Earticle

본 연구는 공연 매개 청소년 응용연극의 참여 경험과 생태시민성의 관련성을 ‘사이의 연극·촉매·수정화’의 관점에서 분석하였다. 2023~2024년 S시 5개 중학교에서 실행된 기후환경 토론연극 <기후야 돌아와>와 연계수업 <그린업 플레이>를 대상으로 대본과 실행 자료, 설문, 학생 인터뷰, 연구자 참여 관찰자료를 분석하였다. 분석 결과, 학생들은 현실의 자신과 극중 시민의 역할을 오가며 극적 갈등에 반응하고 토론과 무대 개입에 참여하였다. 이야기와 연기 등 연극적 표현은 관심과 정서적 반응을 불러일으키는 요소로 나타났으며, 일부 학생은 다른 입장과 가치 판단을 고민하거나 기후위기를 자신과 타인의 삶에 연결하여 생각하였다. 세 관점은 하나의 참여 경험에서 중첩되어 나타났다. 이는 공연 매개 응용연극이 다양한 관점과 책임을 숙고하는 경험을 통해 생태시민성의 관계적·윤리적 측면을 탐색할 가능성을 보여 준다.

This qualitative case study examines adolescents’ participation in performance-mediated applied theatre and its relationship to ecological citizenship through three perspectives: theatre of ‘Sa-ee’ (theatre of the in-between), catalyst, and crystallization. It analyzes climate-themed Forum Theatre and related classroom activities conducted at five middle schools in 2023–2024, drawing on scripts, implementation materials, surveys, student interviews, and participant observation. Findings show that students moved between their everyday identities and fictional civic roles, responded to dramatic conflicts, and participated in discussions and theatrical interventions. Theatrical elements, including storytelling and acting, elicited interest and emotional responses. Some students reconsidered different perspectives and values and connected the climate crisis to their own lives and those of others. The three perspectives overlapped within participants’ experiences. These findings suggest that performance-mediated applied theatre can offer opportunities to explore the relational and ethical dimensions of ecological citizenship through reflection on different perspectives and responsibilities.

본 연구는 커뮤니티 기반 퍼포먼스를 참여자 사이에서 관계가 형성되고 지속되는 경험의 과정으로 이해하고 그 구조를 살펴본다. 국내에서 커뮤니티 기반 퍼포먼스는 주로 교육연극과 생활예술의 맥락에서 그 실천의 효과를 중심으로 다루어져 왔으며, 참여 자체가 어떠한 관계적 과정을 거쳐 형성되는지에 대한 탐구는 충분하지 않았다. 이에 본 연구는 감각적 접촉, 행하기와 겪기, 계속성이라는 듀이의 경험 개념을 참여자 사이의 관계 관점에서 다시 읽고, 참여를 마주하기·관계하기·지지하기의 세 차원으로 재구성하였다. 마주하기는 자기 몸과 타자의 현존에 감각이 열리는 참여의 시작이고, 관계하기는 서로의 반응을 겪으며 다음 행위를 바꾸어 가는 상호작용이며, 지지하기는 그 경험의 흔적이 지속되는 과정이다. 나아가 이 틀을 커뮤니티 댄스 실천가 최보결의 ‘춤의학교’에 적용하여 세 차원이 작동하는 양상을 고찰하였다. 본 연구는 참여를 관계적으로 형성되는 하나의 경험으로 바라보는 관점을 제시하고, 세 차원을 커뮤니티 기반 퍼포먼스의 참여를 읽는 분석 틀로 제안하였다는 데 의의가 있다.

This study asks how participation in community-based performance takes shape between people and how that experience continues beyond the immediate event. Korean scholarship has often emphasized educational or social outcomes while paying less attention to the qualitative process of participation itself. Drawing on John Dewey, the study reads experience through interactions among participants and proposes three analytical terms: encountering, relating, and supporting. Encountering refers to the moment when participants become attentive to their own bodies and to the presence of others. Relating refers to the process in which actions and responses begin to alter one another. Supporting concerns what remains afterward, as an experience leaves traces in bodily practice, relationships, and later action. These are not Dewey’s own categories but a reconstruction drawn from his discussions of sensory contact, doing and undergoing, and continuity. The framework is examined through a single exploratory case study of Chum-ui Hakgyo (Dance School), a community dance group in Seoul led by Choi Bo-gyeol, using participant observation, performance recordings, interviews, and documentary materials. The case shows bodily awareness, reciprocal adjustment, and continuity, but also moments when participation stalls. These moments cannot be explained by participants’ attitudes alone; practice conditions and relational scaffolding also matter. The three terms are therefore offered as an analytical vocabulary rather than a universal sequence.

청소년극에서 청소년의 당사자성은 참여의 기회를 늘리는 것만으로 확보되지 않는다. 청소년이 의미 생산 과정에 개입하려면 드라마투르기적 권한이 재편되어야 한다. 청소년이 이 권한을 얼마나 나누어 받는가에 따라 창작에서 맡는 역할과 그 과정에서 얻는 경험이 달라지므로, 이는 교육연극의 주체성 문제와도 맞닿아 있다. 본 연구는 청소년이 드라마투르기적 기능을 수행하는 창작 주체로 참여하는 구조를 ‘청소년 협력 드라마투르기’로 개념화하는 탐색적 연구로, 청소년의 드라마투르기적 역할과 창작 권한에 초점을 둔다. 먼저 청소년극 드라마투르기(분석 개념), 청소년 협력 드라마투르기(구조·실천 개념), 청소년 드라마투르그(수행 주체)를 구분하고, 성인과 청소년 드라마투르그가 연극성과 청소년성이라는 서로 대체할 수 없는 관점을 지닌 채 ‘연대’와 ‘거리’를 유지하는 협력 구조를 제시하였다. 이어 국립어린이청소년극단 ‘청소년17인’이 2025년 [청소년극 창작벨트]의 <여름 모래 정원 괴담>과 <프랙처> 개발 과정에 참여한 사전 과정 9회를 대상으로 워크숍 기록과 창작진 인터뷰를 검토하고 참여자 심층 인터뷰로이를 확인하여, 청소년의 개입이 도달한 권한의 수준을 의견 제시, 창작 반영, 결정 참여로 나누어 분석하였다. 분석 결과, 청소년은 청소년성 검증과 질문하기라는 두 기능을 수행하였으며, <프랙처>에서는 그 개입이 서사의 방향을 바꾸는 창작 반영의 수준까지 이어졌다. 그러나 작품의 기획 방향과 소재를 정하는 결정에는 참여하지 못했고, 경험의 축적, 공공 기관 자원에 대한 의존, 내부 비평의 전달 경로에서도 한계가 확인되었다. 이를 토대로 본 연구는 드라마투르기 권한의 재배치, 지속 가능한 협력 구조, 내부 비평의 전달 통로라는 세 가지 구현 조건을 제시하였다.

In theatre for young Audience, youth epistemic authority cannot be secured simply by expanding opportunities for participation. For youth to intervene in meaning-making, dramaturgical authority must be redistributed; because the way this authority is distributed determines the position youth occupy in the creative process and what they experience there, it is also a question for drama education. This exploratory study conceptualizes a structure in which youth participate as creative subjects performing dramaturgical functions as “collaborative dramaturgy with youth,” focusing on youth's dramaturgical roles and creative authority. It first distinguishes youth-theatre dramaturgy (an analytic concept), collaborative dramaturgy with youth (a structural and practical concept), and the youth dramaturg (the performing subject), and proposes a collaborative model in which adult and youth dramaturgs maintain both solidarity and distance through their irreplaceable perspectives of theatricality and youthness. It then examines the nine pre-production sessions in which “Youth 17” of the National Theater Company for Children and Youth took part in developing Summer Sand Garden Ghost Story and Fracture for the 2025 Youth Theatre Creation Belt, drawing on workshop records and creator interviews checked against in-depth interviews with participants, and analyzes the level of authority youth reached in three tiers: voicing opinions, influencing the work, and sharing decisions. Youth performed two functions, verifying youthness and posing questions, and in Fracture their intervention reached the level of influencing the work by redirecting the narrative. However, they did not take part in decisions on the initial direction and subject matter, and limitations were also found in the accumulation of experience, dependence on public resources, and the absence of channels for internal critique. Based on these findings, the study proposes three conditions: redistributing dramaturgical authority, building a sustainable collaborative structure, and establishing channels for internal critique.

본 연구는 미적 체험을 감각적·정서적 반응이나 작품 감상에 한정하지 않고, 예술적 의미를 이해하고 이를 표현으로 구체화하는 실천적 과정으로 재구성하는 데 목적이 있다. 이를 위해 은유와 환유를 언어적 수사법을 넘어 인간이 대상을 인식하고 의미를 구성하는 사고 원리로 보고, 연극과 교육연극에서 작품과 등장인물을 이해하고 표현하는 과정에 적용하였다. 연구에서는 은유를 유사성과 차이에 근거하여 대상과 인물의 특성, 상황, 욕망, 관계를 파악하는 은유적 이해로, 환유를 파악된 의미를 목소리, 몸짓, 표정, 시선, 거리, 리듬, 공간, 소품, 장면 등의 인접한 표현 요소로 조직하는‘환유적 표현’으로 규정하였다. 이에 따라 미적 체험의 구조를 ‘대상과의 감각적 만남→언어적 해석→은유적 파악→환유적 구성→표현하기·연기하기→성찰적 미적 체험’의 흐름으로 제시하였다. 이 과정에서 은유와 환유는 단순히 순차적으로 작동하는 것이 아니라, 표현이 이해를 수정하고 심화하는 순환적 관계를 형성한다. 특히 연극과 교육연극에서 배우와 학습자는 작품의 내용과 역할의 특성을 해석하고, 가상의 상황을 상상하며, 말과 몸의 표현 요소를 선택·배열하여 장면으로 실현한다. 따라서 미적 체험은 공연 결과나 감상 후의 정서에만 존재하는 것이 아니라 작품 읽기, 역할 이해, 표현 구성, 연기, 성찰에 이르는 전 과정에서 발생한다. 본 연구는 이러한 관점을 통해 미적 체험을 느낌의 경험에서 표현의 과정으로 확장하고, 은유적 이해와 환유적 표현의 결합을 연극적 미적 체험의 핵심 구조로 제안한다.

This study aims to reconceptualize aesthetic experience not merely as a sensory or emotional response to, or appreciation of, an artwork, but as a practical process through which artistic meaning is understood and concretized through expression. To this end, metaphor and metonymy are regarded not simply as rhetorical devices but as fundamental cognitive principles through which human beings perceive objects and construct meaning, and these principles are applied to the processes of understanding and expressing works and characters in theatre and educational drama. Metaphor is defined as “metaphorical understanding,” through which the characteristics, situations, desires, and relationships of an object or character are grasped on the basis of similarity and difference. Metonymy, in contrast, is defined as “metonymic expression,” through which the meanings thus understood are organized into contiguous expressive elements such as voice, gesture, facial expression, gaze, distance, rhythm, space, props, and scenes. On this basis, the structure of aesthetic experience is presented as a process of “sensory encounter with an object → linguistic interpretation → metaphorical understanding → metonymic construction → expression/acting → reflective aesthetic experience.” Within this process, metaphor and metonymy do not operate merely in a linear sequence; rather, they form a cyclical relationship in which expression revises and deepens understanding. In theatre and educational drama, actors and learners interpret the content of a work and the characteristics of a role, imagine fictional situations, and select and organize verbal and bodily elements to realize them in a scene. Aesthetic experience, therefore, occurs not only in the outcome of a performance or in the emotions experienced after appreciation, but throughout the entire process of reading a work, understanding a role, constructing expression, acting, and reflection. From this perspective, the study expands aesthetic experience from an “experience of feeling” to a “process of expression” and proposes the integration of metaphorical understanding and metonymic expression as a core structure of theatrical aesthetic experience.

본 연구의 목적은 생성형 인공지능(Generative Artificial Intelligence: GenAI)과 교육연극을 결합하여 초등학교 고학년 학습자의 영어 표현력을 지원하기 위한 교수·학습 원리를 도출하고, 이를 토대로 생성형 AI 기반 영어연극 교수·학습모형을 제안하는 데 있다. 교육연극과 과정드라마, 제2언어 습득의 산출과 상호작용, 사회문화적 학습이론과 스캐폴딩, AI 챗봇 및 생성형 AI 기반 외국어교육에 관한 국내외 문헌을 분석하였다. 분석 결과 맥락화, 상호작용, 스캐폴딩, 학습자 창작, 수행과 성찰의 다섯 가지 설계 원리를 도출하고, 상황 및 맥락 탐색, AI 지원 영어 표현 탐색, 협력적 대본 창작, 상호작용적 리허설, 창의적 공연, 성찰 및 표현 재구성의 6단계 모형을 제안하였다. 특히 생성형 AI를 완성된 대본의 작성자가 아니라 학습자의 영어 표현을 일시적으로 지원하는 언어적 스캐폴더로 위치시키고, 수업 후반으로 갈수록 지원을 줄이는 ‘AI 지원의 점진적 감소(AI fading)’를 교수 설계 원리로 제안하였다. 영어 표현력은 정확성, 유창성, 표현의 다양성, 상호작용성, 표현성의 다섯 영역으로 개념화하였다. 본 연구는 생성형 AI의 교육적 가치를 AI 산출물의 완성도보다 AI가 지원한 표현이 학습자 자신의 언어로 전환되어 인간 간 상호작용에서 독립적으로 수행되는 과정에서 찾았다는 데 의의가 있다.

This study aimed to derive instructional principles for supporting the English expressive competence of upper-grade elementary school learners by integrating generative artificial intelligence (GenAI) with educational drama and to propose a GenAI-based English drama teaching and learning model. A focused analysis of literature on educational and process drama, second language output and interaction, sociocultural learning and scaffolding, AI chatbots, and GenAI-assisted language education yielded five design principles: contextualization, interaction, scaffolding, learner creation, and performance and reflection. Based on these principles, a six-stage model was developed: (1) exploring situations and contexts, (2) exploring AI-supported English expressions, (3) collaboratively creating a script, (4) conducting interactive rehearsal, (5) performing creatively, and (6) reflecting on and reconstructing expressions. The model positions GenAI not as the author of a completed script but as a temporary linguistic scaffold and proposes the gradual reduction of AI support (AI fading) as an instructional design principle. English expressive competence is conceptualized in five dimensions: accuracy, fluency, variety of expression, interactivity, and expressiveness. The study argues that the educational value of GenAI lies not in the sophistication of AI-generated language itself, but in the process through which AI-supported expressions are understood, selected, modified, and ultimately used independently by learners in human-to-human interaction. As a design and development study, the proposed model requires future empirical validation in elementary school settings.

접근성 드라마투르기는 휠체어석, 음성 해설, 터치 투어 등 장애 관객을 위한 접근성 도구들을 접근성 미학의 차원에서 재고한다. 이는 장애인의 다양한 지각 방식을 작품의 연출적 구성 요소로 전환시켜 접근성의 도구적·보완적 위치를 공연의 구성적 차원으로 이동시킨다. 그러나 이러한 전환에도 불구하고 접근성 드라마투르기는 개별 작품 안에서 구성되어 그 성과가 다른 작품이나 공연 환경으로 곧장 옮겨지기 어렵고, 특정 접근성 요구를 중심에 둘수록 다른 요구가 제한될 수 있다. 이러한 한계가 드러나는 지점이 접근성 충돌이다. 서로 다른 접근성 요구가 충돌하는 순간, 접근성은 하나의 작품 안에 통합될 수 있는 요소가 아니라 관람 환경 전체와 불화하는 조건이 된다. 본고는 이 접근성 충돌을 극복해야 할 결함이 아닌 극장 환경의 조건으로 다시 읽어내기 위해 생태학적 관점을 채택한다. 바즈 커쇼(Baz Kershaw)의 연극 생태학과 케빈 갓킨(Kevin Gotkin)의 접근성 생태학은 접근성 충돌을 극장의 가능성을 축소하는 예외가 아니라 극장의 원초적 활력과 연결된 생태적 조건으로 이해하게 한다. 이때 접근성 충돌은 무엇이 정상적 관람으로 승인되고 무엇이 방해로 배제되어 왔는지를 드러내는 비평적 계기가 된다. 이를 구체화하기 위해 본고는 워크숍 <모르기 연습>을 분석한다. 이 워크숍은 ‘관객 접근성’ 워크숍으로 기획되었으나, 실제 접근성 도구를 학습하거나 접근성 요구들 간의 충돌을 재현하지 않는다. 대신 침묵, 정지, 자리 이탈의 금지와 같은 관람 규범을 낯설게 함으로써 관객이 자신의 판단과 반응을 감각하도록 구성되었다. 본고는 워크숍에서 나타난 규범 이탈을 접근성 충돌 자체의 증거로 일반화하지 않고, 접근 요구가 ‘방해’로 해석될 때 작동하는 규범적 조건을 제한적으로 가시화한 사례로 분석한다. 이를 통해 접근성 드라마투르기의 과제가 접근성 요소의 미적 통합에 있기보다 접근 요구와 접근성 충돌을 방해로 해석하는 관람 규범을 감지하고 재고하며, 그 조정의 책임과 조건을 질문하는 데에도 있다고 주장한다. 나아가 접근성을 특정 관객의 문제로 한정하지 않고 관람 환경을 함께 다시 구성하는 과제로 확장한다.

Access dramaturgy rethinks accessibility tools for disabled audiences—such as wheelchair seating, audio description, and touch tours—through the lens of access aesthetics. By incorporating disabled people’s diverse modes of perception into a work’s dramaturgical composition, it shifts access from an instrumental and supplementary position to a constitutive dimension of performance. Yet access dramaturgy remains closely tied to the aesthetics and production conditions of individual works, requiring recalibration rather than straightforward transfer to other productions or environments; moreover, the consideration and staging of one access need may constrain others. These limitations become most apparent in access clashes. When differing access needs come into conflict, access appears not as an element that can be seamlessly integrated into a single work, but as a condition that comes into friction with the theatrical environment as a whole. Drawing on Baz Kershaw’s theatre ecology and Kevin Gotkin’s access ecology, this article reconsiders access clashes not simply as defects to be overcome, but as ecological conditions that reveal theatre’s relational complexity and the need for ongoing reconfiguration. Access clashes thus become critical occasions for exposing what has been sanctioned as normative spectatorship and what has been excluded as disruption. To develop this argument, this article examines the workshop Practicing Not Knowing. Although designed as a workshop on audience accessibility, it does not reproduce concrete conflicts among differing access requirements. Rather, it unsettles spectatorial norms—such as silence, stillness, and the prohibition of leaving one’s seat—so that participants can become aware of their own judgments and modes of response. This article does not generalize the workshop’s instances of norm deviation as evidence of access clashes themselves. Instead, it analyses the workshop as a case that limitedly renders visible the normative conditions through which access needs come to be interpreted as ‘disruption.’ By analysing the workshop programme and participants’ responses, this article argues that the task of access dramaturgy lies not only in the aesthetic integration of access features, but also in recognising and reconsidering the spectatorial norms that frame access needs and access clashes as disruption, and in questioning the responsibilities and conditions through which they are addressed. It thereby expands access beyond a concern pertaining to particular audiences, positioning it instead as a task of collectively reconfiguring the conditions of spectatorship.

본 연구는 생성형 AI 음악을 활용한 뮤지컬 극작 교육의 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 극작 전공 학생 10명을 대상으로 생성형 AI 음악 플랫폼을 활용한 뮤지컬 극작 워크숍을 실시하고, 서술형 설문과 심층 면담 자료를 중심으로 질적 사례연구를 수행하였다. 이 과정에서 학생들은 AI를 통해 자신의 가사가 음악으로 구현되는 경험을 하면서 일반적인 노래와 극적 기능을 수행하는 뮤지컬 넘버의 차이를 구체적으로 인식하였다. 또한 음절, 리듬, 호흡, 전달력 등을 검토하며 뮤지컬 가사를 ‘부르는 언어’로 이해하고, 극작가에게 음악적 의도를 구체화하고 소통하는 협업 역량이 필요함을 알게 되었다. 무엇보다도 음악을 생성하고 결과를 비교·판단한 뒤 가사와 프롬프트를 수정·재생성하는 과정에서 Kolb의 경험학습과 Schon의 반성적 실천의 가능성을 발견하였다. 이로써 생성형 AI는 전문 작곡가를 대체하는 수단이 아니라 극작 전공 학생들이 자신의 창작물을 음악적으로 경험하고 성찰·수정하도록 돕는 교육적 매개로 활용될 수 있음을 확인하였다.

This study explores the educational potential of generative AI music in musical theatre playwriting education. A qualitative case study was conducted with ten undergraduate playwriting students who participated in a workshop using Suno, a generative AI music platform. Data were collected through open-ended questionnaires and in-depth interviews with four participants. The findings showed that students developed a clearer understanding of the distinction between a “good song” and a musical theatre number that serves the narrative and conveys characters’ emotions. By listening to their own lyrics transformed into music, they identified issues related to syllables, rhythm, breath, and lyrical clarity, and came to understand musical theatre lyrics as language intended to be sung. They also recognized the need for playwrights to articulate musical intentions and communicate with creative collaborators. The process of generating music, evaluating the results, and revising lyrics and prompts was interpreted through Kolb’s experiential learning and Schon’s reflective practice. While AI-generated music did not always reflect students’ intentions, the experience provided opportunities to examine and revise their creative choices. The findings suggest that generative AI music can function as a learning tool for experiencing and revising playwriting in musical form rather than as a substitute for professional composers.

이 연구는 정신장애 당사자들이 주도하는 예술창작집단 ‘미친존재감 프로젝트’가 수행한 2024년 연구 『움직이는 지도』와 2025년 전시-공연 <매드 어사일럼>을 대상으로, 당사자 주도 연구가 공연으로 이어지는 과정을 분석하고 그 방법론적 위상을 어플라이드 씨어터의 논의 속에서 검토하였다. 연구기반연극을 어플라이드 씨어터의 연구지향적 계열로 보고 그 맥락 속에서 ‘연구의 주도권이 누구에게 있는가’를 분석의 출발점으로 삼았다. 연구방법으로는 이들이 공적으로 남긴 경험연구집, 과정기록집, 공연 안내문과 비평을 대상으로 사례분석을 수행하였다. ‘폐쇄병동은 재현될 수 있을까?’라는 화두에서 시작된 2024년 『움직이는 지도』연구는 ‘표현의 장벽’을 문제로 설정하고 당초 도입하려던 일본 ‘베델의 집’의 당사자연구 모델을 일부 수정하고 변용하여 그들만의 연구방법론을 스스로 만들어냈다. 본 연구는 분석결과를 토대로 이들의 방법론을 ‘상호 돌봄 규칙의 루틴화’, ‘재현 대신 흔적 다루기’, ‘바깥에서 안으로 들어가기’, ‘듣기를 역할로 삼기’, ‘표현 수단 미리 정하지 않기’로 구성된 다섯 가지 원리로 범주화하였다. 이듬해 이 워크숍 원리들은 <매드 어사일럼>의 돌봄 규약과 공연 형식, 관객을 ‘친구들’로 부르는 관계로 다시 이어졌다. 연구와 공연이 순환적으로 이어진 이들의 사례는 당사자 참여자의 경험과 이야기를 바탕으로 기획팀과 당사자 참여자가 함께 당사자 주도 연구방법을 모색하고 조정·생성했다는 점, 또한 연구과정에서 고안된 워크숍 방법론이 공연의 형식과 돌봄규약, 관객과의 관계 속에서 다시 실천적으로 수행되었다는 점에서 주목된다. 이 연구는 이를 ‘연구방법의 공연화’를 보여주는 대안적 실천사례로 이해하고, 결론에서는 연구주도권, 워크숍 설계, 접근성 실천과 지원사업에 대한 시사점을 제시하였다.

This study examines how consumer/survivor/ex-patient (c/s/x)-led research becomes performance, and considers the methodological position of this practice within applied theatre. It focuses on Mad Presence Project, an arts collective led by people with psychosocial disabilities in Korea whose members call themselves michin jonjae (‘Mad beings’), and on its 2024 research ‘Moving Map’ and 2025 exhibition-performance ‘Mad Asylum’. Treating research-based theatre as a research-oriented strand of applied theatre, the study takes as its starting point the question of who leads research within that context. Methodologically, it conducts a case analysis of the records the group made public: its experience-research booklet, process record, performance notices and published reviews. Beginning with the question ‘Can the locked psychiatric ward be represented?’, the 2024 research ‘Moving Map’ identified a ‘barrier of expression’ as its central problem, and partly modified and adapted the tōjisha-kenkyū (self-directed research) model of Bethel House in Japan that it had initially planned to adopt, thereby developing a research methodology of its own. Drawing on the analysis, this study categorises this methodology into five principles: routinising rules of mutual care, working with traces rather than representation, moving from outside spaces inward, treating listening as a role, and not fixing the means of expression in advance. The following year, these workshop principles carried over into Mad Asylum’s care protocols, its performance forms and a relationship in which audiences were addressed as ‘friends’. This case, in which research and performance were linked in a circular way, is notable in two respects: grounded in the experiences and stories of participants with lived experience, the planning team and participants explored, adjusted and generated c/s/x-led research methods together; and the workshop methodology devised during the research was enacted anew in practice through the forms of the performance, its care protocols and its relationship with audiences. The study proposes understanding this practice as an alternative instance of ‘performing research methods’, in which research methods are both staged and enacted, and discusses its implications for research leadership, workshop design, access practice and arts funding.