Earticle

본고에서는 일본의 아악을 구성하는 중요 요소들을 보다 자세히 살핀다는 의미에서 『악소보임(楽所補任)』을 중심으로 그것에 기록된 악가(樂家)들의 구체적인 성씨 및 성씨별 악소 보임현황에 관해 살펴보았다. 더불어 각 성씨별 계열을 되짚어 보았다. 『악소보임』은 악소의 보임에 관해 기록한 문헌으로, 고대 말기에서 중세 초기에 걸친 약 153년 동안의 악인(雅楽)들의 보임 내용을 담고 있다. 본서에 등장하는 악인들의 성씨는 총 25개이다. 이 중, 당시 아악계에서 악소(楽所)에 가장 많은 보임을 받은 것은 고마(狛), 오노(多), 오가미(大神), 도요하라(豊原), 아베(安倍)의 다섯 성씨였으며, 특히 고마씨(狛氏)는 보임자 중 거의 30%를 차지해 당대 최고의 명문 악가임을 입증하였다. 한편, 『악소보임』의 25개의 성씨 중, 『신찬성씨록(新撰姓氏録)』에 기록된 성씨는 22개이다. 이 중, 한반도계로 분류되는 성씨는 도요하라, 고마, 구다라(百済), 미야케(三宅)의 4개로, 이것들은 다시 11개의 관련 성씨로 분화되어 갔다. 도요하라의 도요하라쓰라네(豊原連), 고마의 고마노오비토(狛首), 고마노미야쓰코(狛造), 고마소메베(狛染部), 고마히토(狛人), 구다라의 구다라아손(百済朝臣), 구다라코(百済公), 구다라오(百済主), 구다라키(百済伎), 구다라우지(百済氏), 미야케의 미야케쓰라네(三宅連)가 그것이다. 일본의 아악계는 고대에서 후대로 전해 내려오는 사이 다양한 사회, 정치적 변화에 따라 계승과 단절을 반복하게 된다. 계승과 단절의 굴곡 속에서 일본의 아악을 지켜낼 수 있었던 것은 이른바 삼방악소(三方楽所)가 제도화되었기 때문인데, 삼방악소를 지켜온 삼방악인(三方楽人)의 상당수는 한반도계 성씨의 악인들이었다. 이후 근대로 접어들면서 1873년부터는 세습을 기본으로 한 전승 체계에서 벗어나 일반인들에게도 아악이 개방되었고 호리카와 히사타미(堀川久民)와 같은 비악가(非楽家) 출신의 악인이 탄생하게 되었다. 그리고 현재 총 26명의 궁내청식부직(宮内庁式部職) 악인 중, 비악가(非楽人) 출신의 악인이 절반정도를 차지하게 되었다. 그러나 그러한 상황 속에서도 우에 사네미치(上真行)처럼 일본 아악계에서 한반도계 악인들의 활약은 변함없이 이어지고 있다.

This study investigated the family names of gakkge (musician families) and the status of appointment of each family name as recorded in the Appointment to the Chamber of Music (Gakuso Boin) in order to investigate important elements of Gagaku (Japanese Court Music). In addition, this study retraced the line of each family name. The Appointment to the Chamber of Music is a document that records the gakunin (musicians) who were appointed to the Chamber during a 153-year period between the late ancient era and the early Middle Ages. A total of 25 musician family names appear in this book. Of these families, five were most often appointed to gakuso (the Chamber of Music): Koma, Ono, Ogami, Toyohara, and Abe. In particular, the Koma line represents almost 30% of the people appointed, indicating that they were the most prestigious gakkge. In addition, of the 25 family names in the Appointment to the Chamber of Music, 22 were also recorded in the Newly Compiled Record of Clan Names (Shinsenshoujiroku). Of these 22 names, four are classified as originating from the Korean Peninsula line: Toyohara, Koma, Kudara, and Miyake. In turn, these names were further subdivided into 11 related family names: Toyohara was divided into Toyoharatsurane; Koma was divided into Komanoobito, Komanomiyasuko, Komasomebe, and Komahito; Kudara was divided into Kudaraason, Kudarako, Kudarao, Kudaraki, and Kudarauji; and Miyake was divided into Miyaketsurane. In a similar way, the Japanese Aak world has experienced repeated succession and severance of member families as a result of various social and political changes. The institutionalization of so-called Sanpogakuso defended gagaku during the ups and downs of succession and severance, and a large number of Sanpogakunin in Sanpogakuso were musicians with a Korean Peninsula line family name. In the modern era, since 1873, as gagaku was opened to people other than gakkge, and the system of transmission was no longer based on hereditary succession, musicians appeared who did not hail from a musician family, such as Horikawa Hisatami. As a result, gakunin who do not descend from gakkge have represented approximately half of the 26 gakunin in the Board of the Ceremonies of the Imperial Household Agency. Nonetheless, gakunin, including Ue Sanemichi, whose origins are in the Korean Peninsula, have remained active in the Japanese Aak world to the present day.

이 연구의 목적은 1980년대부터 2000년대 초반까지 왕성하게 활동해온 사설 무용공연단의 해외 공연의 기록을 바탕으로 국내 사설무용공연단의 활동에 의한 한국춤의 국제화 전개 양상을 규명하고자 한 것이다. 이 연구의 목적을 달성하기 위한 구체적인 연구문제는 다음과 같이 설정하였다. 한국을 대표하는 사설무용공연단으로는 “창무회”와 “디딤무용단”이 있었으며 이들 무용단은 한국춤의 국제화에 가장 선도적인 역할을 하였다. 이들은 국제무대에서 세계인들의 감성을 사로잡을 수 있는 공연을 선보였다. 어쩌면 최근의 한류는 이들로부터 시작되고 있었다고 평해도 될 것이다.

The purpose of this study is to vigorously investigate international developments in Korean Dance by domestic private dance troupes. The study is based on the performance records of private international dance troupes from the early 2000s, troupes that were active since 1980. The Chang Mu Dance Company and the Didim Dance Company are among Korea’s leading performers and feature dancers who play a prominent role in the globalization of Korea by presenting performances that captivate audiences around the world. The recent Korean Wave may also trace its origins to the popularity of these dance troupes.

이 연구의 목적은 20세기 초반의 서양 현대미술 화가들과 그들의 특정 작품이 예술심리치료의 한 분야인 무용치료 배경이론의 전조로서 기록적 의미가 있는가를 고찰해 본 것이다. 미술에 대한 연구의 방법론적 접근은 미술사와 미술, 예술치료 및 예술철학에 관한 문헌고찰에 기반을 두어 이루어졌다. 연구를 위해 선택된 화가들은 파블로 피카소(Pablo Picasso)와 잭슨 폴락(Jackson Pollock), 그리고 앙리 마티스(Henri Matisse)이고 무용치료의 선구자 중 한명인 마리안 체이스(Marian Chace)의 무용치료의 기본개념 및 관점이 분석의 틀로 사용되었다. 연구의 결과는 다음과 같다. 파블로 피카소의 『세 댄서(The Three Dancers)』라는 작품은 자유로운 표현과 형태의 파괴 그리고 내면의 세계를 표현하는 동작을 묘사한 것이었고, 그로부터 무용치료의 주요개념 중 하나인 상징주의적 요소(symbolism)를 찾아 볼 수 있었다. 잭슨 폴락의 『리드미컬 댄스(Rhythmical Dance)』라는 작품은 샤머니즘 및 동작적 요소(body action)를 강조하고 있으며 마지막으로 마티스의 『댄스 Ⅱ(Dance II)』라는 작품은 인류의 집단적인 제의로서의 춤의 원형적 힘과 생명력을 드러내는 것으로 역시 무용치료의 중요개념 중 하나인 리듬적 그룹 활동(rhythmic group activity)의 치유적 힘을 표현하고 있다. 이 세 예술가와 작품들을 통해 현대예술사의 흐름에서 일어나는 무용과 미술 분야의 상호영향과 무용치료의 이론적 기반이 나타나는 전조를 엿볼 수 있었다. 앞으로 미술이 단순히 무용의 외현적 기록의 수단이 아닌 예술사적 개념을 드러내는 역할 가능성이라는 관점에서도 활발히 연구되기를 희망한다.

The purpose of this study is to examine Western works of art through a historical and archival point of view related to arts psychotherapy. The method of approaching visual works of art is based on essential attributes of art therapy history. The theoretical background is founded in publications and research papers relating to art history, arts philosophy, and expressive arts therapy. To examine contemporary Western works of art and artists, Pablo Picasso, Jackson Pollock, and Henri Matisse were selected for analysis and exploration of the origin of arts psychotherapy. For the purpose of discussing the conceptual foundation of dance therapy, the characteristics of Western works of art and artists were examined, resulting in the following findings. First, the characteristics of Pablo Picasso’s “Three Dancers” include free-form expression, destruction of form, and bodily expression of subjective emotions arising from an inner world. In particular, “Three Dancers” exhibits Symbolism, which is one of the main elements of dance/movement therapy. Second, the characteristics of Jackson Pollock’s “Mural” and “Rhythmical Dance” represent Shamanism and strong Body Action, both from the artifacts and the process of creating them. Lastly, Henri Matisse’s “Dance the Second” and “Two Dancers” show a simple and strong color composition which emphasizes the harmony of nature, humans, and the power of Rhythmic group activity, also a main concept of dance therapy. As a result of the analysis, these three important Western artists and works of art are seen to demonstrate meaningful perspectives and theoretical foundations of dance therapy. Indeed, their works of art could be considered valuable documents of dance therapy history. This study is limited by its focus on only a few selected artists and works of art. A larger, follow-up study is needed to rule out over-generalization. Second, interpretation may be limited by the subjectivity of the author. For this reason, the author included a number of references to support the study’s point of view.

이 글은 임금이 개인에게 내려주는 가무악인 사악(賜樂)에 어떤 춤이 존재했을까? 라는 의문에서 시작되었다. 정원용(鄭元容, 1783~1873)이 과거급제 60주년을 맞은 회방(回榜)에 관해 전하는 기록에서 해결의 실마리를 찾을 수 있다. 즉 친척 여성이 쓴 한글가사인 <뎡상공 회방긔록>과 정원용의 일기인 『경산일기』를 토대로 회방연 의례와 관련된 사악, 그리고 춤의 모습을 구체적으로 살펴볼 수 있었다. 첫 단계로, 회방연 의례가 어떠했는가를 알아보았다. 경산 정원용의 회방연은 1862년 1월 1일에 철종이 내린 전교부터 준비가 시작되었다. 회방과 관련된 궁궐 행차와 집안 잔치, 묘소에까지 회방 관련 의례가 이어졌고, 준비부터 회방 행사가 마무리되는 시점까지는 세 달이 걸릴 정도였다. 두 번째 단계로, 회방연 사악의 면모를 파악하였다. 정원용에게 내려진 1등 사악은 전악(典樂) 1명, 악공 36명, 무동 10명, 오방무(五方舞) 5명으로 구성되어, 총 52명이었다. 이러한 구성은 『육전조례』의 1등 사악이 악사 1명, 전악 2명, 악공 20명, 무동 10명, 처용무 5명, 색리 1명으로 구성되어, 총 39명이었던 것과 비교할 때 악공의 수가 더 많았다. 1등 사악으로 보내진 공연단은 예행연습을 시작으로, 두 차례에 걸친 대궐 행차와 팔순 생일잔치, 마을에 음식 나눔과, 묘소의 연회에서도 공연활동을 수행하였다. 1등 사악의 공연활동 기간은 두 달에 이르렀다. 세 번째 단계로, 회방연 사악으로 공연된 춤을 살펴보았다. <뎡상공 회방긔록>에 따르면, 10명의 무동이 춤을 추었으나, 구체적인 춤 종목은 알기 어렵다. 기녀들은 회방연에서 장악원 악공의 연주에 맞추어 춤을 추었다. 기녀들이 정원용의 집에서 공연한 춤은 처용무․초무․검무․무고․선유락․포구락․향발․헌선도 등 8종목의 정재였다. 회방연 사악으로 공연되었던 춤 종목은 조선후기 궁중에서도 인기리에 공연되었던 정재임이 확인되었다. 정원용 회방연의 사악을 한국 공연예술사에서 주목해야할 이유는 궁중의 문화가 개인 집까지 확산되는 과정을 보여주는 사례이기 때문이다. 궁중공간에서 공적인 성격을 띤 악무는 개인공간에서 사적인 성격을 띤 잔치에서도 공연되었다. 이처럼 중앙의 ‘악’이 확산되고, 궁중악무의 향유층이 개인과 문중까지 확대되는 문화적 유통의 성격을 지니므로 ‘사악’은 조선의 춤 문화를 이해하는데 중요한 키워드이다. 즉, 정재가 궁중에서 왕실을 위한 춤과 지방 관아에서 행사를 위한 연향 춤뿐만 아니라, 개인의 사적인 공간에서까지 공연되고 향유되었던 춤이라는 정재의 존재 방식을 구체적으로 밝힌 것이 본 연구의 의미라 하겠다.

This study begins with the question of what dances were performed in the Sa-ak during the Joseon Dynasty. The Sa-ak (賜樂) consisted of a director, musicians, female entertainers, boy dancers, and a Cheoyong masked dance group. The research objective is Jeongsanggonhoenangilok, which was written to celebrate Hoebang (回榜)’s 60th anniversary of passing the state examination by Jeong Won-yong(1783- 1873). The Joseon wangjo sillok (朝鮮王朝實錄) and Akhakgwebeom (樂學軌範) were also sources of background material, consisting of official records and literary works, that were subject to review. In terms of the rites of the Hoebang, on January 1, 1862, the king gave orders. In addition to feasting by the royal family, the government allowed citizens to also participate in festivals, many of which were held over the course of two months. Relative to the Sa-ak, the king established the first degree of Sa-ak, which consisted of a total of 52 people: 1 director, 36 musicians, 10 boy dancers, and 5 Cheoyong masked dancers. They performed for two months. In terms of the performances, the repertoires of the boy dancers were not recorded and remain unknown. While it was performed leisurely, it gave a feeling of flourishing and colorful. The female entertainers performed seven kinds of dances along with the Jangagwon orchestra: Cheoyong masked dance, sword dance, drum dance, pogulak (dancing ball into hole), seonyulak (dancing to play on the ship), and hyangbal heonseondo (dancing to give a long life peach). These repertoires were the most popular forms of jeongjae (呈才) in the late Joseon court. The Sa-ak was performed as part of a private feast. “Sa-ak” is an important keyword for understanding the culture of Korean dancing, because it spreads as “Sa-ak” in private space, and has the character of cultural circulation in which the enjoyment of royal court dance extends to individuals.

박병천류 진도북춤은 악․가․무 합일된 형태로 가락의 유려함과 더불어 다양한 춤사위와 정제된 구성양식이 조화를 이루어 하나의 무대예술로써 그 가치를 인정받는 우리나라 대표적 전통춤의 하나이다. 이에 본 연구는 라반의 움직임 분석(Laban Movement Analysis) 시스템에 의거하여 진도북춤의 춤사위 특성들을 분석하여 살펴보고 이 춤이 지닌 의미와 미적 가치들을 함께 논의하여 그 예술성과 중요성을 되짚어 보고자 한다. 이를 위해 2008년 11월 7일 진도에서 열렸던 제 1주기 고 박병천 선생님 추모공연 영상을 분석대상으로 삼았으며 이와 함께 2000년 4월17일 포스트극장에서 박병천 실제 공연실황 영상과 오랫동안 박병천으로부터 직접 사사받은 경험을 참고자료로 삼았다. 분석은 국제공인 라반/ 바르테니에프 움직임 분석 전문가인 본인이 직접 실행하였다. 분석결과는 다음의 여섯 가지로 크게 종합해 논의할 수 있다. 첫째, 북 연주와 함께 진행되는 춤 특성을 장점으로 살려 정박의 규칙성과 엇박의 불규칙성 간의 연결성은 통일성과 함께 돌연변이처럼 파생되는 의외성을 가미해 춤의 질감을 다양화시켜준다. 둘째, 북을 멘 몸통에서 흐르는 자연스러운 선과 사지가 조화를 이루며 만들어내는 입체적 조형미를 보여주며 다소 제한적 몸통의 움직임보다는 팔과 다리의 다채로운 움직임을 유발하고 있다. 셋째, 팔과 다리의 현란한 제스처들은 공간과의 관계 속에 주변적 또는 횡단적 경로를 사용하여 담백하고 깔끔한 곡선미와 유연하고 부드러운 곡선미의 적절한 조화를 이루어내고 있다. 넷째, 공간적으로 프로시니엄 무대에 맞게 전방을 주시하나 실제 진행방향으로는 양쪽 앞 사선을 주로 이용하고 몸통과 팔, 다리 각 신체 부위가 지시하는 다양한 각의 방향은 3차원의 볼륨감을 더해주며 무대예술로 양식화된 형태를 보인다. 다섯째, 내적 감정의 에너지(기/氣)가 발현되는 모습은 강한 동작충동으로 시작되어 응축하고 풀리는 흐름(Flow)의 변화를 중심으로 무거운 무게나 빨라지고 늘어나는 시간 에포트의 변화들을 조합된 다이나믹한 양상을 주로 나타는데 이는 맺고 어르고 푸는 정중동(靜中動) 또는 동중정(動中靜)의 한국 춤 움직임의 기본원리를 상징적 보여주고 있다. 여섯째, 이상의 살펴본 신체와 시․공간적 관계속의 여러 가지 움직임의 조화로운 결합과 다이나믹한 에너지로 표출되는 특성들은 반복성이라는 구조에 의해 양식화되어 관객에게 전달되고 이는 춤추는 이와 관객들이 동일한 감정적 정서의 상태인 신명을 함께 느낄 수 있게 해준다. 이렇게 박병천류 진도북춤은 그가 가르치며 항상 강조하였던 우리 춤 문화의 주요한 미학적 개념인 음과 양, 강과 약, 직선과 곡선, 유연함과 강인함, 여성성과 남성성, 정중동, 동중정의 조화로운 조합을 고스란히 담고 있으며 그의 삶의 철학과 예술세계가 그대로 반영된 것이다.

Byung-Choen Park’s Jindo Drum Dance is a masterpiece that strikes a balance between traditional Korean music and dance. As one of the most representative traditional dances, this dance has been loved and performed by many people for a long time. This study focuses on discovering the unique qualities of Byung-Choen Park’s Jindo Drum Dance by examining its movements through Laban Movement Analysis. Along with this analysis, this study also explores the special concepts and philosophical meanings embodied in the movements of the dance. As a Certified Laban Movement Analyst, the author analyzed the movements based on the dance film shown at Jin-do on November 7, 2008. The movement qualities of the Jindo Drum Dance are as follows. First, the dance employs both regular beats and irregular up-beats that cause disorder within order. Second, the limited torso movement while holding a drum enhances simultaneous and, consequently, harmonized arm and leg movements. Third, diverse arm and leg gestures draw curved and straight spatial designs by using peripheral and transverse spatial pathways. Fourth, in most performances, the dancer faces the front and right and left forward side directions based on the proscenium stage. Also, the diverse spatial directions of all body parts within a personal kinesphere create three-dimensional volumes with mixed diagonal lines within a cube. Fifth, the inner impulse of the movements demonstrates an Effort phrase, such as Action Drive, then Bound and Free Flow and Passion Drive, versus Remote or Mobile State. These Effort phrases reveal a unique Korean dance aesthetic, which consists of a harmonizing of Jeong Jung Dong-stability and mobility, as well as calm and active. Sixth, these five special qualities rely on a structure that includes principles of repetition. Repetitive movement qualities help audiences appreciate and evoke the unique Korean sentiment, Shin-myung. All of these movement qualities are well orchestrated in between two opposing poles, such as harmony and chaos, regular and irregular, soft and stiff, strong and weak, curved and straight, and feminine and masculine, which eventually imply the special Korean cultural concept of Jeong Jung Dong and Dong Jung Jeong, which is based on Yin-Yang philosophy.

한국은 1990년대 이후 외국인근로자와 결혼이민자, 탈북자 등의 증가로 본격적인 다문화사회로 진입하였다. 최근 체류외국인의 수가 최초로 200만 명을 돌파하였고 이러한 급격한 증가에 맞추어 현재 사회통합을 위한 정책과 교육이 변화하고 있다. 다문화사회에서의 교육은 21세기 한국에서 가장 중요한 과제로 떠오르고 있으며 이러한 흐름에서 한국의 무용교육은 다문화사회에서 어떠한 역할을 하고 있는지 살펴보아야 할 중요한 시점이라 생각된다. 본 연구는 미국의 다문화교육과 프랑스의 상호문화교육의 비교연구를 통해 한국 다문화사회에 적합한 무용교육 방안을 제안하는데 목적이 있다. 이를 위해 다문화사회 교육의 대표적인 두 관점인 미국의 다문화교육과 프랑스의 상호문화교육을 비교분석하였고, 이를 바탕으로 한국 다문화사회의 무용교육 현황을 파악하고 시사점을 도출하였다. 본 연구의 분석결과를 토대로 상호문화교육을 적용한 무용교육 방안을 요약하면 다음과 같다. 첫째, 학교교육을 위한 상호문화무용교육은 더 이상 ‘차이점’ 아닌 ‘공통점’을 찾고자하며 둘째, 이민자가정자녀와 일반가정의 학생들이 다양한 전통무용을 통해 상호소통을 하고자 한다. 셋째, 평생교육을 위한 상호문화무용교육은 이민자, 즉 소수를 위한 교육이 아닌 모두를 위한 무용교육으로의 확대가 필요하며 넷째, 다수의 거주민과 소수의 이주민을 대상으로 상호문화교육을 적용한 커뮤니티 댄스프로그램 시행되어야 한다. 이처럼 소통과 상호통합을 중시하는 무용교육이 현 시대의 필요에 따라 절충되어진다면, 안전하고 건강한 다문화사회로의 진입에 큰 도움을 줄 수 있을 것이라 예상된다. 이를 통해서 한국 다문화사회에서 무용의 교육적 측면의 중요성과 가치를 재인식하고 더 나아가 21세기 다문화사회의 교육을 무용교육이 주도적으로 이끌고자 한다.

Since the 1990s, Korea has developed into a full-fledged multicultural society with an increase of foreign workers, marriage immigrants, and defectors. Today, as multicultural education is emerging as a critical task for Korea in the 21st century, it is a crucial moment to examine what role Korea’s dance education plays in such a multicultural society. The purpose of this study is to search for an appropriate type of dance education, given Korea’s transition to a multicultural society. Thus, this study conducted comparative studies between the United States’ form of multicultural education and France’s intercultural education to identify the current status and problems of dance education in Korea. Based on this analysis, four ways in which intercultural education has been applied as an alternative to appropriate dance education in Korean multicultural society are presented. This study attempts to identify the similarities rather than the differences in intercultural dance education. Furthermore, children coming from immigrant families and students from ordinary households want to communicate with each other through various traditional dances. Therefore, intercultural dance education needs to be extended to immigrants as well as native citizens. Additionally, a community dance program that implements intercultural education for a large number of inhabitants and a small number of immigrants should be established. If dance education that emphasizes communication and mutual integration is formulated to meet the needs of the present age, it is expected that it will also be a great help toward creating a safe and healthy multicultural society. Through this study, the importance and value of dance in Korean multicultural society will be re-acknowledged, and the value of dance education for leading the way toward a 21st century multicultural society will be illustrated.

실용주의적 미학 입장에서 몸에 대한 의식과 실천을 강조하는 슈스터만의 몸 미학은 인식 주체로서 무용수의 내적 경험을 중시하는 무용의 몸학적 접근과 밀접한 관련성을 맺고 있다. 본 연구에서는 실행적 몸 미학과 무용과의 관계성 분석을 통해 실천적 성격의 몸 미학이 어떻게 무용에 적용, 기여할 수 있는지를 논의함으로써 인식주체로서 무용수의 무용탐구에 대한 이론적 틀을 제시하는데 연구목적을 두고 있다. 관객과의 미적 소통을 위한 무용표현을 위해서 무용수는 몸의 표현력을 개발, 제고시키는 것이 필요하다. 무용수는 무용 움직임 프로그램을 만들고 유지하는 능력, 고유수용감각적 정보 처리 능력, 무용공간적 지각 능력을 발달시킴으로써 무용표현력을 향상시킬 수 있다. 이것은 무용적 몸, 즉 무용의 신체도식 발달과 밀접하게 연결되어 있다. 무용 신체도식의 발달은 일상적 몸으로부터 무용적 몸으로 전환하기 위한 인위적 노력이며, 몸 미학적 차원에서 보면 실행적 차원의 몸 미학 실행을 통해 미적 표현매개체로 무용수의 몸을 변환시키는 것을 의미한다. 무용적 몸의 확립, 발달은 전의식적 수준에서 무용의 신체도식들이 작동하면서 무용수로 하여금 보다 자연스럽게 정제된 방식에서 무용표현을 수행하도록 하고 그 결과 관객과의 무용경험 소통이 확대된다. 따라서 몸 미학, 특히 실행적 차원의 몸 미학 실천을 통해 무용수는 무용표현력에 기여할 수 있는 무용적 몸을 발달시킬 수 있다. 이와 함께 관객이 무용 환경에 대응한 무용수의 움직임 가능성에 대한 이해와 경험을 가지고 있다면, 그러한 이해와 경험을 갖고 있지 못한 관객들과 비교하여 무용공연에 대해 상대적으로 보다 폭 넓고, 깊은 미적 이해를 하면서 무용 감상의 질이 제고되는 결과를 가져온다. 이것은 무용공연에 대한 비평, 감상능력 제고를 위해 경험적, 그리고 실행적 몸 미학적 차원에서 무용교육을 통해 학생들이 움직임 기술에 관한 실기 경험을 갖는 것이 중요함을 시사한다.

Shusterman developed somaesthetics, which emphasizes somatic consciousness and practice based on pragmatic aesthetics. Somaesthetics is closely related to the somatic approach to dance, which focuses on the dancer’s inner experience as the cognitive subject. This study purposes to analyze the relationship between performative somaesthetics and dance in order to determine how somaesthetics contributes to dance as an art form as well as provides the theoretical framework for the dancer’s movement exploration. For aesthetic communication between dancer and audience to occur through dance expression, it is necessary to develop the dancer’s expressive power. The dancer can enhance his/her expressive power through the development of abilities to form motor programs in dance, process proprioceptive information, and perceive dance space. These are closely connected with the development of the dance body, that is, the body schema in dance. The development of the body schema in dance is the outcome of conscious efforts to transform the everyday body into a dance body. From the perspective of somaesthetics, this implies the transformation of the dancer’s body into the aesthetic medium through practicing performative somaesthetics. The development of the dance body makes a dancer able to perform dance movements in a refined and natural way, in which the dance schemata functions preconsciously. As a result, aesthetic communication with the audience is enhanced. Therefore, through somaesthetics, particularly performative practices, the dancer develops a dance body to contribute to the expressive power of dance. As the audience reaches deeper understanding and experience of the movement possibilities of the dance responding to the dance environment, its appreciation may be heightened. This implies that it is important for students to have performing experience in the dance curriculum through experiential and performative practices in order to enhance the abilities of evaluation and appreciation in the dance performance.

본 연구의 목적은 당시 최승희의 춤추는 몸에 여성성이 발현된 형태와 일상에서 여성성의 표출 양상을 당시 가부장적 의식과 태동하는 신여성 계층이 충돌하는 시기에 어떤 양상으로 표출하였는지 사회적 구조 안에서 해석하고자 한다. 초기 현대춤 작품과 이후 전통소재의 작품, 동양적 이미지의 작품에서 모두 공통적으로 대담하면서 당당한 신여성의 면모를 엿볼 수 있다. 기성 가부장적 남성적 시선에 순응함과 동시에 전통적 여성성에 도전하는 페미니즘적 성향이 동시에 담겨있다. 일상에서는 진보적 결혼생활을 실천했다. 남편 안막과 이전 급진적 페미니스트들과 같은 연애 성향을 보이지는 않았지만 결혼 후 정신적 동반자이자 인생의 멘토로서 근대적 부부관계를 이루었다. 최승희의 작품 성향 또한 영향 받아 프로 경향의 춤을 창작하고 이후 한국춤을 개발하는데 근간을 형성하였다. 일과 결혼생활을 양립하는데도 성공하였다. 최승희가 당대 유명인사가 된 것은 패션 노출을 통해 확립한 여성성도 큰 기틀을 이룬다. 과거와의 단절을 의미하는 짧은 보브스타일의 머리를 고수하였고 안팎에서 모두 양장을 하였다. 외출시 착용한 모자, 외투, 스커트, 클러치, 구두는 모두 세심하게 선택된 코디였고 파리를 시작으로 미국에서 대단히 유행했던 아르데코 양식이었다. 우아하고 세련되면서도 신여성의 자기 확신에 찬 여성성이 담겨있다.

This study seeks to interpret how femininity is revealed in Seung-hee Choi’s dancing body and how it was expressed in daily life at a time when patriarchy and the concept of the “new woman” collided. In early modern dance and in later works of Korean traditional material and Oriental images, we see aspects of bold, dignified women. These reveal a feminism that conforms to established male ideals and challenges classical femininity. In contrast, Seung-hee Choi practiced a progressive to her life and to marriage. The romantic relationship she shared with her husband was not like those of radical feminists. Instead, the couple forged a modern marriage that linked them as a mental partner and a mentor of life. The tendency of her work was also affected by her husband, so she created dance of proletarian tendency and then developed Korean dance. Seung-hee Choi succeeded at both her career and marriage. Seung-hee Choi was also a celebrity in her time for emphasizing femininity through her fashion. She retained her bob style hair and wore Western clothes indoors and out. The hats, coats, dresses, clutches, and shoes that she wore were carefully chosen to coordinate with the Art Déco style then in vogue in Paris and the U.S. This form of fashion reveals a graceful, sophisticated, and self-assured femininity.