Earticle

본 연구의 목적은 AI와 함께하는 무용 예술작업에서 현장 작업자들이 마주할 수 있는 윤리적 상황에 관한 탐구로, 그중에서도 무용가의 ‘몸 소외’상황에 집중하여 고찰하는 것이다. 연구는 AI와 몸 소외에 관련한 논문과 서적, 기사 등의 문헌연구와 실제 현장에서 관련 작업을 경험한 공학자, 무용수가 각각 참여한 반 구조화된 일대일 전화인터뷰, 안무가가 참여한 구조화된 일대일 서면 인터뷰 각 1회를 중심으로 진행하였다. 그 결과 ‘AI 학습을 위해 도구화된 인간의 몸’과 ‘인간과 AI의 수행 능력 차이로 인한 몸 소외’, ‘자본 및 권력에 의한 몸 소외’의 몸 소외가 나타날 수 있는 상황 및 유형을 발견하였다. 이때 나타날 수 있는 몸 소외는 초상권과 지적 재산권, 저작권의 문제뿐만 아니라 개인의 프라이버시와 노동 소외, 심리적 소외, 생물학적 소외 등이다. 본 연구가 AI를 활용한 무용 예술의 작업현장에서 고려해야 하는 윤리적 요소를 살펴본 기초 연구물로서 다양하게 활용되기를 기대한다.

The purpose of this study is to explore the ethical situations that field workers can face in dance art work with AI, especially focusing on the 'body alienation' situation of dancers. The study focused on literature research on AI and body alienation, semi-structured one-on-one phone interviews involving engineers and dancers who have experienced related work in the actual field, and structured one-on-one written interviews involving choreographers. As a result, we discovered situations and types of body alienation that can occur, such as ‘human body instrumentalized for AI learning’, ‘body alienation due to differences in performance capabilities between humans and AI’, and ‘body alienation due to capital and power’. The body alienation that can occur at this time includes not only issues of portrait rights, intellectual property rights, and copyright, but also personal privacy, labor alienation, psychological alienation, and biological alienation. It is expected that this study will be used in various ways as a basic study examining ethical factors that should be considered in the workplace of dance art using AI.

본 논문은 무용기보법(dance notation)과의 관계 속에서 출현한 안무의 초기 개념을 고찰한다. 이를위해 라울 오제 푀이에(Raoul-Auger Feuillet, 1659-1710)와 루돌프 폰 라반(Rudolf von Laban, 1879-1958)의 무용기보법이 안무 개념의 역사적 형성에 각각 어떤 기여를 하였는지 살펴보고, 그들의무용기보법에 나타난 춤에 대한 사유를 사회적・정치적 맥락에서 검토한다. 이는 푀이에와 라반의 무용기보법 각각을 다룬 기존의 연구에서 더 나아가 이 둘을 하나의 관점으로 읽어내고자 하는 시도이다. 푀이에의 안무 개념은 ‘기보를 통한 춤의 창작’이라는 의미로 정의된다. 푀이에는 춤이 발생하는 공간을 사각형의 평면으로 규정하고 평면 위에 나타나는 기하학적인 형상, 즉 2차원적 조형성을 그리는것을 안무의 주된 원칙으로 세운다. 이러한 안무 개념은 무용수를 대상화하는 안무가-주체의 출현을수반한다. 이는 합리적 이성에 근거해 세계에 질서를 부여하려는 서구 근대성의 주체와 상응한다. 몸을대상화하는 주체의 기술로서 안무의 도구가 된 푀이에의 무용기보법은 몸을 통제하고 규제함으로써전제주의적 신체를 훈육해내고자 했던 절대왕정의 정치적 기획에 이바지했다. 라반에게서 안무는 ‘움직임의 원리를 이해하고 서술하는 것’으로 개념화된다. 라반은 결정체의 공간에서 발견한 스칼라와 링을 새로운 움직임의 원리로 발견하고, 3차원적 조형성을 새로운 미적 규범으로확립한다. 20세기 초 현대무용의 전개에 중요한 토대가 되었던 3차원적 조형성은 지속적인 운동성을전제로 하는데, 이는 효율성의 원리에 입각한 근대성의 이데올로기를 반영한다. 라반은 산업 현장 노동자들의 움직임을 기보하여 노동 생산성의 향상을 이끌어냈으며, 이러한 안무 작업에서 춤추는 신체는산업적 신체로 전환되었다. 산업적 신체는 춤의 장소에 행위주체를 배제하고 끊임없이 움직이는 몸만을남김으로써 춤과 운동성을 동일시하는 근대성의 기획을 강화했다. 이처럼 안무의 초기 개념과 그것을 둘러싼 사회정치적 이데올로기를 고찰한 본고의 시도는 안무의전통적인 의미를 ‘춤을 쓴다’는 기능적인 측면 너머에서 이해하는 데 기여를 할 뿐만 아니라, 과거로부터현재로 이어지는 안무의 역사성 규명을 위한 주요한 근거를 제공한다는 점에서 의의를 지닐 수 있다.

This study probes how the notions of choreography has formed and changed in relation to dance notation. Two manuscripts, not by accident identically titled, are examined— Chorégraphie by Raoul-Auger Feuillet and Choreographie by Rudolf von Lavan—with regard to their respective understandings of the principles of dance and their socio-political contexts. This study brings Feuillet and Laban into a historical perspective beyond the previous literatures that solely focused on either of them. In Feuillet, choreography was defined as the composition of dance by means of notation. The space for dance was identified as flat and rectangular one, which led to the principles of ballet with the emphasis on geometrical shapes, establishing the two-dimensional plasticity as the aesthetic norm of the time. The act of composing dance by notating movement accompanied the emergence of the choreographer-subject which objectifies bodies of dancers, and thus the invention and development of dance notation was supported by the absolute monarchy out of its interest in the absolutistic body available to be controlled and disciplined. Laban developed the concept of choreography as the notation of forms and qualities of movement in space harmony. Laban theorized scales and rings in crystal space as new principles of movement, founding three-dimensional plasticity with its unceasing mobility as the aesthetic norm of modern dance. Complying with modernist ideal of progress and efficiency, Laban also applied his principles to choreograph movements of industrial bodies. Addressing manuscripts of Feuillet and Laban, and their contribution to the historical formation of the notions of choreography, this study unfolds the concepts of choreography in multilateral contexts, complementing and surpassing the prevalent, literal understanding of its meaning as dance-writing, which will provide the cornerstone for elucidating the historicity of choreography leading up to the present.

본 연구는 VR 기술과 무용공연의 융합을 통해 공연 예술의 몰입성과 상호작용성을 강화하는 방식을 분석하고, 이를 기반으로 미래 예술 형식의 가능성을 탐구하는 데 목적이 있다. 연구는 2016년부터 2023년 사이에 발표된 VR 기반 무용공연 중 협업적 특성이 두드러진 5개 사례를 중심으로 진행되었으며, 작품 제작과정과 관련 인터뷰 영상을 심층적으로 분석하는 질적 연구 방법을 사용하였다. 분석대상은 국립현대무용단 의 ｢20▲△｣, 아트프로젝트보라의 ｢동시감각｣, Gilles Jobin의 ｢VR_I｣, Compagnie Kafig의 ｢Pixel｣, Alexander Whitley Dance Company의 ｢Anti-Body｣이다. 연구결과 본 연구는 VR 기술이 무용공연의 창작과정에서 핵심적 도구로 작용할 수 있음을 입증하 며, 기술과 예술 간의 협업을 통해 몰입성과 상호작용성을 강화한 예술적 혁신의 방향성 을 제시한다. 이로써 신체 표현의 확장성, 관객의 능동적 참여, 기술과 예술의 융합 가능성을 심화하여 향후 무용공연 연구와 창작에 기초 자료로 활용될 것으로 기대된다.

This study aims to analyze the characteristics of domestic and international dance performances utilizing VR technology, focusing on immersion and interactivity, and to explore their future potential. To achieve this, five works showcasing prominent collaborative features of VR-based dance performances implemented between 2016 and 2023 were selected for case analysis. The production processes and interviews were thoroughly examined to specify the developmental potential and limitations of VR dance performances. The findings are study highlights the collaboration between VR technology and dance performances as a means to create new artistic forms that enhance immersion and interactivity. It is expected to contribute to the development of specific methodologies that expand the expressive potential of the body and actively engage the audience.

본 연구에서는 몸의 감각을 통한 트라우마 치유기법인 소매틱 익스피리언싱(Somatic Experiencing®)을 이해하고, 인간이 감각 느낌을 알아차리는 과정에서 신경생리학적으로 어떻게 자율신경계와 연결되어 생존 반응을 하고, 정서적 방출을 하는지, 그리고 몸의 감각을 통해 트라우마를 어떻게 치유할 수 있는지에 대해 고찰하고자 하였다. 이를 위해 피터 레빈의 트라우마 치유의 핵심 개념인 야생동물의 생존 방어적 행동에 대해 알아보았으며, 이것을 바탕으로 신경생리학적 측면에서 논의하였다. 그 결과, 신경생리학적 기반으로 하는 소매틱 익스피리언싱의 신체적 함의를 도출할 수 있었다. 첫째, 트라우마는 기꺼이 경험될 수 있는 것이며, 삶의 자연스럽고 정상적인 일부임을 강조한다. 둘째, 트라우마 치유를 위해서는 뇌의 신피질 개입을 중요하게 다룬다. 신피질 개입을 통해 몸의 감각에 집중하게 하고, 3층 뇌 구조를 통합시킬 수 있다. 셋째, 우리의 정서적 반응과 사회적 관계와 밀접한 관계를 갖는 다미주 신경의 활성화는 안정화를 가져오는 데 중요한 역할을 한다는 것 알 수 있었다.

This study aims to understand Somatic Experiencing® which is a trauma healing technique through the senses of the body, and how humans are neurophysiologically connected to the autonomic nervous system in the process of recognizing the senses and react to survival. I examine whether it has an emotional release and how the trauma can be healed through the senses of the body. To this end, I investigate the survival and defensive behavior of wild animals, which is the core concept of Peter Levin's trauma healing, and discuss in terms of neurophysiology. As a result, I identify the physical implications of somatic experience based on neurophysiology. First, trauma is something that can be experienced willingly and is a natural and normal part of life. Second, for trauma healing, the intervention of the brain's neocortex is important. Through neocortical intervention, it is possible to focus on the body sensations and integrate the three-layered brain structure. Third, activation of the vagus nerve, which is closely related to our emotional response and social relationship, plays an important role in bringing about stabilization.

본 연구의 목적은 21세기 들어 전 세계적으로 널리 확산한 창작 경향으로 컨템퍼러리댄 스 중에서 윌리엄 포사이드의 ｢헤테로토피아(Heterotopia)｣에 나타난 이머시브적 요소 에 관해 비평적으로 접근하는 데 있다. 연구 방법은 문헌 연구의 제한성을 극복하고자 직접 관람과 평론 발표를 비롯하여 다양한 자료를 활용한다. 연구 내용으로는 포스트모 더니즘 시기에 리차드 쉐크너(Richard Schechner)의 환경적 개념이 초기 이머시브 공연 에 어떤 영향을 미쳤는지 논의하는 한편, 무대와 객석에 차이를 제거하는 자크 랑시에르 (Jacque Ranciere)의 개념이 이머시브 공연의 본격적인 확산과 발전에 기여한 바를 조명 한다. 이러한 연구의 결과로는 윌리엄 포사이드(William Forsythe)의 ｢헤테르토피아｣에 나타난 이머시브적인 요소로 공간 해체와 인스톨레이션, 사운드 인스톨레이션, 전통적 테크닉에서 벗어난 움직임, 관객의 적극적이고 주체적인 시선 등을 들 수 있다. 최근 국내 무용계에서 이머시브 요소를 함양한 창작이 늘어가고 있는 상황에서 이러한 연구 접근은 고무적인 영향을 미칠 수 있으리라 본다.

This study aims to critically approach the immersive element in William Forsythe's Heterotopia.. The research method uses a variety of data, including a direct viewing of the performance and criticism presentations, to overcome the limitations of literature research. The research discusses how Richard Schechner's environmental concept influenced early immersive performances in the postmodern period, while highlighting how Jacques Ranciere's concept of eliminating differences between the stage and the auditorium contributed to the full-scale spread and development of immersive performances. Based on this, space dismantling and installation, sound installation, movement away from traditional techniques, and active and subjective gaze of the audience are discussed as immersive elements in William Forsythe's Heterotopia. This study will provide important analytical data to the dance scene of Korea, where the production of dance works utilizing immersive elements has been increasing recently.

본 연구는 사르트르의 실존주의 철학과 에릭슨의 자아정체성 발달이론을 논의하여 초등학교 무용교육의 정당성을 확보하고 그 의미를 살피는 것을 목적으로 한다. 사르트르의 실존주의 관점에 따르면초등학교 무용교육은 아동의 자아실현에 목적을 두고 있다. 이는 내적인 영역을 외적으로 표출시키는신체 표현을 통해 신체 능력을 확장하고 표현 능력을 신장함으로써 자율성과 주체성을 획득할 수 있기때문이다. 그러므로 아동은 신체적 표현활동 과정에서 자아를 발견하고 스스로 실존한다고 인식함으로써 자아정체성을 발달시킬 수 있다. 한편 에릭슨은 개인의 자아정체성은 생물학적인 특성뿐만 아니라유아기 이후 다양한 경험 및 체험을 통한 사회적 영향을 받을 수밖에 없다고 보았다. 따라서 초등학생들이 학교생활을 비롯한 다양한 사회적 영향을 통해 발달한다는 측면에서 보더라도 건강한 자아정체성을 형성하도록 적절한 무용교육이 필요한 것이다. 무용교육을 통해 경험하는 심미성을 바탕으로 자유롭게 사회와 접촉함으로써 성찰적 사고로의 전환뿐만 아니라 자아정체성의 확립에까지 영향을 미칠 수있다. 이처럼 유아기 이후 사회성을 경험하게 되는 초등학교 시기의 무용교육을 체계적으로 받는다면균형적인 발전을 이루게 될 뿐만 아니라, 나아가 아동의 온전한 자아정체성을 이루는데 이바지할 수있을 것이다.

The study examines Sartre's existentialist philosophy and Ericsson's theory of self-identity development in order to understand and advocate the need for elementary school dance education. Movement through the body can develop self-identity. This is because physical expressions that expose the interior to the outside help to autonomy and achieving. By expanding physical abilities and improving expressiveness, a child can develop his or her own identity. Considering that children grow up amid various social influences such as school life, an appropriate dance education is needed to help elementary school students to culture a healthy self-identity. Dance education provides an aesthetic experience for children to come into contact with society, and affects not only reflexive thinking but also self-identity. A proper approach to dance education in the elementary school years, when children experience sociality after infancy, will not only achieve balanced development, but also contribute to the complete self-identity of the child.

본 연구는 정재만류 ｢승무｣의 타령과장을 기호학적으로 접근하여 춤이 가지는 의미를 연구하는 데에 목적이 있다. 연구방법으로 소쉬르의 이항대립, 그레마스의 의미생성모 델, 행동자모델, 기호학적 사변형에 타령과장을 대입하여 연구하였다. 연구의 결과, 이항 대립의 요소들은 완전한 대립이 아닌 서로 상호보완적인 관계임을 찾아낼 수 있었다. ｢승무｣는 계승과정의 역사 속에서 행동자모델이 반복되어 사용된다. 이를 통해 오히려 ｢승무｣의 서사성이 완성되었다. 기호학적 사변형에 내면적 이항대립적 요소를 적용하여 ‘음’, ‘양’만 존재하는 것이 아닌 ‘음이 아닌 것’, 양‘이 아닌 것’의 존재로 해석의 범위를 확장시킬 수 있다. 동작 분석에서 박자와 움직임이 일치하는 반복이 없고, 같은 동작의 경우 좌, 우 방향 변화와 속도가 점점 빨라지는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 타령과장에 내재한 다양한 의미와 춤동작 분석은 또 다른 해석적 연구가 된다는 것에 의의가 있다.

This study conducts a semiotic examination on Taryeonggwajang of Jeong Jaeman's Seungmu. As a research method, I used Saussure's binary opposition, Greimas' meaning generation model, actor model, and semiotic square. I suggests that the elements of binary opposition are not complete oppositions but are mutually complementary. Seungmu repeatedly uses the actor model in the succession process. In that, the narrative nature of Seungmu is completed. By applying the internal binary opposition elements to the semiotic square, I could expand the scope to the existence of 'non-yin' and 'non-yang' rather than just 'yin' and 'yang'. In the movement analysis, I illuminate that there is no repetition where the beat and movement match, and in the case of the same movement, the movement changes to the left and right direction and the speed of the movement gradually increase. In this way, the analysis of the various meanings and dance movements inherent in Taryeonggwajang could be another interpretive study.

이 연구의 목적은 ‘상상 공간의 춤 그림’과 ‘풍속 공간의 춤 그림’으로 조선시대 춤 문화를 파악하는 것이다. 도상연구와 문헌연구 방법을 이용했고, 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 춤 공연자는 선녀부터 종교인인 스님과 무당, 예인인 기녀와 사당패, 무동을 비롯하여 양반, 농부까지 다양했다. 둘째, 춤의 배경은 주로 잔치였으나 길거리, 자연 속, 노동의 현장도 있었다. 셋째, 춤 무대는 야외에 돗자리를 깔아 마련했다. 넷째, 춤 종류는 검무ㆍ무고ㆍ승무(법고춤)를 기녀가 추었고, 나비춤(광쇠춤)ㆍ바라춤ㆍ법고춤 은 스님이 추었으며, 소고춤ㆍ수건춤ㆍ맨손춤ㆍ부채춤ㆍ무동춤ㆍ탈춤은 광대패가 춤 추었다. 지전춤은 무당이 추었으며, 양반이 기녀와 춤추기도 했다. 다섯째, 춤 대형은 주로 2인무였다. 여섯째, 그림 속에 춤이 풍성한 이유는 조선인이 춤이 즐기고 살았으며, 인생의 흥겨운 순간을 기억할 때 춤이 유용한 상징으로 작용했기 때문이다. 연구의 의의는 조선 민간의 풍성한 춤 문화를 그림으로 확인한 것이다.

This study aims to understand the dance culture of the Joseon Dynasty through ‘dance paintings of imagined space’ and ‘dance paintings of folk space’. I used the methods of iconography and literature research. The results of the study are as follows. First, the performers of the dance were diverse, ranging from fairies to religious monks and shamans, entertainers such as gisaeng and sadangpae, dancers, noblemen, and farmers. Second, the background of the dance was mainly a feast. Third, the dance stage was set up outdoors with mats. Fourth, the types of dance were diverse. Fifth, the dance formation was mainly a duet. Sixth, the reason why the dance paintings were abundant is because the Joseon people enjoyed dancing, and dance was a very useful symbol when expressing exciting moments in life. The significance of the study is that the rich dance culture of the Joseon people was confirmed through paintings.

본 연구는 현대무용전공 대학생을 대상으로 회복탄력성이 무용공연자신감에 미치는 영향과 그 과정에서 심리적 행복감의 매개효과를 검증하는 데 목적이 있다. 전국에 소재한 현대무용전공 대학생 154명을 대상으로 비확률 표본추출을 통해 자료를 수집하 였으며, 온라인 설문을 활용하여 분석을 진행하였다. 수집된 자료는 요인분석과 신뢰도 분석을 통해 타당성과 신뢰성을 검증한 후, 다중회귀분석과 Baron과 Kenny(1986)의 매개회귀분석 절차를 적용하여 변수 간 관계를 분석하였다. 분석 결과, 회복탄력성은 무용공연자신감에 유의미한 정적 영향을 미쳤으며, 심리적 행복감은 이 관계에서 매개역 할을 하는 것으로 나타났다.

This study examined examine the effect of resilience on dance performance confidence of university students majoring in modern dance and to investigate the mediating role of psychological well-being in this relationship. Data were collected from 154 modern dance majors across Korea using a non-probability sampling method, and an online survey was employed for analysis. The validity and reliability of the collected data were confirmed through factor and reliability analyses, followed by multiple regression analysis and mediation analysis based on the procedure proposed by Baron and Kenny (1986). The results indicated that resilience had a significant positive effect on dance performance confidence, and that psychological well-being was found to mediate this relationship.

본 연구는 발레전공 직업 무용수의 직무자율성이 직무만족, 조직몰입에 미치는 영향 관계에서 워라밸 인식의 조절효과를 살펴보는 데 목적이 있다. 이러한 목적을 달성하기 위하여 서울/경기지역 등에서 거주하는 발레전공 직업 무용수(정규직/프리랜서/임시직/ 파트타임) 151명을 대상으로 설문조사(2024년 4-6월)를 실시하였다. 수집된 데이터는 SmartPLS 프로그램을 이용하여 구조방정식 모형분석을 실시했다. 연구 결과, 발레전공 직업 무용수의 직무자율성이 직무만족, 직무자율성이 조직몰입에, 직무만족이 조직몰입 에 통계적으로 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 분석되었다. 단, 발레전공 직업 무용수의 워라밸 인식이 직무만족에 통계적으로 유의한 정(+)의 영향을 미치지만, 발레 전공 직업 무용수의 워라밸 인식은 직무자율성과 직무만족 간의 관계에서 부(-)의 방향으 로 조절하는 것으로 분석되었다. 이를 통하여 발레 전공 직업무용수는 조직내 자율권에 대한 요구가 높지만, 이와 동시에 워라밸에 대한 요구 또한 함께 높아질 경우 직무만족에 부정적 영향을 미칠 수 있음을 시사하는 것으로 나타났다.

This study aims to examine the moderating effect of work-life balance perception on the relationship between job autonomy, job satisfaction, and organizational commitment among professional ballet dancers. To achieve this goal, a survey (April - June 2024) was conducted among 151 professional ballet dancers (employed, freelance, temporary, and part-time) residing in Seoul and Gyeonggi Province. The results (PLS SEM) reveal that job autonomy has a statistically significant positive impact on both job satisfaction and organizational commitment, and that job satisfaction, in turn, positively affects organizational commitment. However, while work-life balance perception has a statistically positive effect on job satisfaction, it negatively moderates the relationship between job autonomy and job satisfaction. These findings suggest that although professional ballet dancers place high value on autonomy within their organizations, their demand for work-life balance may, paradoxically, detract from job satisfaction when both autonomy and work-life balance are highly prioritized.