinsoe Chum, rooted in Gyeonggi Dodanggut, has been adopted and transformed as a stage art, and to elucidate its aesthetic value. It further seeks to demonstrate the potential for Fexpanding the artistic appearance of Jinsoe Chum, and to explore a sustainable transmission methodology for traditional dance in a rapidly changing contemporary arts environment. To this end, this study traces the transmission processes of Lee Dongahn and Jo Heungdong lineages through literature review and performance analysis, and closely examines the staging of Jinsoe Chum in the Korean National Dance Company’s Hyangyeon. The finding confirms that Jinsoe Chum has been re-established as a ‘creative tradition’ that combines withmodern theatrical conventions while maintaining its shamanic sacrality . This shows the process by which Korean traditional dance achieves an ‘aesthetic modernity’ attuned to contemporary sensibilities, and suggests a value orientation that extends the boundary beyond the fixed archetype.

본 연구는 공연예술 분야에서 AI와 데이터 활용이 확대됨에 따라 발생하는 데이터 거버넌스 이슈를 데이터 파이프라인 관점에서 분석하였다. 연구는 데이터 흐름을 수집, 정제·처리, 저장·관리, AI 학습, 생성·활용, 재사용·공유의 6단계로 구분하고, 정당성·품질·통제성·투명성·책임성·활용성의 6개 거버넌스 요인을 중심으로 국내외 사례를 비교하였다. 분석 결과, AI 기반 창작에서는 수집 단계의 정당성이, 실시간 공연에서는 정제·처리단계의 품질이, 디지털 아카이브에서는 저장·관리 단계의 통제성이, 플랫폼 기반 확산형에서는 재사용·공유 단계의 활용성이 핵심 요인으로 나타났다. 연구는 공연예술 데이터 거버넌스 문제가 특정 기술이 아니라 데이터 흐름 구조 속에서 발생함을 밝히고, AI기반 공연예술 환경에 적합한 단계별 거버넌스 체계 구축의 필요성을 제시하였다.

This study examines data governance issues arising fromthe expanding use of data and artificial intelligence (AI) in the performing arts through a stage-based data pipeline framework. The pipeline consists of six stages: collection, cleaning and processing, storage and management, AI training, generation and utilization, and reuse and sharing. Using seven domestic and international cases, the study applies pattern-matching analysis to identify dominant governance factors at each stage, focusing on six dimensions: legitimacy, quality, control, transparency, accountability, and usability. The findings show that governance issues emerge structurally along the data pipeline rather than from specific technologies. Legitimacy was dominant in AI-based creative systems, quality in real-time performance environments, control in digital archives, and usability in platform-based sharing systems. The study highlights the need to establish stage-specific governance frameworks suited to AI-driven performing arts environments.

춤 예술은 근본적으로 춤 행위를 펼치는 장소와 불가분의 관계이다. 이에 본 연구는 춤이 구현되는 장소와 춤의 상관관계를 통해 예술적 의미생성을 도출하는 것을 연구목적으로 한다. 연구 대상으로 전통적인 극장 공간을 재편해 관객 수행성을 실험한 『미니어처 공간극장』, 도시 장소 특정적 공연 『Trailer』는 춤 행위 장소 혁신과 의미생성 관점에서 연구 대상으로서 타당성이 있다. 연구 방법으로 기호학적 분석은 이항대립과 행위자 모델 그리고 의미 산출을 통해 두 작품이 내재한 장소 사용 심층 분석과 의미 생성을 연구한다. 이를 통해 다양한 장소에서 이뤄지는 춤 기호분석 결과로써 비 재현 의미, 신체 의미, 사건 의미를 도출한다. 나아가, 연구 결과로 도출된 예술적생성 의미는 춤 예술의 근본적인 자기 성찰과 재정립 의미로서 제언 되기를 바란다.

Dance as an art form is fundamentally inseparable from the place in which it is performed. Therefore, this study aims to explore the generation of artistic meaning through the correlation between dance and space where it is realized. Two works serve as case studies: Miniature Space Theater, which reconfigured traditional theater space to experiment with audience performativity, and Trailer, an urban site-specific performance; both are pertinent cases for examining innovation in dance space and meaning production. Employing semiotic analysis based on binary oppositions, actantial models, and significance processes, the study conducts an in-depth examination of how each work utilizes place and generates meaning. The analysis derives three dimensions of meaning from dance performed in diverse places: non- representational meaning, bodily meaning, and event meaning. It is hoped that the generative artistic meanings identified through this research will contribute to fundamental self-reflection and redefinition in the art of dance.

본 연구는 옴니채널 환경에서 나타난 춤의 수용 양식 변화를 ‘확장된 신체성’의 관점에서 규명한다. 포사이드의 ‘안무적 오브제’, 레페키의 ‘아카이브로서의 신체’, 매팅리의 ‘안무적 장치’를 분석 틀로 삼아 앰비규어스 댄스 컴퍼니 등의 사례를 분석하였다. 그 결과 옴니채널 환경은 춤을 ‘변환’과 ‘통제’의 기제로 재구성함을 밝혔다. 첫째, 춤은 신체를 이탈해 데이터로 변환되며 ‘매개된 공연성’과 ‘수행적 아카이브’를 창출한다. 둘째, 알고리즘의 통제하에 관객은 춤을 직접 체화하고 생산하는 능동적 ‘수행적 관객(생비자)’으로 전환되었다. 이러한 기술 종속과 신체 미학의 획일화 위험을 극복하기 위해, 본 연구는 실증 사업(Test-bed) 마련, ‘모듈형 안무’ 도입, ‘참여형 춤 공유 플랫폼’ 구축을 실천적 과제로 제언한다. 이는 춤의 존재론적 변화를 규명하고 지속 가능한 무용 생태계의 로드맵을 제시했다는 데 의의가 있다.

This study examines shifts in dance reception within the omnichannel environment from the perspective of 'extended corporeality.' Employing William Forsythe's 'choreographic object,' Andre Lepecki's 'body as archive,' and Kate Mattingly's 'choreographic apparatus' as analytical frameworks, the study analyzes cases including Ambiguous Dance Company that traverse online and offline boundaries. The findings reveal that the omnichannel environment reconstructs dance through mechanisms of ‘translation’ and ‘control.’ First, as dance detaches from the physical body and is converted into data, it generates 'mediated performativity' and 'performative archives.' Second, under algorithmic control, audiences transition into active 'performative spectators' (corporeal prosumers) who embody and produce dance themselves. To address the risks of technological subjugation and the standardization of bodily aesthetics, this study proposes practical measures: establishing test-beds for empirical projects, introducing 'modular choreography', and building participatory dance-sharing platforms. This study is significant in elucidating the ontological transformation of dance and presenting a roadmap for a sustainable dance ecosystem.

｢장고춤｣은 장고를 메고 장고 연주와 더불어 추는 춤이다. 최승희는 한성준에게서 배운전통 ｢장고춤｣을 새롭게 안무하여 ｢장고춤｣을 만들어 다양한 유파의 춤으로 발전했다. 이와 계보를 달리하는 김취홍으로부터 시작하여 오천향을 거쳐 한혜경으로 전승되는 ｢십이체장고춤｣이 있는데, 이는 경기민요인 ｢한강수타령｣, ｢청춘가｣과 서도민요인 ｢긴난봉가｣로 반주한다. 이는 평양 기생인 김취홍의 성향에 의한 것이다. 김취홍은 장고춤을 전통적인 평양 기생춤 반주음악인 대풍류가 아닌 서도민요를 선택했을 것이고, 이는김취홍이 서도잡가에도 능했기 때문이다. 그의 반주음악은 본래 서도민요인 ｢난봉가｣, ｢이팔청춘가｣, ｢간지타령｣이었던 것이 이들 노래를 서울 스타일로 바꿔 부르면서 인기를 얻게 된 경기민요 ｢청춘가｣와 ｢한강수타령｣으로 한성준와 최승희의 ｢장고춤｣이후대체되었을 가능성이 많다. 중심부의 음악인 경기민요가 인기를 얻으면서 주변부의 음악인 서도민요는 자연스럽게 도태되었고, 서도민요의 존재감은 남북분단으로 완전히 지워졌다. ｢십이체장고춤｣의 반주음악이 서도민요와 경기민요가 쓰이는 현상은 서울에서의서도민요의 퇴화에 따른 현상일 것이다.

Janggo chum is a dance performed while carrying and playing the janggo. Choe Seunghui re-choreographed the traditional janggo chum she learned from Han Seongjun. Following a separate lineage, the sibiche janggo chum of Gim Chwihong was transmitted through O Cheonhyang, and is now preserved by Han Hye-gyeong. This dance is accompanied by the Gyeonggi folk songs “Hangangsu Taryeong” and “Cheongchun-ga” together with the Seodo folk song “Gin Nanbong-ga,” reflecting the musical background of Gim Chwihong as a Pyeongyang gisaeng skilled in Seodo japga. folksongs of the Northwestern area. The accompanying music exhibits the origin creator of the dance, Gim Chwihong. Gim likely chose Seodo folk songs rather than “Daepungnyu,” the conventional accompaniment for Pyeongyang gisaeng dance. Her original accompaniment was probably replaced by Gyeonggi folk songs that gained popularity, particularly after the wide reception of Han and Choe’s Janggo chum. As Gyeonggi folk songs of the cultural center eclipsed the Seodo repertoire of the periphery, and as the division of Korea further erased the Seodo tradition, the coexistence of both regional folk song traditions in Sibiche Janggo chum likely reflects this historical process of displacement.

본 연구는 세대 변화와 디지털 전환 속에서 무용강사가 인식한 수업문화의 변화와 관계 중심 지도전략의 재구성 양상을 탐색하였다. 이를 위해 무용강사를 대상으로 반구조화 심층면담을 실시하였으며, 수집된 자료는 귀납적 주제분석을 통해 분석하였다. 연구결과, 무용수업은 권위와 반복 중심의 지도에서 설명, 공정성, 정서적 지원, 개별화를 강조하는 문화로 변화하고 있었다. 학생들은 동작, 훈련 과정, 평가 기준에 대한 명확한 이유를 점차 요구하고 있었다. 강사의 권위는 전문성, 설명역량, 신뢰, 존중적 소통을 통해 형성되었다. 이에 강사들은 질문 중심 수업, 과정 중심 피드백, 개별화 지도, 정서적 지원, 디지털 소통 채널을 활용하고 있었다. 본 연구는 무용강사를 기술, 관계, 정서, 소통, 자기주도적 성장을 조율하는 교육 실천가로 재정의할 필요가 있음을 시사한다.

This study explores dance instructors’ perceptions of changes in course culture and the reconstruction of relationship-centered teaching strategies in the context of generational change and digital transformation. Semi-structured in-depth interviews were conducted with dance instructors, and the collected data were analyzed through inductive thematic analysis. The findings reveal that dance classes have shifted from authority- and repetition-centered instruction toward a culture emphasizing explanation, fairness, emotional support, and individualized guidance. Students increasingly demand clear rationales for movements, training processes, and evaluation criteria. Instructor authority is established through professional expertise, explanatory competence, trust, and respectful communication. In response, instructors employ question-based teaching, process-oriented feedback, individualized instruction, emotional support, and digital communication channels. The study suggests the need to redefine dance instructors as educational practitioners who coordinate technical instruction, relationships, emotions, communication, and learners’ self-directed growth.

본 연구는 2017 2025년 국내 무용학 연구에 나타난 인공지능(AI) 담론을 인간·기술·몸 관계망의 관점에서 분석하고, AI가 무용학 담론 구조를 어떻게 변화시키고 있는지를 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 현상학적 몸 이론, 포스트휴먼 이론, 기술-매개예술 담론을 분석 틀로 설정하고, 국내 학술지 논문 35편을 대상으로 질적 문헌연구를 수행하였다. 분석 결과, AI는 교육·창작·향유 전반에서 신체 경험과 창작 과정, 감상방식을 매개하는 행위자로 기능하고 있었다. 이 과정에서 몸은 관계 속에서 구성되는 존재로, 창작은 협력적 과정으로, 향유는 참여적 경험으로 재구성되고 있었다. 종합하면 국내 무용학의 AI 담론은 기술 활용 논의를 넘어 인간·기술·몸 관계의 의미 형성 과정을 탐구하는 방향으로 확장되고 있으며, 무용학의 개념과 경계를 재성찰하게 하는 담론적 전환으로 이해될 수 있다.

This study examines artificial intelligence (AI) discourse in Korean dance studies between 2017 and 2025 from the perspective of human technological bodily relational networks and investigates how AI is transforming the discursive structure of the field. To achieve this, phenomenological embodiment theory, posthumanist theory, and technology-mediated art discourse were employed as analytical frameworks, and a qualitative literature review was conducted on thirty-five academic articles published in Korean scholarly journals. The findings indicate that AI functions as an agent mediating bodily experience, creative processes, and modes of reception across the domains of education, creation, and audience engagement. As a result, the body is being reconstituted as a relationally-constituted entity, creation as a collaborative process, and reception as a participatory experience. Overall, AI discourse in Korean dance studies extends beyond discussions of technological application toward an exploration of how meaning is generated through human technological bodily relations, representing a discursive shift that calls for a re-examination of the concepts and boundaries of dance studies.

본 연구는 명나라 시기 도교 세속화 과정과 해이양앙가의 형성 및 발전 간의 문화적 연관성을 고찰하는데 목적이 있다. 연구 방법으로는 문헌연구와 현지조사를 병행하여 명나라 시기 도교의 세속화가 민간 사회로 확산되는 과정과 해이양앙가 형성 과정 간의 관계를 분석하였다. 연구 결과, 명나라 시기 도교는 국가 중심의 종교 체계에서 점차 민간 사회로 확산되며 세속화 양상을 나타냈다. 도교는 민간 공연 형식 속에서 수용·변용·재구성되었다. 도교 신선 체계와 연관성이 있는 악대부의 역할 구조, 팔괘 사상이 반영된장도 구성, 그리고 용왕제와 결합된 집단적 의식 기능이 해이양앙가 형식 속에서 자리매김되었다. 해이양앙가의 형성과 발전은 도교가 민속 무용과 상호작용하며 지속적으로 재구성된 결과로 이해할 수 있다. 본 연구는 해이양앙가의 역사적 형성과 문화적 정체성에 대한 이해를 심화하고, 현대적 맥락에서 전통문화의 지속과 계승을 위한 이론적 기반을 제공하는데 의의가 있다.

This study aims to examine the cultural relationship between the secularization of Taoism during the Ming dynasty and the formation and development of Haiyang Yangge (a folk dance from Shandong). Combining literature review and fieldwork, the study analyzes the relationship between the spread of secular Taoism in folk society during the Ming dynasty and the formative process of Haiyang Yangge. The study finds that Taoist elements were adopted, transformed, and reconstructed within folk performance traditions. This is manifested in the role structure of yuedafu the Bagua-related spatial organization, and the collective ritual functions associated with the Haiyang Yangge Dragon King ritual. The formation and development of Haiyang Yangge can thus be understood as the result of continuous interaction between Taoism and these folk dance traditions. This study deepens the understanding of the historical formation and cultural identity of Haiyang Yangge, while providing a theoretical foundation for the continuity and transmission of traditional culture in a contemporary context.

본 논문은 대전광역시 무형유산으로 지정된 법우 송재섭류 ｢승무」의 미적 특성을 고찰하였다. 법우 송재섭은 1989년부터 이매방에게 ｢승무」를 사사받아 그 전통을 기반으로 자신의 예술적 해석을 더해 독자적인 춤 양식을 구축하였다. 본 연구는 문헌연구, 구술자료 분석, 비교미학적 분석을 통해 법우 송재섭류 ｢승무」의 미적 특성을 네 가지로 도출하였다. 첫째, 동작 이전의 정지와 호흡을 중시하는 내향적 절제와 응축의 미, 둘째, 깊고느린 호흡이 동작의 시작과 끝을 결정하는 호흡 중심의 신체 표현, 셋째, 시각적 화려함보다 수행자의 내면 상태를 드러내는 장삼을 통한 내면적 표현, 넷째, 이매방류 ｢승무」의미적 특성이 대전의 지역적 특성과 결합하여 형성된 지역성과 예술성의 결합이다. 이를 통해 법우 송재섭류 ｢승무」는 이매방류 ｢승무」의 단순한 지역 전승이 아니라 전승자의 수행적 삶과 예술적 가치관이 반영된 독자적 유파임을 확인하였다.

This study examines the aesthetic characteristics of the seungmu of Beopu Song Jaeseop, designated as the Intangible Cultural Heritage of Daejeon Metropolitan City. Having studied seungmu under Yi Maebang since 1989, Song Jae-seop established his own dance style by adding on his artistic interpretation. Through literature review, analysis of oral data, and comparative aesthetic analysis, this study identifies four aesthetic characteristics of this style. First, the beauty of inward restraint and condensation, which emphasizes stillness and breath before movement. Second, breath-centered physical expression, where deep and slow breathing determines the beginning and end of movements. Third, internal expression through jangsam (long-sleeved robe) that reveals the performer’s inner state rather than visual splendor. Fourth, the synthesis of locality and artistry formed by combining the aesthetic traits of Yi's style with Daejeon's regional characteristics. Consequently, this study confirms that the seungmu of Beopu Song Jaeseop is not a mere regional transmission of the Yi Maebang style, but a unique school reflecting the practitioner's performative life and artistic values.

Park Jae-hee, author of Understanding Taepyeongmu and Han Seong-jun (Vols. I & II), states that the book's purpose is to establish a systematic scholarly framework for Taepyeongmu, choreographed by Han Seong-jun and transmitted through the teaching of Han Yeong-suk, and to serve as a modest foundation for the dance's accurate understanding and future development. Drawing on her lifelong discipleship under Han Yeong-suk—a relationship first forged through Taepyeongmu—the author traces the lineage of this National Intangible Heritage by unraveling, thread by thread, the transmission from master to student. The book examines, diachronically from the Japanese colonial period to the present, the background of Han Seong-jun's original choreography and its musical structure rooted in traditional Korean dance aesthetics, the processes by which it was preserved as Joseon dance, its transmission as Han Yeong-suk-style Taepyeongmu and completion as a solo form, and its eventual consolidation as Park Jae-hee-style Taepyeongmu. The work also identifies several productive research agendas: reassessing existing scholarly positions on Han Seong-jun's dance activities; comparative analysis of jangdan (rhythmic structure) across the transmission lineage; the limits of selective rhythmic adaptation in dance practice; and recovering the varied transmission contexts and choreographic intentions behind Han Yeong-suk's teaching across different disciples and periods.

셰이나 실버스타인의 『위태로운 균형 Fraught Balance』은 민족음악학과 무용학 분야에 중요한 기여를 하는 저작으로, 시리아의 격동적인 근현대사를 가로지르며 답케(dabke)가 농촌의 민속 실천에서 귀속감을 수행하는 행위로 변모해 온 과정을 추적한다. 저자는 문헌 아카이브 연구, 혁명 이전의 현지 조사, 디지털 문화기술지, 그리고 디아스포라 예술가들에 의한 형식 변용에 대한 분석을 토대로, 답케를 신체화된 청취 실천으로 재개념화하면서 젠더·계급·민족성이 어떻게 사회적 유대를 형성하는 동시에 고착된 위계를 재생산하는지를 조명한다. 이 책은 리듬적 흐름, 기술적 매개, 그리고 시리아 혁명과 강제 이주 과정에서 답케가 겪은 변형에 대한 분석에서 특히 탁월하다. 디지털 음향 기술이 계급 역학을 어떻게 재편하는지, 그리고 군인들의 원무가 어떻게 선전·동의·위안의 공간으로 기능하는지에 대한 고찰은 이 책의 가장 인상적인 성취 중 하나다. 동작 묘사에 대한 보다 심화된 탐구와 민족지적 실천에 대한 지속적인 자기 성찰이 아쉬움으로 남지만, 이러한 과제들은 이 책의 학문적 성취를 결코 감소시키지 않는다. 균형을 흔들리는 역동적 협상으로 파악하는 저자의 중심 은유는 답케는 물론, 권위주의와 강제 이주 하에서의 생존의 정치를 이해하는 강력한 분석 틀을 제공한다. 『위태로운 균형』은 SWANA(남서아시아·북아프리카) 및 그 너머의 신체성, 민족주의, 사회적 삶의 음향-운동적 차원에 관한 향후 연구에 지속적인 영향을 미칠 것으로 기대된다.