Earticle

본 연구는 무용공연에 협업 되는 다양한 예술장르 중 영상미디어의 역할과 관계를 고찰 하고자 한다. 2004년부터 2015년까지 민간단체인 부리푸리무용단 6개의 작품과 2017년 부터 2022년까지 직업단체인 강원도립무용단의 12편의 작품으로 총 18편의 무용공연에 서 영상이 활용되었던 안무자의 작품을 분석하였다. 영상이 사용된 18개 작품과 작품에 서 사용된 41개의 무비클립을 기록하고, 공연장면을 분석하여 무용과 영상의 관계를 고찰하였다. 본 연구는 18편의 작품에 사용된 영상 클립 전체를 수집 기록하고, 작품 분석을 위해 6편의 선행연구에서 공통적으로 제시된 내용을 바탕으로 영상미디어의 사용 목적과 방법을 무대, 무용수, 관객의 관점에서 구분할 수 있는 12가지 표현방법을 제시하였다. 12개의 세부 항목은 작품 속에서 영상의 사용 목적과 특성을 구분할 수 있는 기준이 된다. 결과적으로 이번 연구에서 밝혀진 무용공연과 영상의 관계에서 가장 중요한 기준점은 결국 안무자의 안무 의도이다. 또한 안무자와 영상디자이너의 밀접한 협업은 공연의 작품성을 높일 뿐만 아니라 관객의 관점에서 작품의 이해와 몰입도를 높일 수 있다. 따라서 본 연구는 작품성 높은 무용공연을 만들기 위한 안무자와 영상디자 이너의 20년의 사례를 기록한 연구이다.

This study examines the role and relationship of moving image among various art genres collaborating on dance performances. Six works by the Buripuri Dance Company, a private organization from 2004 to 2015, and 12 works by the Gangwon Provincial Dance Company, a professional organization, from 2017 to 2022, were analyzed 41 moving image clips were used in 18 dance performances. In this study, we collect and screen capture shots of 41 moving image clips out of 18 dance performace. We presented 12 expression methods that can distinguish the purpose and use cases of moving images from the perspective of stages, dancers, and audiences based on the contents commonly presented in six previous studies for work analysis. The 12 expression methods can distinguish the purpose and characteristics of the moving images for the dance performance. As a result, the most important reference point in the relationship between dance performances and Moving Images revealed in this study is the choreographer's intention. In addition, close collaboration between choreographers and video designers can not only improve the work's workability but also increase the understanding and immersion of the work from the audience's view. Therefore, this study is a records 20 years of choreographers and Moving image designers to create dance performances with high workmanship.

본 연구는 1990년대 이후 전개된 ‘콜렉티브(Collective)’ 개념과 실천의 사례를 통해 ‘공동’의 예술 생태계를 탐색하는 것에 목적을 둔다. 콜렉티브 예술에서 ‘개인’과 ‘공동’ 은 서로 상호의존적인 관계에 있으며, 다수의 집합은 개인의 특이성이 존재하는 조건이 된다. 본 연구에서 콜렉티브의 개념과 경향을 논의하고, 루앙루파(Ruangrupa)와 스윗앤 텐더 콜라보레이션스(Sweet and Tender Collaborations)의 사례를 통해 콜렉티브의 특성 을 논의했다. 첫째, 탈식민적 공동체의 자립적인 수행이다. 콜렉티브는 동시대 예술의 지배적 담론과 신자유주의의 예술 경향에 저항하는 대안적인 미학을 제시한다. 둘째, 협업의 정치와 윤리이다. 콜렉티브는 협업을 통해 개인의 자원을 타자와 함께 공유하고 자본의 논리가 아닌 다양성과 관대함을 통한 창작의 가능성을 발견하고자 한다. 셋째, 생태계로의 예술적 전환이다. 콜렉티브는 예술 창작의 지속가능한 환경을 구축하는 것에 관심을 둔다. 본고에서 논의한 콜렉티브는 하나의 집합체로 볼 수 있지만, 고정된 집합체 로서가 아닌 예술가들의 수행과 실천, 정치적 행위가 발생하는 장소로 고려할 수 있다.

This study aims to explore 'the common' art ecosystem through the concept and practice of artist collectives which have been developing since the 1990s. 'The individual' and 'the common' are in a mutually dependent relationship, and a collective becomes the condition for the existence of singularity. I examine the concepts and trend of artist collectives in the context of contemporary arts and discuss the characteristics of artist collectives through the case of Ruangrupa and Sweet and Tender Collaborations. First, they emphasize the self-reliant performance of communities. They present an alternative aesthetic that resists the dominant discourse of contemporary arts and neoliberal artistic trends. Second, the main strategy of an artist collective is the collaboration. The members of the collective share their own resources with others and to discover the possibility of arts through diversity and generosity. Third, it is an artistic transition to an ecosystem. Artist collectives focus on building a sustainable environment for artistic creation. In this study, I contend that artist collective can be considered as a place where artists' performances, practices, and political actions occur.

본 연구는 전통춤의 대표라 할 수 있는 승무의 염불 과장의 춤동작을 그레마스 기호학을 통해 연구하였다. 이를 위해 승무의 음양 사상과 윤회사상에서 응축과 표출, 맺음과 풀림의 의소를 도출하여 그레마스 기호학 사변형에 적용하였다. 이에 응축과 표출, 맺음 과 풀림은 대립 관계, 표출과 풀림, 응축과 맺음은 전제(함의) 관계, 맺음과 표출, 응축과 풀림은 모순관계로 응축이 있으면 꼭 표출이 오는 대립만으로 춤을 해석하는 것이 아니 라 응축 후에 풀림이나 맺음으로 진행될 수도 있다는 것을 알 수 있었다. 이러한 의소의 관계를 통하여 춤의 다양한 의미형성과 관계해석이 가능하다는 것을 보여주며 심층 영역적 해석에 용이하여 춤의 내면 즉, 작품의 이해, 연습량 등의 확장성을 통해 표층 영역의 시각적 결과도 달라짐을 알 수 있었다. 이에 본 연구는 승무에 내재 되어있는 다양한 의미를 새로운 방법으로 접근하여 해석하는 것에 의의가 있다.

This study is to analyze the movements of Yeombulgwajang, a section in Seungmu, a Korean traditional dance, from a perspective of Greimas’ semiotics. For the analysis of the study, the movement principles of “contraction and expression” and “tying and untying,” which were derived from the philosophies of Yin-Yang and Reincarnation embedded in Seungmu, were discussed through the idea of Greimas’s semiotic square. The relationships between contraction and expression and between tying and untying are deemed to be confrontational; the relationships between expression and untying and between contraction and tying are regarded as hypothetical; the relationships between tying and expression and between contraction and untying are seemed to be contradictory. The meanings of the dance may be formed and interpreted diversely based on the various combinations of these elements. The study contributes to demonstrating a new way of interpreting inherent meanings in Seungmu.

본 연구는 현대무용전공 대학생의 무용표현력 향상을 위하여 APIECE 프로그램을 적용, 그 경험을 탐색하는데 목적이 있다. 무용표현력의 질적 변화를 알아보기 위해 프로그램 참여도와 관심도가 높은 5인을 선정, 심층면담과 경험일지 및 관찰일지 자료를 귀납적 분석방법으로 범주화하였다. 그 결과, 첫째, 현대무용전공 대학생은 관찰된 대상의 상상 력을 통해 자신의 내면적 풍경 즉, 상상을 가시적으로 표현하는 것을 경험하였다. 둘째, 집중력에 의한 지속된 표현과 자기 움직임의 확신 및 공간의 시각화를 통해 표현성에 내재된 신체는 본질적으로 표현적이라는 것을 경험하였다. 셋째, 나와 타인의 중심이 이동된 인물에서 신체를 통해 다른 형태로 구성, 변용시키는 것을 경험하였다. 넷째, 자기 인식 단계에 이르는 무용표현력 움직임 특징과 연관되어져, 원형제스처와 심리제스 처를 통해 신체가 정신 태도를 반영함을 경험하였다.

The purpose of this study is to explore the experience of applying the APIECE(Actor’s Body and Psychology, Psychological Gesture, Personal Feeling and Soul, Image Integration and Imagination, Ensemble and Improvise, Character Characterization, Creative Personality, Expression of Dance) program to improve the dance expressiveness of college students majoring in contemporary dance. In order to find out the qualitative change in dance expressiveness, 5 people with a high level of participation and interest in the program were selected, and in-depth interviews, experience diaries, and observation diaries were categorized using an in inductive analysis method. As a result, first, college students majoring in modern dance visually expressed their imagination through the imagination of the observed object. Second, the essence of body expression was explored through continuous expression through concentration, confidence in self-movement, and visualization of space. Third, in a person whose center of gravity between me and others was shifted, the form was composed and transformed through the body. Fourth, in the stage of self-awareness through archetypal gestures and psychological gestures, it was explored that dance expressiveness reflects the body's mental attitude.

본 연구는 락킹댄스의 한국 유입과 전개 양상을 고찰함으로써 한국 스트릿 댄스의 현주 소를 이해하고, 해석하는데 지침이 될 수 있는 기초자료를 제공하는 것에 그 목적이 있다. 이러한 목적을 달성하기 위해 연구 방법으로 총 세 명의 전문가들을 선정하여 반 구조화된 질문지를 통해 전문가인터뷰를 실시하였으며 응답 결과를 질문의 항목별로 범주화하여 주제 분석 및 검토하였다. 그 결과 락킹댄스의 한국 유입은 주로 해외의 영화와 방송, 댄스비디오 같은 영상물을 통해 유입되었고, 이후 국내 대회에 해외 댄서들을 심사위원으로 초청하여 교류가 시작 되면서 본격적으로 유입되었음을 알 수 있다. 이를 시작으로 여러 해외 댄서들을 한국에 워크숍으로 초청하여 오로지 영상물을 보고 춤을 배우던 국내 댄서들이 오리지널 락킹을 접할 수 있게 된 것이다. 그 후 락킹댄스는 국내외 댄서들과의 꾸준한 교류와 워크숍으로 인한 국내 락킹 수업 확대, 락킹댄스 관련 행사 증대 등을 통해 보다 더 발전한 것으로 종합할 수 있다.

The purpose of this study is to provide basic data that can serve as a guideline for understanding and interpreting the current state of Korean street dance by examining the inflow and development of Locking dance in Korea. As research methods, interviews with three Locking experts were conducted and each interviewee’s responses were thematically categorized for the analysis of the study. As a result, Locking dance was introduced to Korean people firstly through video materials such as movies, broadcasts, and dance videos from abroad, and later by inviting well-known dancers from different countries to Korean dance competitions as judges. The introduction to Locking dance in Korean society motivated some Korean dancers to invite, various Locking dancers from across the world to Korea for dance workshops, which gave those who learned Locking dance only by watching videos the opportunity to experience the “original” Locking style. Since then, Locking dance in Korea has been more developed through the steady exchanges between Korea dancers and dancers from other countries. Currently, the number of Locking classes, workshops, and events in Korea has drastically increased.

이 논문은 아도르노의 미메시스 관점에서 ｢살풀이춤｣을 해석하고, 미학적 관점에서 그 논증을 도출하는 데 목적이 있다. 연구 방법은 문헌 탐구의 방법을 사용하였고, 아도르 노의 저서 중 하나인 󰡔미학 이론󰡕(1984)을 중심으로 이론적 지평 연구를 진행, 미학적 접근과 관련된 논문 및 학술지 중심의 연구를 진행하였다. 그 결과, 첫째 아도르노 미메시 스의 의미, 둘째 미학적 연구로서의 살풀이춤, 셋째 아도르노 미메시스를 통한 살풀이춤 으로 분류하여 이론적 지평을 도출하였다. 이 연구는 ｢살풀이춤｣의 예술적 가치성을 더욱 확장하고 더 나아가 다양한 관점에서의 탐구와 분석, 문화적·역사적 중요성의 보존 가치를 계승해 나가고자 하는 연구자의 소박한 바람이 담겨 있다. 그리고 이 연구를 통해 살풀이춤에 대한 지식과 감상이 더욱 발전된 형태로 기여되기를 바란다.

The purpose of this thesis is to interpret Salpuri-chum from the perspective of Adorno's mimesis and derive its argument from an aesthetic point of view. As a research method, a literature search method was used, and theoretical horizon research was conducted centering on 󰡔Aesthetic Theory󰡕 (1984), one of Adorno's books, and research was conducted centering on theses and academic journals related to aesthetic approaches. As a result, the theoretical horizon was derived by classifying firstly the meaning of Adorno mimesis, secondly Salpuri-chum as an aesthetic study, and thirdly Salpuri-chum through Adorno mimesis. This study contains the simple desire of the researcher to further expand the artistic value of Salpuri-chum, explore and analyze it from various perspectives, and inherit the preservation value of cultural and historical importance. And it is hoped that this study will contribute to the knowledge and appreciation of Salpuri-chum in a more developed form.

본 논문은 연구자의 작품 ｢만개(滿開)｣의 주제인 인간의 존재적 정체성이 재탄생하는 ‘내면적 재생’이 어떻게 표현되는지를 분석하는 것에 목적을 둔다. 또한 문헌연구와 실기기반 연구법을 적용하여, 작품의 주제가 어떻게 시각적인 움직임으로 표현되는지를 분석하고자 했다. 작품 ｢만개｣는 구상적 계기가 되었던 과거 스승의 죽음을 통해, 지금 이 순간 ‘살아있음’의 현재가 가장 유일한 인간의 특권임을 역설적으로 강조하는 미래지 향적 의미를 내용으로 한다. 본 연구 결과는 첫째, 실제 경험과 산오구굿의 교차점을 통해 실기와 이론이 결합된 주제의식을 추출했다. 둘째, 주제전달을 위한 본 작품만의 독창적 움직임 기법을 창출했다. 셋째, 각 예술구성요소들이 가진 합의점을 통한 연출기 법을 가지고 주제의 통일적 맥락을 제시했다. 본 연구는 누구나 겪을 수 있는 내적 위기를 안무 작품에 투영하여, 자신의 내면을 응시하는 관점과 존재적 정체성을 성찰하 는 시각을 예술적 가치관으로 실현하는 연구로써 의의가 있다.

The purpose of this study is to analyze how 'inner regeneration', the subject of the researcher's work ｢Full Bloom｣, in which the existential identity of human beings is reborn, is expressed. Using literature research and practice-based research methods, the study focuses on analyzing how the theme of the work is visualized through movements. In response to the death of the researcher’s former teacher, the work ｢Full Bloom｣was created. The work has a future-oriented story that paradoxically emphasizes the feeling of ‘being alive’in the present moment, the privilege that only human beings can have. As a result of this study, first, based on the researcher’s actual experience and“Sanogugut,”the theme of the work that combines practice and theory was extracted. Second, a movement technique unique to this work was created to convey the theme. Third, a unified context of the theme was presented with a directing technique that embraces the consensus of each art component. This study presents a choreographic work that delivers the message of an internal crisis that anyone can experience. The study is important to show that choreography can serve as a medium to express one’s inner self and existential identity as an artistic value.

Choi Eun-hee [Choe Eunhui], a choreographer and educator of the Busan area, has compiled records of her dance life and published them as a book titled 󰡔Choi Eun-hee, a Long Journey of Korean Dance󰡕. This book covers the life of the dancer delivered through personal and historical photos. The book encompasses an introduction, performance pictures, the history of Choi Eun-hee's dance and art world, the author's writings, critiques of her performances, conversations, seminars, interviews, newspaper articles, and performance yearbooks. The writings and yearbooks provide information about the past 40 years of dance history in Busan. It is a work that leaves a great contribution to the study of regional dance history. Principally, as the author intended, “this book is meant to be a record, so it is not a popular book. Rather, I hope that it will be stored in an archive or library.”

베이징 무용 아카데미 학보에서 선정한 『중국의 무용학 연구』(2022)는 중국 무용에 대 한 귀중한 통찰을 제공하는 기념비적인 모음집이다. 이 책은 베이징 무용 아카데미 학보에 서 발췌한 내용을 통해 중국의 무용학 연구 현황과 추세를 종합적으로 살펴본다. 이 책은 무용 교육, 민속 및 고전 무용, 역사, 문화, 학제간 연구, 그리고 유명한 안무가와의 인터뷰 등 다양한 주제를 다룬다. 이 모음집은 베이징 무용 아카데미의 체제 구조와 스타일을 포 함하며, 또한 무용연구에서 ‘중국학파’의 중요성을 보여준다. 이 모음집은 무용학 연구에서 중국적 관점과 국제적인 관점이 모두 필요하다는 것을 강조하며, 중국의 틀이 무용 연구에 어떻게 영향을 미치는지를 탐구한다. 『중국의 무용학 연구』는 중국 무용과 중국 본토의 무용학 연구 변화의 풍경을 이해하는데 유용한 자료이다. 이것은 학자들과 애호가들 사이 의 적극적인 토론과 논의를 촉발하며, 중국어와 영어로 이루어진 무용 커뮤니티 간의 격차를 보완한다.