Earticle

본 연구는 현대무용전공 대학생을 대상으로 회복탄력성이 무용공연자신감에 미치는 영향과 그 과정에서 심리적 행복감의 매개효과를 검증하는 데 목적이 있다. 전국에 소재한 현대무용전공 대학생 154명을 대상으로 비확률 표본추출을 통해 자료를 수집하 였으며, 온라인 설문을 활용하여 분석을 진행하였다. 수집된 자료는 요인분석과 신뢰도 분석을 통해 타당성과 신뢰성을 검증한 후, 다중회귀분석과 Baron과 Kenny(1986)의 매개회귀분석 절차를 적용하여 변수 간 관계를 분석하였다. 분석 결과, 회복탄력성은 무용공연자신감에 유의미한 정적 영향을 미쳤으며, 심리적 행복감은 이 관계에서 매개역 할을 하는 것으로 나타났다.

This study examined examine the effect of resilience on dance performance confidence of university students majoring in modern dance and to investigate the mediating role of psychological well-being in this relationship. Data were collected from 154 modern dance majors across Korea using a non-probability sampling method, and an online survey was employed for analysis. The validity and reliability of the collected data were confirmed through factor and reliability analyses, followed by multiple regression analysis and mediation analysis based on the procedure proposed by Baron and Kenny (1986). The results indicated that resilience had a significant positive effect on dance performance confidence, and that psychological well-being was found to mediate this relationship.

본 연구는 2020년부터 2025년까지 국내에서 발표된 재한 무용 전공 유학생 관련 실증연구 를 대상으로 체계적 문헌 고찰(Systematic Literature Review)을 수행하여, 연구 주제의 분포와 변화 양상, 그리고 연구 방법의 유형과 특성을 분석하는 것을 목적으로 한다. 문헌 검색은 NDSL, RISS, KCI, KISS, 국회도서관 학술정보원을 활용하였으며, PRISMA 2020 지침에 따라 선별·분석하였다. Mixed Methods Appraisal Tool(MMAT, 2018)을 적용한 결과, 비무작위 양적 연구가 81.6%, 질적 연구가 2.6%로 나타났으며, 양적 연구 중심의 편중이 확인되었다. 문헌 분석 결과, 재한 무용 전공 유학생의 진로, 대학생활 적응, 심리 경험은 개인 요인에 국한되지 않고 사회문화적 환경과 무용이라는 예술 실천 맥락 속에서 형성되는 과정으로 나타났다. 그러나 기존 연구는 개인 변인 중심으로 다루는 경향이 강해 문화적·교육적 맥락의 통합적 분석에는 한계가 있었다. 본 연구는 재한 무용 전공 유학생 연구의 현황과 한계를 종합적으로 제시하여 향후 무용교육 국제화와 유학생 교육의 질적 향상에 기초 자료를 제공한다는 점에서 의의를 지닌다.

This study conducted a systematic literature review(SLR) of empirical research on international students majoring in dance in Korea published between 2020 and 2025, examining research topic trends and methodological characteristics. Using PRISMA 2020 guidelines and the Mixed Methods Appraisal Tool(MMAT, 2018), the analysis revealed a strong predominance of non-randomized quantitative studies (81.6%) and a limited presence of qualitative research (2.6%). Findings indicated that the career development, university adaptation, and psychological experiences of international dance students were shaped through interactions within sociocultural contexts and the artistic practice of dance, rather than being confined to individual factors. However, existing studies largely adopted an individual-variable-centered approach, with limited integration of cultural and educational contexts. This review provided foundational insights for advancing the internationalization of dance education and improving research quality on international students.

본 연구의 목적은 21세기 들어 전 세계적으로 널리 확산한 창작 경향으로 컨템퍼러리댄 스 중에서 윌리엄 포사이드의 ｢헤테로토피아(Heterotopia)｣에 나타난 이머시브적 요소 에 관해 비평적으로 접근하는 데 있다. 연구 방법은 문헌 연구의 제한성을 극복하고자 직접 관람과 평론 발표를 비롯하여 다양한 자료를 활용한다. 연구 내용으로는 포스트모 더니즘 시기에 리차드 쉐크너(Richard Schechner)의 환경적 개념이 초기 이머시브 공연 에 어떤 영향을 미쳤는지 논의하는 한편, 무대와 객석에 차이를 제거하는 자크 랑시에르 (Jacque Ranciere)의 개념이 이머시브 공연의 본격적인 확산과 발전에 기여한 바를 조명 한다. 이러한 연구의 결과로는 윌리엄 포사이드(William Forsythe)의 ｢헤테르토피아｣에 나타난 이머시브적인 요소로 공간 해체와 인스톨레이션, 사운드 인스톨레이션, 전통적 테크닉에서 벗어난 움직임, 관객의 적극적이고 주체적인 시선 등을 들 수 있다. 최근 국내 무용계에서 이머시브 요소를 함양한 창작이 늘어가고 있는 상황에서 이러한 연구 접근은 고무적인 영향을 미칠 수 있으리라 본다.

This study aims to critically approach the immersive element in William Forsythe's Heterotopia.. The research method uses a variety of data, including a direct viewing of the performance and criticism presentations, to overcome the limitations of literature research. The research discusses how Richard Schechner's environmental concept influenced early immersive performances in the postmodern period, while highlighting how Jacques Ranciere's concept of eliminating differences between the stage and the auditorium contributed to the full-scale spread and development of immersive performances. Based on this, space dismantling and installation, sound installation, movement away from traditional techniques, and active and subjective gaze of the audience are discussed as immersive elements in William Forsythe's Heterotopia. This study will provide important analytical data to the dance scene of Korea, where the production of dance works utilizing immersive elements has been increasing recently.

본 연구는 VR 기술과 무용공연의 융합을 통해 공연 예술의 몰입성과 상호작용성을 강화하는 방식을 분석하고, 이를 기반으로 미래 예술 형식의 가능성을 탐구하는 데 목적이 있다. 연구는 2016년부터 2023년 사이에 발표된 VR 기반 무용공연 중 협업적 특성이 두드러진 5개 사례를 중심으로 진행되었으며, 작품 제작과정과 관련 인터뷰 영상을 심층적으로 분석하는 질적 연구 방법을 사용하였다. 분석대상은 국립현대무용단 의 ｢20▲△｣, 아트프로젝트보라의 ｢동시감각｣, Gilles Jobin의 ｢VR_I｣, Compagnie Kafig의 ｢Pixel｣, Alexander Whitley Dance Company의 ｢Anti-Body｣이다. 연구결과 본 연구는 VR 기술이 무용공연의 창작과정에서 핵심적 도구로 작용할 수 있음을 입증하 며, 기술과 예술 간의 협업을 통해 몰입성과 상호작용성을 강화한 예술적 혁신의 방향성 을 제시한다. 이로써 신체 표현의 확장성, 관객의 능동적 참여, 기술과 예술의 융합 가능성을 심화하여 향후 무용공연 연구와 창작에 기초 자료로 활용될 것으로 기대된다.

This study aims to analyze the characteristics of domestic and international dance performances utilizing VR technology, focusing on immersion and interactivity, and to explore their future potential. To achieve this, five works showcasing prominent collaborative features of VR-based dance performances implemented between 2016 and 2023 were selected for case analysis. The production processes and interviews were thoroughly examined to specify the developmental potential and limitations of VR dance performances. The findings are study highlights the collaboration between VR technology and dance performances as a means to create new artistic forms that enhance immersion and interactivity. It is expected to contribute to the development of specific methodologies that expand the expressive potential of the body and actively engage the audience.

이 연구는 서울무용제의 제도적 변화를 신제도주의 관점에서 통시적으로 분석하여, 이 축제가 국가 문화정책, 예술가 공동체, 사회 담론이 교차하는 제도적 장으로 기능해 왔음을 규명하는 것을 목적으로 한다. 연구는 정책사, 제도사, 인지적 담론의 3중 분석틀 을 통해 축제의 형성, 전환, 정착 단계를 구조화하였다. 분석 결과, 서울무용제의 제도 변화는 규제적, 규범적, 인지적 요인의 상호작용 속에서 진화했다. 특히, 무용계 내부의 비평 담론과 국가 문화정책의 ‘팔길이 원칙’, 그리고 ESG 기반 운영 도입이라는 외생적 압력이 복합적으로 작용하여 제도의 동인이 되었다. 이는 공정성, 투명성, 지속가능성 등의 사회적 가치가 제도의 핵심 규범으로 내재화되는 담론적 제도주의의 실현 과정을 실증적으로 보여준다. 궁극적으로 서울무용제는 행정 효율성 중심의 ‘규제적 제도’에서 사회적 신뢰와 가치를 내면화한 ‘담론적 제도’로 성공적으로 전환되었음을 확인하였다. 이는 한국 예술행정이 효율 합리성 중심에서 사회적 담론 중심의 문화적 합리성으로 이행하는 과정을 보여주는 중요한 전환점으로 평가된다.

This study chronologically analyzes the institutional changes of the Seoul Dance Festival(SDF) using the framework of New Institutionalism to identify the festival’s function as an institutional field where national cultural policy, the artists’ community, and social discourse intersect. The research employs a three-tiered analytical framework policy history, institutional history, and cognitive discourse to structure the festival’s stages of formation, transition, and institutionalization. The analysis reveals that the SDF’s institutional evolution accompanied the complex interplay of regulative, normative, and cognitive factors. Key drivers included internal critical discourse from the dance community, the national cultural policy’s ‘Arm’s Length Principle’, and the exogenous pressure of adopting ESG-based operations. This empirically demonstrates the realization of Discursive Institutionalism, where social values such as fairness, transparency, and sustainability become internalized as institutional norms. Ultimately, the Seoul Dance Festival transitioned from a ‘regulative institution’ focused on administrative efficiency to a ‘discursive institution’ that has internalized social trust and value. This confirms the shift in Korean arts administration from an emphasis on efficiency rationality to a cultural rationality centered on social discourse.

이 연구의 목적은 ‘상상 공간의 춤 그림’과 ‘풍속 공간의 춤 그림’으로 조선시대 춤 문화를 파악하는 것이다. 도상연구와 문헌연구 방법을 이용했고, 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 춤 공연자는 선녀부터 종교인인 스님과 무당, 예인인 기녀와 사당패, 무동을 비롯하여 양반, 농부까지 다양했다. 둘째, 춤의 배경은 주로 잔치였으나 길거리, 자연 속, 노동의 현장도 있었다. 셋째, 춤 무대는 야외에 돗자리를 깔아 마련했다. 넷째, 춤 종류는 검무ㆍ무고ㆍ승무(법고춤)를 기녀가 추었고, 나비춤(광쇠춤)ㆍ바라춤ㆍ법고춤 은 스님이 추었으며, 소고춤ㆍ수건춤ㆍ맨손춤ㆍ부채춤ㆍ무동춤ㆍ탈춤은 광대패가 춤 추었다. 지전춤은 무당이 추었으며, 양반이 기녀와 춤추기도 했다. 다섯째, 춤 대형은 주로 2인무였다. 여섯째, 그림 속에 춤이 풍성한 이유는 조선인이 춤이 즐기고 살았으며, 인생의 흥겨운 순간을 기억할 때 춤이 유용한 상징으로 작용했기 때문이다. 연구의 의의는 조선 민간의 풍성한 춤 문화를 그림으로 확인한 것이다.

This study aims to understand the dance culture of the Joseon Dynasty through ‘dance paintings of imagined space’ and ‘dance paintings of folk space’. I used the methods of iconography and literature research. The results of the study are as follows. First, the performers of the dance were diverse, ranging from fairies to religious monks and shamans, entertainers such as gisaeng and sadangpae, dancers, noblemen, and farmers. Second, the background of the dance was mainly a feast. Third, the dance stage was set up outdoors with mats. Fourth, the types of dance were diverse. Fifth, the dance formation was mainly a duet. Sixth, the reason why the dance paintings were abundant is because the Joseon people enjoyed dancing, and dance was a very useful symbol when expressing exciting moments in life. The significance of the study is that the rich dance culture of the Joseon people was confirmed through paintings.

본 연구의 목적은 AI와 함께하는 무용 예술작업에서 현장 작업자들이 마주할 수 있는 윤리적 상황에 관한 탐구로, 그중에서도 무용가의 ‘몸 소외’상황에 집중하여 고찰하는 것이다. 연구는 AI와 몸 소외에 관련한 논문과 서적, 기사 등의 문헌연구와 실제 현장에서 관련 작업을 경험한 공학자, 무용수가 각각 참여한 반 구조화된 일대일 전화인터뷰, 안무가가 참여한 구조화된 일대일 서면 인터뷰 각 1회를 중심으로 진행하였다. 그 결과 ‘AI 학습을 위해 도구화된 인간의 몸’과 ‘인간과 AI의 수행 능력 차이로 인한 몸 소외’, ‘자본 및 권력에 의한 몸 소외’의 몸 소외가 나타날 수 있는 상황 및 유형을 발견하였다. 이때 나타날 수 있는 몸 소외는 초상권과 지적 재산권, 저작권의 문제뿐만 아니라 개인의 프라이버시와 노동 소외, 심리적 소외, 생물학적 소외 등이다. 본 연구가 AI를 활용한 무용 예술의 작업현장에서 고려해야 하는 윤리적 요소를 살펴본 기초 연구물로서 다양하게 활용되기를 기대한다.

The purpose of this study is to explore the ethical situations that field workers can face in dance art work with AI, especially focusing on the 'body alienation' situation of dancers. The study focused on literature research on AI and body alienation, semi-structured one-on-one phone interviews involving engineers and dancers who have experienced related work in the actual field, and structured one-on-one written interviews involving choreographers. As a result, we discovered situations and types of body alienation that can occur, such as ‘human body instrumentalized for AI learning’, ‘body alienation due to differences in performance capabilities between humans and AI’, and ‘body alienation due to capital and power’. The body alienation that can occur at this time includes not only issues of portrait rights, intellectual property rights, and copyright, but also personal privacy, labor alienation, psychological alienation, and biological alienation. It is expected that this study will be used in various ways as a basic study examining ethical factors that should be considered in the workplace of dance art using AI.

본 연구에서는 몸의 감각을 통한 트라우마 치유기법인 소매틱 익스피리언싱(Somatic Experiencing®)을 이해하고, 인간이 감각 느낌을 알아차리는 과정에서 신경생리학적으로 어떻게 자율신경계와 연결되어 생존 반응을 하고, 정서적 방출을 하는지, 그리고 몸의 감각을 통해 트라우마를 어떻게 치유할 수 있는지에 대해 고찰하고자 하였다. 이를 위해 피터 레빈의 트라우마 치유의 핵심 개념인 야생동물의 생존 방어적 행동에 대해 알아보았으며, 이것을 바탕으로 신경생리학적 측면에서 논의하였다. 그 결과, 신경생리학적 기반으로 하는 소매틱 익스피리언싱의 신체적 함의를 도출할 수 있었다. 첫째, 트라우마는 기꺼이 경험될 수 있는 것이며, 삶의 자연스럽고 정상적인 일부임을 강조한다. 둘째, 트라우마 치유를 위해서는 뇌의 신피질 개입을 중요하게 다룬다. 신피질 개입을 통해 몸의 감각에 집중하게 하고, 3층 뇌 구조를 통합시킬 수 있다. 셋째, 우리의 정서적 반응과 사회적 관계와 밀접한 관계를 갖는 다미주 신경의 활성화는 안정화를 가져오는 데 중요한 역할을 한다는 것 알 수 있었다.

This study aims to understand Somatic Experiencing® which is a trauma healing technique through the senses of the body, and how humans are neurophysiologically connected to the autonomic nervous system in the process of recognizing the senses and react to survival. I examine whether it has an emotional release and how the trauma can be healed through the senses of the body. To this end, I investigate the survival and defensive behavior of wild animals, which is the core concept of Peter Levin's trauma healing, and discuss in terms of neurophysiology. As a result, I identify the physical implications of somatic experience based on neurophysiology. First, trauma is something that can be experienced willingly and is a natural and normal part of life. Second, for trauma healing, the intervention of the brain's neocortex is important. Through neocortical intervention, it is possible to focus on the body sensations and integrate the three-layered brain structure. Third, activation of the vagus nerve, which is closely related to our emotional response and social relationship, plays an important role in bringing about stabilization.

이 연구는 무용 기록물에 대한 보존, 교환가치, 재현의 윤리를 주요 논제로 두고 무용 NFT의 가능성과 쟁점이 탐색 되었다. 연구방법은 문헌 분석과 사례 조사이다. 논의된 내용은 NFT는 무용 기록의 원본성 보존과 상업성 모두를 확보할 수 있는 ‘대체불가 토큰’으로써 기술적 역량을 지닌다. 특히 NFT는 희소성 측면에서 작품의 미학적 가치를 배가시키며 창작자의 권리 보장과 수익 배분 등, 산업적 잠재력이 크다. 다만 법적 분쟁 위험에 대한 모색이 지속적으로 이루어져야 한다. 결론적으로 NFT는 무용 아카이브 생태 전환의 기회가 될 수 있으며 기록의 공공성과 공유성을 위한 커뮤니티 토큰으로서 효용적 가치가 있다. 따라서 AI와 같은 기술적 발전을 염두에 두고서라도 무용 NFT에 대한 다양한 담론화는 필요하다.

This study explores the possibilities and issues of NFT for dance records, setting preservation, exchange value, and the ethics of representation as its main agenda. The methods are literature analysis and case study. The discussion holds that NFT, as a non-fungible token, has the technical capacity to secure both authenticity preservation in dance documentation and commercial viability. In particular, from the standpoint of scarcity, NFT amplifies the aesthetic value of works and supports creators through rights protection and revenue sharing, indicating considerable industrial potential. However, sustained examination of the risks of legal disputes is required. In conclusion, NFT can provide an opportunity for an ecological transition of dance archives and has utilitarian value as a community token that advances the publicness and shareability of records. Therefore, even with ongoing technological developments such as AI, continued discourse on dance NFT is necessary.

본 연구는 경기도도당굿이 현재 진쇠를 무구로 한 춤에 어떠한 영향을 미쳤는지와 어떤 전승 형태로 발전되고 있는지에 대해 논의고자 한다. 연구방법으로는 선행연구자료분석 과 영상을 분석하였다. 경기도도당굿의 갈래로부터 계승 발전되어 나온 ‘진쇠(꽹과리)’ 를 무구로 사용하는 춤은 이용우, 김숙자의 터벌림춤 , 이동안류 진쇠춤 , 조흥동류 진쇠춤 이 있다. 이 춤들의 기원과 형식, 예술적 특성을 비교·분석하고, 그 뿌리인 경기도도당굿과의 관계성을 고찰하였다. 이용우, 김숙자의 터벌림춤은 실연기반의 주술 적 성격을 띠는 춤이며, 이동안류 진쇠춤 은 예술무용의 정형화로 예술성을 띤다. 조흥 동류 진쇠춤 은 창작 공연 예술화의 작업으로 생겨났다. 이는 춤 속에 내재된 원형이 풍부한 자원이 되어 후대에 다양한 형태와 의미로 전승되고 발전되는지를 가늠하게 한다. 진쇠춤은 단일한 형식이 아니라, 굿의 기능과 미학, 그리고 계승자의 예술적 선택에 따라 다채롭게 변용될 수 있는 전통예술의 살아 있는 양식이라 할 수 있다.

The purpose of this study is to examine how Gyeonggi-do Dang-gut has influenced contemporary dances that use jinsoe as a prop and to explore the ways in which these dances have developed. As research methods, prior studies were reviewed, and video materials were analyzed. Dances that utilize jinsoe and have been inherited and developed from the lineage of Gyeonggi-do Dang-gut include Lee Yong-woo and Kim Sook-ja’s Turbulim Dance, Lee Dong-an’s Jinsoe Dance, and Jo Heung-dong’s Jinsoe Dance. This study investigates the origins, forms, and artistic characteristics of these dances, as well as their relationship to the roots of Gyeonggi-do Dodang-gut. All of these works employ the rhythmic patterns (jangdan) of Gyeonggi-do Dodang-gut and either transform actions derived from the ritual sequence of gut into performing arts or transmit them through the formalization of artistic works. Jo Heung-dong’s Jinsoe Dance is further identified as a creatively developed work grounded in tradition.