Earticle

본 연구의 목적은 AI와 함께하는 무용 예술작업에서 현장 작업자들이 마주할 수 있는 윤리적 상황에 관한 탐구로, 그중에서도 무용가의 ‘몸 소외’상황에 집중하여 고찰하는 것이다. 연구는 AI와 몸 소외에 관련한 논문과 서적, 기사 등의 문헌연구와 실제 현장에서 관련 작업을 경험한 공학자, 무용수가 각각 참여한 반 구조화된 일대일 전화인터뷰, 안무가가 참여한 구조화된 일대일 서면 인터뷰 각 1회를 중심으로 진행하였다. 그 결과 ‘AI 학습을 위해 도구화된 인간의 몸’과 ‘인간과 AI의 수행 능력 차이로 인한 몸 소외’, ‘자본 및 권력에 의한 몸 소외’의 몸 소외가 나타날 수 있는 상황 및 유형을 발견하였다. 이때 나타날 수 있는 몸 소외는 초상권과 지적 재산권, 저작권의 문제뿐만 아니라 개인의 프라이버시와 노동 소외, 심리적 소외, 생물학적 소외 등이다. 본 연구가 AI를 활용한 무용 예술의 작업현장에서 고려해야 하는 윤리적 요소를 살펴본 기초 연구물로서 다양하게 활용되기를 기대한다.

The purpose of this study is to explore the ethical situations that field workers can face in dance art work with AI, especially focusing on the 'body alienation' situation of dancers. The study focused on literature research on AI and body alienation, semi-structured one-on-one phone interviews involving engineers and dancers who have experienced related work in the actual field, and structured one-on-one written interviews involving choreographers. As a result, we discovered situations and types of body alienation that can occur, such as ‘human body instrumentalized for AI learning’, ‘body alienation due to differences in performance capabilities between humans and AI’, and ‘body alienation due to capital and power’. The body alienation that can occur at this time includes not only issues of portrait rights, intellectual property rights, and copyright, but also personal privacy, labor alienation, psychological alienation, and biological alienation. It is expected that this study will be used in various ways as a basic study examining ethical factors that should be considered in the workplace of dance art using AI.

본 연구의 목적은 한국춤의 근본인 한성준의 업적과 주요한 발자취를 따라 그 시대 서울 지역의 춤의 전개 과정을 조명하는 것이다. 연구 기간은 한성준이 서울에서 안착한 1908년부터 생을 마감하는 1941년으로 정하였고, 연구방법은 국악 및 무용사와 관련된 문헌과 신문자료의 내용을 중심으로 춤의 생산·유통, 그리고 전통‧창작의 요소에 관해 논의하였다. 연구대상은 전통춤을 바탕으로 하는 한성준 계열의 춤으로 한정하였다. 연구결과 첫째, 생산‧유통의 관점에서 극장 소속의 예술단체와 민간 예술단체를 중심으 로 춤이 전개 되었다. 1902년 협률사를 포함한 서구식 극장에서 한성준의 춤과 그 계보를 잇는 서울춤은 극장 소속의 예술단체와 연구회의 특성을 지닌 여러 민간 예술단체 소속 의 예인들에 의해 공연되면서 점차 상업화, 무대화, 연예화, 극화되었다. 둘째, 전통‧창작 의 관점에서 전승‧연행되는 춤과 소멸‧재현되는 춤으로 구분된다. 한성준이 무대화‧재 구성‧창작한 약72개의 작품은 오늘날의 관점으로 보면 ‘한성준流 신전통’이다. 대부분의 작품들이 소멸되었지만, 최근 복원‧재현을 위한 움직임이 일어나고 있다.

The purpose of this study is to illuminate the development and characteristics of dances in the area of Seoul based on achievements and significant contributions of Han Seong-jun, a master of Korean traditional dance. The study period spans from 1908, when Han Seong-jun settled in Seoul, to 1941, the year of his passing. Research methods involve literature related to Korean music and dance, as well as examining newspaper materials. The research focuses on Han Seong-jun’s dance lineage within traditional dance. The findings reveal that dance evolved through both theatrical and private arts organizations. In the early 1900s, Seoul-based dances, following Han Seong-jun’s legacy, were performed by artists associated with various private arts groups, gradually transitioning into commercialized, staged, and entertainment-oriented forms. From a traditional and creative perspective, dances are categorized into those transmitted and performed continuously and those that have disappeared and are now being revived. From today’s perspective, the approximately 72 works that Han Seong-jun staged, restructured, and created can be considered ‘Han Seong-jun style new tradition’. Most of the works have been destroyed, but there has been a movement to restore and reproduce them recently.

본 연구는 다양한 개성을 가진 전통춤을 수행할 때 필요한 훈련법을 모색하고 활용 가능성을 제시하는데 목적을 두었다. 이를 위하여 춤사위 용어를 중심으로 배정혜 한국 춤 훈련 메소드를 적용하여 동작을 설명하고 분석하였다. 배정혜 한국춤 훈련 메소드의 활용 가능성은 다음과 같다. 첫째, 춤동작을 훈련할 때 동작을 집중적으로 연습할 수 있고 동작을 강화할 수 있다. 둘째, 동작 표현의 목적에 따라 훈련법을 선택하여 적절하게 적용할 수 있다. 셋째, 춤을 실행하기 전 기초연습으로 한국춤 훈련 메소드를 활용할 수 있다. 넷째, 한국춤 훈련 메소드를 통하여 동작의 체계적인 훈련이 가능하다.

This study investigates the necessity of training methods in performing traditional Korean dances and suggests a possibility of using them. To this end, Bae Junghye's Korean dance training method was used to describe and analyze traditional dance movements. Bae Junghye’s method can be utilized for the following reasons. First, it helps dancers practice and strengthen movements during their training. Second, it can be appropriately applied depending on the purpose of movement expression. Third, it can be used for basic exercises before performing a dance. Fourth, systematic training of movements is possible through Bae Junghye’s Korean dance method.

무용 전공자의 무용정서표현성은 몸과 감정의 통합된 능력에 의해 결정되며 이는 연기몰 입에 영향을 미치게 되며 무용 전공자는 무용정서 표현을 향상시키기 위해 자신의 감정을 발견하고 훈련을 통해 자유롭게 감정표현을 표출하게 된다. 본 연구에서는 중국 현대무용 전공자 507명을 대상으로 무용정서표현성이 감성지능을 통하여 연기몰입간의 관계에 대해 분석하였다. 그 결과 무용정서표현성은 감성지능에 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 감성지능은 연기몰입에 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 감성지 능은 무용정서표현성과 연기몰입간의 관계에서 매개역할을 하는 것으로 나타났다. 본 연구는 무용 전공자의 무용정서표현성과, 감성지능, 연기몰입간의 관계를 규명하였으며 이는 향후 더욱 나은 교육 전략 및 교육과정을 수립하는데 시사점을 제공한다.

Dance majors' dance emotional expressiveness is based on their body-emotion integration, which impacts their level of performance engagement. Through training to improve the expression of dance emotions, dance majors learn to identify and express their feelings. In this study, 507 Chinese majors in contemporary dance were asked to evaluate the relationship between dance emotional expressiveness and performance participation using emotional intelligence. The findings demonstrated a substantial relationship between dance emotional expressiveness and emotional intelligence, as well as a significant relationship between emotional intelligence and performance engagement. Furthermore, it was discovered that the relationship between dancers' emotional expressiveness and performance involvement was mediated by emotional intelligence. This study is important because it sheds light on the relationship between Chinese contemporary dance majors' performance engagement, emotional expressiveness, and emotional intelligence. This information will help develop better teaching strategies and curricula.

본 연구는 전주대사습놀이의 역사성과 그 문화적 가치를 재고하기 위해 50여년의 대회의 역사를 정리하여 그 위상과 존재 의미를 부여하는 것을 목적으로 한다. 이에 본고는 1975년에 부활 된 전주대사습놀이의 기원과 형성과정을 정리하여, 숙종대의 여러 가지 민속무예놀이와 연희가 시초가 되어 조선 후기에는 판소리의 가장 큰 축제로 발전하는 모습을 알아보았다. 이후 제1회부터 제50회까지의 역사를 종목, 등위, 경연 장소, 판소리 명창부 장원자 등으로 나누어 살펴보았다. 그리고 300년의 역사를 가진 이 대회를 역사적 가치, 상징적 가치, 지역 사회적 가치, 미적 가치, 지속 가능성의 가치 등 다섯 가지의 문화적 가치로 정리하였다. 앞으로 더욱더 이것의 역사적 의미를 되새기고, 고민하여 고유의 정체성을 담아 효율적인 정책 수립을 통한 미래지향적인 방향으로 나아가야 할 것이다. 또한, 국내외 공연, 교욱, 연구 등의 상호 작용을 통해 전북지역을 대표하는 축제의 장이 되어야 할 것이다.

This study aims to reconsider the historical and cultural value of Jeonju Daesaseupnori by examining its 50- year history and acknowledge its status and meaning of existence. Accordingly, this paper summarizes the origin and formation process of Jeonju Daesaseupnori, which was revived in 1975, and identifies the way in which it was developed into the largest festival of pansori in the late Joseon Dynasty from various folk martial arts and performances practiced during the reign of King Sukjong. This paper also organizes the cultural value of Jeonju Daesaseupnori into the following five categories: historical, symbolic, community, aesthetic, and sustainability.

본 연구는 전주대사습놀이의 발전 가능성을 모색하기 위해 최근 각광받고 있는 리얼리티 서바이벌 경연프로그램을 분석하고 이를 전주대사습놀이에 적용할 방안을 제시하고자 한다. 이에 본 연구는 전주대사습놀이가 서바이벌 경연프로그램의 흥행 요소를 활용하여 대중성과 전통 예술의 가치를 동시에 살릴 수 있는 방안을 찾고자 문헌고찰과 선행연구 분석을 통해 연구를 진행하였다. 그 결과 서바이벌 경연프로그램의 경쟁 서사와 대중 참여 방식을 전주대사습놀이에 적용하는 방안으로 귀명창으로서의 팬덤문화 조명, 일반 대중의 경연 참여 기회 확대, 경쟁 서사 시스템 도입을 통한 새로운 콘텐츠 제작 등을 제안하였다. 이를 통해 전주대사습놀이가 대중의 사랑을 받고, 나아가 K-콘텐츠로서 성장할 수 있는 방안을 고찰하는 데 의미가 있다.

This study aims to explore the potential development of Jeonju Daesaseupnori by analyzing the recently popularized reality survival competition programs. The research focuses on identifying strategies that could enhance the popular appeal of Jeonju Daesaseupnori while preserving its traditional artistic values, through a literature review and analysis of previous studies. The results suggest applying key elements of survival competition programs, such as competitive narratives and public participation, to Jeonju Daesaseupnori. Specifically, this includes fostering fandom culture centered around expert listeners (Gwi-myeongchang), expanding opportunities for public participation in competitions, and introducing competitive storytelling systems to create new content. This approach is significant in that it explores ways for Jeonju Daesaseupnori to gain wider public support and further grow as a prominent K-content.

본 연구는 부산 근현대 현대무용사적 관점에서 해방기 부산지역 현대무용의 형성을 밝히고 그 역사적 의미와 미적가치를 논의하는 것을 목적으로 한다. 연구방법으로는 정기간행물과 신문의 기사 내용, 교재, 선행연구 등의 문헌자료를 분석하여 해방기 무용가 들의 작품공연, 교육활동 등을 고찰하였다. 미적 가치의 논의를 위해서는 관련기사, 광고자료를 분석 고찰하였다. 부산지역 현대무용은 근대와 계몽기로부터 서양 문명과 신무용의 영향으로 새로운 무용의 창작과 무대활동을 구축해왔다. 해방기에 부산지역 현대무용은 민족주의 정신에 입각한 무용창작, 자유로운 개인 순수작품활동, 인간교육으 로서의 무용교육의 실제 등을 실천하였다. 무용교육은 무용연구소와 학교, 무용강습회에 서 실천되었다. 해방기 부산에서 개인무용회를 개최하고 순수창작활동을 추구한 사람은 박용호, 박이랑 등의 현대무용가들이었으며, 이들은 기존의 부산무용과는 차별화된 현대 적 양상을 보였다. 해방기는 부산지역의 현대무용이 형성되는 태동기로서 그 역사적 의미가 크다. 또한 다른 지역에서 유입되어 지속적으로 활동한 현대무용가들과 더불어 민족주의 정신의 건설에 앞장서고 민족무용 문화와 새로운 무용의 미학을 제시한 점에서 그 역사적 의미를 찾을 수 있다. 민족주의 정신을 내포한 작품에서 숭고의 미적가치를 찾아볼 수 있었다. 해방기 부산지역 현대무용은 6·25전쟁 이후 창작과 교육을 주도하는 무용의 역할을 위한 발판이 되었다.

This study discusses the early modern dance formation in Busan during the liberation period 1945-1950. The study discusses its historical significance and aesthetic value from a contemporary perspective. For this study, a literature review on previous research and newspaper articles was used as a research method in order to examine modern dancers’ works and their educational activities during the liberation period. Modern dances in Busan that supported a new way of creating stage performances were influenced by western cultures and “New Dance.” During the liberation period, modern dancers in Busan expressed national identity and individuality through dance while promoting dance education as the human experience. Park Yongho and Park Yirang held dance concerts to show their own creative dance pieces, which were different from previous dance performances displayed in Busan. The liberation period was important for dance history in Busan as it was the beginning of establishing modern dance in that area. Also, modern dances during that time were historically significant as they fostered nationalism and suggested a new dance aesthetic. Modern dance in Busan during the liberation period set a foundation for modern dance activities that focused on creativity and education after the Korean War.

이 책은 스트리트 댄스의 서양 역사와 한국에서의 발전 과정을 개괄적으로 다루며, 각각 의 장르와 관련된 주요 인물, 특징을 상세하게 설명하고 있다. 저자 박성진은 한국 스트리 트 댄스 1세대의 중요한 인물로서, 스트리트 댄스에 대한 정확한 지식 전파와 잘못된 정보 수정의 필요성을 느껴 이 책을 집필하였다. 저자는 스트리트 댄스의 다양한 장르를 8개의 챕터로 정리하며, 스트리트 댄스가 하위문화에서 예술교육으로 자리 잡는 과정과 미국 스 트리트 문화가 한국에 미친 영향을 설명하고 있다. 각 장르는 파핑, 락킹, 브레이킹, 와킹 등으로 나뉘며, 각 장르별 정의, 역사, 주요 인물, 춤의 특징이 소개된다. 이 책은 대중적이 면서도 깊이 있는 설명을 제공하며, 독자들이 쉽게 접근하고 이해할 수 있도록 주요 인물 과 사건을 서술하고 있다. 또한, 원문 표기와 스트리트 댄스 전문가들과의 인터뷰를 통해 내용의 신뢰성을 높였다. 이 책은 스트리트 댄스의 기초적인 정보를 제공하는 데 유용하며, 향후 심화편 출간의 기대감을 높이는 저작으로 평가받고 있다.

History of Western Street Dance covers the Western history of street dance and its development in Korea in general. It explains in detail the main figures and characteristics related to each genre. The author, Park Sung-jin, is an important figure in the first generation of Korean street dance, and wrote this book because he felt the need to spread accurate knowledge about street dance and correct misinformation. The author organizes various genres of street dance into eight chapters, and explains the process of street dance establishing itself as an art education from a subculture, and the influence of American street culture on Korea. The genres include popping, locking, breaking, and waacking. Each chapter explains the definition, history, main figures, and characteristics of each genre. This book provides a popular yet in-depth explanation, and describes the main figures and events so that readers can easily approach and understand. In addition, the reliability of the content was increased by giving citations of original texts and interviews with street dance experts. This book is useful for providing basic information on street dance, and is evaluated as a work that raises expectations for the publication of an in-depth edition in the future.

아누샤 케다르의 Flexible Bodies는 1990년대 후반부터 2010년대까지 영국 남아시아 무 용수들에게 요구된 적응성을 탐구한다. 미국 출신의 바라타 나티얌 무용수로 런던에서 경 험을 쌓은 케다르는 영국의 문화 및 이민 정책이 안무가들의 미적 선택과 무용수들의 훈련 에 어떻게 영향을 미쳤는지에 대한 세밀한 시각을 제공한다. 케다르가 논의하는 유연성은 신체적·재정적 정체성, 그리고 서사적인 측면을 포함하며, 이민법과 문화적 인식의 변화 속에서 이주 무용수들이 이를 어떻게 헤쳐 나갔는지를 반영한다. 이 책은 개인적인 이야기와 무대 뒤의 통찰을 통해 무용수들의 경험을 친밀하게 보여준 다. 케다르는 새로운 노동자들의 투쟁, 2005년 런던 폭탄 테러, 2008년 금융 위기, 그리고 브렉시트와 같은 중요한 영국 역사적 사건을 분석하며, 이러한 사건들이 다문화주의에 대 한 지지와 재정 지원 및 비자 획득의 어려움에 어떤 영향을 미쳤는지 보여준다. 그녀의 “탈중심화된” 접근은 공연 뒤의 과정과 감정에 초점을 맞추어 남성과 여성 무용수들의 성 별화된 경험을 드러낸다. 케다르의 연구는 영국 남아시아 무용의 발전을 깊이 탐구하며, 2011년 예산 삭감 이후의 변화와 인종, 이민, 노동, 시민권에 관한 정치적·경제적 담론과의 연관성을 강조한다. 이 책은 탈식민지, 무용, 남아시아, 디아스포라, 성별 연구를 하는 학자들에게 유익할 것이다.