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이 연구는 무용 기록물에 대한 보존, 교환가치, 재현의 윤리를 주요 논제로 두고 무용 NFT의 가능성과 쟁점이 탐색 되었다. 연구방법은 문헌 분석과 사례 조사이다. 논의된 내용은 NFT는 무용 기록의 원본성 보존과 상업성 모두를 확보할 수 있는 ‘대체불가 토큰’으로써 기술적 역량을 지닌다. 특히 NFT는 희소성 측면에서 작품의 미학적 가치를 배가시키며 창작자의 권리 보장과 수익 배분 등, 산업적 잠재력이 크다. 다만 법적 분쟁 위험에 대한 모색이 지속적으로 이루어져야 한다. 결론적으로 NFT는 무용 아카이브 생태 전환의 기회가 될 수 있으며 기록의 공공성과 공유성을 위한 커뮤니티 토큰으로서 효용적 가치가 있다. 따라서 AI와 같은 기술적 발전을 염두에 두고서라도 무용 NFT에 대한 다양한 담론화는 필요하다.

This study explores the possibilities and issues of NFT for dance records, setting preservation, exchange value, and the ethics of representation as its main agenda. The methods are literature analysis and case study. The discussion holds that NFT, as a non-fungible token, has the technical capacity to secure both authenticity preservation in dance documentation and commercial viability. In particular, from the standpoint of scarcity, NFT amplifies the aesthetic value of works and supports creators through rights protection and revenue sharing, indicating considerable industrial potential. However, sustained examination of the risks of legal disputes is required. In conclusion, NFT can provide an opportunity for an ecological transition of dance archives and has utilitarian value as a community token that advances the publicness and shareability of records. Therefore, even with ongoing technological developments such as AI, continued discourse on dance NFT is necessary.

본 연구는 1930년대부터 1960년대까지 유행했던 근대춤 유산인 ‘신민요춤’, 특히 배구자 가 민요 『천안삼거리』와 『도라지 타령』에 바탕을 두어 창작한 신민요춤의 의미를 분석 하고, 이를 동시대적 감각으로 재현 복원한 작품의 재생산 과정을 살핀 것이다. 연구 방법은 재현 및 복원과정에 초점을 두어 실행연구(Practice-based Research)로 진행하였 다. 본 연구에서는 문화유산의 살아있는 전승 방법은 단순한 재현⸱복원에만 있는 것이 아니라, 민족성과 지역성을 반영한 춤의 현대적 계승과 지속가능성에 더 큰 의미가 있음을 밝혔다. 또한 전통춤이 갖는 문화적 가치를 현대사회와 어떻게 접목할 수 있는지 에 대한 창작적 방법론을 제시하고, 근대무용 유산의 현대적 계승 가능성을 제안했다는 데 의미가 있다.

This study examines the significance of shin minyo dance, a modern dance heritage that was popular from the 1930s to the 1960s, with particular focus on the works of Bae Guja, who created dances based on the folk songs Cheonan Samgeori and Doraji Taryeong. Employing a practice-based research methodology, the study centers on the processes of re-enactment and restoration, while analyzing the reproduction of these works in a contemporary context. The findings reveal that the living transmission of cultural heritage lies not merely in reproduction or restoration, but more importantly in the modern succession and sustainability of dance that reflects both national identity and regional characteristics. Furthermore, this research proposes creative methodologies for integrating the cultural value of traditional dance into contemporary society and underscores the significance of modern succession of modern dance heritage.

본 연구는 북청사자놀음 중 ‘사자춤 과장’에 주목하여 전통예술이 현대 공연예술의 창작 자산으로 기능할 가능성을 탐색하였다. 연구방법은 비교문화적 사례연구와 창작기 반연구를 병행하였다. 먼저 문헌조사와 영상자료 분석을 통해 사자춤의 연행구조·춤사 위·상징체계를 검토하였으며, 연구자의 안무 실연 과정을 통해 춤사위의 변형과 재구성 을 시도하였다. 연구결과, 첫째, 북청사자놀음 의 주제·동선·음악·복식은 창작 작품 사자놀이 에서 현대적 안무 어휘로 변용되었고, 둘째, 벽사진경, 화해와 공존, 공동체적 축제성을 드러내는 표현적 상징성이 형성되었다. 본 연구는 전통예술이 동시대 무용의 언어 속에서 새로운 의미와 미적 가치를 창출함을 보여주며, 전통과 현대 공연예술 간 접속 가능성을 밝히고 무형유산의 창작적 활용과 교육·기획 현장에 기초자료로 기여 할 수 있음을 제시한다.

This study, focusing on the Lion Dance Act of Bukcheong Saja Noleum, explores the potential of traditional arts as creative resources in contemporary performing arts. The research employed a comparative cultural case study in conjunction with creative practice research. First, a review of literature and analysis of video materials examined the performance structure, dance movements, and symbolic system of the lion dance. Second, the researcher’s own choreographic practice, transformed the traditional movements and reconfigured them into new choreographic vocabularies. The findings revealed, first, that the themes, spatial pathways, music, and costumes of the lion dance were reconstructed in the creative work Lion Play, and second, that expressive symbolism emerged, highlighting apotropaic functions, reconciliation and coexistence, and the festive spirit of community. This study demonstrates how traditional arts can generate new meanings and aesthetic values within the language of contemporary dance, while also identifying points of connection between tradition and modern performance. Furthermore, it suggests the potential of traditional heritage-based dance creation to expand artistic practices and to serve as foundational resources in production, planning, and education within the performing arts.

본 논고는 랑시에르의 ‘생각에 잠긴 이미지’ 개념을 통해 미나미무라의 『침묵 속에 기록된』에 나타난 춤의 매체적 경계와 삶의 감각적 한계의 해체를 연구하는 데 목적을 둔다. 생각의 잠긴 이미지는 랑시에르의 미적 사유의 핵심인 미학적 체제의 특성과 밀접하게 연결되는 개념으로 능동성과 수동성, 예술과 비예술, 사유와 비사유 등의 이분 법적 체계를 벗어나 있다. 이 개념의 특성은 이분법의 한쪽에 초점을 맞추는 것이 아니라, 이러한 양립할 수 없는 요소들을 새로운 방식으로 연관시켜 새로운 배열을 만드는 것이다. 이에 본 연구는 ‘생각에 잠긴 이미지’를 논거로 삼아 미나미무라의 1인 공연인 『침묵 속에 기록된』의 의미를 ‘발화된 시각적 소리’와 ‘촉각적 진동’으로 나누어 탐구하였다. 이를 통해 『침묵 속에 기록된』에 나타난 서사를 표현하는 과정이 순수 예술 매체의 정체성을 혼합하며 감각의 도식체계를 해체하고 있음을 알 수 있었다. 나아가 이는 관객 개개인의 감각적 사유를 촉발시키며 새로운 해석의 가능성을 열어준다는 것을 살펴볼 수 있었다. 따라서 본고는 무용예술이 관객 스스로를 생각에 잠기게 만들어 전제된 삶의 방식을 벗어날 수 있는 힘을 가진 장소임을 발견하였다.

This study, drawing on Rancière's concept of the 'pensive image' examines the deconstruction of the medial boundaries of dance and the sensory limitations of life as depicted in Minamimura's Scored in Silence. The ‘pensive image’ does not focus on one side of the dichotomy, but rather on creating a new arrangement by connecting the incompatible elements in a new way. Referring to the concept of ‘pensive image’, this study examins the meaning of Minamimura's one-person performance, Scored in Silence, by dividing it into ‘spoken visual sound’ and ‘haptic vibration’. I suggest that the process of expressing the narrative through the deaf performer in the work mixes the identities of fine art media and opens up the possibility of new interpretation through the individual senses of the audience.

본 연구는 ‘좋은 일자리(Good work)’에 대한 Z세대 무용전공자의 인식을 살펴보는 데 목적이 있다. 이를 위해 서울 소재 4년제 대학교 무용학과 학생 20명을 대상으로 심층 면담을 진행하였다. 그 결과, 좋은 일자리의 특성에 대한 일반적 선호는 근로환경, 취업 안정성, 전공 적합성, 개인의 흥미성, 개인의 발전 가능성, 임금 및 보수, 직무 적합성, 기타 순으로 높게 나타났다. 또한, 좋은 일자리로 기대하는 직업에 대한 인식 수준과 현실 일자리로 기대하는 직업에 대한 인식 수준을 조사한 결과 구체적으로 제시 된 직업군에 차이가 있었으며, 직업군에 대한 각 일자리 지표 평가 결과 또한 일치하지 않는 것으로 나타났다. 이외에도 무용전공자가 좋은 일자리로 기대하는 직업과 현실 직업 간의 인식 차이를 조사한 결과에서는 다양성 부족, 제한된 정원, 현실적 타협, 적은 수입, 기타 순으로 인식이 높은 것으로 분석되었다. 이러한 결과를 토대로 본 연구에 서는 현재 무용전공자의 좋은 일자리에 대한 인식 수준은 현실 일자리와 비교하였을 때 구체적인 직업 제시에는 차이가 있으나, 과거와 비교하였을 때 새롭거나 급진적인 양상이 나타나지 않아 무용전공 Z세대의 직업에 대한 인식과 태도가 다소 소극적이 고 수동적인 것으로 결론 내렸다.

This research aims are to explore generation Z dance majors’ views on “good work”. We conducted, in-depth interviews with 20 dance major students at a four-year university in Seoul. The results show that, regarding the attributes of good work, students tended to rank good working conditions, job security, relevance to their major, personal interest, chances for personal development, salary, job appropriateness, and so on. Additionally, in comparing the perceived expectation levels for ideal jobs and jobs in reality, significant differences were seen in the particular jobs that were listed. The assessment of the job indicators for both occupational groups also indicated discrepancies. Examination of the gap between dance majors’ expectations for ideal jobs and their perceptions of jobs in reality identified high levels of awareness of a lack of diversity, few openings, the necessity for pragmatic compromises, low pay, and other issues, respectively. Considering these results, this study identifies that while there are differences between the specific jobs acknowledged by dance majors as good work and those available, their attitudes do not reveal new or revolutionary trends compared to past patterns. Therefore, the occupational attitudes and expectations of Generation Z dance majors appear to be passive and conservative.

본 연구는 2022 개정 교육과정에 따른 예술고등학교 무용교과의 운영 현황과 문제점을 파악하고 발전 방향을 모색하고자 하였다. 이를 위해 무용교사 및 강사 14명을 대상으로 심층 면담을 실시하였으며, 그 결과 ‘무용교과 교육과정의 인식’, ‘무용교육 현장의 어려 움’, ‘무용교육 개선방안’의 세 범주와 11개의 하위범주, 21개의 주요 개념이 도출되었다. 분석 결과, 교과 운영의 자율성 부족, 입시 중심 교육, 교원 전문성 한계, 정책과 현장 간 괴리 등이 문제로 확인되었다. 이에 따라 무용교과의 정체성 확립, 전인교육적 접근, 교사 전문성 강화, 전문가 참여 확대, 독립교과로의 위상 확립이 주요 개선 방향으로 제시되었다. 본 연구는 무용교육이 학생들의 전인적 성장을 지원하는 독립적 교과로 자리매김할 수 있도록 기초자료를 제공하고자 한다.

This study aims to examine the current status and challenges in the operation of dance curricula in arts high schools under the 2022 revised national curriculum, and to explore directions for improvement. To this end,we conducted in-depth interviews with 14 dance teachers The analysis yielded three main categories perceptions of the dance curriculum, challenges in dance education, and strategies for improvement as well as eleven subcategories and 21 key concepts. The findings identified issues such as a lack of autonomy in curriculum implementation, an entrance-exam-oriented educational structure, limited teacher expertise, and a gap between policy and practice. In response, the study suggests key the following developmental directions: establishing the identity of the dance curriculum, adopting a holistic educational approach, strengthening teacher professionalism, expanding expert participation, and reinforcing the status of dance as an independent subject. This research seeks to provide foundational insights to position dance education as an independent discipline that supports students’ holistic growth.

앤 데이비드의 저서 Interweaving Histories of Indian Dance는 인도 무용사에서 중요한 위치를 차지하면서도 종종 간과되어온 람 고팔(Ram Gopal)에 대한 최초의 본격적 연구서다. 공연학, 시각문화, 전기, 아카이브 자료를 아우르는 학제적 방법론을 통해 1937–1966년 공연 기록, 사진, 구술 자료를 토대로 고팔의 국제적 활동을 복원하며 그의 예술이 오리엔탈리즘 을 활용하는 동시에 교란했음을 밝힌다. 다섯 장으로 구성된 저서는 고팔의 디아스포라 정체성, 남성 인도 무용가 이미지의 구성, 전후 귀환, 영화 속 인종화된 몸의 문제 등을 탐구한다. 그러나 이 연구는 몇 가지 한계를 지닌다. 우다이 샹카(Uday Shankar) 등 선구자와의 계보적 맥락이 충분히 제시되지 않았고, 인도 무용 개념의 맥락적 의미도 비판적으로 다뤄지지 않았다. 또한 체현된 지식에 기반한 체화된 통찰이 부족하며, 고팔의 안무 어휘와 교육적 전승에 관한 논의도 미진하다. 그럼에도 불구하고 본서는 인도 무용 연구의 사료적 기반을 제공하는 필수적 개입으로, 향후 탈식민적 비판과 체화된 연구를 통해 고팔의 유산을 심화할 필요가 있음을 보여준다.