Earticle

본 연구는 브레히트의 서사극 이론을 기반으로 감정이입을 통한 공감 중심으로 운영되어 온 기존 교육 연극의 한계를 비판적으로 검토하고, 교육연극이 나아가야 할 방향을 제안하는 데 목적이 있다. 교육연 극에서 감정이입을 통한 공감은 다른 사람의 고통에 민감하게 반응하게 만들지만, 그것이 곧 비판적 이 해나 구조적 해결로 나아가는 것을 보장하지는 않는다. 교육연극에서 공감으로 치우친 접근은 학생이 사회적 문제를 구조적으로 해석하거나 질문하는 능력을 기르기보다는 정서적 동일시를 통해 임시적 정 화나 간접 체험에만 머무르게 할 수 있다는 점에서 한계가 명확하다. 이에 본 연구는 브레히트 서사극 이론을 교육적으로 재해석하여 교육연극의 방향을 세 가지로 제안하였 다. 첫째, 극 중간에 질문을 제기하여 감정 몰입의 흐름을 일시적으로 차단하고, 학습자가 극의 구성 방 식과 전제된 세계관을 재고하게 만든다. 둘째, 사건을 비판적으로 해석함으로써 연극을 단일한 서사로 수용하는 것이 아니라 그 이면의 사회적 구조와 작동 조건을 탐색하게 한다. 셋째, 참여적 학습-관객 개 념을 통해 학생이 극 중 서사에 개입하고 대안을 구성할 수 있도록 한다. 이를 통해 교육연극은 더 이상 감동과 공감의 체험에 머무르지 않고, 학생이 질문하고 해석하며 개입하는 과정을 통해 인식과 실천이 통합된 교육의 장으로 자리매김할 수 있다. 본 연구의 의의는 다음과 같다. 첫째, 공감 중심 교육연극의 한계를 비판적으로 검토하고, 브레히트의 서 사극 이론을 토대로 교육연극을 재구성할 수 있는 이론적 틀을 제시하였다. 둘째, 감정이입을 통한 인물 이해를 넘어 사회 구조에 대한 인식, 비판적 해석, 참여적 실천으로 나아가는 교육연극의 성격을 명확히 정립하였다. 셋째, 교육연극이 현실 세계에 대한 인식 변화의 계기가 될 수 있음을 밝혔다.

This study aims to critically examine the limitations of conventional educational theatre that has been predominantly driven by empathy through emotional identification and to propose an alternative direction based on Bertolt Brecht's theory of epic theatre. While empathy in educational theatre enables students to respond sensitively to others’ suffering, it does not necessarily lead to critical understanding or structural solutions. An overemphasis on empathetic engagement may confine students to emotional identification and cathartic experiences, limiting their ability to question and interpret social issues critically. To address this, the study reinterprets Brecht's epic theatre theory from an educational perspective and suggests three practical directions for educational theatre. First, by introducing questions in the middle of the performance, emotional immersion is temporarily disrupted, prompting learners to reflect on the play’s narrative structure and underlying worldview. Second, through critical interpretation of events, students are encouraged to explore the underlying social structures and operational conditions rather than accepting the narrative at face value. Third, the concept of the participatory “learning-spectator” empowers students to intervene in the narrative and construct alternatives, transforming them from passive recipients to active agents. Through these proposals, educational theatre can evolve beyond emotional experience and become a space where cognition and action are integrated. This study contributes to establishing an alternative theoretical framework for educational theatre grounded in Brechtian principles, clarifying its potential for fostering structural awareness, critical thinking, and participatory practice.

이 연구의 목적은 미래 교육의 대안으로 대두되고 있는 학교 교육 프로그램인 IB 프로그램과 연계한 이머시브 학교 공연 실행 방안을 제시하기 위함이다. 미래 사회는 새로운 문제를 해결하는 방안을 제시할 수 있는 역량을 강조하고 있으며 2010년대 한국 교육에 등장한 이머시브 교육 역시 관객의 능동적 참여성을 강조함으로써 창작자와 관객의 역할을 수평적 관계로 새롭게 재조명하고 있다. 학교 교육에서도 2018년을 전후로 국내에 확대 적용되고 있는 국제 인증 IB 프로그램이 아동의 주체성(agency)을 목표로 다양한 교과에 서 융합과 초학문적 세계화 주제를 토대로 확산되고 있다. 같은 맥락에서 우리나라 국가 교육과정에 새롭게 도입ㆍ 적용되고 있는 2022 개정교육과정에서도 학습자 주도성을 개정의 방향으로 삼고 있다. 이를 위해 연구 방법으로 한석진(2019)이 제시한 국내 이머시브 공연의 3가지 요소인 환경과 공간, 내러티브와 스토리, 인터랙티비티(상호작용성)를 중심으로 IB 프로그램의 요소를 연계함으로써 학교 교육 내 용과 연계한 학습 결과로써 학교 공연을 실행할 절차와 방안을 탐구하였다. 연구의 실제성을 위하여 K 초등학교 사례 연구를 통하여 이머시브 공연의 3가지 요소들이 IB 프로그램 의 수업 내용으로 학습자 주도적인 수업과 관객의 역할을 구현하도록 설계하는 과정을 거쳤다. 전체적 인 과정은 교사들의 역할 분담, 교과 융합을 통한 관객 참여형 무대 결과물 도출, 몰입형 관람을 위한 장 치 설계 등을 통해 적절성과 실효성을 확인하고자 하였다. 연구 결과로 학생들은 단순 발표회 수준으로 일련화되는 공연 발표에서 나아가 개개인의 삶의 내러티브를 공연 주제와 연관시켜 기술하였다. 개개인의 삶의 영역으로 의미를 확장하는 결과물을 확인할 수 있었다. 이러한 시도는 이머시브 공연 형태가 단순 공연의 영역에서 나아가 학교 교육의 영역과 연계되어 구현 될 수 있음을 시사하고 있으며 수동적인 관객으로서의 학교 공연에서 나아가 학습자 주도형 공연으로의 전환 가능성을 나타낼 수 있으리라 기대한다. 미래 교육의 전환점을 맞이하여 단위 학교 행사 및 구성원 들의 공연 형식에 대한 구성 및 실행과 관련한 새로운 제안이 될 수 있으리라 기대한다.

The purpose of this study is to present a plan for implementing immersive school performances in connection with the IB program, a school education program that is emerging as an alternative to future education. Future society emphasizes the ability to present new problem-solving skills, and immersive education, which appeared in Korean education in the 2010s, also emphasizes the active participation of the audience, reexamining the roles of creators and audiences as a horizontal relationship. In school education, the internationally certified IB program, which has been expanded and applied domestically around 2018, is spreading based on the theme of convergence in various subjects and transdisciplinary globalization with the goal of children's agency. In the same context, it was newly introduced into our country's national curriculum. The 2022 revised curriculum that is being applied also focuses on learner initiative as the direction of revision. To this end, as a research method, the three elements of domestic immersive performance suggested by Seokjin Han (2019), which are environment and space, narrative and story, and interactivity, were linked to the school education content by linking the elements of the IB program. As a learning outcome, procedures and methods for implementing school performances were explored. For the practicality of the study, through a case study of K Elementary School, the three elements of versive performance were designed to implement learner-led classes and the role of the audience as the content of the IB program. The overall process sought to confirm the appropriateness and effectiveness through the division of roles among teachers, derivation of audience-participatory stage results through curriculum convergence, and device design for immersive viewing.As a result of the study, students went beyond the simple presentation of a performance and described their individual life narratives in relation to the theme of the performance. We were able to confirm the results of expanding meaning into individual areas of life.

우리나라에는 춘천인형극제라는 역사와 전통이 깊은 인형극 축제가 있어서 공연 예술계와 시민들에게 큰 역할을 하고 있다. 이 연구에서는 리처드 셰크너의 연행 이론과 연구자의 참여관찰을 통해 2024년 제36회 춘천인형극제의 공연을 분석하고 평가하여 다음과 같은 인형극 감상 교육의 목표를 도출하였다. 첫째, 인형극 공연의 언어 텍스트 층위에서 나타나는 특징을 바탕으로, ‘시대정신에 천착한 현실 톺아보 기’와, ‘관점의 전환과 새로운 해석’을 도출하였다. 둘째, 인형극 공연의 연희 텍스트 층위에서 나타나는 특징을 분석하여, ‘인형과 오브제에 관한 다양한 탐색’과 ‘전통연희의 창조적 계승’을 발견하였다. 셋째, 인형극 공연의 공연 텍스트 층위에서 나타나는 특징을 바탕으로, ‘관객의 공연 주체화’와 ‘공연 감상의 공유’를 도출하였다. 넷째, 인형극 공연의 문화적 컨텍스트 층위에서 나타나는 특징을 분석하여, ‘공연 감상의 태도’와 ‘세계로 뻗어가는 K-인형극’을 발견하였다. 후속 연구에서 우리나라 여러 지역에서 이루어지는 인형극에 어떤 의미나 가치가 있는지를 다양한 방법 론으로 연구하여, 인형극 감상 교육의 내용이나 방법, 평가 등이 구명되고, 인형극 감상 교육의 체계화와 위계화가 조속히 이루어지길 기대한다.

In Korea, a puppet theater with a deep history and tradition called the Chuncheon puppet festival continues, playing a significant role in the performing arts world and citizens. In this study, the following educational goals of appreciation of a puppet theater were derived by analyzing and evaluating the performance of the 36th Chuncheon puppet festival in 2024 through Richard Schechner's performance theory and researcher's participatory observation. First, by analyzing the characteristics that appear at the level of the language text of the puppet festival performance, 'reviewing reality based on the spirit of the times' and 'transition of perspective and new interpretation' were derived. Second, by analyzing the characteristics that appear at the level of the performance text of the puppet festival, 'various exploration of puppets and objects' and 'creative inheritance of traditional performances' were found. Third, by analyzing the characteristics that appear at the level of the performance text of the puppet festival, 'the audience's performance subjectivity' and 'sharing of performance appreciation' were derived. Fourth, by analyzing the characteristics that appear at the cultural context level of the puppet festival performance, 'an attitude of appreciation of a puppet theater' and 'K- puppet theater that extends to the world' were derived. In the follow-up study, it is expected that the contents, methods, and evaluations of puppet theater appreciation education will be identified through follow-up studies by studying the meaning and value of puppet theater festivals in various regions of Korea, and that puppet theater appreciation education will be systematized and hierarchized.

본 연구는 향후 예비예술인들인 공연 전공 학생들이 공연의 현장과 유사한 협업을 경험하며 공연의 종 합예술적인 성격을 교육할 수 있는 협업 수업의 기초자료가 되고자 실제 진행한 창작 뮤지컬 제작 협업 수업을 바탕으로 협업에 대한 예비예술인들의 경험을 탐구해보았다. 협업에 참여한 예비예술인들은 창 작과정의 주관적 기준에 의해 내적으로 자신의 역량과 방향성에 대해 혼란을 겪기도 하고, 전공별 특성 안에서 자신을 구분짓고, 그 차이로 인한 타인의 ‘다름’에서 불편함과 어려움을 느꼈다. 공연제작의 분야 별 팀원들 간의 소통은 물론 전체제작팀과의 긴밀한 의사소통을 위한 여러 의사소통체계를 개설하다 보 니 오히려 혼선을 빚어 소통의 효율성이 떨어지는 어려운 상황을 초래하기도 하였다. 그러나 예비예술인들은 ‘다름’을 용납하며 극복하고자 일하는 과정에서 의지를 가지고 경청하려 노력하 였고, 멘토링 교수나 선배 등 제3자를 통해 객관적 의견과 제작 관련 정보, 지식 등의 조언을 통해 타인을 이해하고, 직면한 상황과 문제를 해결하고자 하였다. 이러한 노력의 과정을 통해 예비예술인들은 협업 이란 첫째, 서로 이해하는 과정을 통해 공동체라는 연대를 깨닫는 과정, 둘째, 분담을 통해 효율성과 시 너지를 만들어 공연을 올리는 과정, 셋째, 예비예술인으로서 전공적 역량과 내면적인 성숙을 성취할 수 있는 기회가 되었다고 그 나름의 의미를 규정지었다.

This study explores the collaborative experiences of performing arts students—future artists—based on an actual collaborative class in which a creative musical production was developed. The aim is to provide foundational data for collaborative education that reflects the integrative nature of performing arts and simulates real-world production environments. Throughout the process, participating students encountered internal confusion regarding their abilities and direction, influenced by the subjective standards inherent in creative work. They often defined themselves by the characteristics of their respective majors and experienced discomfort and difficulty arising from the “differences” of others. Although various communication systems were established to promote smooth interaction among different production teams and the overall team, these systems sometimes led to confusion and reduced communication efficiency. Nevertheless, the students made intentional efforts to listen and understand one another, striving to overcome differences through collaboration. They also sought objective insights and practical knowledge from mentors, professors, and senior students to better understand others and resolve challenges they faced. Through these experiences, the students came to define collaboration as: a process of building solidarity through mutual understanding, a means of enhancing efficiency and generating synergy through the division of roles, and an opportunity to develop both professional competencies and personal growth as future artists.