Earticle

본 연구는 『악학궤범』에 기록된 조선전기 처용무의 무용적 구조를 가무악 융합적 진행, 음악과 춤동작 진행, 대형변화, 상대⸳상배, 춤동작, 등⸳퇴장으로 구분하여 내용을 살폈을 때 다음과 같은 결론을 얻었다. 처용무는 음악을 봉황음일기ㆍ중기ㆍ급기와 삼진작ㆍ정읍급기ㆍ북전급기로, 대형은 일렬ㆍ오방ㆍ전후대형으로 구성된다. 음악과 무용적 구조의 연결점, 춤동작 시작점과 마침 점이 무용수 역할별로 달라 춤동작이 서로 겹쳐져 연결된다. 대형은 무대전환적 구도가 회귀성 구조로, 등⸳퇴장은 무대전환적 회무 구조로, 상대⸱상배는 일렬과 오방대형에 따라 황처용과 4자 처용의 동시적⸳개별적으로 진행되는 구조로, 춤동작은 무용수 역할별로 수족 위치에 구분이 있음에도 진행의 다양성, 좌우균 형성, 반복성, 일률성 구조로 진행된다. 이상의 결과로, 향후 정재 재현 및 무대공연적 기법을 형성하는 데 중요한 정보를 제공하고 궁중정재의 무대화 작업에 기틀을 마련하는 데 이론적 토대를 마련하는 그 기초가 될 것으로 사료된다.

This study examines the dance structure of Cheoyongmu from the early Joseon period as recorded in the Akhakgwebeom. The musical structure comprises Bonghwangeum IlgiㆍJunggiㆍGeupgi, Samjinjak, Jeongeubgeupgi, and Bukjeongeupgi, while the formations consist of linear (illyeol), pentagonal (obang), and front-rear (jeonhu) formations. The connection points between music and dance structure, and the starting and ending points of movements, differ according to the dancers' roles, resulting in overlapping and interconnected movements. The formations exhibit a cyclical structure, entrances and exits follow a transitional circling (hwemu) structure; facing and partnering configurations proceed simultaneously or individually for the central Hwang Cheoyong and the four directional Cheoyong according to linear and pentagonal formations, and movements proceed with left-right symmetry, repetition, and uniformity. These findings provide foundational data for the reconstruction and stage adaptation of court dance (gungjung jeongjae).

본고는 문헌연구의 방법으로 조선시대 언해 10종에서 확인된 한글 ⟪춤⟫ 용례 70건을 대상으로 번역, 표기, 지칭 양상을 분석하여 ⟪춤⟫의 최초 출현과 사용 양상을 밝히고자 하였다. 그 결과 ⟪춤⟫은 현전하는 한글 문헌 가운데 󰡔석보상절󰡕(1447)에서 처음 확인되었다. ⟪춤⟫은 ⟪舞⟫와 ⟪儛⟫의 번역어로 반복적으로 선택되고 안정적 표기를 유지하면서 오랜 기간 사용되어 온 춤 명칭이며, 동시에 다양한 사회적 조건과 가치의 경계를 가로지르는 포괄적이고 개방적 지칭 양상을 보였다. 이러한 결과는 근대 이후 형성된 관점만으로는 충분히 드러나지 않는 ⟪춤⟫의 역사적 면모를 보여주며, ⟨춤⟩에 대한 인식을 긴 역사적 시야에서 재검토할 수 있는 근거를 제공한다.

This study examines 70 instances of the Korean word chum(춤) found in ten Joseon-period eonhae (Korean vernacular translations) to investigate its earliest textual appearance and patterns of use through an analysis of its translation, orthography, and reference. The findings show that the earliest attested instance of chum in extant hangeul texts appears in Seokbosangjeol (1447). Chum was repeatedly selected as a translation equivalent for ‘舞’ and ‘儛’ and was used over a long period while maintaining a stable orthographic form. At the same time, it exhibited inclusive and open referential patterns that crossed diverse social conditions and boundaries of value. These findings reveal historical aspects of chum that cannot be fully captured from perspectives formed since the modern period and provide a basis for reconsidering perceptions of chum from a longer historical perspective.

본 연구의 목적은 장기간의 소고춤 수업과 공연에 참여한 아동의 변화와 그 경험의 교육적 의미를 질적으로 탐색하는 데 있다. 이를 위해 약 9개월간 Y문화예술아카데미의 소고춤 수업과 공연에 참여한 7-9세 아동 9명과 주양육자 9명을 대상으로 심층면담을 실시하고, 수업일지와 영상자료를 보조자료로 활용하였다. 연구 결과, 첫째, 소고춤 수업과 공연을 통한 아동의 변화는 움직임 기능의 향상, 적극적 학습 태도의 형성, 긍정적 자아상 형성, 공동체 의식 함양으로 나타났으며, 둘째, 소고춤 수업과 공연 경험의 교육적 의미는 즐거운 배움과 표현, 몰입, 협력, 성취 로 나타났다. 이러한 변화와 경험은 장기간의 수업과 반복적인 연습, 실제 공연으로 이어지는 과정에서 상호 연결되어 형성되었다. 또한 아동과 주양육자의 관점을 통해 소고춤 경험이 가정과 일상으로 확장되는 양상도 확인하였다.

This study qualitatively explored the changes in children who participated in long-term sogo dance classes and performances and the educational meanings of their experiences. In-depth interviews were conducted with nine children aged 7 to 9 and their nine primary caregivers who participated in sogo dance classes and a performance at Y Culture and Arts Academy over approximately nine months. Class journals and video recordings were also used as supplementary data. The findings reveal improvements in movement skills, the development of active learning attitudes and positive self-images, and an enhanced sense of community. The educational meanings of the children’s experiences were identified as joyful learning and expression, immersion, collaboration, and achievement. These changes and experiences were interconnected throughout the extended process of classes, repeated practice, and performance. The perspectives of both the children and their primary caregivers also confirmed how the sogo dance experiences extended into their homes and everyday lives.

본 연구는 호페쉬 쉑터의 『Theatre of Dreams』를 대상으로 프로이트의 꿈작업 이론을 적용하여 작품에 나타난 무의식의 감각적 표현 구조를 고찰하는 데 목적이 있다. 이를 위해 문헌연구와 작품분석을 병행하여 응축과 전치의 기제를 중심으로 움직임, 음악, 조명, 공간 요소를 분석하였다. 분석 결과, 첫째, 무의식의 응축 기제는 신체 움직임의 시각적 기호화를 통해 집합적 신체와 상반된 동작의 겹쳐짐이라는 물리적 실체로 나타났다. 둘째, 전치 기제는 청각·조명의 공간적 입체화를 거쳐 음악과 신체의 의도적인 불일치와 감각의 이동을 통해 감정이 유동적으로 전이되는 양상으로 드러났다. 셋째, 이러한 현상들은 비선형적 서사 구조 안에서 관객 경험이 무의식적으로 편입되는 결과를 낳았다. 본 연구는 이러한 분석을 바탕으로 컨템포러리 댄스의 표현 영역이 단순한 신체의 유희를 넘어 감각 중심의 총체 예술이자 학술적 지평으로 확장되고 있음을 시사한다.

This study aims to examine the structure of unconscious sensory expression in Hofesh Shechter’s Theatre of Dreams through Freud’s theory of dream-work. To this end, both a literature review and a performance analysis of [Hofesh Shechter’s Theatre of Dreams] were conducted, focusing on the mechanisms of condensation and displacement in movement, music, lighting, and spatial composition. We found that, first, the mechanism of condensation manifested as a physical entity through the visual signification of bodily movement, taking the form of collective bodies and the superimposition of contrasting movements. Second, displacement was expressed through the spatial dimensionalization of sound and lighting, revealing the fluid transfer of affect through intentional disjunction between music and movement and the displacement of sensory perception. Third, these phenomena resulted in the audience’s experience being unconsciously drawn into the nonlinear narrative structure. This study suggests that the expressive domain of contemporary dance is expanding beyond mere bodily play toward a sensory-centered total art form.

15-19세기 경주 지역에서 일어난 연희 중에 춤 문화를 집중하여 조명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 본 연구는 특정 시기에 기록된 통신사행록, 개인 문집, 유람록 등 문헌사료에 기록된 공연 문화사적 사실을 고찰하였다. 연구 결과, 경주의 관기는 실력이 출중하여 다른 지방이나 궁중에 자주 선출 되어 전역으로 활동했으며 이들은 주로 객관이나 야외에서 다수의 공연을 한 기록이 여러 차례 확인된다. 15세기부터 19세기에 걸쳐 일어난 공연은 세 가지 특성으로 나누어진다. 첫째, 경주에서는 공연의 연행 공간과 누리는 계층, 주최 목적이 달랐다. 둘째, 연행에서 치러지는 춤의 종목 수와 종류가 달랐다. 셋째, 경주는 신라의 원형을 유지하면서도 춤의 변화를 주어 독특한 변용 양상이 나타났다. 이와 같이 조선시대 경주 지역은 주최자에 따른 연행 목적에 따라 독자적인 차별성을 띠고 있다.

The purpose of this study is to examine the yeonhui dance culture in the Gyeongju region from the 15th to the 19th centuries. To that end, I analyze historical facts of performance culture documented in period sources,, including the Tongsinsa haengrok (records of missions to Japan), personal anthologies, and travelogues (yuramrok). The findings indicate that the courtesans (gwan-gi) of Gyeongju possessed exceptional skill, leading to their frequent selection for service in other regions and at the royal court, thereby expanding their activities nationwide. Multiple historical records confirm that they staged numerous performances primarily at official guest houses (gaekgwan) and in outdoor settings. Three characteristics distinguish these performances across the period.First, the performance spaces, the participating social classes, and the purposes of hosting . Second, the variety of dance repertoires varied. Third, while preserving its Silla prototypes, Gyeongju introduced variations producing a distinctive pattern of transformation These findings demonstrate that Gyeongju's performance culture during the Joseon dynasty maintained a distinctive regional identity shaped by the purposes and organizers of each occasion.

본 연구는 뮤지컬 빌리 엘리어트 에서 빌리 역할을 경험한 참여자들의 내러티브를 통해 어린 시절의 무용 경험이 형성·확장되고 이후의 삶에서 재해석되는 과정을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 한국 공연의 1대 및 2대 빌리 역할 경험자 10명을 대상으로 심층면담을 실시하고 내러티브 연구방법으로 자료를 분석하였다. 연구결과는 첫째, 무용 및 빌리 역할로의 진입, 둘째, 훈련 과정에서의 도전과 성장, 셋째, 공연을 통한 무용경험의 확장, 넷째, 이후 삶에서 재해석된 무용 경험으로 나타났다. 참여자들은 빌리 역할 경험을 통해 다양한 무용 경험을 확장하였으며, 훈련과 공연 경험을 현재의 관점에서 자기관리, 책임감, 자신감, 예술적 표현 등과 연결하여 의미화하고 있었다. 이러한 경험은 직접적인 인과적 효과라기보다 이후의 진로와 삶의 맥락 속에서 지속적으로 기억되고 재해석된 경험으로 이해할 수 있다.

This study explores how dance experiences developed through playing Billy in the musical Billy Elliot have been remembered and reinterpreted in participants’ later lives. Ten participants who played Billy in the first and second casts of the Korean production participated in in-depth interviews. The data were analyzed using a narrative inquiry approach, focusing on the temporal and contextual continuity of their experiences from dance and role preparation to training, performance, and life after the production. The findings revealed four themes: entering dance and becoming involved in Billy Elliot; challenges and growth during training; expansion of dance experiences through performance; and reinterpretation of dance experiences in later life. Participants recalled that the experience expanded their dance experiences and was later understood in relation to self-management, responsibility, confidence, and artistic expression. These experiences were interpreted as retrospective meaning-making rather than direct causal effects, and continued to be reinterpreted in relation to participants’ subsequent careers and life contexts.

본 연구는 경계선지능 아동·청소년을 위한 문화예술교육의 현황과 교육적 의의를 살펴보고, 예룸예술학교와 예하예술학교의 무용교육 사례를 중심으로 교육적 효과와 발전 방향을 고찰하는 데 목적이 있다. 경계선지능 학생은 일반교육과 특수교육의 경계에 위치하여 교육적 지원의 사각지대에 놓여 있으며, 인지적·정서적·사회적 어려움을 동시에 경험하는 경우가 많다. 연구 결과, 문화예술교육, 특히 무용교육은 자기표현 능력, 자존감, 사회성, 정서 안정 및 신체·인지 발달에 긍정적인 영향을 미칠 수 있는 가능성을 보여주었다. 또한 예룸예술학교와 예하예술학교의 사례는 예술 중심 교육이 경계선지능 학생의 학교 적응과 사회적 성장에 일정 부분 효과를 발휘할 수 있음을 보여주었다. 이에 본 연구는 경계선지능 학생을 위한 문화예술교육의 제도적 기반 마련과 전문 프로그램 개발, 교원 양성 및 정책적 지원 확대의 필요성을 제안하였다.

This study examines the current status and significance of cultural and arts education for children and adolescents with Borderline Intellectual Functioning (BIF), focusing on dance education at Yeroom Arts School and Yeha Arts School. Students with BIF often experience cognitive, emotional, and social difficulties while receiving limited educational support because they fall between general and special education systems. The findings indicate that cultural and arts education, particularly dance education, demonstrated the possibility of having positive effects on self-expression ability, self-esteem, social skills, emotional stability, and physical and cognitive development. The educational practices of Yeroom Arts School and Yeha Arts School showed that arts-centered education can exert effects to a certain extent on school adaptation and social growth for students with BIF. Based on these findings, this study suggests the need for institutional support, specialized program development, teacher training, and expanded policy support for cultural and arts education for children and adolescents with Borderline Intellectual Functioning.

본 연구는 알랭 바디우의 비미학을 이론 틀로 삼아 춤추는 몸을 사유체로 규정하고, 이 몸이 디지털로 매개된 조건에서도 사유체로 작동하는지를 검토하였다. 이를 위해 바디우가 춤의 본질로 제시한 잠재적 움직임을 사유체의 작동 조건으로 정리하고, 춤의 여섯 원리를 각 원리가 규정하는 대상에 따라 공간·몸·시선의 세 측면으로 재구성하여 분석의 준거로 삼았다. 분석 대상은 윌리엄 포사이드의 『The Barre Project』(2021) 영상 기록이며, 세 측면과 매개된 조건이 맞물려 드러나는 줌 회의 장면, 바레를 둘러싼 움직임, 손 클로즈업 장면을 선정해 화면 구성과 움직임, 카메라의 시선을 이론 틀에 비추어 분석하였다. 그 결과 세 측면 모두에서 매개된 조건이 사유체로서의 춤을 약화시키기보다 무대에서는 이르기 어려운 방식으로 그 조건을 새롭게 열 수 있음을 확인하였다. 나아가 바디우의 개념을 작품 분석의 준거로 전유하여 디지털로 매개된 동시대 무용을 미학적으로 읽는 하나의 관점을 제시하였다.

This study examines whether the dancing body, defined as a corps-pensée through Alain Badiou's inaesthetics, continues to function as such under digitally mediated conditions. Drawing on the virtual movement that Badiou posits as the essence of dance, the study reconstructs his six principles of dance into three dimensions space, body, and gaze according to what each principle defines, and uses these as the analytical framework. The analysis focuses on three scenes from the video record of William Forsythe's The Barre Project(2021), in which these dimensions intersect with mediated conditions: the Zoom meeting, the movement around the barre, and the hand close-up. The analysis finds that across all three, mediation does not weaken dance as a thinking body but opens its conditions in ways unattainable on stage, offering one perspective for reading digitally mediated contemporary dance aesthetically.

본 연구는 호페쉬 쉑터(Hofesh Shechter)의 『꿈의 극장(Theatre of Dreams)』을 연구대상으로 하여, 발터 벤야민(Walter Benjamin)의 환등상 개념을 통해 현대성의 감각적 조건이 무대에서 어떻게 조직되는지를 분석하였다. 2025년 3월 성남아트센터에서 열린 한국 초연 두 공연의 현장 관찰과 공연 프로그램을 일차 자료로 삼았다. 신체의 차원에서는 도박꾼, 산책자, 수집가를 조작적 범주로 삼아 움직임이 촉발되고 반복되는 방식을, 시간의 차원에서는 지속, 반복, 중단, 병치가 연속과 절단을 함께 구성하는 방식을, 공간의 차원에서는 막과 조명이 특정한 신체를 드러내는 동시에 다른 신체를 가리는 방식을 살펴보았다. 세 차원 모두에서 지각 가능한 결과와 그것을 조직하는 조건은 선택적으로 분리된다. 『꿈의 극장』의 환등상은 모든 것을 은폐하는 형식이 아니라 무엇을 드러내고 무엇을 남길 것인가를 선택적으로 배분하는 형식이며, 이는 현대 주체의 감각적 현실이 이미 선택되고 배열된 조건 속에서 구성됨을 보여준다.

This study examines Hofesh Shechter's Theatre of Dreams through Walter Benjamin's concept of phantasmagoria, asking how the sensory conditions of modernity are organized on stage. It draws on field observations of both performances of the Korean premiere at the Seongnam Arts Center in March 2025 and on the performance program. At the bodily level, the gambler, the flâneur, and the collector serve as operational categories for movement that is triggered and repeated; at the temporal level, duration, repetition, interruption, and juxtaposition constitute continuity and rupture together; at the spatial level, curtains and lighting reveal certain bodies while concealing others. In all three, perceptible outcomes are selectively separated from the conditions that organize them. The phantasmagoria in this work is not a form that conceals everything but one that selectively distributes what is brought to the fore and what is left behind-revealing that the sensory reality of the modern subject is constituted within conditions already selected and arranged.

본 연구의 목적은 무용가의 춤을 사후에도 입체적으로 보존·재현하는 디지털 레거시 구축의 가능성을 탐색하는 데 있다. 춤은 연행과 동시에 사라지며, 현재의 기록은 SNS 중심의 2차원 영상에 편중되어 있다. 이에 본 연구는 AI 기반 3D 복원과 확장현실 기술 문헌을 4계층 분석틀로 고찰하였다. 그 결과 3차원 동작 복원과 실사 외형 복원은 급속히 성숙하고 있으나, 무용 도메인에서 두 계층을 통합 검증한 연구는 확인되지 않았다. 이에 최승희의 현존 기록 자료 현황을 정리하고, 사후 아카이브형과 생전 캡처형을 구분한 구축 시나리오, 안무저작권 등 제도적 과제, 확장현실 기반 교육 모델의 가능성, 3단계 후속 연구 로드맵을 제시하였다. 본 연구는 무용 기록을 평면 영상에서 입체데이터로 확장하는 기초를 제공한다.

This study explores the possibility of building dancers' digital legacies that preserve and re-present their dances in three dimensions even posthumously. Dance vanishes as it is performed, and current records are concentrated in two-dimensional social media videos. This study reviews the literature on AI-based 3D reconstruction and extended reality through a four-layer analytical framework. While 3D motion recovery and photorealistic appearance reconstruction are maturing rapidly, no study has been found to have integrated and validated both layers within the dance domain. Accordingly, this study surveys the extant records of Choe Seunghui and proposes construction scenarios distinguishing posthumous archive-based from lifetime capture-based approaches; examines institutional challenges including choreography copyright; the potential of extended-reality-based dance education; and a three-stage research road map for future research. This study provides a foundation for extending extending dance documentation from flat video to volumetric data.

본 연구는 푸코의 규율 권력을 바탕으로 아크람 칸의 『지젤』에 나타난 신체와 공간의 조직 방식과 미학적 의미를 고찰한다. ‘통제된 신체’는 푸코의 “순종하는 신체”를 대체하는 개념이 아니라, 완성된 공연에서 신체의 힘·시간·공간과 행동 가능성이 권력 관계 속에서 조직되는 상태를 분석하기 위한 조작적 용어이다. 잉글리시 내셔널 발레의 2017년 공연 영상과 공식 자료를 질적으로 분석하였다. 분석 결과, 아웃캐스트의 낮은 중심과 군무는 통제의 증거라기보다 중력감과 집단 리듬을 형성하는 안무 형식으로 나타났다. 벽은 접근과 전진을 제한했지만, 2층 구조는 알브레히트와 다른 랜드로드 사이의 거리와 고립을 가시화하였다. 윌리 장면에서는 미르타가 집단의 힘과 방향을 조직하는 관계적 통제, 힐라리온의 행동 가능성을 제거하는 직접적 강제, 집단의 방향에서 이탈하는 지젤의 제한적 불복종이 구분되었다. 이 차이는 무게·리듬·공간·오브제를 통해 지각 가능한 미적 형식으로 구성되었다.

Drawing on Foucault’s concept of disciplinary power, this study examines the aesthetic meaning and organization of bodies and space in Akram Khan’s Giselle. The “controlled body” is not a replacement for Foucault’s “docile body,” but an operational term for analyzing how force, time, space, and possibilities for action are organized within power relations in a completed performance. The English National Ballet’s 2017 performance recording and official production materials were qualitatively analyzed. The Outcasts’ lowered centers of gravity and ensemble movement served not as evidence of control but as choreographic forms producing a sense of weight and collective rhythm. The wall restricted access and forward movement, while the two-level set visualized distance and isolation between Albrecht and the other Landlords. In the Wilis’ scenes, Myrtha’s organization of collective force and direction constituted relational control; the elimination of Hilarion’s possibilities for movement and choice constituted direct coercion; and Giselle’s deviation from the group’s direction represented limited disobedience. These differences became perceptible as distinct aesthetic forms through weight, rhythm, space, and stage objects.