Earticle

이 연구는 서울무용제의 제도적 변화를 신제도주의 관점에서 통시적으로 분석하여, 이 축제가 국가 문화정책, 예술가 공동체, 사회 담론이 교차하는 제도적 장으로 기능해 왔음을 규명하는 것을 목적으로 한다. 연구는 정책사, 제도사, 인지적 담론의 3중 분석틀 을 통해 축제의 형성, 전환, 정착 단계를 구조화하였다. 분석 결과, 서울무용제의 제도 변화는 규제적, 규범적, 인지적 요인의 상호작용 속에서 진화했다. 특히, 무용계 내부의 비평 담론과 국가 문화정책의 ‘팔길이 원칙’, 그리고 ESG 기반 운영 도입이라는 외생적 압력이 복합적으로 작용하여 제도의 동인이 되었다. 이는 공정성, 투명성, 지속가능성 등의 사회적 가치가 제도의 핵심 규범으로 내재화되는 담론적 제도주의의 실현 과정을 실증적으로 보여준다. 궁극적으로 서울무용제는 행정 효율성 중심의 ‘규제적 제도’에서 사회적 신뢰와 가치를 내면화한 ‘담론적 제도’로 성공적으로 전환되었음을 확인하였다. 이는 한국 예술행정이 효율 합리성 중심에서 사회적 담론 중심의 문화적 합리성으로 이행하는 과정을 보여주는 중요한 전환점으로 평가된다.

This study chronologically analyzes the institutional changes of the Seoul Dance Festival(SDF) using the framework of New Institutionalism to identify the festival’s function as an institutional field where national cultural policy, the artists’ community, and social discourse intersect. The research employs a three-tiered analytical framework policy history, institutional history, and cognitive discourse to structure the festival’s stages of formation, transition, and institutionalization. The analysis reveals that the SDF’s institutional evolution accompanied the complex interplay of regulative, normative, and cognitive factors. Key drivers included internal critical discourse from the dance community, the national cultural policy’s ‘Arm’s Length Principle’, and the exogenous pressure of adopting ESG-based operations. This empirically demonstrates the realization of Discursive Institutionalism, where social values such as fairness, transparency, and sustainability become internalized as institutional norms. Ultimately, the Seoul Dance Festival transitioned from a ‘regulative institution’ focused on administrative efficiency to a ‘discursive institution’ that has internalized social trust and value. This confirms the shift in Korean arts administration from an emphasis on efficiency rationality to a cultural rationality centered on social discourse.

본 연구는 2020년부터 2025년까지 국내에서 발표된 재한 무용 전공 유학생 관련 실증연구 를 대상으로 체계적 문헌 고찰(Systematic Literature Review)을 수행하여, 연구 주제의 분포와 변화 양상, 그리고 연구 방법의 유형과 특성을 분석하는 것을 목적으로 한다. 문헌 검색은 NDSL, RISS, KCI, KISS, 국회도서관 학술정보원을 활용하였으며, PRISMA 2020 지침에 따라 선별·분석하였다. Mixed Methods Appraisal Tool(MMAT, 2018)을 적용한 결과, 비무작위 양적 연구가 81.6%, 질적 연구가 2.6%로 나타났으며, 양적 연구 중심의 편중이 확인되었다. 문헌 분석 결과, 재한 무용 전공 유학생의 진로, 대학생활 적응, 심리 경험은 개인 요인에 국한되지 않고 사회문화적 환경과 무용이라는 예술 실천 맥락 속에서 형성되는 과정으로 나타났다. 그러나 기존 연구는 개인 변인 중심으로 다루는 경향이 강해 문화적·교육적 맥락의 통합적 분석에는 한계가 있었다. 본 연구는 재한 무용 전공 유학생 연구의 현황과 한계를 종합적으로 제시하여 향후 무용교육 국제화와 유학생 교육의 질적 향상에 기초 자료를 제공한다는 점에서 의의를 지닌다.

This study conducted a systematic literature review(SLR) of empirical research on international students majoring in dance in Korea published between 2020 and 2025, examining research topic trends and methodological characteristics. Using PRISMA 2020 guidelines and the Mixed Methods Appraisal Tool(MMAT, 2018), the analysis revealed a strong predominance of non-randomized quantitative studies (81.6%) and a limited presence of qualitative research (2.6%). Findings indicated that the career development, university adaptation, and psychological experiences of international dance students were shaped through interactions within sociocultural contexts and the artistic practice of dance, rather than being confined to individual factors. However, existing studies largely adopted an individual-variable-centered approach, with limited integration of cultural and educational contexts. This review provided foundational insights for advancing the internationalization of dance education and improving research quality on international students.

본 연구는 현대무용전공 대학생을 대상으로 회복탄력성이 무용공연자신감에 미치는 영향과 그 과정에서 심리적 행복감의 매개효과를 검증하는 데 목적이 있다. 전국에 소재한 현대무용전공 대학생 154명을 대상으로 비확률 표본추출을 통해 자료를 수집하 였으며, 온라인 설문을 활용하여 분석을 진행하였다. 수집된 자료는 요인분석과 신뢰도 분석을 통해 타당성과 신뢰성을 검증한 후, 다중회귀분석과 Baron과 Kenny(1986)의 매개회귀분석 절차를 적용하여 변수 간 관계를 분석하였다. 분석 결과, 회복탄력성은 무용공연자신감에 유의미한 정적 영향을 미쳤으며, 심리적 행복감은 이 관계에서 매개역 할을 하는 것으로 나타났다.

This study examined examine the effect of resilience on dance performance confidence of university students majoring in modern dance and to investigate the mediating role of psychological well-being in this relationship. Data were collected from 154 modern dance majors across Korea using a non-probability sampling method, and an online survey was employed for analysis. The validity and reliability of the collected data were confirmed through factor and reliability analyses, followed by multiple regression analysis and mediation analysis based on the procedure proposed by Baron and Kenny (1986). The results indicated that resilience had a significant positive effect on dance performance confidence, and that psychological well-being was found to mediate this relationship.

본 연구는 경기도도당굿이 현재 진쇠를 무구로 한 춤에 어떠한 영향을 미쳤는지와 어떤 전승 형태로 발전되고 있는지에 대해 논의고자 한다. 연구방법으로는 선행연구자료분석 과 영상을 분석하였다. 경기도도당굿의 갈래로부터 계승 발전되어 나온 ‘진쇠(꽹과리)’ 를 무구로 사용하는 춤은 이용우, 김숙자의 터벌림춤 , 이동안류 진쇠춤 , 조흥동류 진쇠춤 이 있다. 이 춤들의 기원과 형식, 예술적 특성을 비교·분석하고, 그 뿌리인 경기도도당굿과의 관계성을 고찰하였다. 이용우, 김숙자의 터벌림춤은 실연기반의 주술 적 성격을 띠는 춤이며, 이동안류 진쇠춤 은 예술무용의 정형화로 예술성을 띤다. 조흥 동류 진쇠춤 은 창작 공연 예술화의 작업으로 생겨났다. 이는 춤 속에 내재된 원형이 풍부한 자원이 되어 후대에 다양한 형태와 의미로 전승되고 발전되는지를 가늠하게 한다. 진쇠춤은 단일한 형식이 아니라, 굿의 기능과 미학, 그리고 계승자의 예술적 선택에 따라 다채롭게 변용될 수 있는 전통예술의 살아 있는 양식이라 할 수 있다.

The purpose of this study is to examine how Gyeonggi-do Dang-gut has influenced contemporary dances that use jinsoe as a prop and to explore the ways in which these dances have developed. As research methods, prior studies were reviewed, and video materials were analyzed. Dances that utilize jinsoe and have been inherited and developed from the lineage of Gyeonggi-do Dang-gut include Lee Yong-woo and Kim Sook-ja’s Turbulim Dance, Lee Dong-an’s Jinsoe Dance, and Jo Heung-dong’s Jinsoe Dance. This study investigates the origins, forms, and artistic characteristics of these dances, as well as their relationship to the roots of Gyeonggi-do Dodang-gut. All of these works employ the rhythmic patterns (jangdan) of Gyeonggi-do Dodang-gut and either transform actions derived from the ritual sequence of gut into performing arts or transmit them through the formalization of artistic works. Jo Heung-dong’s Jinsoe Dance is further identified as a creatively developed work grounded in tradition.

이 연구는 예비교사들이 라이프로깅(lifelogging) 도구인 모코피(Mocopi)와 패들릿 (Padlet)을 활용하며 디지털 신체표현 활동과 매체 활용에 대한 교육적 인식을 탐색하고 자 C교육대학교 2개 학과 예비교사 58명을 대상으로 무용 수업을 진행하였다. 연구방법 은 연구 주제 관련 진술문(Q표본) 작성, 연구 참여자(P표본) 선정, 요인분석을 통한 교육적 인식 유형 도출의 단계로 Q방법론을 적용 분석 하였다. 그 결과 첫째, 적극수용형 과 선택활용형은 라이프로깅 매체의 긍정적 측면으로서 기억 보조, 개인화된 학습 경험 제공, 창의적 자기표현의 기회를 강조하였다. 둘째, 회피형과 무관심형은 개인 프라이버 시 침해 우려, 심리적 부담, 디지털 피로감 등의 부정적 요인을 지적하였다. 셋째, 유형별 시사점으로 사용자 맞춤형 솔루션 제공의 필요성이 제기되었고 넷째, 모코피와 패들릿을 활용한 라이프로깅 기반 신체활동은 학습자 간의 사회적 실재감을 형성하고 상호 연대감 을 강화하는 교육적 효과가 확인되었다.

This study examines pre-service teachers’ educational perceptions of digital physical expression activities while utilizing lifelogging tools such as Mocopi and Padlet with 58 pre-service teachers from two departments at C National University of Education.. Using Q methodology, the study proceeded through the following stages: the development of Q statements related to the research topic, the selection of participants as the P sample, and factor analysis to identify types of educational perceptions. As a result First, the Active Acceptance and Selective Utilization groups highlighted the positive aspects of lifelogging, including memory support, personalized learning experiences, and creative self-expression. Second, the Avoidant and Indifferent groups pointed out negative factors, such as concerns about privacy invasion, psychological burden, and digital fatigue. Third, the findings emphasized the need to provide user-tailored solutions for effective adoption. Fourth, lifelogging-based physical activities with Mocopi and Padlet were shown to foster social presence and strengthen mutual connectedness among learners.

본 논문은 무용 작품 춤이 나를 말하다 의 창작 전 과정을 분석하여 안무가의 안무 스타일과 예술 철학을 확립하는 데 목적이 있다. 실기기반연구(PBR)를 통해 창작 전 과정과 작품을 분석한 결과, 무용수의 몸은 서사적 의미를 생산하는 주체로 작용하였으 며, 감각 기반 움직임 탐구를 통해 자연스럽고 유기적인 움직임이 발현되었다. 이러한 과정은 안무의 개념을 철학적·관계적 차원으로 확장시키는 결과로 이어졌고, 그 특성으 로 ‘내재성’, ‘서사성’, ‘공명성’의 움직임이 도출되었다. 결론적으로 본 연구는 창작의 결과뿐 아니라 과정 자체가 안무의 핵심 구성 원리로 기능함을 확인하였으며, 안무가의 예술 철학과 스타일이 감각 중심으로 확립되었음을 밝혔다. 또한 안무가와 무용수 간의 민주적 소통 방식은 무용수를 단순한 수행자가 아닌, 자기 인식과 존재를 표현하는 예술적 주체로 성장시키는 데 기여하였다.

This study examines the entire creative process of the dance work Dance Speaks for Me to articulate the choreographer’s stylistic approach and artistic philosophy. Using Practice-Based Research (PBR), the research analyzes the stages of conception, choreography, rehearsal, performance, and post-performance reflection. The findings reveal that dancers’ bodies function as active agents that generate narrative meaning through sensory experience. Sensory-based movement exploration facilitates the emergence of natural and organic movement qualities, extending choreography beyond formal composition toward philosophical and relational dimensions. This process identifies three core movement characteristics: immanence, narrativity, and resonance. The study further confirms that not only the final outcome but the creative process itself operates as a central choreographic principle. Consequently, the choreographer’s artistic philosophy and style are systematized around sensory awareness, while democratic communication between choreographer and dancers proved essential in fostering dancers’ growth as expressive subjects rather than passive performers.